Edgar Ilère Germain Degas (1834-1917) Traductor traducir

Edgar-Germain-Hilaire de Ga o Edgar Degas, como todo el mundo lo conoce, nació en París en una familia aristocrática rica. La infancia del futuro artista se llevó a cabo en una atmósfera de amor y tranquilidad. Desde una edad temprana, Edgar mostró amor y capacidad para dibujar, y a pesar de que su padre quería que se convirtiera en abogado, nada podría impedir que el joven estudiara el arte de la pintura. El mentor del joven Degas en la Escuela de Bellas Artes de París fue el entonces famoso artista Lamot. Es verdad, después de solo un año de escolaridad, en 1856 Degas deja inesperadamente París para todos y se va por casi dos años para vivir en Italia.

Pinturas de Edgar Degas

La razón formal del viaje fue el deseo de ver a sus parientes paternos. Pero no fueron ellos quienes lo atrajeron a Italia, sino la oportunidad de ponerse en contacto con las destacadas obras de arte de los grandes artistas del Renacimiento.

El artista viajó mucho, visitó todos los principales centros culturales del país: Florencia, Roma y Nápoles. En cada ciudad, estudió con gran atención el trabajo de los grandes pintores del pasado. Los Degas quedaron impresionados por los lienzos de Paolo Veronese y Andrea Mantegna, que se convirtieron en su ideal.

Los primeros experimentos creativos.

Dos años más tarde, el joven artista conoce a Gustave Moreau, quien más tarde se convirtió para él no solo en un compañero, sino también en un mentor. Moreau estudió apasionadamente la pintura, dándole todo su tiempo. Intentando comprender la esencia de la armonía, estaba apasionadamente interesado en las obras de Tiziano, Leonardo da Vinci, Rafael, Caravaggio y Veronese, tratando de sentir su sistema de creación de color. Moreau prefirió realizar sus propias composiciones coloridas en acuarelas o pasteles. El joven Degas quedó tan impresionado por el trabajo de un compañero mayor que también dirigió su atención a estas técnicas. Cabe señalar que Moreau tuvo una fuerte influencia en el joven artista, pero si Gustave asignó el lugar principal para colorear, entonces Edgar Degas (especialmente al comienzo de su trabajo) afirmó la primacía del dibujo, asegurándose de que era un "Campo de actividad más fructífero".

Es en Italia donde el pintor comienza la búsqueda de sus propios medios individuales de expresión artística. Como base de su propio estilo, Degas elige la construcción constructiva de la forma, a través de su interpretación realista. Por lo tanto, las primeras obras del artista se distinguen por un patrón agudo y preciso.

Muchas de las obras de Degas relacionadas con este período están dotadas de una expresividad especial que surge de la reproducción exacta de la realidad. Esto se muestra claramente en su pintura "Roman Beggar" (1857, Art Museum, Birmingham). La imagen de la heroína misma en este lienzo tiene una interpretación increíblemente realista e incluso dura, mientras que el espacio a su alrededor se representa de manera bastante arbitraria. Una anciana cansada se sienta en el umbral de la vieja casa, perdida en sus pensamientos, y mira a lo lejos con cierta curiosidad. No solo su ropa gastada, sino también objetos aparentemente descuidados colocados en el primer plano de la imagen cuenta la difícil vida de la heroína: un trozo de pan y una olla vieja con comida a medio comer con un borde astillado. Degas realizó la construcción compositiva del lienzo de acuerdo con los principios de los antiguos maestros, pero como su modelo, eligió no a una bella dama sofisticada, sino a una mujer simple cuya imagen no está idealizada en absoluto.

A pesar de que la imagen se caracteriza por una cierta estructura gráfica de la composición, tiene un modelado de color sutil y una elaboración tonal verificada de la manera más precisa. De hecho, con solo cuatro colores, el artista logró crear un tipo de mendigo italiano sorprendentemente armonioso y expresivo.

Se presta mucha atención en el trabajo al adorno, como si "revitalizara" todo el espacio circundante. En esta pintura, Degas logró resolver con gran habilidad el problema artístico fundamental que preocupaba al pintor durante sus estudios en la clase de Louis Lamot: la proporción de la figura del héroe y el espacio circundante.

En la primavera de 1859, Edgar Degas regresó a París. Habiendo vivido un poco en la casa de los padres, el artista se muda a un gran taller ubicado en el distrito 9 de la Rue de Laval. Allí comienza a crear, convirtiéndose en primer lugar en un tema histórico. Degas está tratando de darle una nueva interpretación, no característica de los primeros trabajos de este género.

Un ejemplo es la pintura "Jóvenes espartanos llamando a los espartanos a competir" (1860, Museo Nacional, Londres). Aquí Degas, siguiendo los cánones clásicos de las bellas artes, buscó renovarlos con observaciones vívidas y precisas de la vida real. El maestro ignoró por completo la idealización condicional de la trama antigua, los personajes que describió son más como adolescentes modernos tomados de las calles parisinas. Esto es especialmente notable en algunos movimientos angulares de los personajes representados por él, ubicados en un paisaje algo estilizado.

Las figuras de los jóvenes se colocan paralelas al borde inferior del lienzo en un solo espacio del primer plano, lo que le da a la escena una gran persuasión, sin perder el ritmo decorativo. Las poses estáticas de los jóvenes hablan sobre la influencia del arte neoclásico. El artista enfatiza el realismo de la escena con la ayuda de una sutil interpretación psicológica de los rostros de cada personaje. Al mismo tiempo, el principal medio expresivo en el lienzo, como en trabajos anteriores, es una elegante línea musical - plástica. El color de la imagen, construido sobre una combinación limitada de colores, le da al lienzo una sensación de claridad y equilibrio estrictos.

Creación de un estilo de retrato peculiar.

