Escultura neoclásica: arte de estilo griego / romano Traductor traducir

El arte neoclásico fue el estilo artístico dominante en Europa y América a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Incluía la arquitectura neoclásica y la pintura neoclásica, así como las artes plásticas de todo tipo.

Inspirados por los descubrimientos arqueológicos de Pompeya y Herculano y el renacimiento de la arquitectura, los escultores neoclásicos abandonaron la frívola belleza del rococó en favor del orden y la claridad asociados al arte griego y a su contrapartida más joven el arte romano .

El renacimiento neoclasicista comenzó en Roma -una importante parada durante el Grand Tour -, desde donde se extendió hacia el norte, a Francia, Inglaterra, Alemania, Suecia, Rusia y América.

Caracterización general

El clasicismo, o neoclasicismo -una imitación del arte de la antigüedad clásica prevaleció en toda Europa durante los últimos años del siglo XVIII y el primer cuarto del XIX. Este estilo fue defendido por el erudito alemán Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) -en particular en sus dos libros «Reflexiones sobre la pintura y la escultura de los griegos» (1755) e «Historia del arte de la Antigüedad» (1764)- y por el pintor alemán Anton Raphael Mengs (1728-1779); Pero el movimiento también puede considerarse una reacción espontánea contra la extravagancia de los escultores barrocos y rococó (1600-1750).

La imitación de la escultura griega y romana practicada por los neoclásicos fue más absoluta que la de escultores renacentistas como Miguel Ángel (1475-1564). Como al principio no se conocían las obras de las mejores épocas antiguas, se tomaron como modelos supremos las obras de los discípulos de Praxíteles y el arte helenístico en general, con el resultado de que el encanto y la gracia, la suavidad y a veces incluso la sensualidad se convirtieron en grandes deseables .

Aunque las esculturas del Partenón (447-422) y el templo de Aeginet se dieron a conocer a Europa a principios del siglo XIX, en realidad tuvieron muy poca influencia. Bertel Thorvaldsen y otros escultores neoclasicistas posteriores se lisonjeaban de haber logrado una manera más esencialmente griega que Antonio Canova y la generación anterior dándole el nombre de helenismo; pero en realidad toda la producción del neoclasicismo era muy similar.

Como todos los imitadores, el neoclasicista exageró los rasgos de sus prototipos, omitiendo, por ejemplo, el modelado en la medida de lo posible en su búsqueda de la belleza idealizada y generalizada de la Antigüedad. Los objetivos que se fijó fueron la tranquilidad helénica del cuerpo, la impasibilidad clásica del rostro y la sencillez de la composición; pero a veces, rindiendo un último homenaje a la escultura barroca o en un intento frenético de eliminar los fríos encantos del estilo neoclásico, se atrevió a entregarse a una gesticulación extravagante, tanto más evidente y dolorosa cuanto que era impropia de las formas que tomaba prestadas del pasado.

La perspectiva pictórica fue desterrada de los relieves. Los temas cristianos se consideraban menos aptos para la alta expresión artística que los de la mitología y la historia clásicas. En opinión de los teóricos más estrictos, los retratos eran tabú; pero el mecenazgo los exigía, y los artistas tranquilizaban sus conciencias generalizando los rasgos, aproximándolos a los de alguna figura griega o romana, vistiendo las formas con trajes antiguos o desnudos antiguos, o al menos ocultando un poco las vestimentas modernas con un manto de drapeado clásico. Todos los temas eran suprimidos por un sentimentalismo retórico. Sin embargo, incluso el Neoclasicismo tuvo sus méritos, y uno de ellos fue la recuperación parcial de un sentido escultórico en contraste con el pictorialismo barroco.

Para otras escuelas y movimientos estilísticos significativos, véase Movimientos artísticos (a partir del 100 a.C.).

Escultura neoclásica en Italia

El primer gran exponente del estilo en escultura fue un italiano, Antonio Canova (1757-1822), nacido en Possagno, provincia de Treviso, pero que trabajó principalmente en Roma. Matizó el estilo neoclásico con otros rasgos, pero también ejemplificó sus características típicas. El gran parecido de su Perseo con la cabeza de Medusa, en el Vaticano, con el Apolo de Belvedere muestra cómo a veces se permitía reproducciones casi exactas de antigüedades. En otros casos, la relación, aunque evidente, no es tan tangible: por ejemplo, «Cupido y Psique» en el Louvre parece haber sido inspirado por una pintura de un fauno y una ninfa de Herculano.

