Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) Traductor traducir

El destacado representante de la escuela española de pintura, Francisco José de Goya i Lucientes, es un artista único que logró encarnar en su arte el trágico destino del pueblo español, sus esperanzas e innumerables sufrimientos, que perduraron duramente con una vitalidad infinita. La inspiración para el artista fueron los hechos reales que tuvieron lugar en su país. Al no tener otro poder que el poder del arte, el artista a través de sus pinturas expresó su actitud personal hacia la realidad que lo rodea y lo que estaba sucediendo en su amada patria.

Fotos de Francisco de Goya y Lucientes

Los primeros años del gran maestro.

El futuro gran artista Francisco Goya nació en el pequeño pueblo de Fuentetodos, ubicado entre las rocas aragonesas en la parte norte de España, el 30 de marzo de 1746 en la familia del maestro creador José Goya. El padre del artista no era un plebeyo, provenía de una familia de un notario adinerado que recibió su especialidad en Zaragoza. Esta situación le permitió casarse con un representante de los estratos más bajos de la nobleza española, Don García Lucientes. Después de una boda modesta, la joven familia se mudó a la finca, heredada y ubicada en Fuentetodos. De acuerdo con la ley española de la época, los nobles solo podían vivir de los ingresos aportados por sus posesiones y no tenían derecho a trabajar.

En este estado de cosas, la familia Goya apenas podía llegar a fin de mes. Esto obligó al jefe de la familia a transportar su hogar de regreso a Zaragoza, donde él podía llevar su oficio. Lo que sucedió en 1759. Habiendo mejorado ligeramente su situación financiera después de la mudanza, el padre de familia envió a sus tres hijos Thomas, Camillo y Francisco a la escuela primaria del padre de Joaquín. Debo decir que la educación que los niños recibieron allí es difícil de llamar buena, el Padre Joaquín prefirió la teología a la alfabetización, que se reflejó en toda la vida posterior del artista. Hasta el final de su vida, Goya escribió con errores, y su pronunciación y vocabulario traicionaron inequívocamente a un plebeyo en él. Es cierto que debe tenerse en cuenta que a fines del siglo XVIII en España, una buena educación solo estaba disponible para un puñado de la élite.

Después de abandonar la escuela, Francisco ingresa a una escuela jesuita en Zaragoza. Su mentor, el padre Pignatelle, notó de inmediato las habilidades artísticas sobresalientes del niño y lo recomendó a su pariente José Lusana y Martínez, quien una vez fue pintor de la corte. El padre Francisco no se opuso y le pagó a su hijo lecciones de arte durante cuatro años. Durante este tiempo, Francisco Goya no solo comprendió los conceptos básicos de la pintura y el dibujo, sino que también creó numerosos grabados y grabados a partir de las obras de destacados maestros españoles. Ya en este momento, Francisco mostró una increíble perseverancia y determinación. Para lograr la máxima expresividad de la imagen de varios movimientos del cuerpo humano, el joven artista, además del taller de Lucian, también visitó la escuela de escultura de Juan Ramírez. En él, hizo copias de esculturas y creó estudios de estudiantes. Cabe señalar que en España de este período hubo un tabú en las imágenes de un cuerpo desnudo, especialmente de una mujer, por lo tanto, las clases de escultura para Goya fueron casi la única oportunidad para estudiar anatomía humana.

Gracias a su perseverancia, Francisco se estableció rápidamente como un brillante copista, captando sutilmente las características de la manera artística y el estilo de los pintores ilustres. Gracias a esto, en 1760, recibió su primer pedido para pintar un relicario en una iglesia en Fuentetodos. Desafortunadamente, este trabajo fue completamente destruido en 1936 durante la Guerra Civil española. Pero su apariencia se puede reconstruir a partir de fotografías sobrevivientes. Los lados exteriores de las alas de madera del relicario estaban decorados con la imagen "La aparición de la Virgen del Pilar frente a Santiago", y en el interior estaban representados "San Francis de Paula ”y“ Madonna and Child ”. Según la evidencia que sobrevive, los contemporáneos elogiaron el trabajo del artista, aunque Goya, que la vio, ya en una edad avanzada, se indignó: "¡No digas que lo pinté!".

En 1763, Goya, de diecisiete años, que finalmente decidió conectar su vida con el arte, abandonó Zaragoza y se fue a Madrid. Los primeros años de la estancia del artista en la capital española están envueltos en secretos y leyendas. De la información confiable que nos ha llegado, solo se sabe que a fines de 1763, inmediatamente después de su llegada a Madrid, Francisco solicitó una beca a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, pero fue rechazado. Lo que Goya hizo en Madrid durante los próximos dos años es completamente desconocido. En 1766, Francisco participó en una competencia anunciada por la Academia sobre un tema de la historia española. La tarea se formuló de la siguiente manera: "Marta, la Emperatriz de Bizancio, llega a Burgos al Rey Alfonso el Sabio para pedirle una parte de la cantidad que el Sultán designó para rescatar a su esposo, el cautivo del Emperador Baldwin y el El monarca español ordena darle esa cantidad ". Ramon Bayer recibió la medalla de oro de la competencia, y Goya falló, que se convirtió en una de una serie de fracasos que lo persiguieron en el primer período de su trabajo.