Al comienzo de su carrera, Degas crea muchos retratos. Esto se vio afectado en parte por la influencia del padre del artista, que creía que era precisamente la posesión hábil de las habilidades del retratista lo que podía garantizarle al joven una vida cómoda. En los primeros lienzos de este género, Degas pintó principalmente autorretratos y retratos de miembros de la familia, pero pronto recurrió a la imagen de sus amigos. En estas obras, los rasgos característicos del estilo individual del pintor se manifestaron claramente, y se adhirieron a las técnicas tradicionales de composición, en las que es fácil encontrar una conexión con las obras de los antiguos maestros.

Un ejemplo es la obra de 1855 "Autorretrato" (Museo d’Orsay, París) en la que el artista utilizó un fondo oscuro característico de la escuela de pintura española, representada por maestros tan grandes como Diego Velázquez y Francisco de Goya. En Autorretrato, aparece ante nosotros en una pose natural, con un lápiz de carbón en la mano derecha, un símbolo de su pertenencia al arte. Cabe señalar que este trabajo, como muchos otros primeros retratos de Degas, se distingue por el esquema de color monocromo.

Poco a poco, su trabajo se vuelve más saturado de luz y color. En la pintura Self-portrait with a Soft Hat (1857, Stirling Institute of the Arts y Frappsn Clark, William Sgown), el artista ya se niega a usar un fondo neutro y apagado. Aunque el fondo de la pintura es azul oscuro, está iluminado por la luz solar constante proveniente de la ventana dejada por el maestro fuera del marco de su lienzo. Degas se retrata con un traje informal, su principal accesorio expresivo es una bufanda roja y naranja alrededor de su cuello. Este punto de color brillante desempeña el papel de un diapasón para la construcción colorista del retrato.

Sin embargo, aquí, como en lienzos anteriores, por ejemplo, "Retrato de René de Ga" (1855, Smith Museum of Art College, Northhamton), se mantiene una postura estática pronunciada. Es cierto que Degas rápidamente se dio cuenta de esta falla y comenzó a experimentar con el movimiento y los ángulos en sus retratos, lo que como resultado "revivió" sus obras y les dio dinamismo. Fue gracias a la visión inusualmente aguda de la naturaleza y la nueva construcción compositiva de pinturas que el pintor trajo a sus lienzos no solo la emocionalidad, sino también un pronunciado psicologismo profundo.

El pináculo real del estilo temprano de Edgar Degas, como retratista, fue la obra "La familia Bellelli" (1858-1867, Museum d’Orsay, París). Los modelos para este lienzo fueron el tío del artista Gennaro, su esposa Aaura y sus dos hijas, Giovanna y Julia. La composición de la imagen se basa en el principio de una determinada escena de género. En el centro del lienzo está la figura de la baronesa, vestida con un vestido negro de luto sin accesorios. El tío del artista, Gennaro, es retratado desde atrás; él se sienta en sillones junto a la chimenea. Las figuras y los rostros de ambos cónyuges expresan su desinterés por lo que sucede a su alrededor. Giovanna, de pie junto a su madre, por el contrario, mira cuidadosamente al espectador. La joven Julia, cómodamente acomodada en una silla, ella, como si estuviera conversando tranquilamente, se volvió hacia su padre.

El artista nunca dictó a sus modelos en qué posición deberían estar. A diferencia de muchos pintores de su tiempo, Degas prefirió pintar "retratos de personas en poses naturales típicas para ellos, generalmente dándoles libertad absoluta, tanto en la posición corporal como en la expresión facial ".

A pesar de que las poses de todos los modelos son tranquilas, la disposición asimétrica de las figuras crea una especie de nitidez inesperada en la composición. El color del lienzo se elige muy exquisito, una combinación de tonos azul, plata, blanco y negro, construye un sistema de color perfecto. Es cierto, incluso a pesar de esto, la escena que mostró el artista no podría llamarse idealizada. Degas llenó el retrato familiar de drama: retrató a una pareja, bastante cansados ​​de la compañía del otro. Sus poses enfatizan la diferencia en los personajes y las experiencias emocionales de los cónyuges. Queda claro para el espectador que los niños siguen siendo la única unidad que los une. Este lienzo, marcado por un profundo psicologismo, dominio en la transmisión de la luz y la precisión del dibujo, es una de las mejores obras en su género creado a mediados del siglo XIX.

El estilo individual del artista evolucionó constantemente, en sus trabajos posteriores el pintor prefirió evitar la estacionariedad en la composición y la disposición frontal de los modelos al mejorar la dinámica de la composición. Con este fin, Degas a menudo usó la construcción de la composición en diagonal, cambios y ángulos inesperados, gracias a lo cual pudo lograr nuevos efectos más expresivos.

Por ejemplo, una solución compositiva muy audaz, elegida por Degas para la pintura "Una mujer sentada junto a un jarrón de flores" (1865, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), que a primera vista causa una impresión extraña e inquietante. La mayor parte de la pintura está ocupada por un magnífico ramo compuesto de crisantemos de diferentes colores. La heroína se sienta al lado de una mesa en la que hay flores, pero su rostro está un poco alejado de ellas, mira hacia otro lado. Parece que la heroína cayó en la imagen de una naturaleza muerta por accidente. Sin embargo, tal solución no empeora las características psicológicas del modelo, sino que, por el contrario, enfatiza y enfatiza su individualidad. El rostro distante y pensativo de la mujer parecía desgarrado por una bruma de recuerdos tristes. El sorprendente estilo con el que la artista representa cada rasgo que transmite las características de su personaje es sorprendente. Los estudios de esta imagen, realizados en los últimos años, indican que Margaret Claire Brunkan (que más tarde se convirtió en baronesa Valpinson) está representada en el lienzo.

