Escultores renacentistas Traductor traducir

Escultura italiana del Renacimiento temprano (c.1400-1490)

El patrocinio de Arte renacentista en Italia deriva principalmente de familias como la Medici en Florencia, los Visconti y Sforza en Milán, la familia Gonzaga en Mantua, el Bentivoglio en Bolonia, el Montefeltro en Urbino, el Malatesta en Rimini y el Este en Ferrara y Módena. En Roma, el patrocinio de la pintura y la escultura era con frecuencia una prioridad papal, como en los tiempos del papa Sixto IV y Julio II. Como pintar Escultura renacentista italiana fue influenciado significativamente por un renacimiento de temas y formas clásicas. La Italia medieval nunca se olvidó tampoco Escultura griega o etrusco y Escultura romana, durante el período 800-1400, pero esta inspiración clásica fue seriamente comprobada por las influencias alemanas, lombardas y francas. Se puede decir que el regreso a las formas antiguas comenzó en la época del escultor de Apulia. Niccola Pisano (c.1206-1278), y aunque varias tradiciones góticas sobrevivieron, típicamente tomaron una forma progresivamente más "clásica".

Escultura renacentista italiana fue muy influenciado por un renacimiento de temas y formas clásicas. La Italia medieval nunca se olvidó tampoco Escultura griega o etrusco y Escultura romana, durante el período 800-1400, pero esta inspiración clásica fue seriamente comprobada por las influencias alemanas, lombardas y francas. Se puede decir que el regreso a las formas antiguas comenzó en la época del escultor de Apulia. Niccola Pisano (c.1206-1278), y aunque varias tradiciones góticas sobrevivieron, típicamente tomaron una forma progresivamente más "clásica".

Otra característica de Renacimiento temprano La escultura era su naturalismo. Esto es evidente por el aumento de temas contemporáneos, así como por el cambio de un tratamiento convencional a un tratamiento más naturalista y realista de proporciones, estructura anatómica, cortinas y perspectiva.

Demanda religiosa y materia

La demanda de escultura durante el quattrocento (Siglo XV) y cinquecento (Siglo XVI) fue principalmente religioso. Los exteriores de las iglesias estaban ornamentados con esculturas, no solo alrededor de los portales, sino que a menudo toda la fachada exterior estaba cubierta de estatuas y relieves. Los interiores de la iglesia estaban llenos de arte de retablo, marquesinas, púlpitos, coros, fuentes bautismales y tabernáculos, así como estatuas individuales de santos y ángeles. Las puertas a menudo estaban fundidas en bronce y decoradas con relieves, mientras que las áreas del coro estaban adornadas con tallas figurativas. Las paredes interiores de las iglesias renacentistas estaban insertadas con tumbas funerarias y sarcófagos, que conmemoraban arzobispos, obispos, generales, políticos y aristócratas.

Las decoraciones escultóricas en forma de estatuas y relieves también se diseñaron para palacios y mansiones seculares, mientras que las plazas y jardines públicos estaban decorados con estatuas, fuentes y jarrones, a menudo creados por los escultores renacentistas más eminentes.

Los temas para la escultura eclesiástica del Renacimiento temprano fueron tomados del Antiguo o Nuevo Testamento de la Biblia, siendo el tema más popular La Virgen con el Niño. Durante el Alto Renacimiento, ella aparecía frecuentemente en compañía de santos. Las historias de la vida de Cristo, de la Virgen, de San Francisco y otros santos, eran tan comunes en la escultura como en la pintura. A medida que se desarrolló el Renacimiento, algunas leyendas eclesiásticas se desarrollaron en un contexto clásico, al igual que numerosas esculturas cívicas seculares. En línea con los valores clásicos, la desnudez era común. Para una breve reseña de la forma humana en la pintura / escultura renacentista, ver: Desnudos femeninos en la historia del arte (Top 20), y también ver Desnudos masculinos en la historia del arte (Top 10).