Pero la participación en la competencia le dio a Goya algún beneficio, en el que conoció a Ramon Bayeu y su hermano Francisco, un miembro del jurado académico, en el que ingresó de inmediato a los estudiantes. Durante unos tres años, el joven pintor vivió y estudió en la casa de un nuevo mentor, tiempo durante el cual se enamoró apasionadamente de su hermana Josef. El afecto de Goyal no impidió que Goya se fuera a Roma en 1769, donde continuó su educación.

Desafortunadamente, no se ha preservado ninguna información confiable sobre los dos años de vida de Francisco de Goya en Italia. Los únicos datos sobrevivientes mencionan la participación del artista en un concurso realizado por la Academia de Bellas Artes de Parma. Como parte de la competencia, creó la pintura "Hannibal, mirando desde las alturas de los Alpes a los campos de Italia". El lienzo tuvo cierto éxito con el jurado, sin embargo, Goya nuevamente no tuvo suerte. Con un margen de solo un voto, la medalla de oro de la competencia nuevamente fue para otro.

Reconocimiento de talento

En 1771, Francisco Goya regresó a Zaragoza, decepcionado y cansado del fracaso. Después de varios meses, el artista finalmente sonrió suerte, recibió su primer pedido. Se requirió completar una serie de pinturas religiosas en la capilla del palacio del conde local Gabard de Sobradiel. Goya hizo todo lo posible, como resultado, los frescos resultaron ser de muy alta calidad y apreciados por el cliente. Este fue el primer éxito significativo del pintor en el campo profesional.

Pronto, el artista recibió el encargo de completar una serie de bocetos para los frescos de la cúpula de la Catedral de la Virgen del Pilar en Zaragoza. Durante un mes de trabajo, Goya logró crear obras que afectaron a los miembros de la comisión para la reconstrucción de la catedral. Este fue el segundo éxito que demostró la capacidad de Francisco para crear excelentes murales. Sin embargo, debe mencionarse que el precio de las obras jugó un papel importante en el hecho de que Goye obtuvo el pedido, exhibido por el propio artista en diez mil reales menos que el resto de los concursantes. Sea como fuere, a mediados de 1772 el artista había terminado el trabajo de pintura de la cúpula. El fresco, titulado "Adoración de los ángeles en nombre del Señor", fue realizado en estilo barroco. Saturado con numerosas figuras de ángeles representados en la imagen de mujeres hermosas, cuya variedad de ángulos enfatiza la dinámica de la composición, basada en el movimiento continuo, le dio al artista un éxito muy esperado y bien merecido.

La participación en la creación de la pintoresca decoración de la Catedral de la Virgen del Pilar fue un punto de inflexión en la carrera del artista. Además del respeto por los conciudadanos y el bienestar material, Goya también recibió un flujo constante de órdenes, lo cual es muy importante para cualquier artista. Su siguiente trabajo fue la creación de un ciclo completo de frescos para el monasterio de Aul Dei y la iglesia de di Menuel. Esto le permitió a Francisco obtener una posición adecuada en la sociedad y convertirse en el artista más exitoso de Zaragoza. Llegó un momento en que Goya finalmente pudo darse el lujo de casarse.

A principios de la primavera de 1773, el artista fue a Madrid con su maestro Francisco Bayeu para pedir las manos de su hermana Josefa. Todo salió bien, y los amantes felices se casaron durante una magnífica ceremonia, celebrada el 25 de julio de ese año. Inmediatamente después de la boda, los recién casados ​​fueron a Zaragoza, donde Francisco aguardaba numerosos pedidos pendientes. Por extraño que parezca, prácticamente no nos ha llegado ninguna información sobre la compañera de la vida de la gran pintora, ni en sus archivos privados ni estatales hay cartas o reseñas de sus contemporáneos, ni siquiera hay información sobre El número de niños nacidos en casi cuarenta años de su vida juntos. En general, se acepta que todos los hijos del artista murieron a una edad temprana, y solo uno de sus hijos, Francisco Javier Pedro, se convirtió en un verdadero apoyo para su padre y el sucesor de su trabajo. Los biógrafos y los historiadores del arte solo pueden suponer que Josefa era una esposa devota y una cuidadosa guardiana del hogar, pero obviamente estaba muy poco interesada en la vida social. Solo se conoce con certeza la fecha de su muerte, 1812. Es sorprendente que durante su larga vida familiar, Francisco Goya pintó solo un retrato de su esposa.

Encontrar un puesto en la corte real

A principios de 1774, se comenzó a trabajar a gran escala en la reconstrucción de tapices de la fábrica real de Santa Bárbara. La comisión de restauración incluyó a Antoine Rafael Mengsu y Francisco Bayeu. El segundo fue responsable de la distribución entre los artistas simuladores de pedidos para la creación de bocetos de futuros tapices. Gracias a esto, Goya y Ramon Bayeu recibieron un pedido grande, que les proporcionó un trabajo permanente y bien remunerado. Esta orden facilitó el traslado del artista a Madrid con toda su familia.