La concepción de Pauline Bonaparte como Venus Victrix puede ejemplificar su adaptación de los retratos a las figuras clásicas. Al igual que el artista griego Praxíteles, el arte de Canova encarna los estándares neoclásicos de gracia y suavidad. Una de las razones es que estas cualidades estaban en sintonía con su propia personalidad, y de hecho hay una nota más subjetiva en la escultura de Canova que en la obra media de este movimiento. Poseía un sentido de la belleza física, patrimonio inalienable de su raza, que ni siquiera la tiranía del Neoclasicismo pudo embotar por completo.

En resumen, hay más calidez en su obra que en la de sus rivales. La elegancia y la dulzura de muchas de sus obras son ecos del arte rococó. Otra fase de su personalidad queda patente en el cuadro «Hércules y Lichas» de la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma, uno de sus ocasionales y acertados intentos de reproducir los aspectos colosales y contundentes de la Antigüedad. Aquí, como en varios otros casos, el sentido del Barroco era aún lo bastante fuerte como para hacerle elegir un momento fugaz para la representación.

Tampoco era tan indiferente a la naturaleza como exigían los puristas. La mejor prueba de ello son algunos de sus retratos, como Laetitia Bonaparte en Chatsworth, Inglaterra.

Las tendencias modernas hacia la simplificación, la pacificación, la alegoría y el sentimentalismo quedan bien ilustradas por una serie de sus monumentos. En las dos tumbas de los papas Clemente XIV y Clemente XIII, la primera en la iglesia de San Apóstol, la segunda en la basílica de San Pedro, Roma, llevó el tipo barroco de sepulcro a una mayor tranquilidad. Su mausoleo más pretencioso, el monumento a la archiduquesa María Cristina en la iglesia agustiniana de Viena, es un sobrio ejemplo de la tumba dramática francesa del siglo XVIII.

Escultura neoclásica en Dinamarca

El elogiado helenismo de Bertel Thorvaldsen de Copenhague (1770-1844) se manifestó principalmente sólo en una mayor abundancia de temas griegos y en un simbolismo por una mayor corrección y detalle arqueológicos. Tras establecerse en Roma, se convirtió en un esclavo absoluto de la Antigüedad. Era evidente que su respeto por la naturaleza se reduciría al mínimo. Su escultura carece de la impronta de individualidad que Canova supo conservar. Cuando no se ayudaba de ideas ajenas y cuando no reproducía representaciones antiguas, era simple y carente de imaginación, casi hasta la estupidez, y esto no se compensaba con ninguna cualidad emocional. Puede decirse, por supuesto, que deseaba esta simplicidad y esta supresión de las pasiones, porque ambas eran incompatibles con la tranquilidad de la antigüedad; pero si no hubiera tenido un temperamento muy flemático, sin duda habría sufrido tales limitaciones, y en ocasiones y hasta cierto punto, sin duda se habría sacudido estos grilletes. Incluso técnicamente era inferior a Canova.

La principal cualidad estética que le preocupaba era probablemente la composición, y aquí casi siempre era bueno. Basten uno o dos ejemplos. Al igual que el Perseo de Canova, su Jasón con el vellocino de oro (1803) no es más que una transposición del Apolo de Belvedere .

En el friso del triunfo de Alejandro, los jinetes se inspiran en el friso del Partenón y los asiáticos en los bárbaros de la columna de Trajano. Al igual que Canova, era más partidario de la elegancia suave que de lo heroico, y por esta razón es posible que prefiriera los relieves a las estatuas redondas . Pero incluso en sus mejores obras de este estilo, como los famosos tondos alegóricos «Mañana y Noche», no se acercó tanto a la elegancia praxitélica como su rival italiano.

Se acercó más al naturalismo en tres de sus cuatro tondos «Estaciones», quedando el encantador «Primavera» de concepción antigua. Probablemente tradujo sus retratos íntegramente en términos antiguos, siempre que no quedara el menor atisbo de personalidad. Por ejemplo, el conde Potocki en la catedral de Cracovia es un guerrero clásico muy idealizado. Su mejor retrato es quizás la efigie sedente de Pío VII en la tumba de la basílica de San Pedro, un monumento de un tipo más tranquilo utilizado por Canova. En la última parte de su vida se vio obligado a sacrificar un poco sus principios y a rendir tributo al movimiento romántico; pero con su falta de sentimiento histórico estaba aquí fuera de lugar, e incluso en sus mejores estatuas con trajes románticos, como el Maximiliano I ecuestre de la Wittelsbacher Platz de Múnich, no pudo lograr ni conmoción ni vigor.