Materiales y métodos

La escultura renacentista atribuía menos importancia al uso de metales preciosos, como el oro y la plata, que Escultura gótica. Sin embargo, el bronce se convirtió en un material favorito de los escultores renacentistas, no solo por su ductilidad y durabilidad, sino también por su brillo cuando se doraba, y se empleó primero para relieves, luego para estatuas, bustos de retratos y artículos menores. Aun así, la fundición de bronce siguió siendo problemática durante algún tiempo y los primeros bronces no fueron muy pulidos. Los escultores del alto renacimiento superarían estas dificultades durante el siglo XVI.

La creciente demanda de intrincados detalles decorativos en escultura de piedra condujo a un aumento significativo en el uso de mármol y piedra calcárea, como la pietra d ’Istria, y piedra arenisca fina, como la pietra serena. El mármol blanco de Carrara era popular para la escultura monumental, y a menudo se suavizaba con el uso de cera. La escultura de mármol muy coloreada era rara. Mientras tanto, los detalles finos como las alas de los ángeles, el cabello y los adornos de las túnicas generalmente estaban dorados.

El rango de la escultura se amplió considerablemente con una mayor introducción de la terracota, que era un sustituto mucho más barato para el mármol y, cuando esmaltado y cocido, igualmente duradero. La terracota se empleó pronto para retablos, púlpitos y fuentes, ya que también era un tipo de estuco cada vez más barato hecho de polvo de mármol y arena. Tallado en madera tampoco era infrecuente, sino solo en regiones boscosas, de ahí la preeminencia de los talladores de madera del sur de Alemania.

En cuestiones de técnica práctica, como el uso de herramientas e implementos, los escultores renacentistas generalmente siguieron los métodos de los escultores clásicos, aunque había un énfasis mucho mayor en las ayudas gráficas y gráficas. De acuerdo con la filosofía del arte renacentista, " disegno "fue visto como primordial, por lo que los diseños en papel fueron una característica importante del proceso de escultura. De hecho, los estudios preliminares que incorporan modelos de arcilla, cera o madera a veces se desarrollaron hasta el punto en que la ejecución real del trabajo (en bronce o mármol) ser hecho por un aprendiz artesano o experto.

Nota sobre la apreciación de la escultura
Para aprender cómo evaluar a los escultores del Renacimiento temprano y alto, vea: Cómo apreciar la escultura. Para trabajos posteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura moderna.

Escuela de escultura florentina del Renacimiento temprano

Los escultores que trabajaban en la Catedral de Florencia a fines del siglo XIV, especialmente Piero di Giovanni Tedesco, ya estaban creando esculturas naturalistas y combinando temas clásicos con cristianos. Los mejores escultores de principios Renacimiento en Florencia fueron Lorenzo Ghiberti (1378-1455) Donatello (1386-1466) y Nanni di Banco (Murió en 1421).

En muchos sentidos, las obras de Donatello reflejan con mayor precisión el espíritu cambiante de los tiempos. Ya en 1425 su escultura era enfáticamente gótica en tratamiento. Sus estatuas para el Catedral de Florencia, para el Campanile y para Orsan Michele son relativamente poco elegantes y cargados de cortinas: los profetas y evangelistas (excepto San Jorge) son apenas más que retratos de sus propios contemporáneos. Durante el período 1425-1444, Donatello produjo sus mejores esculturas adquiriendo una reputación nacional en el proceso. En su escultura en relieve Donatello demostró perspectiva a través del uso de planos planos en retirada, especialmente en la Fuente para el Baptisterio de Siena. Su realismo anterior ahora fue reemplazado por un clasicismo refinado, como en su bronce estatua David, junto con un notable sentido del drama. Ver: David por Donatello para detalles. Michelozzo Michelozzi (1391-1473) estuvo estrechamente asociado con Donatello durante este tiempo. Un tercer y último período, que se extiende desde 1444 hasta su muerte en 1466, fue testigo del pleno desarrollo de este sentido del drama, generalmente a costa de composiciones exageradas y desequilibradas. Otros dos seguidores de Donatello incluyen: Bernardo Ciuffagni (1385-1456), creador del asentado San Mateo en la Catedral de Florencia; y Agostino di Duccio (1418-1481), creador de las elegantes estatuas de columnas en la fachada de S. Bernardino en Perugia y las esculturas en relieve en S. Francesco en Rimini. Como su tio Luca Della Robbia (1400-1482), Andrea della Robbia (1437-1528) fue un exponente muy distinguido de escultura de terracota, quien se destacó por su Bambino Tondi.