Los sujetos de los primeros bocetos encargados por el pintor fueron la caza y la pesca. Goya completó rápidamente bocetos de escenas temáticas en cartón. A pesar del estilo seco y sobrio de los bocetos, con prácticamente ningún espacio elaborado alrededor de los personajes, recibieron la aprobación del rey, y el artista recibió un nuevo orden, cuyo tema era una escena de la vida de los españoles comunes.

Aquí es donde se reveló el verdadero talento del pintor. Estos bocetos sentaron las bases para una serie de ingeniosas obras que glorificaron al artista durante muchos siglos. Eligió a las mujeres jóvenes (mahi) vestidas de vivos colores y sus coloridas compañeras (maho) como los héroes de sus cartones. Las composiciones se basan en historias de la vida de las personas: juegos, vacaciones, escenas callejeras. Los tonos ricos en sonido de las pinturas transmiten de manera realista el ambiente despreocupado de la diversión universal. En sus obras, el artista con gran observación mostró una variedad de tipos folclóricos y trajes nacionales vibrantes, así como el ocio y los modales de la juventud urbana. Según los gustos de su tiempo, el maestro idealizó ligeramente las formas de sus personajes. Pero la paleta de colores del artista se muestra aquí en todo su esplendor: numerosos matices de colores de varios tonos distinguieron inmediatamente a Goya entre sus contemporáneos.

Las obras más llamativas de este período incluyen las pinturas "Vendedor de platos" (1779, Museo del Prado, Madrid), "Fiestas en el día de San Isidoro" (1788, Museo del Prado, Madrid), "Maha y sus admiradores" )1777), Museo del Prado, Madrid) y otros. Pero el mejor trabajo entre ellos es el cartón para el tapiz Umbrella (Museo del Prado, Madrid), escrito en 1776. El boceto es un boceto de género simple. En primer plano se sienta una hermosa niña en una pose elegante, como si se mostrara al espectador, con una sonrisa cautivadora en sus labios. La joven compañera de la niña se para a su izquierda, bloqueando a la joven de los rayos del sol con un paraguas abierto. La composición del cartón está impregnada de la alegría y el descuido de la vida. Lo más destacado de la imagen fue la iluminación compleja, casi fantástica, con la que Goya crea un sabor musical armonioso, construido en colores pastel.

La iluminación de este trabajo en la corte real se vio afectada por la iluminación de las mentes de la Ilustración francesa, con su partida de los cánones estrictos, tan venerados anteriormente en España. Gracias a este éxito entre la aristocracia, el 7 de mayo de 1780, Francisco Goya fue elegido por unanimidad para los nuevos miembros de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ya en 1785, se convirtió en su subdirector, después de otros diez años, el director del departamento de pintura de la Academia.

Entre 1786 y 1791, se planea un cambio de entonación en el cartón del maestro. Cada vez más en sus obras, el deseo de transmitir no el atractivo externo de la trama, sino el estado emocional de los personajes, que se volvieron más "terrenales" al perder el brillo y la belleza externos, tan característicos de las obras anteriores del artista, es manifestado Esto se ve claramente en obras como The Blindfold Game (circa 1788-1790, Museo del Prado, Madrid) y The Wounded Mason (1786 Museo del Prado, Madrid), que se convirtió en una de las obras clave de este período.

La imagen se distingue por una trama verdaderamente dramática: los trabajadores jóvenes llevan en los brazos de su compañero que se ha desgarrado desde una altura. En sus poses y en la forma en que el artista interpreta los volúmenes de sus cuerpos, surge un cierto compromiso del maestro con las tradiciones del clasicismo. El color frío de la composición se basa en una combinación de tonos de azul, gris y ocre. Aunque la obra aún no tiene ese sonido trágico penetrante, tan característico de muchas de las pinturas posteriores de Goya, ya refleja plenamente las entonaciones básicas de la obra madura del maestro.

Al final de su trabajo para la fábrica real, Goya crea otra obra maestra propia: "La muñeca" ("El juego en el Pelé", 1791-1792, Museo del Prado, Madrid). Después de haber trabajado en la fábrica de Santa Bárbara durante aproximadamente dieciocho años, el artista creó más de sesenta cartones. Con los años, el maestro ha adquirido no solo amigos y mecenas influyentes, sino también muchos envidiosos y malvados.

La evolución del retrato del artista.

Trabajando en bocetos para tapices, Goya pintó muchos retratos personalizados al mismo tiempo. Sus primeras obras de este género hablan del gran deseo del artista de tener éxito a toda costa, esto es especialmente notable en la forma en que el pintor halagó a sus nobles modelos.

Un ejemplo es el ceremonial "Retrato del conde Floridablanca" (1783, Banco de Urquijo, Madrid), en el que se representa al omnipotente primer ministro de pie en toda su longitud, en su oficina vestido con todos los atuendos de poder y poder. Los artículos personales que rodean al conde dan testimonio de sus pasatiempos, su figura en la imagen se destaca por colores luminosos y brillantes, y contrasta bruscamente con su entorno. El primer ministro no es el único representado: su secretaria está de pie en la parte posterior de la sala, y a la izquierda del conde Goya se ha representado a sí mismo en una de sus obras. En la imagen, Floridablanc no nota a los demás y mira con calma frente a él, también sucedió en la vida. El conde reaccionó con frialdad al trabajo del artista y ni siquiera le pagó al pintor que tenía grandes esperanzas de conocer a una persona tan influyente, esperando ver a un mecenas en su cara.