La escultura neoclásica en Francia

El neoclasicismo francés está representado principalmente por Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) y su discípulo Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Pigalle, que se convirtió en académico a la edad de 30 años, era igualmente experto en la creación tanto de pequeñas piezas de género como de grandiosas esculturas sepulcrales: uno de los más grandes maestros de su tiempo. Su discípulo Houdon ganó el Prix de Rome en 1761 y esculpió muy joven dos obras que afianzaron su reputación: el neoclásico San Bruno (1767, S.Maria degli Angeli) y la figura masculina «de un ecorsche» (1767, Schlossmuseum, Gotha), muy utilizada en las academias de bellas artes para demostrar la anatomía humana. Sin embargo, es más conocido por sus retratos en mármol y bustos-retratos, como Voltaire (1781) Bibliothèque de la Comédie Française, París.

El neoclasicismo se desarrolló especialmente en Francia debido a los ideales revolucionarios de las antiguas repúblicas y a las ideas de Napoleón sobre el Imperio Romano. La dictadura artística de la que gozaron en el pasado hombres como Charles Lebrun pertenecía ahora al artista Jacques-Louis David, que gozaba de una influencia antigua confirmada tanto en la escultura como en su propia esfera. Sin embargo, como los préstamos antiguos estaban teñidos de un indudable «afrancesamiento», nunca fueron tan absolutos como los de Canova y Thorvaldsen.

Un grupo de escultores cultivó la elegancia praxitelesca mostrada por Antoine Denis Chaudet (1763-1810) en su exquisito «Cupido atrapando una mariposa». Pierre Cartellier (1757-1831) puede clasificarse en otro grupo, más austero, que encontró el éxito en la decoración de la arquitectura neoclásica y en otras obras monumentales. Inspirándose, por ejemplo, en una moneda antigua o en una piedra preciosa, realizó un relieve bastante impresionante en su Cuadriga triunfal sobre la puerta central de la columnata de la fachada este del palacio del Louvre . Menos comedido que la mayoría de los neoclásicos, revela en su estatua de Vergneau en Versalles cualidades de retrato que ni siquiera su entusiasmo arqueológico y su traje antiguo pudieron negar por completo.

Algunos escultores se aventuraron a una rebelión más decidida, atreviéndose a estudiar hasta cierto punto la naturaleza y a dotar a sus creaciones de al menos un mínimo de calor. Joseph Chinard de Lyon (1756-1813) conservó gran parte del encanto ligero y grácil del Rococó en los suaves contornos de su escultura favorita de terracota. Sus «Tres Gracias» del Museo de Bellas Artes de Lyon son un ejemplo típico del tratamiento elegante y fantasioso de los temas mitológicos en el siglo XVIII.

Su fama descansaba en los tiernos bustos de mujeres jóvenes. Aunque a veces se ajustó tanto a las normas existentes que las vistió con trajes clásicos, rompió el dogma neoclásico al hacer de ellas verdaderos retratos y, quizá más que nadie de la época, las dotó de una sensibilidad francesa hacia el encanto femenino.

Escultura de la Antigüedad clásica
Escultura griega clásica temprana (500-450 a.C.) Comienzo de la Edad de Oro. Véase El auriga de Delfos (475)
Escultura griega del Alto Clasicismo (450-400 a.C.) Época gloriosa de las estatuas y relieves del Partenón.
Escultura griega clásica tardía (400-323 a.C.) Véanse obras como Afrodita de Cnido y Apolo de Belvedere .
Escultura griega del periodo helenístico (323-27 a.C.) Véanse Venus de Milos y Laocoonte .
Escultura romana en relieve (117-324 d.C.) Véanse fabulosos relieves históricos como los de la Columna de Trajano .

Escultura neoclásica en Alemania y Austria

La tradición naturalista estaba demasiado arraigada en el arte alemán para que el Neoclasicismo pudiera erradicarla, como hizo en otros países.

