Programa educativo para la exposición "Francis Bacon, Lucien Freud y la London School" Traductor traducir

Exposición "Francis Bacon, Lucien Freud y la London School" se llevará a cabo en el Museo Pushkin. AS Pushkin del 5 de marzo al 19 de mayo. El proyecto presentará a la audiencia rusa un capítulo único y más significativo en la historia del arte británico contemporáneo relacionado con el uso por parte de artistas de la pintura figurativa como un medio para expresar una experiencia de vida profundamente personal, sensual e intensa.

Se desarrolló un programa educativo específicamente para la exposición, cuyo primer evento será una conferencia de la curadora Elena Krippa (Tate Gallery, Londres). Danila Bulatov, curadora del proyecto del Museo Pushkin, también les dará conferencias. PERO.. Pushkin, Catherine Lampert - curadora, directora de la Galería Whitechapel (de 1988 a 2001), autora de libros sobre Frank Auerbach y Ewan Aglow, Alexandra Danilova - jefe del departamento de arte en Europa y América del 19 al 20 siglos.

En el marco del festival "Viernes en Pushkinsky", se llevará a cabo una serie de debates sobre la Escuela de Pintura de Londres: Arte y filosofía después de la Guerra Mundial, preparada conjuntamente con la agencia curatorial Science. yo. Los especialistas de diversos campos del conocimiento (arte, ciencia, filosofía, cultura) inician una conversación sobre aspectos clave del trabajo de los artistas en la London School. Las obras de estos artistas se han convertido más de una vez en objeto de un análisis profundo, ya que son manifestaciones concentradas tanto de la experiencia trágica personal como de la agitación colectiva. Las discusiones tocaron una amplia gama de temas, desde las experiencias de la tragedia de la guerra hasta la conexión del trabajo de los artistas de la London School con los conceptos filosóficos y científicos de los contemporáneos. Los participantes en las discusiones intentarán descubrir los significados profundos que sirvieron de impulso para la creación de estas pinturas a la vez intrigantes y aterradoras.

La entrada a los eventos del programa educativo es por boleto al museo. El programa y el horario están disponibles en el sitio web del museo.

Programa de eventos

Conferencia curatorial "Artistas y sus temas: proximidad inmediata"
5 de marzo, 19:00, edificio principal, pabellón 29

La conferencia está a cargo de Helen Crippa, curadora de arte británico contemporáneo en la Tate Gallery. Gracias a Helena Crippa, se realizaron importantes exposiciones internacionales como The London Calls en el Museo J. Paul Getty en Los Ángeles y Too Human: Bacon, Freud y Age of Art Life en la Tate Gallery.

En su conferencia, Elena Crippa hablará sobre las relaciones con las que los artistas representados en la exposición estaban conectados. ¿Por qué la exposición comienza con las obras de William Coldstream, David Bomberg y Francis Bacon, y quién se representa en sus obras? ¿Quién de los artistas fue influenciado por los maestros del pasado y en cuyas obras buscar referencias a las obras de Diego Velázquez, Edgar Degas, Paul Cezanne y Pablo Picasso? Y también, ¿cuál de los representantes de la escuela de Londres admiraba y coleccionaba el arte de colegas y coleccionaba obras de David Hockney? En la parte final de la conferencia, el curador recurrirá a la figura de Lucien Freud, fuente de inspiración del artista, y reflexionará sobre cómo su trabajo ha cambiado en el transcurso de casi siete décadas.

Conferencia "La escuela de Londres y el fin de una era ordenada"
13 de marzo, 19:00, edificio principal, sala 29

La conferencia está a cargo de Danila Bulatov, curadora de la exposición, investigadora del Departamento de Arte de Europa y América de los siglos XIX-XX.

Conferencia "Artistas de la London School en diálogo con el arte clásico"
20 de marzo, 19:00, edificio principal, sala 29

La conferencia está a cargo de Danila Bulatov, curadora de la exposición, investigadora del Departamento de Arte de Europa y América de los siglos XIX-XX.