El artista aprendió una amarga lección y más tarde, en el mismo año, mientras visitaba la villa del hermano del rey de España, la infanta don Luis de Borbón, donde pintó el retrato de su familia, ya no buscó halagar a un alto rango. personas. En su trabajo en esta imagen, el deseo de transmitir la profundidad de los personajes y la individualidad de cada modelo se traza claramente.

La composición del "Retrato de la familia de la infanta Don Luis de Borbón" (1783, Fundación Magnani Rock Fund Mamiano, Parma) se basó en el principio de las escenas de género cotidianas. Toda la familia de don Luis se reunió alrededor de una pequeña mesa en la que el infante coloca el solitario. Pero el verdadero centro de composición no es en absoluto él, sino su esposa María Teresa, vestida a la luz, como si fuera ropa brillante. El peluquero lo peina de pie detrás de ella. En el lado izquierdo del lienzo, Goya nuevamente se representó a sí mismo trabajando en esta pintura. Un lienzo bastante grande (248 x 330 cm) demuestra bien la mayor habilidad del artista. El artista logró transmitir los personajes de los héroes de una manera discreta y al mismo tiempo muy realista. El color de la obra se basa en una mezcla de colores cálidos oscuros con ligeros acentos de azul y verde, que le dan al lienzo un sonido musical sonoro.

Después de crear este retrato, Goya finalmente encontró lo que soñaba: conocer a las influyentes y poderosas mecenas, que se convirtieron en las duquesas Alameda Osuna y Alba. El artista logró llevarse bien con los dos, a pesar del hecho de que fueron rivales jurados siempre y en todo. Una nueva etapa comenzó en su vida, su carrera ahora estaba condenada a un rápido ascenso.

Pronto, el artista comenzó a trabajar en un retrato de la novia del conde Floridablanca. “Retrato de la marquesa de Pontejos y Sandoval, duquesa de Pontejos” (1786, National Picture Gallery, Washington) se realiza en el marco estricto del retrato del desfile. El estilo de la obra está muy cerca de las primeras obras de este género. La figura de la marquesa se representa en el contexto de un paisaje ideal (Goya utilizará esta técnica para retratos femeninos hasta finales del siglo XVIII), toda su imagen es natural y tranquila. El hermoso vestido de seda de la heroína, pintado por el artista con gran habilidad, distrae al espectador de la triste expresión de su rostro.

Dos años después, Goya escribirá otro de sus famosos retratos grupales: “La familia del duque de Osun” (1788, Museo del Prado, Madrid). En este trabajo, ya se manifiesta una nueva forma del artista, que en el futuro se convertirá en la manifestación más llamativa de su estilo individual. La característica principal de su trabajo es el enfoque en el estado psicológico de sus héroes. Al mismo tiempo, para desviar la atención de la mirada exigente de clientes eminentes de su propia evaluación de sus personalidades, Goya dibuja con cuidado y maestría todos los detalles más finos de sus exquisitas prendas y joyas. El fondo de los retratos se vuelve monofónico, de modo que nada distrae al espectador de la contemplación de modelos. Los ejemplos más sorprendentes de retratos de este período incluyen el "Retrato de Don Manuel Osorio de Zoonig" (1788, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York).

Pronto, finalmente, el sueño del artista se hizo realidad: en abril de 1789, Goya recibió el puesto de pintor de la corte que tanto deseaba. Debo decir que el éxito volvió tanto la cabeza que comenzó a ignorar la fabricación de cartón para tapices. Esto llevó al artista a la ira del director de la fábrica, quien inmediatamente escribió una queja al rey. El viejo mentor del pintor Francisco Bayeu tuvo que trabajar duro para enmendar a su pariente y callar el escándalo. Afortunadamente para Goya, todo salió bien, y comenzó a trabajar en silencio en la corte, haciendo retratos de quienes estaban en el poder. Así, en 1795 escribe su famoso "Retrato de María Teresa Cayetan de Silva, duquesa de Alba" (Museo del Prado, Madrid). La imagen de la duquesa es muy efectiva, un vestido blanco en marcado contraste con un mechón de cabello negro rizado y acentos rojos en forma de un amplio cinturón de satén, tensando la delgada cintura de la heroína y con lazos rojos en el pecho y el cabello. Esta combinación de colores contrastantes le da a todo el lienzo un gran sonido.

Pintura de la iglesia de San Antonio

Además de las órdenes constantes de grabados y retratos, el pintor de la corte Francisco de Goya recibió órdenes muy honorables y rentables para la creación de pinturas monumentales. Entonces, en 1798, el rey Carlos IV encargó al artista que pintara las cúpulas y las paredes del recién terminado templo de San Antonio de la Florida.