Durante la segunda mitad del siglo XV, la demanda de obras monumentales de mármol y escultura de bronce creció significativamente Las iglesias recibieron retablos esculpidos, púlpitos, tumbas y estatuas, mientras que los palacios seculares fueron decorados con puertas esculpidas, frisos, relieves y bustos de retratos. Los escultores de mármol más talentosos de la época incluyeron a Bernardo Rossellino (1409-1464), Desiderio da Settignano (1428-1464), Antonio Rossellino (1427-1478), Mino da Fiesole (1431-1484), Matteo Civitali (1435-1501) y Benedetto da Majano (1442-1497). Los mejores escultores de bronce fueron Antonio Pollaiuolo (1432-98) y Andrea del Verrocchio (1435-88).

Aunque el Renacimiento Florentino Siendo la fuerza impulsora de la escultura durante el siglo XV, pronto aparecieron otros centros, como Siena, Milán, Venecia y Padua, cada uno de los cuales entrenó a escultores talentosos de estatus e influencia independientes.

Escuela de Escultura Sienés del Renacimiento Temprano

Las tradiciones artísticas diferentes significaron que la escultura gótica perduró más tiempo en Siena que en Florencia. El escultor más distinguido de Siena, Jacopo della Quercia (1371-1438), desarrollado de manera similar a Donatello. Sus primeras obras, como lo ejemplifica la Fonte Gaja (1409-1419), fueron de carácter fuertemente gótico. Después de esto vino un período más clásico y, por último, un período más dramático. La manera gótica temprana de Quercia se reflejó en la obra de Lorenzo Vecchietta (1410-1480), mientras que su manera clásica encontró expresión en las obras de Antonio Federighi (1420-1490). Otros escultores notables de Siena incluyeron al artista de bronce Giacomo Cozzarelli (1453-1515) y Lorenzo di Mariano (muerto en 1534).

Escuela de Escultura Milanesa del Renacimiento Temprano

En Lombardía, como en Siena, las tradiciones góticas se establecieron más firmemente que en Florencia. Hubo una demanda de decoración más elaborada. Entre los escultores eminentes de Milán se encuentran Cristoforo Mantegazza (muerto en 1482), Antonio Mantegazza (muerto en 1495), Giovanni Antonio Amodeo (1447-1522), el virtuoso orfebre y escultor en relieve de terracota Caradosso (1445-1527), Agostino Busti (1480-1548) y Cristoforo Solari llamó "Il Gobbo" (el jorobado) (activo 1489-1520).

Escuela de escultura veneciana del Renacimiento temprano

Si los artistas milaneses buscaban su sustento en Génova, Bérgamo, Brescia y otras ciudades del norte de Italia, los escultores venecianos dominaron en el este. Su influencia se extendió a Istria y Dalmacia, por un lado, a Verona y Brescia y a Rávena, Cesena, Faenza y Ancona. Venecia representaba un gusto por las ricas obras decorativas, notablemente menos banales que las de Milán, más sentimentales que las de Florencia. En esencia, Arte renacentista en Venecia apeló a las emociones placenteras mientras que Milán y Florencia apelaron al intelecto. Escultores venecianos notables incluyen: Bartolommeo Buon , Pietro Lombardo (1435-1515) y Alessandro Leopardi (muerto en 1522).