La transición del Rococó al Neoclasicismo fue personificada por Johann Heinrich Dannecker de Stuttgart (1758-1841). La encantadora «Safo» del Museo de Stuttgart muestra que su educación rococó dejó una agradable huella en toda su obra temprana, tanto en su preferencia por temas que le permitían abordar la figura femenina como en su predilección por formas algo más finas y gráciles que las cultivadas por los neoclasicistas más heroicos.

Al volverse cada vez más neoclásico, aunque a veces se pueden encontrar prototipos antiguos definidos para sus obras, la influencia del arte clásico en él puede buscarse en la fusión de impresiones de varias obras antiguas o, aún menos característicamente, en imitaciones originales del estilo antiguo. Así, su cuadro «La muchacha que llora a su pájaro muerto» (1790), probablemente inspirado en el poema de Catulo sobre Lesbia y el gorrión muerto, respira más el espíritu de la Antigüedad. Su obra más conocida es «Ariadna sobre una pantera» (1810-24, Liebighaus, Fráncfort del Meno). La importancia perdurable de Dannecker radica en su agradable combinación de naturalismo moderado con los antiguos principios del ritmo y la armonía.

Los mejores ejemplos de naturalismo son, como de costumbre, los bustos de retratos. En particular, fue «el mejor» retratista de Schiller. De los varios ejemplos, el más antiguo, en la biblioteca de Weimar, es el más memorable, a pesar de que el cabello está tratado con convencionalismo antiguo.

El principal escultor alemán de la época neoclásica fue Johann Gottfried Schadow, de Berlín (1764-1850). Más que un neoclásico en esencia, Schadow «debería considerarse un representante del periodo neoclásico», ya que, a pesar de la inevitable influencia del estilo rococó de su juventud y del anticuarismo imperante, fue independiente de cualquier movimiento y sólo reconoció como guías la naturaleza y sus propias percepciones. Si hay que clasificarlo dentro de algún movimiento, su naturalismo se ajusta más al rococó.

Lo más cerca que estuvo del neoclasicismo fue en el diseño de la Puerta de Brandemburgo de Berlín y en su última obra, la escultura de mármol, de una doncella reclinada en la Galería Nacional de Berlín.

Quizá los ejemplos más llamativos de su realismo, todos con uniforme militar moderno, sean las estatuas de Federico el Grande en el Landhaus Provincial, Stettin, y de los generales Zieten y von Dessau en el Museo Kaiser Friedrich. Su obra más popular es un grupo de retratos de pie de dos hermanas, las princesas Luisa y Friederike de Prusia , en el palacio de Berlín. En mayor medida que Dannecker, logró una agradable fusión de naturalismo, belleza rococó y elegancia clásica, muy favorecida por la semejanza del traje de moda del Imperio con el de la antigua Roma.

Escultura neoclásica en Inglaterra

Los escultores ingleses de esta época se esforzaron por compensar cierta monotonía provinciana y la frialdad general del estilo neoclásico recurriendo a la retórica con más liberalidad de la que se permitían incluso sus rivales continentales.

Uno de los primeros artistas neoclásicos de Inglaterra que produjo obras neoclásicas con verdadera convicción fue Thomas Banks (1735-1805), creador de la escultura estoica en relieve «La muerte de Germánico» (1774), destacada por el hecho de que en ella la acción se desarrolla paralelamente al plano frontal, según la tradición de la antigüedad romana. Otro neoclasicista que pasó la década de 1760 en Roma fue el escultor retratista Joseph Nollekens (1737-1823). Al igual que Houdon, sentía debilidad por el Barroco, pero llegó a esculpir muchos retratos a la manera romana, particularmente austera.

El primer neoclasicista importante fue John Flaxman (1755-1826), que se distinguió mucho más en el dibujo que en la escultura. Él mismo nunca aprendió a trabajar con éxito el mármol y normalmente modelaba o diseñaba para otros, con poca consideración por el acabado cuidadoso.

Sus tumbas privadas se caracterizan por un intenso sentido de la época. En ellos acostumbraba a dar forma concreta al texto bíblico, y en general tenía más intereses religiosos que el neoclasicista inglés medio. Su famoso Miguel venciendo a Satanás en Petworth House tiene un espíritu curiosamente barroco. Sus monumentos a Nelson en la catedral de San Pablo, Londres, y a Lord Mansfield en la abadía de Westminster son suaves ejemplos de la alegoría ampulosa y sentimental que los ingleses de la época eran aficionados a utilizar en los monumentos públicos.