La iglesia fue construida por orden del rey por el famoso arquitecto de la época Fontana, que logró completar la obra en solo seis años, de 1792 a 1798. Se suponía que los frescos del templo contaban sobre la vida de San Antonio. de Padua, el monje de los franciscanos que vivió en el siglo XIII. Durante treinta y seis años asignados a él, San Antonio ganó fama como un destacado orador. Historias y leyendas y su vida virtuosa, milagros y sermones conmovedores fueron conocidos en todo el país, incluso fue llamado la "Lámpara de la Orden".

En el trabajo sobre los frescos, el artista recibió total libertad de acción, y Goya aprovechó esta oportunidad para repensar los cánones tradicionales de la pintura de la iglesia.

Según la tradición, todo el espacio de cupones al crear frescos tenía que estar ocupado por imágenes de ángeles, una cruz o Cristo. Goya decidió poner allí una trama dedicada al milagro de la resurrección de los muertos por San Antonio, realizada frente a una multitud asombrada. Con este gesto, el artista exaltó al santo a quien estaba dedicado el templo. El pintor colocó ángeles y arcángeles en las paredes y arcos de soporte, y pequeños ángeles ocuparon las velas.

La escena de la resurrección de Goya adquirió una interpretación completamente realista. San Antonio es representado con sus compañeros, rodeado de una audiencia diversa, que observa cuidadosamente sus acciones. En un esfuerzo por dar al fresco el máximo realismo, el artista se centró en transmitir las imágenes de la gente común, representando a la multitud como si llegara directamente desde las calles de Madrid. La solución compositiva circular le da al trabajo el efecto de movimiento continuo y dinamismo. En contraste con las imágenes realistas del fresco central, Goya describió a los representantes del ejército celestial como idealizados y refinados de manera sofisticada. La pintura de este templo todavía se considera una de las mejores obras monumentales y decorativas de Goya.

Imagen de vicios humanos

Los años 90 del siglo XVIII se convirtieron en un punto de inflexión en la conciencia y el trabajo de Goya. Una enfermedad grave empujada a repensar la vida y el trabajo del artista, como suele suceder. Los primeros ataques de una enfermedad desconocida cayeron sobre el pintor en el otoño de 1792. Las migrañas severas, que se alternan con mareos, terminaron en parálisis parcial. Sobre todo, el artista infeliz tenía miedo de perder la vista. La enfermedad paralizó el espíritu moral de Goya, estaba constantemente de mal humor y sus seres queridos temían seriamente por su vida. Afortunadamente, estos ataques terminaron relativamente bien, ya en la primavera del próximo año, el pintor se sintió mucho mejor.

En el verano, el artista se recuperó casi por completo de la enfermedad, aunque no sin pérdida. La enfermedad lo privó por completo de su audición, pero esto no impidió que el maestro tomara su cepillo inmediatamente después de la recuperación. El sufrimiento experimentado y el miedo a la muerte despertaron en el artista un interés apasionado y genuino en el ser espiritual y social del hombre. Miró con diferentes ojos la estructura de la sociedad española y repensó su propio sistema de valores. La alegría de la vida y el resplandor del sol durante mucho tiempo abandonaron la obra del artista.

Todo esto llevó al pintor a crear una serie de obras titulada "Caprichos" (modas). Incluía ochenta grabados creados entre 1797 y 1799. En una forma grotesca fantástica, el artista reflejó la tensa situación social y todo el lado poco halagador del orden feudal de España.

Todos los dibujos ridiculizan los vicios humanos: crueldad, ignorancia, cobardía, simulación, egoísmo, credulidad, avaricia y mucho más. Todos los grabados de la serie se basan en el contraste de luces y sombras, expresado por grandes manchas en blanco y negro. Goya mostró un notable talento simbolista y un gran ingenio. Todos los personajes de Caprichos tienen una personalidad muy vívida que expresa el vicio que representan. Las poses, los gestos y las expresiones faciales de los héroes son tan expresivos que resulta imposible determinar dónde está la verdad y dónde está la ficción.

Los primeros trabajos de la serie Capriccios se dedican principalmente a los vicios que consumen almas femeninas: insidiosidad, inconstancia y engaño. En estas hojas, las jóvenes y queridas mujeres engañan vilmente a sus caballeros, y las viejas y feas procuradoras se dedican a la corrupción de las niñas inexpertas.

Comenzando con la hoja 37, hay dibujos dedicados a la ignorancia: muestran imágenes de burros que sanan, tocan música, se enseñan entre sí, dan discursos y posan para los monos. Todos los grabados posteriores a través de lo grotesco nos demuestran claramente cómo la fealdad moral de las personas produce espíritus malignos. En las noches negras, las brujas y los brownies realizan sus ritos, ríen, hacen muecas, se reúnen en sábado y atormentan a sus desafortunadas víctimas. Pero cuando sale el sol, todas las bestias no desaparecen ni mueren, solo cambian su apariencia, convirtiéndose en personas comunes y respetables. Y tan infinitamente.