Discusión "London School and the Old Masters"
22 de marzo, 18:00, edificio principal, sala 29

La escuela de Londres es un fenómeno ambiguo en el mundo del arte: por un lado, sus representantes son reformadores que buscaban nuevos medios expresivos y, por otro lado, artistas que recurrieron al realismo. Contrariamente al dominio después de la Segunda Guerra Mundial de varias corrientes de abstraccionismo, los londinenses crearon un mundo absolutamente humano: corporal y sensual. Este programa los combina con viejos maestros. Se autodenominaban estudiantes de artistas clásicos: Lucien Freud consideraba que el Renacimiento del Norte era el período más importante en la historia del arte y se autodenominaba sucesor de Albrecht Durer, el padre del género del autorretrato; Frank Auerbach habló sobre la influencia de casi todos los viejos maestros en su trabajo. La discusión discutirá las tendencias generales de las viejas y nuevas tradiciones, y los puntos de partida cuando los artistas modernos comenzaron a alejarse de los clásicos.

Participantes: Viktor Yerofeyev (escritor, crítico literario, presentador de radio y televisión), Danila Bulatov (curadora, investigadora del Museo de Bellas Artes Pushkin, historiadora del arte), Nadezhda Prokazina (profesora de la Escuela de Ciencias Históricas HSE, crítica de arte, Western erudito en arte), Ekaterina Kochetkova (Ph.D., profesora titular en el departamento de historia de la Universidad Estatal de Moscú que lleva el nombre de MV Lomonosov).

Discusión "London School: el arte figurativo como una nueva abstracción"
29 de marzo, 18:00, edificio principal, exposición de exposición

En la primera mitad del siglo XX, el arte básicamente abandona su representatividad. El mundo del arte está lleno de "teoría", alejándose de la claridad espacial y la historicidad: el arte busca reflejar la idea del arte. Pero las crisis que enfrenta la humanidad hacen que sea urgente volver a la realidad. Los artistas de la London School han dado este giro, pero aunque su arte es figurativo, está lejos de ser una tradición realista. Buscaron transmitir la experiencia más directa de la vida. Para hacer esto, a menudo recurría a la técnica de impasto (aplicar una capa gruesa de pintura sobre el lienzo), que se suponía que debía contribuir a la conexión del espacio de la imagen con el mundo real, fortaleciendo los aspectos materiales de la pintura. Al mismo tiempo, este enfoque implicaba un alto nivel de abstracción, ya que el artista no pretendía imitar la realidad del mundo visible en el lienzo, sino que buscaba fortalecer el "sentido de la realidad".

Participantes: Ilona Lebedeva (doctora en arte, investigadora del Departamento de Arte Occidental Contemporáneo del Instituto Estatal de Estudios de Arte, miembro de la Asociación de Críticos de Arte y la Asociación de Gerentes de Cultura), Sergey Dzikevich (Ph.D., profesor asistente de estética, Facultad de Filosofía, Universidad Estatal de Moscú, llamada así por MV Lomonosov), Kirill Svetlyakov (Doctor en historia del arte, galardonado con el Premio Sergey Kuryokhin, está incluido en la lista de las personas más influyentes en el arte ruso según las ediciones de Artchronika, Artguide, The Artnewspaper Russia "), Victoria Vasilieva (Ph.D., Profesora asociada, Facultad de Humanidades, Facultad de Estudios Culturales, Escuela Superior de Economía de la Universidad Nacional de Investigación, Especialista en Medios, Cultura de Masas y Métodos audiovisuales en las ciencias culturales.