Otros famosos escultores del Renacimiento temprano

Estos incluyen: Niccolo da Bari, conocido como Niccolo dell ’Arca (1414-1494) de Bolonia; Guido Mazzoni (1450-1518) de Módena, que, como la familia de escultores della Robbia , prefería la terracota a la piedra o el bronce; los escultores anteriores Andrea Ciccione y Antonio di Domenico da Bamboccio (1351-1422) de Nápoles; el dálmata Francesco da Laurana , así como Domenico Gagini y su hijo, Antonio Gagini (1478-1536) de Sicilia. En cuanto a la escultura romana, esto tendría que esperar hasta más tarde. Renacimiento en Roma.

La escultura del Renacimiento italiano temprano está bien representada en las iglesias y edificios públicos de Florencia, Milán, Venecia, Padua y Roma, así como en museos como el Louvre (París), el Museo Nazionale (Florencia); y el Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

Escultura italiana del alto renacimiento y más allá (c.1490-1530)

Durante el Alto renacimiento En Italia, la escultura se hizo mucho menos dominada por la arquitectura y la pintura. A veces incluso dominaba sus artes hermanas. Por ejemplo, la arquitectura se volvió más como una escultura (las pilastras fueron reemplazadas por columnas) mientras que en la pintura, el modelado y la perspectiva, el esquema y la composición reemplazados. El gusto en la escultura también cambió. Los intrincados bajorrelieves decorativos fueron reemplazados en gran medida por el alto relieve y la escultura en la ronda. La nobleza del diseño se volvió menos importante que el modelado, la postura (de brazos y piernas) y el movimiento en las cortinas. El efecto fue muy importante, y aunque se mantuvo la influencia de la escultura clásica, solo ocasionalmente condujo a la reproducción de formas antiguas.

Escultores florentinos del Alto Renacimiento

Los principales escultores en Florencia durante este tiempo incluyeron: Andrea Sansavino (1460-1529), su alumno Francesco di San Gallo (1493-1570), el más influyente Benedetto da Rovezzano (1476-1556), Piero Torrigiano (1472-1522), quien Fue a Inglaterra e hizo la tumba de Enrique VII y la Reina Isabel en la Abadía de Westminster.

En Milán y Pavía, la línea de escultores talentosos terminó con Agostino Busti. En Módena, estuvieron Antonio Begarelli (1479-1565), en Bolonia Alfonso Lombardi de Lucca (1497-1537) y la escultora, Properzia de ’Rossi (1490-1530), y Niccole Pericoli (1485-1550).

En Venecia, el escultor principal fue el florentino Jacopo Sansovino (1486-1570). Sus alumnos, como Tommaso Lombardo , Girolamo Lombardo , Danese Cattaneo y Alessandro Vittoria (1525-1608) continuaron sus tradiciones, aunque con exageración.

Escultores romanos del Alto Renacimiento

Si durante el Renacimiento temprano, Florencia suministró a Roma artistas, los roles se invirtieron durante el Alto Renacimiento, cuando Roma, principalmente a través de Miguel Ángel (1475-1564), influyó en el desarrollo de la escultura en toda Italia.

Miguel Ángel , igualmente famoso como arquitecto, escultor y pintor, fue principalmente un escultor en toda su obra, preocupado sobre todo por la forma humana. Su primer período (aproximadamente 1488-1496) es comparable con el de Donatello, excepto que fue más libre y más clásico. Retrató a la Virgen y al Niño con el mismo grado de dignidad y humanidad que se encuentran en los relieves griegos. Se regocijó en su estudio de la forma humana desnuda en su Batalla de los centauros. Su segundo período (c.1496-1500) demostró aún más su enfoque en el cuerpo humano. Dejando a un lado sus pesadas cortinas, cuán conmovedora es su Piedad, en San Pedro. Qué noble su David. Su estilo final (c.1500-1564), como lo ejemplifica el Moisés (de la tumba de Papa Julio II) y según las figuras de las tumbas Medici, mostraron una mayor armonía de tratamiento. El modelado, la postura, las cortinas y la expresividad de sus esculturas están más equilibradas.

