Escultores renacentistas Traductor traducir

El mecenazgo del arte renacentista en Italia procedía principalmente de familias como los Médicis en Florencia, los Visconti y los Sforza en Milán, los Gonzaga en Mantua, los Bentivoglio en Bolonia, los Montefeltro en Urbino, los Malatesta en Rímini, los Este en Ferrara y Módena. En Roma, el mecenazgo de la pintura y la escultura fue a menudo una prioridad papal, como en tiempos de los papas Sixto IV y Julio II. Al igual que la pintura, la escultura renacentista italiana estuvo muy influida por la recuperación de temas y formas clásicos. La Italia medieval nunca olvidó la escultura griega, ni la etrusca y romana, en el periodo 800-1400, pero esta inspiración clásica se vio seriamente minada por la influencia alemana, lombarda y franca. En la época del escultor apulense Niccola Pisano (c. 1206-1278) se inició un retorno a las formas antiguas y, aunque sobrevivieron algunas tradiciones góticas, éstas adoptaron por lo general una forma cada vez más «clásica».

Escultura italiana del Renacimiento temprano (c. 1400-1490)

La escultura italiana del Renacimiento estuvo muy influida por la recuperación de temas y formas clásicos. La Italia medieval nunca olvidó la escultura griega, ni la etrusca y romana, en el periodo 800-1400, pero esta inspiración clásica se vio seriamente minada por la influencia alemana, lombarda y franca. Puede decirse que el retorno a las formas antiguas comenzó en tiempos del escultor apulense Niccola Pisano (c. 1206-1278), y aunque sobrevivieron algunas tradiciones góticas, éstas adoptaron por lo general una forma cada vez más «clásica».

Otro rasgo característico de la escultura del Renacimiento temprano fue su naturalismo. Esto se refleja en el aumento del número de temas contemporáneos y en el paso de un tratamiento tradicional a un tratamiento más naturalista y realista de las proporciones, la estructura anatómica, el drapeado y la perspectiva.

Demanda religiosa y temática

La demanda de escultura durante el Quatrocento (siglo XV) y el Cinquecento (siglo XVI) fue principalmente religiosa. Los exteriores de las iglesias se decoraban con esculturas, no sólo alrededor de los portales, sino que a menudo toda la fachada exterior se cubría con estatuas y relieves. Los interiores de las iglesias se llenaban de retablos, baldaquinos, púlpitos, coros, pilas bautismales y sagrarios, y estatuas individuales de santos y ángeles. Las puertas se fundían a menudo en bronce y se decoraban con relieves, y los coros se ornamentaban con tallas figuradas. Las paredes interiores de las iglesias renacentistas estaban decoradas con tumbas funerarias y sarcófagos dedicados a arzobispos, obispos, generales, políticos y aristócratas.

También se crearon decoraciones escultóricas en forma de estatuas y relieves para palacios y mansiones seculares, y las plazas y jardines públicos se adornaron con estatuas, fuentes y jarrones, a menudo creados por los más eminentes escultores renacentistas.

Los temas de las esculturas eclesiásticas del Renacimiento temprano se tomaban del Antiguo o Nuevo Testamento de la Biblia; el tema más popular era la Virgen con el Niño. Durante el Alto Renacimiento, a menudo aparecía rodeada de santos. Las historias de la vida de Cristo, la Virgen, San Francisco y otros santos eran tan comunes en la escultura como en la pintura. A medida que avanzaba el Renacimiento, algunas leyendas eclesiásticas, así como numerosas esculturas cívicas laicas, comenzaron a situarse en fondos clásicos. En consonancia con los valores clásicos, el desnudo era habitual. Para un breve resumen de la forma humana en la pintura y escultura del Renacimiento, véase Desnudos femeninos en la Historia del Arte (Top 20), y véase también Desnudos masculinos en la Historia del Arte (Top 10).

Materiales y métodos

La escultura renacentista dio menos importancia al uso de metales preciosos como el oro y la plata que la escultura gótica . Sin embargo, el bronce se convirtió en el material favorito de los escultores renacentistas -no sólo por su maleabilidad y durabilidad, sino también por su brillo cuando se dora- y se utilizó primero para relieves y después para estatuas, bustos de retratos y pequeños objetos. Sin embargo, la fundición del bronce siguió siendo problemática durante algún tiempo, y los primeros bronces no estaban muy pulidos. Los escultores del Alto Renacimiento superarían estas dificultades en el siglo XVI.