Discusión "London School: The Crisis of Evil"
5 de abril, 18:00, Edificio principal, exposición expositiva

Tradicionalmente, la comprensión del bien y del mal pertenece al campo de la ética; Las ideas sobre estas categorías han cambiado en diferentes momentos. Las ideas éticas se referían a conceptos muy abstractos, como deber, principio, voluntad, a veces el universo fue conceptualizado a través de leyes éticas. La ética siempre se ha dirigido al hombre como una criatura capaz de actuar de acuerdo con principios idealistas. El siglo XX hizo que la gente se enfrentara al hecho de que todas las ideas éticas y religiosas formadas sobre el bien y el mal ya no funcionan. Este fue el resultado de la tragedia de la guerra, los monstruosos crímenes del nazismo, el sufrimiento físico de las personas: el cuerpo humano resultó ser un campo político, donde la violencia alcanzó su límite. La investigación de los experimentos médicos nazis como parte de los ensayos de Nuremberg dio lugar a una nueva idea de ética más aplicada: apareció la ética médica y la bioética. Como parte de la discusión, se intentará comprender el trabajo de los artistas de la London School a través del prisma de los problemas éticos del siglo XX.

Participantes: Boris Kashnikov (Doctor en Filosofía, profesor de la Facultad de Humanidades, Escuela Superior de Economía de la Universidad Nacional de Investigación), Danila Bulatov (curadora, investigadora del Museo de Bellas Artes de Pushkin, historiador del arte), Oleg Aronson (Ph.D., investigadora principal en el Instituto de Filosofía de la Academia de Ciencias de Rusia), investigadora principal en el Instituto de la Escuela Antropológica de Rusia, así como en el Instituto Ruso de Estudios Culturales, crítica de arte, Alexandra Moskovskaya (Ph.D., investigadora en El sector de la estética en el Instituto de Filosofía de la Academia de Ciencias de Rusia).

Conferencia "Esencia viviente"
10 de abril, 19:00, edificio principal, pabellón 29

La conferencia está a cargo de Katherine Lampert, curadora independiente, crítica de arte.

"La existencia precede a la esencia": así es como Jean-Paul Sartre formuló una posición existencialista, que se basó en los artistas cuyo trabajo se presentó en la exposición "Francis Bacon, Lucien Freud y la London School".

Katherine Lampert se basará en su propia experiencia en la creación de exposiciones, escribiendo artículos y en persona con artistas de Londres como Francis Bacon, Leon Kossoff, Frank Auerbach, Lucien Freud, William Coldstream, Michael Andrews, Paula Reglu, Ewan Aglow y Paul will También hablamos de varios seguidores, entre ellos Georg Baselitz.

Katherine Lampert, curadora de arte independiente, trabajó en la Hayward Gallery de Londres de 1988 a 2001. fue directora de la Whitechapel Gallery. El autor de libros y artículos sobre Ewan Aglow, Frank Auerbach, Peter Doig, George Shaw, Francis Alice y otros. Hoy, Catherine Lampert es miembro del consejo científico del Museo Rodin, está trabajando en la exposición Paula Regu, que se inaugura en junio de 2019, y compila un catálogo de pinturas de Lucien Freud.

Discusión "Muerte de Dios" e imágenes cristianas
12 de abril, 18:00, edificio principal, sala 29

Uno de los temas religiosos tradicionales discutidos es la dificultad de explicar la existencia del mal en un mundo gobernado por un Dios bueno: el problema de la teodicea. Proclamado en el siglo XX por la idea de Nietzsche de "la muerte de Dios", abarca la idea de que los viejos principios morales, cuya fuente es cierto ser superior, Dios, están muriendo. Con la muerte de Dios, el hombre afirma la realidad, dice "sí" a la vida. Al mismo tiempo, el ser pierde la fiabilidad que da la presencia de Dios. Los acontecimientos que tuvieron lugar durante la vida de los artistas de la London School (guerras, revoluciones, descubrimientos científicos, crisis económicas) demuestran la fragilidad del bienestar y la racionalidad de la vida. En el arte después de la Segunda Guerra Mundial, a menudo hay imágenes tomadas de la iconografía cristiana, pero inevitablemente adquieren un carácter secular, incluso nihilista. La discusión revelará las posibilidades de comprender el trabajo de los artistas de la London School en el contexto de la "deshidratación" del mundo y una nueva mirada a las doctrinas cristianas.