Al dibujar retratos, Degas a menudo incluía atributos que revelan la ocupación o el estatus social del héroe. Un vívido ejemplo de tal interpretación de la imagen es la pintura "Retrato de James Tissot" (1867, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), en la que se representa a Degas, un artista francés, en su taller.

En 1869, el artista crea otra de sus obras maestras: un retrato de Mademoiselle Hortense Valpinson (Instituto de Bellas Artes, Minneapolis), en el que el pintor capturó a la hija de nueve años de su amigo Paul Valpinson. La niña está representada recostada sobre una mesa cubierta con un mantel oscuro con un patrón bordado de colores. En el extremo opuesto de la mesa hay una cesta de artesanías sin terminar. El joven Hortense mira cuidadosamente al espectador, como tomado por sorpresa.

Esta técnica compositiva ayudó al artista a enfatizar la naturaleza viva y directa del niño. El fondo de la imagen, escrito en amplios trazos sonoros, mejora aún más esta impresión. El color de la obra se basa en una combinación de tonos cálidos ocre y dorado, así como en tonos blanco y negro, lo que le da a todo el trabajo un sonido muy importante.

Otro trabajo, sorprendente en su composición expresiva, es "Retrato del vizconde Lepik con sus hijas" (nombre alternativo "Concord Square", 1876, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo). Una composición dinámica se asemeja a una fotografía con su recorte nítido de todos los lados del lienzo, lo que no es característico de la pintura de esa época. La línea del horizonte está muy sobreestimada, lo que convierte a la Place de la Concorde, que es rápidamente atravesada por el vizconde Louis Napoleon Lepic, solo en el fondo de los personajes de la imagen.

Era como si alguien que había sido aclamado por las hijas de un noble, se detuviera, girara en la dirección opuesta con respecto al movimiento de su padre. El lienzo tiene un sabor interesante. Mientras que los personajes principales de la pintura de Degas están vestidos con trajes ligeros, casi fusionándose con el fondo, la ropa de los otros participantes en la composición está hecha en colores oscuros, casi negros. Estas figuras "negras", ubicadas en el lienzo con precisión matemática, crean un sorprendente ritmo "musical" de todo el trabajo.

Proveniente de una familia noble y sin sentir la necesidad de dinero, Edgar Degas podía darse el lujo de no cumplir con los requisitos de los modelos nobles, creando retratos personalizados. Entre los presentadores había muchos personajes de la alta sociedad, pero el artista nunca comenzó a retratarlos en el radiante esplendor de los atuendos lujosos. Independientemente del estado de los héroes de sus pinturas, Degas siempre trató de transmitir con la mayor precisión posible los rasgos característicos de cada uno de ellos. Acostumbrados a los halagos, los leones y leonas seculares a menudo lo abandonaban, sintiéndose ofendidos.

Experiencia de vida y viajes.

Un evento importante en la vida de Edgar Degas fue la relación con Edward Manet, que ocurrió en 1862. Pronto, el artista comenzó a visitar regularmente Cafe Gerbois, un lugar de encuentro popular para artistas jóvenes. Allí discutieron la búsqueda de nuevos temas en el arte, los medios expresivos originales y su propia visión de la realidad. Entre los clientes habituales del café se encontraban artistas tan grandes como Claude Monet, Alfred Sisley, Auguste Renoir y muchos otros.

Influenciado por esta comunidad de impresionistas, a fines de la década de 1860 Degas recurrió a la creación de grandes series: lavanderas, carreras de caballos, escenas de ballet y Modistiki. Todas sus pinturas se distinguieron por una revelación muy precisa de la profundidad y complejidad del mundo interior de sus héroes. A diferencia de la mayoría de los artistas impresionistas, Degas nunca buscó inspiración en la naturaleza, percibió la realidad como un elemento dinámico, y fue este movimiento continuo el que ocupó el lugar principal en su trabajo. Su ideal era la vida ocupada de una ciudad moderna. Siendo muy observador por naturaleza, Degas, caminando por las ruidosas calles de París, notó todos los rasgos expresivos característicos y durante mucho tiempo guardó lo que vio en su memoria. Posteriormente, transmitiendo el ritmo de la vida urbana, el artista creó imágenes fotográficas precisas e imparciales.

El bienestar material inicial permitió a Edgar Degas pasar todo su tiempo en experimentos creativos. Podía permitirse descaradamente descartar todos los cánones, todos los trucos trillados de la construcción de la composición, para encontrar su propio punto de vista inesperado, una nueva visión, gracias a la cual se podía lograr la impresión de frescura y espontaneidad del trabajo.

Como resultado de búsquedas creativas, el artista pudo lograr un ajuste preciso de la composición de las pinturas, en el que no hubo nada accidental y todos los elementos fueron diseñados para enfatizar el significado general de la trama. El propio pintor caracterizó su trabajo de esta manera: "Mi trabajo es el resultado de la reflexión, la observación paciente, la inspiración, el carácter y el estudio de grandes maestros". Degas capturó a todos sus héroes en poses naturales y relajadas, haciendo todo lo posible para transmitir su carácter y estado de ánimo.

Cuando, en 1870, estalló la Guerra Franco-Prusiana, el artista se ofreció a unirse al regimiento de infantería. De repente, en los primeros campos de tiro, se hizo evidente que su ojo derecho está mal visto. El diagnóstico de los médicos fue este: desprendimiento de retina causado por diabetes. Como resultó más tarde, esto fue solo el comienzo de la enfermedad de Degas, que finalmente lo llevó a la ceguera casi completa. Sin embargo, lo dejaron en las filas del ejército francés, transfiriéndose al regimiento de artillería. En 1871, la guerra ya había terminado, y Degas hizo un breve viaje a Londres, después de lo cual se dirigió a sus parientes estadounidenses en Nueva Orleans, donde pasó el invierno de 1872-1873.