Otros escultores notables del Alto Renacimiento de Roma incluyen: el aspirante a Miguel Ángel Baccio Bandinelli (1487-1559), el joven Bartolommeo Ammanati (1511-1592), Raffaello da Montelupo (1505-1566) y Fra Giovan ’Angelo Montorsoli (1507-1563).

Los escultores de bronce del Alto Renacimiento con sede en Roma incluyen Benvenuto Cellini (1500-1572), creador del magnífico Perseo (1545-54) y el genio flamenco Giambologna (1524-1608) especializada en temas clásicos como Neptuno, The Flying Mercury, La violación de las sabinas , Hércules y Nessus. Giambologna tuvo una gran influencia en una amplia gama de alumnos y artistas contemporáneos. Un buen ejemplo es el escultor de bronce holandés. Adriaen de Vries (1560-1626), que se formó en Italia con Giambologna y trabajó principalmente en Praga y Augsburgo. Uno de los últimos escultores manieristas de Roma, cuya estatua de mármol naturalista de Santa Cecilia llevó a la era barroca y Bernini, fue Stefano Maderno (1576-1636).

Escultura Renacentista En Francia

siglo 15

El Renacimiento tomó una forma única dentro de Italia: fue, en efecto, un renacimiento del espíritu nacional. Sin embargo, en otras naciones fuera de Italia, no fue más que una mezcla de arte italiano con el estilo nacional. Así, en Francia, que había dado origen a los magníficos movimientos de la escultura y la arquitectura románica y gótica, el Renacimiento italiano tuvo un efecto mucho menos revolucionario, aunque sus formas simples y clásicas fueron un reemplazo bienvenido para los bastante cansados estilo gótico. Otro factor importante fue la transformación de los castillos feudales franceses en castillos de placer, lo que provocó numerosas comisiones para la nueva escultura de estilo renacentista en el proceso. Muchos escultores del norte de Italia se mudaron a Francia para satisfacer esta nueva demanda, estableciéndose en Tours, París y Fontainebleau, uniéndose a otros que se habían establecido antes que ellos, como Guido Mazzoni , Girolamo da Fiesole , Girolamo della Robbia y Benedetto da Rovezzano .

La primera escuela de escultura francesa en exhibir la nueva influencia del Renacimiento italiano fue la de Tours. Su representante principal, Michel Colombe (1432-1515), es comparable con los mejores escultores italianos del Renacimiento temprano. Su alivio de San Jorge y el Dragón, esculpido en 1508 para el altar mayor del castillo de Gaillon, se encuentra junto a la obra de Donatello sobre el mismo tema. Otros escultores franceses que trabajaron al estilo italiano incluyeron a Perreal, así como el francés-italiano Antoine Juste (1479-1519) y su hermano Jean Juste (1485-1534).

siglo 16

El estilo de escultura franco-italiano se extendió rápidamente por toda Francia durante la primera mitad del siglo XVI, gracias al vigoroso patrocinio y apoyo de Francois I. Los grandes castillos de Blois, Chambord, Fontainebleau y St Germain fueron restaurados de acuerdo con El nuevo estilo de la escultura florentina renacentista temprana.

El primero Escuela Fontainebleau , patrocinado por el rey Francisco I (gobernado 1515-47) y dirigido por Francesco Primaticcio , fue seguido en la década de 1690 por la menos importante Segunda Escuela de Fontainebleau, apoyada por el Rey Enrique IV (1589-1610) y dirigida por artistas como Ambroise Dubois (1542-1614), Toussaint Dubreuil (1561-1602) y Martin Freminet (1567-1619).