Participantes: Lidia Chakovskaya (Ph.D., investigadora principal en el Instituto Estatal de Estudios de Arte y el Departamento de Historia y Teoría de la Cultura Mundial de la Facultad de Filosofía de la Universidad Estatal de Moscú nombrada por MV Lomonosov, crítico de arte), Alexei Rastorguev (Ph.D. En historia del arte, profesor asistente del departamento de historia general de las artes históricas de la Facultad de la Universidad Estatal de Moscú, que lleva el nombre de MV Lomonosov, se especializa en el arte de la antigüedad tardía, el arte de la Edad Media de Europa Occidental, el Bizantino y el post Icono bizantino, la historia de la iconografía cristiana y el arte del Renacimiento del Norte, el arte del siglo XX), Julia Sineokaya (Doctora en Filosofía, Profesora de la Academia de Ciencias de Rusia, Jefa del Departamento de Filosofía Occidental en el Instituto de Filosofía de la Academia de Ciencias de Rusia, Especialista en Historia de la Filosofía europea y rusa de la segunda mitad de los siglos XIX y XX), Anna Pozhidaeva (Candidata de Arte H istory, profesor asociado de la Facultad de Humanidades, Escuela Superior de Economía de la Universidad Nacional de Investigación, especialista en arte medieval de Europa occidental, iconografía cristiana y recepción de temas mitológicos en el mundo del arte).

Discusión "Cuerpo sin órganos: filosofía y arte de posguerra"
19 de abril, 18:00, edificio principal, sala 29

“Cuerpo sin órganos”: un concepto filosófico introducido por Antonin Artaud y elaborado en detalle por Gilles Deleuze, se convirtió en la clave para el desarrollo de las tendencias posteriores en pintura, danza, teatro y cine. Su esencia radica en el hecho de que un cuerpo sin órganos se opone a un cuerpo organizado, es "carne y nervios". Explorando el trabajo de Bacon, Deleuze escribe sobre la descripción del artista del "hecho intenso del cuerpo". Este principio resultó ser extremadamente importante para los artistas de la escuela de Londres, que se enfrentaron a la realidad de la Europa de la posguerra, donde la realidad se sintió en toda la gama de impresiones físicas: una realidad que no estaba oculta detrás de las opiniones de ciudades cómodas, mesas llenas de comida en casas y ropa cara, un ser puro, revelado directamente al artista. El "cuerpo sin órganos" como principio de pensamiento y visión es el más adecuado para transmitir la tensión de la vida, y los representantes de la escuela de Londres intentan obligar al espectador a hacerse un "cuerpo sin órganos", aprender a percibir nerviosismo. termina a nivel de trabajo, de modo que la vida se libera de la "organización" y llega a la afirmación de su autenticidad.

Participantes: Svetlana Polyakova (Ph.D., profesora asociada del Departamento de Ontología, Teoría del Conocimiento, Facultad de Filosofía, Universidad Estatal de Moscú, llamada así por MV Lomonosov, ontólogo, especialista en arte contemporáneo y Teosofía), Chaim Sokol (artista, escultor, columnista de arte, autor de instalaciones, performances, textos), Anna Yampolskaya (Doctora en Filosofía, Investigadora líder en el Centro de Sociología Fundamental, Escuela Superior de Economía de la Universidad Nacional de Investigación, especialista en fenomenología francesa y alemana).

Conferencia "Pintura con y sin comentarios: RB China y pop art británico"
15 de mayo, 19:00, edificio principal, sala 29

La idea de crear un "nuevo arte" fue recogida por jóvenes artistas británicos, estudiantes del Royal College of London: RB China, Peter Blake, Joe Tilson, Richard Smith, Derek Boschier, David Hockney, Allen Jones, Peter Philipps, quien anunció su exposición estudiantil "Jóvenes Contemporáneos" en febrero de 1961. Fueron estos artistas los que formaron el núcleo del arte pop británico, incorporando sus principios principales en su trabajo. Dos mundos - "alto arte" y cultura de masas - coexisten en su lienzos en igualdad de condiciones, como parte de un todo único. Publicidad, cómics, la cultura americanizada de la clase media para la mayoría de los artistas pop ingleses es principalmente una fuente de imágenes modernas. Sus obras están llenas de citas y paralelos artísticos.

