Pintura de acuarela: técnicas, orígenes, historia Traductor traducir

En bellas artes, el término «acuarela» se refiere a un medio para dibujar en el que los pigmentos coloreados se aglutinan en sustancias solubles en agua. Originalmente, estos aglutinantes eran colas animales o ciertos azúcares, pero en la actualidad la sustancia estándar es la goma arábiga. Pueden utilizarse diversos aditivos (por ejemplo, miel, glicerina) para aumentar la plasticidad y crear otros efectos. La acuarela suele aplicarse con pinceles de marta o lana de ardilla sobre papel teñido de blanco o cartón, aunque también pueden utilizarse como base lienzo, cuero y papiro. En China y Japón, la acuarela (conocida como pintura de pincel o pintura de pergamino o tinta y borrón) es un medio universal, con la salvedad de que los acuarelistas de Asia oriental suelen utilizar sólo tinta negra. La acuarela se seca mucho más rápido que la pintura al óleo y permite realizar obras de arte más finas y precisas. Sin embargo, con la exposición regular a la luz, el color se desvanece y muchas obras maestras – incluidos varios ejemplos de pintura de paisaje de William Turner (1775-1851) – ya han sufrido daños irreparables.

Nota: «La aguada», una forma de acuarela opaca, difiere de la acuarela ordinaria en que sus pigmentos están unidos con cola, y sus tonos más claros se obtienen añadiendo pigmento blanco.

La acuarela – un material versátil, puede aplicarse a todo, desde el papel al lienzo, pasando por la piedra, la madera y la tela. Hoy en día, nuestros museos albergan muchas versiones hermosas de pinturas a la acuarela sobre papel, manuscritos, mapas y miniaturas. Mientras que la acuarela dominó el arte asiático durante miles de años, en el arte occidental se limitó en gran medida a los bocetos preparatorios hasta finales del siglo XVIII. En lo que hoy se conoce como la edad de oro de la acuarela, los artistas de la escuela de paisajismo inglés elevaron el estatus de la acuarela a una forma de arte seria e independiente. Además de William Turner, entre los acuarelistas destacados de la escuela inglesa se encuentran Thomas Girtin (1775-1802), John Constable (1776-1837) y Richard Parkes Bonington (1802-1828). A finales del siglo XIX y en el XX, artistas europeos como Emil Nolde (1867-1956) y Egon Schiele (1890-1918), y estadounidenses como Winslow Homer (1836-1910), Maurice Prendergast (1859-1924) y John Marin (1870-1953) crearon cientos de cuadros llenos de color con esta pintura.

EVOLUCIÓN HISTÓRICA
Para consultar una lista de fechas importantes en la evolución de la pintura, incluidos movimientos, escuelas, estilos y artistas famosos, véase: Cronología de la historia de la pintura .

Técnicas de la acuarela

En «la acuarela pura» (a veces llamada «método inglés») no se utiliza el blanco. En su lugar, se dejan manchas o zonas sin pintar en el papel blanco para representar objetos blancos o luz reflejada. Los tonos de color y los efectos atmosféricos se consiguen tiñendo el papel húmedo con cantidades variables de pigmentos coloreados. Este método, denominado «difuminado», también puede utilizarse para minimizar o borrar pinceladas individuales o para crear grandes zonas de color similar (como un cielo azul). El artista controla los efectos de estas aguadas variando la dilución de los pigmentos. William Turner – quizá el mejor acuarelista inglés – prefería añadir blanco a sus cuadros y utilizaba otros métodos para crear sus singulares efectos de iluminación. (Sobre la interpretación de los grandes cuadros, incluidas las acuarelas, véase: Análisis de cuadros famosos.).

Origen e historia

El arte de la acuarela se remonta a la pintura rupestre de la Edad de Piedra, cuando el hombre del Paleolítico primitivo pintó por primera vez imágenes de animales y personas en sus cuevas utilizando carbón, ocre y otros pigmentos naturales. Más tarde se popularizó en el arte egipcio tras el descubrimiento del papiro (papel). Sin embargo, el papiro es muy frágil y los únicos dibujos que han sobrevivido de la época del antiguo Egipto, – son los que se guardaban en las pirámides en condiciones de sequedad. En el arte chino tradicional , la acuarela se desarrolló en torno al 4000 a.C., principalmente como medio para las artes decorativas . En el siglo IV de nuestra era, los paisajes en acuarela se habían convertido en una forma independiente de pintura china. y, con el tiempo, dominarían toda la pintura china a pincel. Para una guía de los principios de las bellas artes y la artesanía orientales, véase: Arte tradicional chino: características . Durante la Edad Media en Europa, la acuarela se utilizó para manuscritos iluminados y mapas coloreados, y durante el arte renacentista para hacer miniaturas de retratos o estudios del natural.