Luego vinieron edificios públicos y casas privadas en Tours, Angers, Orleans, Rouen, Reims y Toulouse, seguidos por iglesias, cuyas puertas, retablos, pantallas de coro y puestos fueron redecorados con relieves renacentistas, frisos y estatuas.

Más tarde, durante la segunda mitad del siglo, la influencia de Catherine de ’Medici sobre la casa de Valois llevó a una mayor influencia italiana sobre el arte francés. La arquitectura gótica ya no determinó las formas estructurales, y la escultura se volvió mucho más independiente. Los tres grandes escultores de la época fueron, Pierre Bontemps (activo a mediados de siglo), Jean Goujon (Activo 1540-1563), y Germain Pilon (1529-1590). El mejor alumno de Pilon fue Barthelemy Prieur (1536-1611).

Otras escuelas de escultura del Renacimiento francés incluyeron la escuela de Toulouse, representada por Nicholas Bachelier , y la escuela de Troyes, ejemplificada por Francois Gentil . Otra fuerte tradición, la escuela de Borgoña, estableció fuertes vínculos artísticos con Carlos I en España.

Escultura del Renacimiento español (1400-1600)

Los primeros escultores renacentistas en España del siglo XV estaban mucho menos avanzados que sus colegas en Italia. De hecho, no es fácil incluso fechar el comienzo de un renacimiento adecuado en la Península Ibérica. Los artistas españoles no tenían ninguno de los mecenas ambiciosos de las artes como la familia Medici de Florencia, o los mecenas papales en Roma. Además, aunque el nuevo estilo renacentista en España se caracterizó por una mayor libertad y naturalismo, los escultores conservaron la mayor parte de su iconografía religiosa tradicional junto con una serie de elementos esenciales góticos.

Durante el Alto Renacimiento (c.1490-1530), numerosos artistas se establecieron en España desde Flandes, Francia e Italia. Estas personas ayudaron a promover el espíritu humanista del Renacimiento, pero generalmente en el contexto de las tradiciones españolas. El francés Philip Vigarny (Felipe Bigarny) (c.1470-1543), trabajó en Burgos, tallando los relieves de alabastro en la catedral. También creó parte de los grandes retablos de las catedrales de Toledo y Palencia. De vez en cuando trabajó junto a Diego de Siloe (ca.1495-1563) y Alonso Berruguete (1488-1561), siendo considerado el más sobrio, naturalista y renacentista de los tres. Diego de Siloe, influyente tanto en Andalucía como en Castilla, se destacó por la Escalera Dorada y el Cristo y la Virgen y el Niño en la Catedral de Burgos. El escultor nativo de Burgos Bartolomé Ordóñez (c.1490-1520) se destacó por sus armoniosos relieves y paneles de mármol, y la tumba de Don Felipe y Doña Juana en la Capilla Real de Granada.

En Palencia, entonces un importante centro cultural, las artes plásticas fueron dirigidas por el escultor gótico Juan de Valmaseda (n. 1490), conocido por el Calvario del retablo de la catedral de Palencia. En Toledo, el principal centro artístico de Nueva Castilla, el estilo renacentista llegó temprano, gracias a Vasco de la Zarza , conocido por la tumba de Don Juan Carrillo de Albornozin en la catedral de Toledo, y la tumba de Don Alonso de Madrigal en la catedral de Ávila. La influencia de Vasco de la Zarza se extendió a Toledo, Ávila y Segovia.

En Andalucía, el Renacimiento se dio cuenta gracias a Jorge Fernández , conocido por varias esculturas de estilo gótico en la Capilla Real de Granada. En Aragón, el Renacimiento se basó en el escultor Gil Morlanes el Viejo , famoso por el retablo de alabastro del monasterio de Montearagón (catedral de Huesca). Otro escultor español importante del siglo XVI fue Damian Forment (1480-1540), conocido por el magnífico retablo de Nuestra Señora del Pilar, el retablo de la catedral de Huesca y el gran retablo del monasterio de Poblet, que trabajó en Valencia y luego en Zaragoza..