El sucesor inmediato más famoso de Flaxman fue Sir Francis Chantry (1781-1841). De haber sido un artista mayor, podría haber sido el Shadow inglés, ya que tuvo más éxito con temas realistas, como retratos, que con temas fantásticos o lápidas. Como escultor de bustos fue el maestro más cotizado de la época, pero es dudoso que sus retratos sean mejores que los de Flaxman.

El busto de Walter Scott en la National Portrait Gallery de Londres es típico. George Washington, en la State House de Boston, es un ejemplo característico de sus estatuas-retrato, en las que era famoso por concentrar la atención en la cabeza y dotarla de intelectualidad.

La escultura neoclásica en Austria, Bélgica y España no tiene características especiales y no es tan universalmente importante como para necesitar una consideración aparte.

Escultura neoclásica en América

Periodo inicial (c. 1775-1825)

El rechazo puritano del arte y el estilo de vida ascético de los colonos hicieron que las condiciones en el Nuevo Mundo no fueran propicias para la creación de ningún tipo de escultura hasta mediados del siglo XVIII. (Para una visión general de la vida artística, véase: Arte colonial americano 1670-1800.)

Ya se han mencionado los pocos escultores europeos que recibieron encargos aquí después de esta fecha; pero la producción local ya había comenzado a una escala modesta. La obra de los primeros escultores norteamericanos no pertenecía a ninguna escuela, sino que era el resultado del pobre conglomerado de educación artística que podían haber obtenido en este remoto país a partir de grabados, vaciados o los pocos ejemplares de escultura europea que habían visto. Sin embargo, incluso en Estados Unidos estaban más o menos influidos por el neoclasicismo.

En estos primeros intentos, la escultura americana pasó por una fase que era en algunos aspectos tan «primitiva», como la escultura griega arcaica, o incluso medieval la escultura románica, pero que tenía el encanto de la sinceridad y la diligencia. La figura más destacada de esta primera fase de la escultura estadounidense fue William Rush, de Filadelfia (1756-1833), que se limitó a los materiales de madera y arcilla, y en toda su obra se aprecian claramente las técnicas del escultor de madera. Sus figuras alegóricas femeninas son tan neoclásicas como todo lo demás, pero la técnica del escultor en madera les confiere «un aire rococó» y unos pliegues sobresalientes.

La Ninfa de Schuylkill, tallada en madera para una fuente y conservada para nosotros en una copia de bronce en el parque Fairmount de Filadelfia, demuestra que casi todos estos primeros escultores fueron capaces, gracias a un talento innato, de producir una o dos obras memorables.

La estatua de George Washington en el Independence Hall es un retrato sencillo e impresionante, no estropeado por un contacto demasiado estrecho con el neoclasicismo. Es típica del estilo de Rush, hasta la dificultad que tuvo el escultor para crear una pose fácil.

Periodo tardío (c. 1825-1900)

Con el creciente desarrollo cultural de Estados Unidos llegó el hábito de estudiar en Italia y, como consecuencia, una rendición absoluta al Neoclasicismo. Los principales escultores de la generación posterior a Rush fueron Greenough, Powers y Crawford. Los tres, una vez instalados en Italia, permanecieron allí la mayor parte de su vida, enviando sus encargos a América. Sus actividades se prolongaron hasta bien entrado el siglo XIX, trascendiendo los límites cronológicos pero no estilísticos del Neoclasicismo.

Horatio Greenough de Boston (1805-1852) demuestra su aburrida averagación de la mitología neoclásica en obras como «Cupido atado» del Museo de Boston. Su George Washington sentado se parece a un Zeus fidiano; pero sus defectos son más bien los de la época. El busto de John Quincy Adams en la New-York Historical Society indica que Greenough se debatía aún más que el neoclasicista medio en el retrato.

Hiram Powers (1805-1873) debió gran parte de su fama a la sensación que causaron sus desnudos femeninos en la ignorante América . El ejemplo más famoso es la «Esclava griega», basada en la Venus medicea. En obras como Daniel Webster ante la State House de Boston, logró un retrato algo más fiel que Greenough.