La conferencia está a cargo de Alexandra Danilova, jefa del departamento de arte de los países de Europa y América de los siglos XIX-XX.

Discusión “London School and Poetry. Arte después de Auschwitz "
18 de mayo, 20:00, edificio principal, sala 29

La frase del filósofo alemán Theodor Adorno, "después de Auschwitz, cualquier palabra en la que se escuchan notas elevadas se ve privada del derecho a existir" se convirtió en una oración para todo el arte que podría crearse después del Holocausto. Cualquier palabra que atraiga a lo trascendental se ve comprometida por el hecho de que una vez condujeron a Auschwitz. Cuando tal pensamiento exaltado se combina con la experiencia real, no cuesta nada exterminar naciones enteras en nombre de una "idea elevada". La poesía y la pintura son géneros que más a menudo que otros requieren significados que son más altos que la realidad material humana. Pero, ¿cómo es posible en un momento en que tal cosmovisión todavía huele a carroña? La escuela de Londres es producto de esta actitud, que se convierte en un impulso para crear nuevas formas y medios expresivos, siempre que se reconozca la destructividad de la antigua comprensión del arte. En el marco de la conversación sobre la pintura y la poesía de posguerra, será posible comprender cómo el arte superó la crisis de representación causada por las páginas sangrientas de la historia humana.

Participantes: Yuri Saprykin (periodista, culturólogo, locutor de radio, gerente de proyecto del proyecto "Shelf"), Ksenia Golubovich (candidato de ciencias filológicas, presidente del jurado del premio literario A. Pyatigorsky, escritor, traductor, crítico literario), Alexandra Volodina (profesora del programa "Arte Contemporáneo"»En la Escuela Superior de Economía, Investigadora en el Sector de Estética, Instituto de Filosofía de la Academia de Ciencias de Rusia, Estudios Culturales

Discusión "London School: horror existencial y la experiencia de la guerra"
19 de mayo, 20:00, edificio principal, sala 29

La experiencia existencial del horror es una de las fuentes del lenguaje artístico de los maestros de la London School. La guerra es un evento que puede describirse como una sensación interminable de muerte. Las personas inmersas en ese estado pueden detectar las refracciones de la vida que no se pueden ver en tiempos de paz; paradójicamente, como suenan, comienzan a vivir verdaderamente. A pesar del hecho de que la guerra desmoraliza a una persona, es una "situación límite" (este es un término de la filosofía del existencialismo, que se refiere al momento en que una persona se da cuenta de su verdadera existencia - existencia). Искусство Лондонской школы пропитано этим потрясением от открывшейся алогичности и неупорядоченинати. Приемы, которые используют художники, позволяют делать ощутимым страх человека, вызванный чувством слитности с этим миром и одновременно ужасом пребывания в нем. В связи с этим большинство из этих мастеров обращается к изображению плоти - самой первичной зоны человеческого опыта, в которой человек утверждает себя. Жан-Поль Сартр писал: «Моё тело из плоти, плоть живет, плоть копошится, она тихо вращает соки, кремы, эта плоть вращает, вращает мягкую сладкую влагу моей плоти, кровь моей руки, сладкая боль в моей раненой плоти, которую вращают, она идет, я иду, я спасаюсь бегством, я негодяй с израненной плотью, израненный существованием о. Плоть становится точкой, где страх, ужас и война переплетаются в единство собственного переживани.

Участники: Глеб Напреенко (искусствовед, психоаналитик лакановской ориентации, теоретик искусства), Валентин Дьяконов (кандидат культурологии, искусствовед, арт-критик), Алина Стрельцова (кандидат искусствоведения, преподаватель факультета журналистики МГУ им М. В. Ломоносова, заместитель главного редактора журнала. «Искусство», журналист).