Al comienzo de su estadía en los Estados Unidos, Degas crea muchos bocetos y pinturas, incluidos varios retratos de los miembros de su familia. Pero muy pronto pierde su fusible. La razón de esto fue su conclusión de que "el arte de París no puede ser lo mismo que el arte de Louisiana sin ninguna distinción. De lo contrario, solo será un mundo ilustrado. "A partir de este momento, el artista deja de hacer bocetos y bocetos, que previamente creó en grandes cantidades durante sus muchas andanzas.

Degas se aseguró de que solo la observación prolongada de la vida en un país en particular "pueda brindar la oportunidad de aprender las costumbres de las personas y sentir su encanto". Sin embargo, contrario a sus propias tesis, el artista crea la pintura "Oficina para la Venta de Algodón en Nueva Orleans" (1873, Museo de Bellas Artes, Poe). La composición de varias figuras de la obra se basa en el contraste de colores contrastantes: blanco y negro, cuya alternancia crea un ritmo claro de todo el lienzo.

En la primavera de 1873, Degas regresó a París, donde pronto esperó una serie de pérdidas y problemas. En menos de un año, el padre del artista muere, dejando enormes deudas. Al final resultó que, el fallecido estaba en completo desorden. El banco administrado por Auguste de Ga, adeudaba cantidades astronómicas a los acreedores. Para preservar su reputación familiar, el artista pagó parte de sus deudas con fondos heredados de él, pero esto no fue suficiente. Para llegar a fin de mes, el pintor vende el patrimonio familiar y una colección de pinturas de grandes maestros, coleccionadas por su padre.

Todo esto llevó a tal estado de cosas que el pintor por primera vez en su vida pensó en vender sus pinturas. Una de las formas efectivas de atraer compradores, el artista consideró la exposición de impresionistas, que a menudo ayudó a organizar. En el período comprendido entre 1874 y 1886, se realizaron ocho exposiciones de este tipo, en siete de las cuales participó Degas. Vale la pena señalar que sus obras tuvieron éxito y se vendieron muy bien, a diferencia de las obras de otros impresionistas.

Durante la década de 1870, Degas refinó aún más su estilo artístico. La construcción espacial de su obra ha adquirido una nitidez sin precedentes, incluso mayor libertad y dinamismo. El color en sus pinturas adquirió un significado independiente, se volvió muy complejo, como si estuviera lleno de luz.

Degas simplificó y limpió tanto su dibujo que pudo transmitir el juego de los músculos del cuerpo humano en movimiento con la ayuda de un solo circuito. Poco a poco, su obra adquirió un carácter cada vez más escultórico. Comenzó a enfatizar los contornos de figuras y objetos con una gruesa línea de carbón, los tonos rosados, morados y verdosos comenzaron a prevalecer en el color de las pinturas, lo que le dio a la obra sonicidad, y todos los detalles fueron minimizados.

Degas prácticamente deja de pintar al óleo, el pastel es su material favorito. El último retrato, creado por el maestro, fue la pintura "Helene Roire en la oficina de su padre" (1886, National Gallery, Londres), que representa a la hija de un amigo del artista Henri Rouen - Helen.

Desde mediados de los años 70 en las obras de Degas, la influencia del grabado japonés, que tuvo una gran influencia en todo el movimiento de los impresionistas, se ha rastreado cada vez más. El artista comenzó a usar muchas técnicas de este arte, por ejemplo, construcciones espaciales originales, el uso de ángulos inesperados y la colocación frecuente de personajes secundarios en el centro de la composición.

Amor por las carreras de caballos

Una de las grandes pasiones del artista eran los caballos. Edgar Degas mostró interés en estos elegantes animales durante su estancia en Italia. Le fascinaron las tradicionales carreras de caballos romanas en Via del Corsa, durante las cuales hizo muchos bocetos. En la propia Francia, en la década de 1860, tanto bajo el gobierno de Louis Philippe como de Napoleón III, el deporte ecuestre también fue muy popular. Además, Degas estaba interesado no solo en el plástico natural y la gracia de los caballos, estaba más interesado en los gestos y movimientos profesionales de sus jinetes.

Al crear una serie de obras dedicadas a las carreras de caballos, Degas a menudo encontró varias estructuras compositivas no convencionales para sus lienzos. Sus trucos favoritos fueron varios cambios espaciales, recortes de bordes afilados y varios ángulos "afilados". La esencia de todas las técnicas fue crear imágenes dinámicas vibrantes que puedan transmitir una sensación única de una realidad siempre cambiante. Un lugar importante en estas obras es el color. Fue con la ayuda del color Degas que fue posible darle un abigarrado desorden de figuras jockey a una forma organizada específica.

En 1860, el artista escribió una de sus primeras pinturas en una serie dedicada a las carreras de caballos. El lienzo "Caballeros en las carreras: antes del comienzo" (Museo de Arte de Fogg, Cambridge) caracteriza perfectamente el estilo y el carácter del artista, que ha cambiado a lo largo de su vida. El hecho es que Degas reescribe veinte años después su primera versión de este trabajo, donde las borrosas figuras borrosas de los jinetes se representan en un paisaje completamente plano. En este lienzo tardío, el fondo de la pintura era colinas y fábricas suburbanas con chimeneas que emitían humo negro.

La obra de 1862 "Jinetes antes del comienzo" (Musee d’Orsay, París), transmite con mucha precisión y sinceridad las emociones emocionantes que experimenta la gente y la tensión de los caballos antes del comienzo. En el primer plano de la imagen, llenos de tensión, enfoque interno y dinamismo, se muestran jinetes que se preparan para el inicio de la carrera. El plan intermedio está ocupado con una ruidosa sociedad secular, ansiosa por los espectáculos. La asombrosa autenticidad con la que los gestos y la plantación de jinetes, desprovistos de cualquier poesía de imágenes, es asombrosa. Gracias a esta recepción, el espectador no se sorprende por la fuerte fragmentación del lienzo, en el que el borde de la imagen corta la mitad de la figura de uno de los jinetes.