43 hojas, un grabado titulado «El sueño de la razón da monstruos», se ha convertido en uno de los más famosos. Goya le proporcionó interesantes comentarios de acompañamiento: “La imaginación abandonada por la mente da lugar a monstruos sin precedentes, pero en conjunto con la mente, se convierte en la madre de todas las artes y la fuente de los milagros que crean. De hecho, el artista hizo tales comentarios a cada hoja de la colección, pero, según los contemporáneos, tales descripciones de la trama complicaron aún más su percepción, «cerrando los ojos a todos los que no tenían ni idea. ««

Según el plan del pintor, los «Caprichos» debían animar a los compatriotas y decidir confrontar su posición impuesta por la aristocracia. En 1799, Goya a su costa imprimió trescientas copias de la serie. La duquesa de Osuna compró cuatro copias, incluso antes de que salieran a la venta. Otros 27 fueron vendidos en los próximos años. Es cierto que después de algún tiempo, Capriccios aún ganó popularidad entre los artistas románticos.

La evolución del estilo y la cosmovisión Durante todo este tiempo, el maestro no dejó de trabajar en el género de los retratos, que la aristocracia de la corte le ordenó constantemente. Alejándose de la interpretación anterior, algo superficial de los personajes y las tramas, pasó al estricto realismo intelectual. Las pinturas creadas a principios del siglo XVIII y XIX se distinguen por un sutil sistema expresivo de técnicas artísticas que le permitió al artista revelar completamente la esencia interna de los personajes. Estas obras ya reflejan las nuevas tendencias en la pintura, cercanas a los ideales visuales de la era del romanticismo.

El maestro comienza a prestar más y más atención a la psicología, trata de enfatizar la trágica compresión de la personalidad bajo el yugo de las circunstancias externas. Goya parece apreciar el potencial de un individuo, independientemente de su estatus social. A menudo, esto se expresa en sarcasmo cáustico, claramente visible en varios retratos de los poderosos. Otra característica distintiva del nuevo período de la obra del artista fue la rica paleta de colores y enfatizó el volumen de plástico, el color gris plateado y aireado de la década de 1790 fue para siempre en el pasado.

A principios del siglo XIX, Goya recibió una gran orden de la familia real para la ejecución de una serie de sus retratos. Una de las obras más notables de este período fue el "Retrato de la familia del rey Carlos IV" (1800, Museo del Prado, Madrid). Durante la ejecución de este lienzo a gran escala (cuyas dimensiones eran 280 x 336 cm), el artista logró crear retratos separados de cada miembro de la familia coronada. El trabajo en el retrato familiar duró aproximadamente un año.

Lo primero que llama la atención al mirar esta imagen es la magnificencia de los trajes de todos los miembros de la familia real, escritos con gran habilidad. Telas lujosas, velos ingrávidos, joyas iridiscentes y vestimentas de poder eclipsan las imágenes de los propios héroes. Este efecto fue buscado por el artista. Porque, si miras detenidamente las caras pomposas congeladas de los miembros de la familia, puedes notar la sutil característica psicológica que Goya le dio a cada uno de ellos.

Por ejemplo, la imagen de la reina María Luisa fue pintada con claridad fotográfica. La pintora describió de manera realista su nariz aguileña, mentón doble y labios delgados, estirados en una sonrisa. Maria Louise se encuentra en el centro del lienzo, los niños más pequeños la rodean, el Rey Carlos IV se muestra a la izquierda y su hijo mayor en una camisola de seda azul está a la derecha de la reina. Posteriormente, se convertirá en un tirano Fernando VII (mira su cara malvada). Junto a Ferdinand está su novia, ella se apartó del espectador, ya que al momento de escribir la imagen, no se llegó a un acuerdo sobre su matrimonio. En la esquina izquierda de la imagen, en la sombra profunda, Goya se pintó a sí mismo.

El retrato transmite muy sutilmente las relaciones dentro de la familia. Si prestas atención a cómo se encuentran los personajes de la imagen, es sorprendente que se vean como una multitud fragmentada y congelada que llenó todo el lienzo. El artista enfatiza intencionalmente la inconsistencia de sus puntos de vista y gestos. Y el color de la imagen en sí se basa en una combinación dispersa de puntos inusualmente coloridos.

A pesar de que ninguno de los miembros de la familia coronada mostró ni una sombra de indignación por el trabajo terminado (la reina incluso se burló de su apariencia "fracasada"), el lienzo fue la última orden recibida por el artista de la familia real.

Pero las obras más significativas del artista de este período (1800 - 1803) fueron los lienzos "Dressed Swing" y "Naked Swing" (Museo del Prado, Madrid). Presumiblemente, estas dos obras fueron creadas por orden del primer ministro Manuel Godoy. Según las fuentes, los nombres originales de las pinturas eran "Gypsy Dressed" y "Gypsy Nude". La imagen femenina creada por el artista en estos lienzos encarnaba una belleza viva y sensual, que contrastaba fuertemente con los fríos cánones del academismo. No se conservó información confiable sobre la identidad de la niña que sirvió de modelo para estos trabajos. Según una versión, era la amante de Godoy, según otros: la duquesa de Alba, quien, según los rumores, tenía una relación bastante larga con el propio artista. Es cierto que no se ha encontrado evidencia real de esto.