Acuarela de los siglos XV y XVI

La acuarela moderna tiene sus raíces en el Renacimiento septentrional . Su primer maestro destacado fue el pintor alemán Alberto Durero (1471-1528), que anticipó muchas técnicas de la acuarela inglesa en una serie de magníficos estudios de plantas y paisajes. Durero fue uno de los primeros artistas en darse cuenta del potencial de este medio. Sus primeras acuarelas se centraban en la topografía, pero con el tiempo empezó a prestar más atención a la atmósfera. También realizó estudios muy realistas de la naturaleza, normalmente combinando acuarela y gouache sobre papel. Ejemplos famosos son «Liebre joven» (1502) y «Gran trozo de césped» (1503, colección gráfica Albertina, Viena). Sin embargo, a pesar de los esfuerzos de los artistas de la escuela barroca flamenca y barroca holandesa, el medio – con la excepción de las ilustraciones botánicas o de fauna, que desarrollaron su propia tradición especial de acuarela – se limitó en gran medida a los bocetos preparatorios o a los dibujos de diseño a gran escala, hasta que se convirtió en una manifestación de la técnica de la acuarela inglesa de finales del siglo XVIII.

La escuela inglesa de acuarelistas del siglo XIX

Hoy en día la acuarela suele asociarse con los logros de la escuela inglesa de paisajistas (especialmente Paul Sandby, Thomas Girtin y J. M. W. Turner). Este grupo estuvo activo desde finales del siglo XVIII hasta mediados del XIX, la llamada Edad de Oro de la Acuarela. Al principio, los artistas marcaban sus cuadros con colores tonales. Se trata de un dibujo realizado a tinta o lápiz, con pincel y agua para aplicar la tinta y crear un efecto de tinte. Se permitía una gama limitada de colores, pero en general el efecto era bastante monocromo. Mientras algunos artistas seguían creando dibujos tintados, otros empezaron a traspasar los límites. Artistas como William Pars (1742-1782), John Warwick Smith (1749-1831), Thomas Guirtin (1775-1802) y Turner empezaron a utilizar una paleta más amplia de colores más vivos para crear un efecto más pictórico. La acuarela pronto se popularizó en toda Gran Bretaña con la aparición de pinturas de fauna y flora, y con los nuevos requisitos de la pintura plein air: se animaba a los artistas a copiar escenas y topografía de lugares turísticos y militares, y a acompañar expediciones arqueológicas y antropológicas por todo el mundo. para documentar imágenes de flora y fauna. Surgió un nuevo estilo romántico de pintura a la acuarela. Con un papel de textura rugosa, la pintura se aplicaba con un pincel más suelto para transmitir efectos fugaces en el paisaje. Entre los paisajistas de acuarela más populares figuran David Cox (1783-1859), Cornelius Varley (1781-1873) y Samuel Prout (1783-1852).

El florecimiento de las sociedades de acuarelistas

Inglaterra
En 1804 un grupo de destacados pintores de acuarela fundó la Society of Watercolour Painters, que más tarde se convertiría en la Royal Watercolour Society (RWS). Entre los fundadores se encontraban Francis Nicholson, Samuel Shelley, William Frederick Wells, John Glover, William Henry Pine y Robert Hills. Entre los actuales miembros destacados – Dame Elizabeth Violet Blackadder, pintora y grabadora escocesa. Su obra puede verse en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y en la Tate Gallery. David Remfrey también es conocido por sus acuarelas a tamaño natural de clubes nocturnos y escenas urbanas (recibió un MBE por sus servicios al arte británico en 2001). El Royal Institute of Painters in Watercolours, fundado en 1831 en competencia con la Royal Watercolour Society, también es muy activo en la actualidad. Entre sus miembros más destacados figuran la ilustradora de libros infantiles Kate Greenaway (1846-1901), el dibujante Sir Coutts Lindsay (1824-1913), el ilustrador de Vanity Fair John Hassall (1868-1948) y la nieta de la reina Victoria, la princesa Patricia Connacht.

Irlanda
En la República de Irlanda, la Watercolour Society of Ireland (WCSI) se fundó en 1870. A lo largo de los años, entre los miembros de la WCSI figuraron artistas irlandeses tan conocidos como Rose Barton (1856-1929), George Campbell (1917-1979), Lillian Davidson (1893-1954), Gerard Dillon (1916-1971), Percy French (1854-1920), Mildred Ann Butler (1858-1941), Letitia Hamilton (1878-1964), Paul Henry (1876-1958), Harry Kernoff (1900-1974), Maurice McGonigal (1900-1979), Nora McGuinness (1901-1980), Frank McKelvey (1895-1974), Walter Osborn (1859-1903), Nano Reed (1905-1981), George Russell (AE) (1867-1935), y Jack B. Yates (1871-1957). En Irlanda del Norte , la principal organización era la Ulster Watercolour Society (UWS). Esta última incluía a artistas tan distinguidos como Gladys McCabe (n. 1918) y Maurice Wilkes (1910-1984).

EE.UU.
Los artistas estadounidenses también sintieron fascinación por la acuarela, especialmente Winslow Homer (1836-1910), muy influido por la Escuela de Barbizon, William Trost Richards (1833-1905), Henry Roderick Newman y John LaFarge (1835-1910). La American Watercolor Society (originalmente American Society of Painters in Watercolour) se fundó en 1866.