La serie Degas, dedicada a las carreras de caballos, está llena de hermosos trabajos, resueltos con una precisión casi periodística. Un ejemplo de tales lienzos es "Antes del comienzo" (1878, Museo de EG Bgorl, Zurich), "Carrera de caballos en la provincia. Crew at the Race "(circa 1872, Museo de Bellas Artes, Boston)," Race Horse Riding "(1894, Collection at Webb, New York) y" Jockeys delante del Tribune "(1869-1872, Museum d’Orsay, París) En el último lienzo, Degas retrató el momento anterior a la carrera, cuando al público solo se le mostraban los caballos que participaban en las carreras. El artista compone magistralmente la imagen, logrando la ilusión de calma y equilibrio, preservada por los héroes. Las experiencias internas se transmiten con la ayuda de largas sombras que adornan delicadamente la arena de las pistas de carreras. Todos los caballos en la imagen son casi estáticos, con la excepción de uno. Degas se propuso reflejar el estado de calma que prevalecía justo antes del comienzo de la carrera, no hay pasiones y entusiasmo característicos de este evento.

En algún lugar en 1873, el pintor se alejó temporalmente del tema de los caballos y las carreras de caballos sin ninguna atención, volviendo a ello solo unos años más tarde, cuando le encargó al cantante Jean-Baptiste Fare que pintara "Carreras de caballos". Jockeys - amateurs ”(1876-1887, Museum d’Orsay, París). Después de eso, Degas periódicamente escribió lienzos dedicados a las carreras de caballos, hasta aproximadamente el final de los años 9. Una de las últimas obras de esta serie fue la pintura "The Fallen Jockey" (1896-1898, Museo de Arte, Colección Offlätsche, Basilea). La composición del lienzo es similar a la obra anterior del artista, nos muestra un caballo corriendo por el prado, detrás del cual permanece un jinete aparentemente caído.

La expresividad de la vida nocturna de París.

La enfermedad del artista afectó su estilo de vida. Degas comenzó a proteger sus ojos de la luz solar brillante y, en general, intentó, en la menor medida posible, estar en la calle durante el día. A diferencia de la gran mayoría de los impresionistas, el pintor prácticamente no trabajó al aire libre. Degas pintó la mayoría de sus pinturas con luz de gas, por lo que recibió el sobrenombre de "el primer impresionista de la noche". Esta también podría ser una de las razones por las que el tema de los cafés parisinos, los cafés baratos, las actrices, los cantantes y las damas "mediocres" era tan atractivo para él.

Degas creó muchas obras dedicadas al tema de tales instituciones y sus habitantes, uno de los más famosos es el lienzo «Absenta» (o «Amantes de la absenta», 1875, Mray d’Orsay, París). Representa el interior del establecimiento Nouvelle-Athenn, popular en los círculos artísticos parisinos. La composición de la imagen se basa en el principio de una escena de género simple de la vida cotidiana de los habitantes del café. Sus personajes, un hombre y una mujer, aparentemente descansaban en la mesa después de las preocupaciones diarias. Pero las mesas vacías en primer plano dan la impresión de ser presionadas y arrinconadas por dos personas, y también enfatizan su vacío e indiferencia mutua. Esta historia sin pretensiones subraya el tema de la emoción de Alien por el hombre del mundo y su inevitable soledad, que es la idea principal de todo el trabajo. Los modelos para el artista fueron el grabador y artista Marcel Debuten y la actriz Helene Andre. A través del color, el artista logra dar tensión interna y drama a sus figuras, prácticamente desprovistas de movimiento.

La sutil habilidad del pintor para transmitir el carácter de sus modelos con la ayuda de un solo gesto se reveló perfectamente en los lienzos que representan al cantante de varios caféshantanos. Un vívido ejemplo es la pintura "Capitán Embajador" (1876, Museo de Bellas Artes, Lyon), en la que el gesto del cantante combina dos partes de la composición: una actuación en el escenario y un auditorio.

Con respecto a este trabajo, el famoso crítico J. Riviera escribió: “¡Cuántas figuras femeninas en el fondo, con sus vestidos y abanicos de muselina, y espectadores que, levantando la cabeza y estirando literalmente el cuello, ven entusiasmados bailes provocativos y coplas escasamente escritas! Si no me equivoco, entonces esta cantante tiene un contralto completamente saturado de brandy… El gesto inusual de la cantante, inclinándose hacia la audiencia, ciertamente confirma el éxito de su actuación. Nunca repitiéndose como actores con roles memorizados, apela a la audiencia, les pregunta, sabiendo de antemano que responderán exactamente lo que quiere escuchar, porque es ella quien controla al tirano, cuyos vicios aplacan. "

Escrito en 1878, el lienzo "Cantante de Cafesantan" (o "Cantante con un guante", Museo de Arte Vogt, Cambridge), es también un representante muy vívido de esta serie. Ellis Degrange, quien sirvió como modelo para este lienzo, en realidad no es una cantante en absoluto, sino una pianista muy famosa en los círculos parisinos que accedió voluntariamente a posar para Degas. La figura del pianista, muy cerca del espectador, todavía no es el centro compositivo del lienzo. Este papel lo juega su mano, vestida con un guante negro. Para darle al gesto un sonido aún mayor, Degas lo retrató contra un fondo claro. El artista logró organizar muy magistralmente el espacio de la obra. El gesto brusco de la mano de la cantante, su boca abierta y sus rasgos faciales algo distorsionados realmente acercan la imagen a la caricatura. Para mitigar este efecto, el maestro introdujo colores suaves y claros en la coloración: reflejos rosados ​​suaves en el vestido y la cara de la heroína, y una flor en el pelo.