La creciente demanda de intrincados detalles decorativos en la escultura de piedra condujo a un aumento significativo del uso del mármol, así como de la piedra caliza, como la pietra d’Istria, y la arenisca fina, como la pietra serena. Para las esculturas monumentales se utilizaba el mármol blanco de Carrara, cuyo color se suavizaba a menudo con cera. Las esculturas de mármol muy coloreado eran raras. Sin embargo, los detalles finos, como las alas de los ángeles, los cabellos y los ornamentos de las vestiduras, solían dorarse.

La gama de esculturas se amplió enormemente con la introducción de la terracota, que era un sustituto mucho más barato del mármol y, al estar vidriada y cocida, era igual de duradera. La terracota pronto se utilizó para retablos, púlpitos y fuentes, al igual que las molduras, cada vez más baratas, hechas de polvo de mármol y arena. La talla en madera tampoco era infrecuente, pero sólo en zonas boscosas; de ahí el predominio de los tallistas de madera del sur de Alemania.

En cuestiones de técnica práctica, como el uso de herramientas y utensilios, los escultores renacentistas seguían en general los métodos de los escultores clásicos, aunque se daba mucha más importancia a los medios pictóricos y gráficos. De acuerdo con la filosofía de las bellas artes del Renacimiento, «disegno» se consideraba primordial, por lo que los bocetos sobre papel eran una parte importante del proceso de creación de la escultura. De hecho, los bocetos preliminares con modelos de arcilla, cera o madera a veces se perfeccionaban hasta el punto de que la ejecución real de la obra (en bronce o mármol) podía ser realizada por un artesano o un oficial experto.

Para saber cómo evaluar a los escultores del Renacimiento temprano y alto, véase: Cómo evaluar la escultura . Para obras posteriores, véase: Cómo evaluar la escultura moderna .

La escuela florentina de escultura del Renacimiento temprano

Los escultores que trabajaban en la catedral de Florencia a finales del siglo XIV, especialmente Piero di Giovanni Tedesco, ya creaban esculturas naturalistas y combinaban temas clásicos y cristianos. Los principales escultores del primer Renacimiento en Florencia fueron Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donatello (1386-1466) y Nanni di Banco (fallecido en 1421).

En muchos aspectos, la obra de Donatello es la que mejor refleja el espíritu cambiante de la época. Ya en 1425 se puede rastrear en su escultura un estilo claramente gótico. Sus estatuas para la catedral de Florencia, para el Campanile y para Orsan Michele son relativamente poco elegantes y muy recargadas: los Profetas y Evangelistas (con la excepción de San Jorge) apenas son más que retratos de sus propios contemporáneos.

Entre 1425 y 1444, Donatello produce sus mejores esculturas, al tiempo que adquiere fama nacional. En la escultura en relieve, Donatello demuestra la perspectiva utilizando planos que retroceden, especialmente en la pila bautismal de Siena. Su realismo anterior fue sustituido por un clasicismo refinado - como en la estatua de bronce de David - junto con un marcado sentido del drama. Véase: David de Donatello .

Michelozzo Michelozzi (1391-1473) colaboró estrechamente con Donatello en esta época. El tercer y último periodo, que abarca desde 1444 hasta su muerte en 1466, fue testigo del pleno desarrollo de este sentido del drama, generalmente a costa de composiciones exageradas y desequilibradas. Otros seguidores de Donatello son Bernardo Ciuffagni (1385-1456), creador del San Mateo sedente de la catedral de Florencia; y Agostino di Duccio (1418-1481), creador de las amaneradas estatuas-columna de la fachada de San Bernardino de Perugia y de las esculturas en relieve de San Francesco de Rímini. Al igual que su tío Luca della Robbia (1400-1482), Andrea della Robbia (1437-1528) fue un destacado exponente de la escultura en terracota, conocido por su Bambino Tondi .

En la segunda mitad del siglo XV aumentó considerablemente la demanda de obras monumentales en mármol y bronce. En las iglesias aparecieron altares esculpidos, púlpitos, tumbas y estatuas, y los palacios seculares se decoraron con portadas esculpidas, frisos, relieves y bustos de retratos . Entre los escultores de mármol con más talento de la época estaban Bernardo Rossellino (1409-1464), Desiderio da Settignano (1428-1464), Antonio Rossellino (1427-1478), Mino da Fiesole (1431-1484), Matteo Civitali (1435-1501), y Benedetto da Maggiano (1442-1497). Los mejores escultores en bronce fueron Antonio Pollaiuolo (1432-1498) y Andrea del Verrocchio (1435-1488).