En los próximos dos años, de 1804 a 1806, el artista crea una serie de imágenes femeninas interesantes. Estos incluyen Retrato de Francisco Sabas y García (1804, Galería Nacional de Arte, Washington), Retrato de Dona Teresa Sured (1804-1806, Galería Nacional de Imágenes, Washington) y Retrato de Dona Isabel Cabos de Porsel (circa 1805, Galería Nacional, Londres). Todos los lienzos están escritos de manera libre, diferente de sus primeras obras discretas.El maestro, al mezclar delicadamente muchos tonos de tono relacionados, logra lograr una interpretación muy realista de los modelos. Los rostros de las mujeres jóvenes están llenos de un impulso romántico, y las poses y miradas están llenas de determinación. Los lienzos oscuros son un homenaje a la tradición establecida de la época, pero, a pesar de esto, el artista logra lograr el rico sonido de todos los colores y la transmisión increíblemente realista de las niñas. Otra característica de los retratos es que el pintor no selecciona sus atuendos y accesorios, como fue el caso en su trabajo anterior, y las características de personalidad de las heroínas, su carácter y psicología.

Luego, el artista crea otra obra con imágenes femeninas memorables: "Swinging on the Balcony" (1805-1812, Metropolitan Museum of Art, Nueva York). El lienzo representa a dos hermosas mujeres jóvenes sentadas en el balcón. En el fondo, en colores oscuros, se escriben las siluetas de sus compañeros. Las frágiles figuras de las chicas, sus sonrisas astutas y sus ojos conmovedores se ven atractivas y atractivas, pero la apariencia de sus compañeros es alarmante y crea una sensación de peligro.

Pronto estalló una guerra con Francia. Goya recibió muchas órdenes gubernamentales de retratos de generales del ejército, y entre los grabados creados se reunieron en una serie común llamada Los desastres de la guerra. En total, la serie incluye alrededor de ochenta obras. En ellos, el pintor representaba operaciones militares sin adornos. No de heroísmo o valentía ostentosa, solo lo que realmente sucede en la guerra es el endurecimiento del corazón humano, que se vuelve capaz de cualquier atrocidad y traición.

Una serie de grabados dedicados a la guerra, se convirtió en el pináculo de la obra realista del artista. Muchas obras reflejan lo que el pintor mismo vio y experimentó a lo largo de los años. Toda la tragedia del pueblo español se representa despiadadamente, sinceramente, sin una gota de idealización: montañas de cadáveres, saqueos, incendios, hambrunas, ejecuciones.

Cabe señalar que el objetivo del pintor, en primer lugar, no era la precisión documental, sino la expresión a través de esta serie de obras de la tensión y la tragedia que sintió al pasar por los años de la guerra. El profundo subtexto, la combinación de realidad y grotesco, alegoría y ciencia ficción junto con un análisis sobrio de la realidad, y la aguda expresividad lograda a través de agudos contrastes en blanco y negro predijeron caminos de desarrollo completamente nuevos en el género del grabado europeo.

En una cartulina "Un triste presentimiento de lo que está por suceder" (1810, Biblioteca Nacional de Madrid), se representa a un hombre con la ropa desgarrada, los brazos abiertos a los lados y los ojos llenos de desesperación y lágrimas. al cielo en una pregunta sin sonido. En el fondo, reina el caos y la destrucción, las pérdidas que el infierno de la guerra inevitablemente trae consigo. Grabado abre la serie "Desastres de la guerra" y es, de hecho, su leitmotiv.

Todos los horrores de la guerra pasan por una serie de grabados de una secuencia realista espeluznante y aterradora: innumerables cadáveres, violencia contra las mujeres, ejecución de rebeldes y carretas con los muertos. Los eventos e imágenes representados por el maestro transmiten con tanta precisión la esencia de las hostilidades que podrían servir como una ilustración de absolutamente cualquiera de los conflictos armados experimentados por toda la humanidad. Era importante para el artista enfatizar que las víctimas de monstruosos conflictos interestatales no son solo soldados de tropas oficiales, sino también civiles indefensos: niños, ancianos, mujeres. La serie pudo salir en ensamblaje completo solo en 1863, después de 35 años pasados ​​bajo el gobierno de Francia.

El final de la primera década del siglo XIX fue un momento difícil para España. El descontento en el país estaba en constante crecimiento, y el rey Carlos IV demostró ser un político débil e insolvente. De hecho, el país fue gobernado por su cónyuge y su favorito: el primer ministro Manuel Godoy. Subyugaron por completo al rey y despilfarraron el tesoro, llevando a España a la ruina casi completa. Esto causó disturbios populares, lo que condujo a una aguda crisis en el país.

En 1808, el rey Carlos abdicó en favor del hijo mayor Fernando VII. Mientras se producía confusión en la corte española, causada por la división del poder, Napoleón, aprovechando la situación, capturó al joven gobernante y colocó a su hermano José en el trono español, y llevó a sus tropas al país. El emperador francés motivó su acción exclusivamente con buenas intenciones, a saber, la necesidad de resistir la revolución madura. Así comenzó la sangrienta guerra de España con Francia.