La serie dedicada a los caféshantanos y sus habitantes resultó ser muy brillante y peculiar. Todas las obras del ciclo se distinguen por una construcción compositiva muy audaz, cuyo objetivo es revelar la idea principal del lienzo. El resplandor del color y la luz, en las pinturas de Degas, transforma la realidad en un mundo de fantasía lleno de un encanto especial de tarta.

Ballet

El segundo tema favorito de Edgar Degas fue el elemento fluido y dinámico de la danza. Se sabe con certeza que durante casi veinte años el artista adquirió regularmente una suscripción a la Ópera de París. Se sumergió en el tema del ballet, asistiendo a teatros y clases de baile. Viendo el arduo trabajo de las bailarinas, el artista recreó el encantador mundo de la danza. Escribió muchas pinturas dedicadas a sus ensayos, durante los cuales se perfeccionó cada movimiento de los bailarines, las actuaciones en las que se presentaron al público en un destello festivo de focos, y durante raros momentos de relajación. La mayor parte del trabajo se realizó en el taller de pastel Degas, donde invitó a sus modelos. Solo quince años después, el director de la Ópera de París permitió al artista trabajar directamente detrás de las cortinas del teatro.

Una de las primeras obras escritas por Degas en el teatro fue la pintura «La orquesta de la ópera» (circa 1870, Museo l’Orsay, París). Es un lienzo de pequeño tamaño, cuya composición es como tomada accidentalmente durante la presentación de una fotografía. El maestro invita al espectador a mirar el escenario desde el costado del foso de la orquesta. Todo el primer plano está ocupado por músicos vestidos con abrigos negros. El lugar central entre ellos pertenece a la imagen de una amiga del pintor Desiree Dio, que toca el fagot. El lienzo está organizado de modo que solo podamos ver la parte inferior de la actuación en el escenario. Lo primero que llama la atención del espectador es el tutus rosado y azul brillante de los bailarines, y solo después de eso, la mancha blanca de la camisa del músico atrae sus ojos hacia el personaje principal de la imagen.

El artista dedicó una gran cantidad de sus próximos trabajos a los bailarines. Las primeras pinturas de esta serie muestran una gran parte de la supuesta impasibilidad fotográfica con la que el maestro retrató a las bailarinas.

En su lienzo "Dance Class" (1871, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), el artista transmite magistralmente la emoción de un joven bailarín antes de un ensayo crucial. Una niña se para en el fondo de los espejos, lo que permite que su figura ligeramente desplazada del centro ocupe todo el espacio de la clase. Solo en el lado izquierdo de la imagen había un lugar para el piano negro y el acompañante mayor sentado a su lado, que se estaba preparando para comenzar a tocar una melodía para el baile. La imagen está llena de silencio reinando en una habitación espaciosa. Los bailarines se calientan antes del ensayo. Todo el trabajo está impregnado de un ritmo musical claro y armonioso transmitido por el artista a través del color a través de la clara reflexión colorista del lienzo.

Varias obras de la serie, entre las que se encontraba el lienzo «Dance Class», Degas presentó al público en 1874 en la exposición de los impresionistas. Después de ella, ganó fama como «artista escribiendo bailarines. ««

La pintura "Lección de baile" (1874, Museum d’Orsay, París), sorprendente con una interpretación realista convincente de las imágenes, pertenece al mismo período. Degas describió un fragmento de un ensayo, durante el cual un maestro anciano, deteniendo el ensayo, da instrucciones y recomendaciones a sus alumnos. Las figuras blancas claras de bailarines ocupan casi todo el espacio de un gran salón, la naturalidad de sus poses y gestos le da al lienzo convincente. En este trabajo, Degas capturó al famoso coreógrafo francés Louis Merant, junto a quien es una de las mejores bailarinas de la época, Josephine Gogelen.

El color de la imagen juega un papel especial en ella, construido sobre una combinación armoniosa de tonos grises, verdes, blanco azulados y ocres, con numerosos acentos oscuros que aportan claridad y claridad, formando un ritmo lineal suave, como si repitiera los movimientos. del baile Toda la composición de la "Lección de baile", basada en el principio de fragmentación, ya que elimina la acción del espectador, la aísla dentro del espacio ilusorio creado por el artista. Sin embargo, en trabajos posteriores, el maestro intencionalmente acerca heroínas elegantes al borde del lienzo y, a veces, incluso corta la imagen de sus figuras, por ejemplo, en obras como "Bailarines" (1883, Museo de Arte de Dallas), o "Antes del examen" (1880), Denver Art Museum).

A diferencia de otros lienzos, donde el artista prestó atención principalmente a la transferencia de ligereza y gracia de todos los movimientos de sus heroínas, en la obra "Antes del examen", Edgar Degas decidió prestar atención a su estado emocional. En el lienzo vemos jóvenes bailarines que se preparan para una actuación responsable. En el lado derecho de la composición, se muestra a una niña cuya pose es relajada. Bajan los hombros y la cabeza, como si estuviera rezando antes de ir a los examinadores. La segunda heroína masajea su pierna, inclinándose con gracia hacia adelante. Detrás de las chicas en el banco había dos señoras mayores, que tenían una conversación tranquila. Aquí Degas se propuso representar un momento importante en la vida de las bailarinas: el momento en que se sintonizan para actuar, justo antes de entrar al escenario, donde brillarán en los lujosos focos.

La obra más famosa sobre el tema de la danza es la pintura "Blue Dancers" (alrededor de 1898, el Museo Estatal de Bellas Artes A. Pushkin, Moscú), donde el maestro fue capaz de lograr una especial composición y expresividad del color. En la obra, cuyas elegantes heroínas corrigen sus disfraces antes de la actuación, el artista logró utilizar el efecto de iluminación artificial con tanta habilidad que todo el lienzo se llenó de resplandor y brillantes hilos de melodía de baile.