Aunque el Renacimiento florentino siguió siendo la fuerza motriz de la escultura en el siglo XV, pronto surgieron otros centros como Siena, Milán, Venecia y Padua, cada uno de los cuales produjo escultores de talento de estatus e influencia independientes.

La escuela sienesa de escultura del Renacimiento temprano

Las diferencias en las tradiciones artísticas hicieron que la escultura gótica perdurara más tiempo en Siena que en Florencia. El escultor más destacado de Siena, Jacopo della Quercia (1371-1438), se desarrolló en la misma dirección que Donatello. Sus primeras obras, ejemplificadas por la Fuente Gaia (1409-1419), tienen un marcado carácter gótico. Después vino un periodo más clásico y finalmente un periodo más dramático. El gótico temprano de Quercia se refleja en las obras de Lorenzo Vecchietta (1410-1480), y el clasicismo encontró su expresión en las obras de Antonio Federighi (c. 1420-1490). Otros famosos escultores sieneses son el maestro del bronce Giacomo Cozzarelli (1453-1515) y Lorenzo di Mariano (fallecido en 1534).

La escuela milanesa de escultura del Renacimiento temprano

En Lombardía, al igual que en Siena, la tradición gótica estaba más arraigada que en Florencia. Se necesitaban joyas más elaboradas. Entre los escultores milaneses más destacados se encuentran Cristoforo Mantegazza (fallecido en 1482), Antonio Mantegazza (fallecido en 1495), Giovanni Antonio Amodeo (1447-1522), virtuoso joyero y escultor de relieves en terracota Caradosso (1445-1527), Agostino Busti (1480-1548) y Cristoforo Solari, apodado «Il Gobbo» (el jorobado) (actividad 1489-1520).

La escuela veneciana de escultura del Renacimiento temprano

Mientras que los artistas milaneses buscaban su sustento en Génova, Bérgamo, Brescia y otras ciudades del norte de Italia, los escultores venecianos dominaban el este. Su influencia se extendió a Istria y Dalmacia, por un lado, a Verona y Brescia, por otro, y a Rávena, Cesena, Faenza y Ancona. Venecia representaba un gusto por la riqueza decorativa mucho menos banal que el de Milán y más sentimental que el de Florencia. De hecho, el arte renacentista en Venecia apelaba a las emociones placenteras, mientras que Milán y Florencia apelaban al intelecto. Entre los escultores venecianos más destacados se encuentran Bartolommeo Buon, Pietro Lombardo (1435-1515) y Alessandro Leopardi (fallecido en 1522).

Otros escultores famosos del Renacimiento temprano

Entre ellos se encuentran: Niccolò da Bari, conocido como Niccolò degli Arca (1414-1494) de Bolonia; Guido Mazzoni (1450-1518) de Módena, quien, al igual que la familia de escultores della Robbia, prefería la terracota a la piedra o el bronce; los primeros escultores Andrea Ciccione y Antonio di Domenico da Bamboccio (1351-1422) de Nápoles; el dálmata Francesco da Laurana, y Domenico Gagini y su hijo, Antonio Gagini (1478-1536) de Sicilia. En cuanto a la escultura romana, habrá que esperar hasta el Renacimiento tardío en Roma .

La escultura del primer Renacimiento italiano está bien representada en iglesias y edificios públicos de Florencia, Milán, Venecia, Padua y Roma, y en museos como el Louvre (París), el Museo Nacional (Florencia) y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Escultura italiana del Alto Renacimiento y posterior (c. 1490-1530)

Durante el periodo del Alto Renacimiento en Italia, la escultura fue mucho menos dominante que la arquitectura y la pintura. A veces incluso dominó a sus artes hermanas. Por ejemplo, la arquitectura se volvió más escultórica (las pilastras fueron sustituidas por columnas), y en la pintura el modelado y la perspectiva prevalecieron sobre el contorno y la composición.

El gusto por la escultura también cambió. El elaborado bajo relieve decorativo fue sustituido en gran medida por el alto relieve y la escultura redonda. La nobleza de intención pasó a ser menos importante que el modelado, la postura (brazos y piernas) y el movimiento de los drapeados. El efecto era más importante que cualquier otra cosa, y aunque persistió la influencia de la escultura clásica, sólo ocasionalmente condujo a la reproducción de formas antiguas.