Acuarelas del siglo XX

Entre los acuarelistas más destacados del siglo XX se encuentran el abstraccionista ruso Wassily Kandinsky (1866-1944), el modernista suizo Paul Klee (1879-1940) y el expresionista francés Raoul Dufy (1877-1953). En Estados Unidos destacaron los pintores acuarelistas Thomas Eakins (1844-1916), John Marin (1870-1953), Maurice Prendergast (1859-1924), Edward Hopper (1882-1967), Lionel Feininger (1871-1956) y Andrew Wyeth (1917-2009). Entre los movimientos artísticos estadounidenses que apoyan el arte de la acuarela se encuentran Ohio School (del Cleveland Museum of Art) y California Scene. (de la Academia CalArts).

Lista de acuarelas conocidas

Muy pocas acuarelas, si es que hay alguna, son tan conocidas como los óleos . Esto se debe a varias razones. En primer lugar, las acuarelas se decoloran mucho más rápido que los óleos con la luz. Pierden su viveza y pueden parecer muy rápidamente «borrosas» – no es la mejor opción cuando se trata de reconocimiento público. Por eso, los mejores museos de arte sólo suelen exponer su colección de acuarelas durante un periodo de tiempo limitado. El resto del tiempo, los cuadros se guardan en sótanos oscuros con temperatura controlada. En segundo lugar, la mayoría de las acuarelas se pintan sobre papel, que es más susceptible al deterioro y la descomposición que el lienzo o la madera. Por ello, la mayoría de las obras maestras de la acuarela no han resistido el paso del tiempo. Para una explicación de los paisajes de los siglos XIX o XX, véase: Análisis de la pintura moderna (1800-2000).

La siguiente es una lista de pinturas en acuarela que merece la pena ver:

Alberto Durero: La liebre joven (1502, Albertina, Viena)
William Blake : Piedad (1795, colección Tate)
Thomas Girtin: Castillo de Berry Pomeroy, Devon (1798, colección privada)
Fyodor Alekseev: Monasterio de la Trinidad (1800, Brooklyn Museum)
John Sell Cotman : Acueducto de Chirk (1804, Victoria and Albert Museum)
William Turner: S. Giorgio Maggiore, Early Morning (1819, Tate Collection)
John Constable: Etude of Clouds and Trees (1821, British Museum)
Richard Parkes Bonington: Rouen from the Quay (1821, British Museum)
Eugène Delacroix : Saada (1832, Metropolitan Museum of Art Nueva York)
John Constable: Stonehenge (1835, Victoria and Albert Museum, Londres)
William Turner: Flint’s Castle (1838, colección privada)
William Turner: Amanecer después del choque (1840, British Museum)
JMW Turner: Blue Rigi, Sunrise (1842, Tate London)
Rossetti : Aniversario de la muerte de Beatrice (1853, Ashmolean Museum)
Lawrence Alma-Tadema : Fausto y Margarita (1857) (1857), colección privada)
William Turner: Atardecer sobre un castillo en ruinas (1868, Tate Collection)
Ivan Kramskoy : Retrato de S. И. Kramskoi (1880, Galería Tretyakov, Moscú)
Mary Cassatt: Autorretrato (ca. 1880, Galería Nacional de Arte, Washington)
Vincent van Gogh: Zuavo (1888, Metropolitan, Nueva York)
Childe Hassam : Taxis nocturnos tirados por caballos (1890, colección privada)
Maurice Prendergast: Damas bajo la lluvia (1893, Fort Lauderdale Museum)
Maurice Prendergast: Gran Canal, Venecia (1899, Daniel J. Terra Collection, Nueva York)
Maurice Prendergast: Gran Canal, Venecia (1899, Daniel J. Terra Collection, Nueva York)
Maurice Prendergast. Terra)
Emil Nolde: Campo de trigo (1900, colección privada)
Egon Schiele : Maedchen (1911, colección privada)
Robert Delaunay : Dedicatoria a Blériot (1914, Musee d’Art Moderne, París)
Egon Schiele: Mujer sentada con la rodilla doblada (1917, Narodni) Galerie, Praga)
Georgia O’Keeffe : Serie de desnudos VII (1917, GO’K Museum, Santa Fe)
Emile Nolde: Amapolas rojas (1920, Leonard Hutton Galleries, Nueva York)
John Marin: Islas de Maine (1922, Phillips Collection), Washington)
Edward Hopper: Techo de mansarda (1923, Brooklyn Museum)
Paul Klee: Parte G (1927, Staatliche Museen, Berlín)
Xul Solar: Palacio Almi (1932, Museo XS, Buenos Aires)
Edward Burra: Izzy Orts (1955, Gallery of Modern Art, Edimburgo)
Andrew Wyeth: Field Hand (Mano de campo) (1985, National Gallery of Art, Washington, DC)