En la obra de 1877, The Arabesque final (Musée d’Orsay, París), se pueden observar entonaciones similares. El lienzo está organizado de tal manera que le da al espectador la oportunidad de mirar detrás de las cortinas desde arriba, para ver cómo las bailarinas se están preparando para la próxima aparición en el escenario. El primer plano de la pintura es una figura de prima, representada en el fondo oscuro de una escena vacía. Las luces de la rampa iluminan su rostro y su traje amarillo claro, comparando la figura de la niña con una flor elegante.

Casi todas las obras de teatro y bailarines de Degas se realizan en técnica pastel. El maestro, que sabía cómo ir más allá de los estereotipos habituales, y aquí desarrolló su propio estilo único. Sus métodos de aplicar la capa de pintura, con trazos distintivos separados, más como trazos, parecían combinar dibujo y pintura.

Estética del trabajo duro

A lo largo de su trabajo, el artista se distinguió por un interés genuino en los rasgos característicos del comportamiento de las personas pertenecientes a diferentes sectores de la sociedad. Degas siempre ha estado interesado en las características de sus plásticos, gestos y movimientos específicos, en una palabra, todo lo que podía transferir al lienzo. A lo largo de su vida, el pintor permaneció firmemente adicto a ciertos temas que contribuyeron a la expresión de sus intereses creativos.

Degas era muy aficionada a las escenas cotidianas en las que los personajes principales eran las vendedoras de artículos de mercería y sombreros, lavanderas y planchadoras. En todas las tramas, el artista se sintió atraído por posturas características y movimientos profesionales. Gracias a esto, pudo descubrir efectos decorativos completamente inesperados asociados con la interacción rítmica de siluetas y figuras a juego. La mayoría de las pinturas que componen esta serie, por regla general, se crearon fuera del entorno doméstico, lo que ayudó a Degas a lograr un alto nivel de generalización social.

Por ejemplo, en la pintura "Ironmaker" (circa 1869, New Pinakothek, Munich), el artista buscó transmitir la rutina y la monotonía del trabajo diario de la heroína. La joven representada en el lienzo sostiene la plancha con la mano derecha y mueve la tela con la izquierda. Para dar un mayor dinamismo, Degas hizo un doble contorno de la falda de planchado, enfatizando los esfuerzos que tiene que hacer. Inmediatamente después de regresar de América, en 1873, Degas escribió otra obra con el mismo título, pero con gran expresividad. En la nueva pintura "Ironmaker" (Metropolitan Museum of Art, Nueva York), el personaje principal se destaca en el perfil, su silueta oscura se destaca bruscamente en el fondo de una ventana inundada de luz. A través de este contraste y excelente transmisión de los movimientos profesionales de la mujer,el artista pudo reproducir magistralmente la atmósfera que prevalece en las lavanderías parisinas.

El siguiente lienzo del ciclo: "Dos trabajadores del hierro" (Musee d’Orsay, París), creado mucho más tarde, en 1884, es quizás el más famoso. El trabajo está escrito con trazos nerviosos amplios, transmitiendo perfectamente la fluctuación del aire alrededor de las niñas que trabajan. La combinación de colores, basada en una comparación de los tonos azul, marrón ocre, dorado y blanco, se caracteriza por una mayor decoración, que distingue este trabajo de los anteriores.

Degas no fue el único artista parisino destacado que amaba el tema de las planchadoras y lavanderas. Su trabajo sobre este tema a menudo se comparó con los lienzos de Honore Daumier. El crítico Armay Sylvester, en 1879, escribió sobre esto en el periódico "Modern Life": "Pasemos a algo significativo. Por ejemplo, esto es lo significativo que aparece en los lienzos raros del Sr. Degas: siempre el mismo proceso de síntesis que nos transmite con admirable talento artístico. Solo mira cómo la planchadora se inclinó sobre el trabajo duro. Si observa el lienzo desde la distancia, puede pensar que fue escrito por Daumier, pero en una mirada más cercana se hace evidente que esto es más que Daumier. En este trabajo hay una habilidad refinada, cuyo poder total es difícil de transmitir. "

Las escenas domésticas también incluyen pinturas que representan a los visitantes de los salones de sombreros. Por ejemplo, la pintura "At the Fashionista" (circa 1882, Museo de Arte Moderno, Nueva York), que representa a una estudiante de Degas Mary Cassatt. La construcción compositiva de la obra está fragmentada, construida sobre el principio de la fotografía. La niña que se prueba un sombrero está casi escondida detrás del respaldo de la silla representada en primer plano. El modista, que ofrece al visitante dos tocados más, se encuentra en el lado izquierdo del lienzo y es prácticamente indistinguible. La espesa sombra que cae hace que la figura de la mujer sea solo un elemento decorativo.

Este trabajo, cuya trama parece sin pretensiones, fue fruto de mucho pensamiento por parte del autor. El artista atribuyó gran importancia a la expresividad y la "melodía" de la línea, fue con su ayuda que buscó expresión en el reflejo de la forma. Por lo tanto, para crear una silueta rítmica única de todo el grupo, simplificó especialmente los volúmenes del plan intermedio. Los lienzos dedicados a este tema se han convertido en un pináculo real de la habilidad de Edgar Degas. En ellos, logró lograr una nueva expresividad al mostrar la realidad y dar una generalización monumental a la escena cotidiana ordinaria.

Trabajo desnudo

Otro tipo de escenas cotidianas a las que Degas dedicaba mucho tiempo eran mujeres desnudas detrás del baño. Desde aproximadamente la década de 1880, el artista comenzó a crear bellas imágenes femeninas que no encajan en los cánones generalmente aceptados de esa época. Degas rechazó todas las convenciones, la idealización de las ideas sobre la belleza femenina. "La belleza debe ser característica" - este postulado fue tomado por el maestro como la base de su trabajo. El artista argumentó que la naturaleza de un cuerpo desnudo se manifiesta mejor en una variedad de movimientos que pueden ser naturales solo durante el baño. Entonces apareció una serie de obras, cuyas heroínas están ocupadas consigo mismas: se lavan, se limpian, se peinan y están tan absortas en sus pensamientos que no piensan en absoluto en aceptar poses elegantes y elegantes.