Escultores florentinos del Alto Renacimiento

Los principales escultores florentinos de esta época son: Andrea Sansavino (1460-1529), su alumno Francesco di San Gallo (1493-1570), el más influyente Benedetto da Rovezzano (1476-1556), Piero Torrigiano (1472-1522), que viajó a Inglaterra y realizó la tumba de Enrique VII y la reina Isabel en la abadía de Westminster.

En Milán y Pavía la sucesión de escultores de talento terminó con Agostino Busti. En Módena estuvo Antonio Begarelli (1479-1565), en Bolonia Alfonso Lombardi de Lucca (1497-1537) y la escultora, Propertia de’ Rossi (1490-1530), y Niccole Pericoli (1485-1550).

En Venecia, el mejor escultor fue el florentino Jacopo Sansovino (1486-1570). Sus discípulos, como Tommaso Lombardo, Girolamo Lombardo, Danese Cattaneo y Alessandro Vittoria (1525-1608) continuaron su tradición, aunque con exageraciones.

Escultores romanos del Alto Renacimiento

Mientras que en el Renacimiento temprano Florencia abastecía a Roma de artistas, los papeles se invirtieron en el Alto Renacimiento, cuando Roma, principalmente a través de Miguel Ángel (1475-1564), influyó en el desarrollo de la escultura en toda Italia.

Miguel Ángel, conocido también como arquitecto, escultor y pintor, fue principalmente escultor en toda su obra y se ocupó sobre todo de la forma humana. Su primera época (hacia 1488-1496) puede compararse con la obra de Donatello, pero es más libre y clásica. Representa a la Virgen con el Niño con el mismo grado de dignidad y humanidad que en los relieves griegos. Disfrutó con el estudio de la figura humana desnuda en su «Batalla de los centauros».

Su segundo periodo (c. 1496-1500) demostró aún más su atención al cuerpo humano. Dejando a un lado los pesados cortinajes, qué sentida es su «Piedad» de la catedral de San Pedro. Qué noble es su David. Su estilo final (c. 1500-1564), del que el Moisés (de la tumba del papa Julio II) y las figuras de las tumbas de los Médicis son ejemplos, muestra una gran armonía en el tratamiento. El modelado, las poses, los drapeados y la expresividad de sus esculturas están más finamente equilibrados.

Otros famosos escultores romanos del Alto Renacimiento son el imitador de Miguel Ángel Baccio Bandinelli (1487-1559), el más joven Bartolommeo Ammanati (1511-1592), Raffaello da Montelupo (1505-1566) y Fra Giovanni Angelo Montorsoli (1507-1563).

Entre los escultores romanos de bronce del Alto Renacimiento figuran Benvenuto Cellini (1500-1572), creador del magnífico Perseo (1545-54), y el genio flamenco Giambologna (1524-1608), especializado en temas clásicos como Neptuno, Mercurio volador, El rapto de las sabinianas, Hércules y Neso . Giambologna ejerció una enorme influencia en un amplio abanico de estudiantes y artistas contemporáneos. Un buen ejemplo es el escultor holandés en bronce Adriaen de Vries (1560-1626), que estudió en Italia con Giambologna y trabajó principalmente en Praga y Augsburgo. Uno de los últimos escultores manieristas de Roma, cuya estatua de mármol naturalista y sin escenificar de Santa Cecilia dio paso al Barroco y a Bernini, fue Stefano Maderno (1576-1636).

Escultura renacentista en Francia

Siglo XV

El Renacimiento adoptó una forma única en Italia: fue esencialmente un renacimiento del espíritu nacional. En otros países, sin embargo, no fue más que una mezcla del arte italiano con el estilo nacional. En Francia, por ejemplo, que había producido magníficos movimientos románicos y góticos en escultura y arquitectura, el Renacimiento italiano tuvo un efecto mucho menos revolucionario, aunque sus formas simples y clásicas fueron un bienvenido reemplazo para el cansado estilo gótico . Otro factor importante fue la transformación de los castillos feudales franceses en castillos de recreo, que dio lugar a numerosos encargos de nuevas esculturas de estilo renacentista.

Muchos escultores del norte de Italia se trasladaron a Francia para satisfacer esta nueva demanda: se establecieron en Tours, París y Fontainebleau, uniéndose a los que se habían establecido antes que ellos, como Guido Mazzoni, Girolamo da Fiesole, Girolamo della Robbia y Benedetto da Rovezzano .