El período 1530-1570 fue testigo del punto culminante de la escultura renacentista española. Esta era fue dirigida por el genio. Alonso Berruguete (1488-1561), hijo del pintor Pedro Berruguete (1450-1504) y alumno de Miguel Ángel. Destaca por el retablo de la Mejorada, el retablo de San Benito de Valladolid, los relieves del coro en la catedral de Toledo y la tumba del cardenal Tavera. Uno de los escultores renacentistas franceses más innovadores que trabajaron en España en este momento es el artista borgoñón Juan de Juni (Jean de Joigny) (1507-1577), destacado por la espiritualidad expresiva de sus obras, como el Entierro, conservado en el Museo de Valladolid.

Desde aproximadamente 1570 hasta 1600, vemos el surgimiento del manierismo español bajo escultores españoles como Juan de Anchieta (n. 1540), y artistas extranjeros como los italianos Leone Leoni (1509-1590) y Pompeo Leoni (1533-1608). Combinando Manierismo y Academicismo, su estilo está ejemplificado por las efigies de bronce de la Emperatriz Isabel y Felipe II (Museo del Prado), y los grupos de tallas pertenecientes a las tumbas de Carlos V y Felipe II (Escorial).

Escultura renacentista alemana (c.1450-1600)

Escultores alemanes del siglo XV

La influencia de Claus Sluter (c.1340-1406), ya visible en el trabajo de Hans Multscher en Ulm, se extendió a Renania, Suabia, Franconia y el sur hasta Austria a través de la influencia de Nikolas Gerhaert von Leyden (activo 1462-1473) y sus seguidores. Un apego a la decoración excesiva, un rasgo característico del estilo gótico tardío, impidió la creación de esculturas de piedra monumentales.

Este impulso decorativo, que surgió dentro de una región densamente arbolada, llevó a la talla en madera a convertirse en el medio preferido de los artistas alemanes y se utilizó ampliamente para muebles eclesiásticos (por ejemplo, puestos de coro) y retablos. Los principales talladores de madera alemanes del Renacimiento incluyeron: Jorg Syrlin de Ulm; Gregor Erhart (c.1460-1540) de Ulm y Augsburg); Veit Stoss (c.1447-1533) de Nuremberg, conocido por el Retablo de la Virgen, la iglesia de Santa María en Cracovia, 1486; y Nikolas von Hagenau (registrado 1485-1526) de Estrasburgo. En Nuremberg, Adam Kraft (c.1455-1509), conocido por su tabernáculo en la Iglesia de San Lorenz, demostró toda la habilidad técnica y la exuberancia de la talla en madera, pero en piedra. (Ver: Arte renacentista alemán.)

Aunque hubo una notable relajación en algunas de sus esculturas, a los talladores alemanes les resultó difícil adaptarse a las formas equilibradas del arte renacentista. Figuras destacadas como Veit Stoss , Tilman Riemenschneider (c.1460-1531), Maestro HL . (conocido por el retablo de Breisach), y Hans Backofen (fallecido en 1519) conservaba un fuerte afecto por el estilo gótico tardío. Los exponentes más comprometidos del nuevo estilo renacentista incluyeron al artista de Augsburgo Adolf Daucher (1460-1524); El escultor de Nuremberg Peter Vischer el Viejo (c.1460-1529), conocido por el santuario de San Sebaldus. Más tarde, Peter Vischer el Joven (1487-1528) y el orfebre Peter Flotner (fallecido en 1546) se hicieron cargo de la escultura renacentista a pequeña escala. Mientras tanto, Alexander Colyn de Mechelen (muerto en 1612), conocido por el ala Ottheinrich, introdujo el lenguaje decorativo del Renacimiento flamenco en la ciudad de Heidelberg. Durante la segunda mitad del siglo XVI, el estilo renacentista finalmente comenzó a afianzarse cuando Augsburgo y Múnich se convirtieron en centros del italiano.