Un vívido ejemplo de tal trama es la composición en colores pastel de Taz (1885, Hill Stead Museum, Farmington), cuyo personaje principal se inclinó para mojar su esponja en agua. Su gesto suave está lleno de naturalidad, y la composición carece de cualquier cosa que pueda distraer la atención de la audiencia de la niña. Al año siguiente, el artista escribió otra obra con el mismo nombre (Mray d’Orsay, París). En esta imagen, la heroína se agachó en el centro de la pelvis y, apoyándose en su mano, se lava el cuello. La figura de la niña se perfila suavemente por la luz que entra por la ventana. Para lograr una mayor expresividad, Degas utilizó contrastes, a veces enfatizando el cuerpo femenino y luego "fusionándolo" suavemente con cortinas. Un tercio de la composición es un amplio estante blanco con artículos de tocador: una jarra con agua limpia, un peine y una horquilla.Entonces el artista enfatizó la profundidad de la sala.

El constante regreso a los mismos temas, poses y gestos se explica por la búsqueda incontrolable de excelencia de Degas. Amigos bromearon sobre el artista, diciendo que "para que deje de rehacer una imagen, solo puede seleccionarla". El pintor simplemente estaba obsesionado con el deseo de capturar verdaderamente cualquier movimiento. Se otorga un lugar especial en el trabajo de Degas a las imágenes de mujeres que se peinan el cabello. Aquí, el artista nunca copió técnicas de composición encontradas anteriormente, buscando incansablemente nuevas.

Uno de los pasteles más famosos de este ciclo, "Una mujer que se peina" (1886, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo), puede servir como un ejemplo perfecto de la búsqueda constante del artista por una pose ideal y un gesto natural. El trabajo tiene varias opciones, una de ellas se almacena en una colección privada de Morris (Filadelfia) y otra en el Museo Metropolitano de Arte (Nueva York). En todas las versiones, la heroína se representa desde la parte posterior, lo que permitió a Degas transmitir sus movimientos de manera más convincente. El artista enfatiza el volumen y la profundidad de la sombra con líneas elásticas del contorno, creando la expresividad de los movimientos suaves de la heroína que se peina el pelo largo y rojo.

Con el tiempo, Edgar Degas desarrolla su propia estética de transmisión de movimiento. El maestro buscó no solo fijar la posición de los brazos, las piernas y el cuerpo con precisión fotográfica, sino también sentir y transmitir con la máxima expresividad la compleja interacción de todas las partes del cuerpo. Trabajando en los trabajos de esta serie, el artista hizo un intento de crear su propio sistema, lo que le permitiría representar la pose específica de una mujer con extrema precisión, pero en los términos más generales.

En trabajos posteriores del artista, los movimientos de las heroínas se vuelven más agudos, la forma del cuerpo comenzó a transmitirse de manera más simplista y, a menudo, se perfila con un contorno afilado. Un vívido ejemplo es la pintura "Una mujer saliendo del baño" (1900, colección privada). Es muy claramente visible cómo el estilo tardío del maestro adquirió una expresión más aguda, generalización de formas y decoración. El pintor demostró que el cuerpo puede ser aún más expresivo que la cara, por lo tanto, los motivos completamente ordinarios en su arte recibieron una expresión poética de energía vital, gracia elegante y belleza.

Los ultimos años del maestro

A principios del siglo XX, la enfermedad de Edgar Degas empeora tanto que casi pierde de vista por completo. Incapaz de expresarse de otra manera que no sea arte, el maestro comienza a dedicarse seriamente a la escultura, que él llama el "oficio de los ciegos".

Los temas que Degas trató de encarnar en una nueva forma de creatividad seguían siendo los mismos que en la pintura: jinetes, bailarines y bañistas. Esculpió pequeñas esculturas para sí mismo, por lo que un número muy pequeño de ellas llegó al final, como "El pequeño bailarín de catorce años".

Los contemporáneos del artista notaron que al final de la vida, a pesar de un fuerte deterioro en la condición física, el interés de Degas en la música, la fotografía y la poesía solo se intensificó. En el círculo de amigos, a menudo comenzó a cantar canciones napolitanas, sin embargo, en algún lugar a partir de 1895, el pintor dejó de hablar casi por completo con amigos y rara vez salió de la casa, y continuó comunicándose solo con un círculo muy estrecho de personas cercanas.

Después de 17 años, en 1912, Edgar finalmente dejó de trabajar. En este momento ya está ciego y completamente agotado. Hubo varias razones para este mal estado del artista, este año su hermana Teresa muere, y el pintor mismo tiene que abandonar su amada casa debido a la reconstrucción, que ya no podía posponerse.

El 27 de septiembre de 1917, Edgar Degas murió a la edad de ochenta y tres años. El funeral fue muy modesto, como el propio artista deseaba. Entre los amigos que vinieron a llevarlo en su último viaje estaban Claude Monet, Leon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard y muchos otros. En su último testamento, Degas solicitó no dar discursos de luto durante el funeral. Por separado, enfatizó que si Foren realmente quiere decir algunas palabras, que sean muy simples y concisas, como: "A él, como a mí, le encantaba dibujar sobre todo". Edgar Degas ya se convirtió en un gran pintor reconocido durante su vida, sus pinturas fueron compradas a precios fabulosos, y aunque los últimos años del artista fueron bastante alegres, aún vivió una vida rica y vibrante y permaneció para siempre en la historia del arte.

Zhuravleva Tatyana