La primera escuela de escultura francesa que mostró la nueva influencia del Renacimiento italiano fue la escuela de Tours. Su principal representante, Michel Collomb (1432-1515), es comparable a los mejores escultores italianos del Renacimiento temprano. Su relieve «de San Jorge y el Dragón», esculpido en 1508 para el altar mayor del castillo de Guyon, está a la altura de las obras de Donatello sobre el mismo tema. Otros escultores franceses que trabajaron al estilo italiano fueron Perreal, así como el franco-italiano Antoine Juste (1479-1519) y su hermano Jean Juste (1485-1534).

Siglo XVI

El estilo escultórico franco-italiano se extendió rápidamente por Francia en la primera mitad del siglo XVI, gracias al enérgico mecenazgo y apoyo de Francisco I. Los grandes castillos de Blois, Chambord, Fontainebleau y Saint-Germain fueron reconstruidos según el nuevo estilo de la escultura florentina de principios del Renacimiento.

La primera escuela de Fontainebleau, que fue patrocinada por el rey Francisco I (reinó 1515-47) y dirigida por el rey Francisco I (reinó 1515-47).) y dirigida por Francesco Primaticcio, Fue seguida en la década de 1690 por la menor Segunda Escuela de Fontainebleau, apoyada por el rey Enrique IV (1589-1610) y dirigida por artistas como Ambroise Dubois (1542-1614), Toussaint Dubreuil (1561-1602) y Martin Fréminet (1567-1619).

Siguieron los edificios públicos y las casas particulares de Tours, Angers, Orleans, Ruán, Reims y Toulouse, y luego las iglesias, cuyas portadas, barreras del presbiterio, coros y bancos se decoraron con relieves, frisos y estatuas renacentistas.

Más tarde, en la segunda mitad del siglo, la influencia de Catalina de Médicis sobre la Casa de Valois condujo a un fortalecimiento de la influencia italiana en el arte francés. La arquitectura gótica ya no determinaba las formas estructurales, y la escultura se hizo mucho más independiente. Los tres grandes escultores de la época fueron Pierre Bontemps (activo a mediados de siglo), Jean Goujon (activo 1540-1563) y Germain Pilon (1529-1590). El mejor alumno de Pilon fue Barthelemy Prieur (1536-1611).

Otras escuelas de escultura renacentista francesa fueron la de Toulouse, representada por Nicolas Bachelier, y la de Troyes, ejemplificada por François Gentil . Otra importante tradición, la escuela borgoñona, estableció fuertes vínculos artísticos con Carlos I en España.

Escultura renacentista española (1400-1600)

Los primeros escultores del Renacimiento en la España del siglo XV estaban mucho menos desarrollados que sus homólogos en Italia. De hecho, ni siquiera es fácil datar el comienzo del verdadero Renacimiento en la Península Ibérica. Los artistas españoles no contaban con mecenas ambiciosos como los Médicis en Florencia o los papas en Roma. Además, aunque el nuevo estilo renacentista en España se caracterizaba por una mayor libertad y naturalismo, los escultores conservaban gran parte de la iconografía religiosa tradicional, así como algunos elementos góticos.

Durante el Alto Renacimiento (c. 1490-1530), muchos artistas de Flandes, Francia e Italia se establecieron en España. Éstos contribuyeron al espíritu humanista del Renacimiento, pero normalmente en el contexto de las tradiciones españolas.

El francés Philippe Vigarni (Felipe Bigarni) (c. 1470-1543) trabajó en Burgos, tallando relieves de alabastro en la catedral. También realizó parte de los grandes retablos de las catedrales de Toledo y Palencia. Trabajó ocasionalmente junto a Diego de Siloe (c. 1495-1563) y Alonso Berruguete (1488-1561), considerado el más sobrio, naturalista y renacentista de los tres. Diego de Siloe, influyente tanto en Andalucía como en Castilla, es conocido por la Escalera Dorada y la escultura «Cristo y la Virgen con el Niño» de la catedral de Burgos.

El escultor burgalés Bartolomé Ordóñez (c. 1490-1520) es conocido por sus armoniosos relieves y paneles de mármol, y por el sepulcro de Don Felipe y Doña Juana en la Capilla Real de Granada.

En Palencia, entonces importante centro cultural, las artes plásticas estuvieron lideradas por el escultor gótico Juan de Valmaceda (n. 1490), famoso por el Calvario del retablo de la Catedral de Palencia. En Toledo, principal centro artístico de Castilla la Nueva, el estilo renacentista apareció antes, gracias a Vasco de la Zarza, conocido por el sepulcro de don Juan Carrillo de Albornozin en la catedral de Toledo y el sepulcro de don Alonso de Madrigal en la catedral de Ávila. La influencia de Vasco de la Zarza se extendió a Toledo, Ávila y Segovia.