Thomas Crawford de Nueva York (1813-1857) fue más original e inventivo que cualquiera de sus rivales, iniciando una tradición americana de temas para la glorificación nacional. Su legado más interesante es la decoración del Capitolio de Washington. El bronce «Libertad armada», que corona la cúpula, es un concepto de verdadera grandeza, casi inspirado. Aunque su frontón del ala del Senado es una composición inconexa, no pueden olvidarse algunas de las formas individuales, especialmente América, concebida con el mismo elevado talante que Libertad armada, y el jefe indio sentado y abatido. Sus puertas de bronce, creadas para el pórtico este del ala del Senado durante la ampliación del Capitolio de los Estados Unidos a mediados del siglo XIX, que representan los horrores de la guerra y las bendiciones de la paz, fueron otra innovación en nuestro país. Por su sencillez de composición, claridad narrativa, agradable concepción y ejecución de las figuras, representan la obra maestra de Crawford.

El neoclasicismo deja paso al realismo clásico

Las tradiciones escultóricas estadounidenses fueron abordadas más directamente por el prolífico artista Daniel Chester French (1850-1931), conocido por sus enormes obras monumentales públicas, incluida su estatua sedente de mármol de Abraham Lincoln (1920) en el Lincoln Memorial de Washington.

El escultor retratista de Dakota del Sur James Earl Fraser (1876-1953) se inspiró en sus primeros trabajos de escultura arquitectónica neoclásica en la Exposición Universal de Chicago, pero es más conocido por su poderoso realismo fronterizo. Otra realista fue la artista de Massachusetts Anna Hiatt Huntington (1876-1973), conocida por sus estatuas ecuestres y caballos.

Esculturas neoclásicas famosas

He aquí una breve lista de las esculturas neoclásicas más famosas, ordenadas cronológicamente por artista.

Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785)
Madame de Pompadour como Amistad (1753) Louvre, París.
Mercurio atando su talaria (1753) Louvre, París.
Voltaire desnudo (1770-76) Louvre, París.

Etienne-Maurice Falcone (1716-1791)
Bañista (1757) Louvre, París.
Pedro el Grande «Jinete de bronce» (1766-78) San Petersburgo.

Thomas Banks (1735-1805)
Muerte de Germánico (1774) relieve de mármol, Holkham Manor, Norfolk.

Joseph Nollekens (1737-1823)
Venus (1773) J Paul Getty Museum, Los Angeles.

Jean-Antoine Houdon (1741-1828)
Retrato de Voltaire en toga (1778) Museo del Hermitage, San Petersburgo.
Voltaire (1781) Biblioteca de la Comedia Francesa, París.
Diana cazadora (1790) Louvre, París.

Franz Anton von Zauner (1746-1822)
Estatua ecuestre de José II (1795-1806) Josefplatz, Viena.

John Flaxman (1755-1826)
Furia de Atamas (1790) Ickworth, Reino Unido.
San Miguel derrotando a Satán (1819-24) Galería Flaxman, Universidad de California, Londres.

Antonio Canova (1757-1822)
Apolo coronándose (1781) J Paul Getty Museum, Los Angeles.
Teseo y el Minotauro (1781-83), Victoria and Albert Museum, Londres.
Cupido y Psique (1786-93), mármol, Louvre, París.
Perseo y la cabeza de Medusa (1797-1801) Museos Vaticanos, Roma.
Las Tres Gracias (1813-16) Museo del Hermitage, San Petersburgo.

Johann Heinrich von Dannecker (1758-1841)
Safo (1797-1802) Staatsgalerie, Stuttgart.
Ariadna sobre la pantera (1810-24) Liebighaus, Fráncfort del Meno.

Antoine Denis Chaudet (1763-1810)
Cupido atrapando una mariposa (1817, Louvre, París)

Johann Gottfried Schaudet (1764-1850)
Princesas Herederas Luisa y Friederike de Prusia (1797) Berlín.

Bertel Thorvaldsen (1770-1884)
Cupido y Psique (1796-7), Louvre, París.
Jasón con el vellocino de oro (1802-3), Museo Thorvaldsen, Copenhague.
Alejandro Magno entra en Babilonia (1812) Palazzo del Quirinale, Roma.

Horatio Greenough (1805-1852)
George Washington (1840) Smithsonian Museum of American Art.

Thomas Crawford (1813-1857)
Puertas de bronce (1855-1857) Pórtico este del Senado de los Estados Unidos, Washington.

El arte plástico de estilo neoclásico puede verse en algunos de los mejores museos de arte y jardines de esculturas de todo el mundo.