En Andalucía, el Renacimiento fue difundido por Jorge Fernández, conocido por varias esculturas de estilo gótico en la Capilla Real de Granada. En Aragón, el Renacimiento contó con el escultor Gil Morlanes el Viejo, conocido por el retablo de alabastro del monasterio de Montearagón (catedral de Huesca). Otro importante tallista español del siglo XVI fue Damián Forment (1480-1540), conocido por el soberbio retablo de Nuestra Señora del Pilar, el retablo de la catedral de Huesca y el gran retablo del monasterio de Poblet, que trabajó en Valencia y más tarde en Zaragoza.

El periodo 1530-1570 marca la culminación de la escultura renacentista española. Esta época estuvo dirigida por el genio Alonso Berruguete (1488-1561), hijo del pintor Pedro Berruguete (1450-1504) y alumno de Miguel Ángel. Conocido por el retablo de Mejorada, el retablo de San Benito de Valladolid, los relieves de los coros de la catedral de Toledo y el sepulcro del cardenal Tavera.

Uno de los escultores renacentistas franceses más innovadores que trabajaron en España en esta época fue el artista borgoñón Juan de Joigny (Jean de Joigny) (1507-1577), conocido por la expresiva espiritualidad de sus obras, como el Entierro del museo de Valladolid.

Desde aproximadamente 1570 hasta 1600 asistimos al auge del manierismo español, liderado por escultores españoles como Juan de Anchieta (n. 1540) y artistas extranjeros como los italianos Leone Leoni (1509-1590) y Pompeo Leoni (1533-1608). Su estilo, que combina manierismo y academicismo, está representado por las efigies en bronce de la emperatriz Isabel y Felipe II (Museo del Prado), y por los grupos de tallas pertenecientes a las tumbas de Carlos V y Felipe II (Escorial).

La escultura renacentista alemana (c. 1450-1600)

La influencia de Klaus Slüter (c. 1340-1406), ya evidente en las obras de Hans Moultscher en Ulm, se extendió a Renania, Suabia, Franconia y hasta el sur de Austria a través de la influencia de Nicholas Gerhart von Leyden (activo 1462-1473) y sus seguidores. La predilección por la ornamentación excesiva, característica del gótico tardío, impidió la creación de cualquier escultura monumental en piedra.

Este deseo de decoración, originado en una región boscosa densamente poblada, hizo que la talla en madera se convirtiera en el medio preferido de los artistas alemanes y se utilizara ampliamente para el mobiliario eclesiástico (por ejemplo, la sillería del coro) y los retablos. Entre los principales escultores alemanes del Renacimiento se encuentran Jörg Sirlin, de Ulm; Gregor Ehrhart (c. 1460-1540), de Ulm y Augsburgo; Veit Stoss (c. 1447-1533) de Nuremberg, autor de un retablo de la Virgen María, Iglesia de Santa María en Cracovia, 1486; y Nicholas von Hagenau (registrado entre 1485-1526) de Estrasburgo.

En Núremberg Adam Kraft (c. 1455-1509), famoso por el tabernáculo de la iglesia de San Lorenz, demostró toda la habilidad técnica y profusión de la talla en madera, pero en piedra. (Véase: El arte del Renacimiento alemán .)

Aunque algunas de las esculturas de los escultores alemanes mostraban una marcada relajación, les resultaba difícil adaptarse a las sobrias formas del arte renacentista. Figuras destacadas como Veit Stoss, Tilman Riemenschneider (c. 1460-1531), Maestro H.L. . (Retablo de Breisach) y Hans Bekofen (m. 1519) conservaron un fuerte apego al gótico tardío. Entre los partidarios más devotos del nuevo estilo renacentista estaban el pintor de Augsburgo Adolf Doher (1460-1524); el escultor de Núremberg Peter Vischer el Viejo (c. 1460-1529), famoso por el santuario de San Sebaldo.

Más tarde Peter Vischer el Joven (1487-1528) y el orfebre Peter Flotner (m. 1546) se dedicaron a la pequeña escultura renacentista. Al mismo tiempo Alexander Colin de Malinas (m. 1612), que trabajó en el ala Otteinrich, llevó a Heidelberg el lenguaje decorativo del Renacimiento flamenco. En la segunda mitad del siglo XVI, el estilo renacentista se estableció definitivamente en Augsburgo y Múnich, que se convirtieron en centros del italianismo.