Este año, Goya crea su pintura "El coloso" (1808, Museo del Prado, Madrid), en la que expresa toda la confusión y la tensión que prevalece en la sociedad. La mayor parte de la composición está ocupada por una figura gigante de un coloso feroz, apretando los puños. Un gigante camina por tierra española, tocando nubes de tormenta. Su apariencia causa pánico general. La figura de Coloso probablemente personifica la despiadada guerra, trayendo ruina general, destrucción y caos.

En el otoño del mismo año, el artista abandona la capital y se dirige a Zaragoza, ya destruido por las tropas francesas. La aparición de la ciudad natal arruinada y quemada sorprendió al pintor en lo más profundo de su alma y le dio un nuevo impulso a la creatividad.

En este momento, Madrid tenía fiebre por las noticias. En las calles dijeron que los franceses no solo querían arrestar, sino tratar con toda la familia real. El 2 de mayo de 1808, multitudes de personas se reúnen frente al palacio real en la Puerta del Sol. Exigen de la evidencia francesa que el hijo menor del ex rey Carlos IV, el príncipe Francisco de Paula, de trece años, querido entre la gente, todavía esté vivo. Poco a poco, la situación se puso tensa, los españoles acalorados se apresuraron a proteger el palacio. Fueron recibidos por un rechazo armado. Los locales se enfrentan con mercenarios egipcios: mamelucos.

Unos años más tarde, en 1814, Goya describió la escena de este evento en un lienzo titulado "El 2 de mayo de 1808 en Madrid, el levantamiento contra los mamelucos" (Museo del Prado, Madrid). La composición de la imagen es extremadamente intensa, todo está mezclado en ella: personas, animales, vivos, muertos y heridos. La intensa coloración rojo-naranja del lienzo transmite perfectamente la atmósfera de desastre social.

Las tropas de Napoleón aplastaron brutalmente la rebelión. La misma noche, por orden del monarca francés, se llevó a cabo una masacre sin precedentes en su crueldad contra los rebeldes sobrevivientes. Cientos de Madrid fueron ejecutados sin juicio, según las pruebas que sobreviven, muchos de ellos no tenían relación alguna con el levantamiento.

Ningún artista o poeta real podría permanecer indiferente, siendo testigo directo de tales eventos. Francisco de Goya tampoco pudo. Seis años después, creó la pintura "El tiroteo de los rebeldes el 3 de mayo de 1808 en Madrid" (1814, Museo del Prado, Madrid), que cuenta una terrible tragedia. La imagen nos muestra una escena que ocurrió tarde en la noche en un páramo a las afueras de la ciudad. En la suave pendiente de una colina, iluminada por la luz desigual de una gran linterna, los soldados franceses disparan a los rebeldes capturados. El pintor presentó a los verdugos como una masa sin rostro, estrictamente organizada. El centro del trabajo es un joven campesino vestido con una camisa blanca. Extiende los brazos como si tratara de proteger su tierra natal con su propio cuerpo. El resto de los rebeldes, condenados a muerte, están representados de diferentes maneras. Alguien obedientemente inclinó la cabeza.alguien sonríe desafiante directamente a los verdugos, otros se cubren las manos con las manos, pero ninguno de ellos intenta escapar. El fondo en la imagen son las siluetas de la catedral, torres, casas, apenas distinguibles de la oscuridad de la noche. La composición de la imagen es tan expresiva que parece que las tomas ensordecedoras ahora romperán el silencio reinante. El paisaje sombrío y severo complementa la atmósfera de tragedia inminente.El paisaje sombrío y severo complementa la atmósfera de tragedia inminente.El paisaje sombrío y severo complementa la atmósfera de tragedia inminente.

Con esta imagen, el artista buscó no solo transmitir los crueles acontecimientos de la historia de España con el fin de entusiasmar al espectador con ellos, sino que quería representar la superioridad moral del pueblo español sobre sus verdugos, para expresar la rebelión de los nacionales. espíritu.

Exilio voluntario

Con la llegada de 1812, el artista sufrió una tragedia personal, la amada esposa de Joseph murió. El artista estaba muy molesto por la muerte de un fiel compañero de su vida, porque después de su partida, solo le quedaba un hijo, que ya tenía 28 años. Es sorprendente que Goya no haya escrito nada sobre su esposa y solo la haya representado una vez en la imagen: "Retrato de Josefa Bayu de Goya". A juzgar por este lienzo, Josefa era una mujer amable y sencilla. El propio artista, a pesar de su baja estatura y su apariencia poco atractiva, era conocido como un amante de las mujeres, quizás por lo tanto el modesto Josef no participó en la vida social de la sociedad.

Como cualquier pintor, Goya experimentó todas sus alegrías y penas a través de la creatividad. Después de la muerte de su esposa, comenzó a crear una serie de grabados diseñados para ilustrar el trabajo de Nicolás Fernández de Moratan, "Notas históricas sobre el surgimiento y desarrollo de la tauromaquia en España". Hoy en día, esta serie se conoce como "Tavromahiya", en la que el artista mostró la valentía de una persona que entra en batalla con un animal salvaje y feroz.

Hacia el final de la segunda década del siglo XIX, Francisco de Goya, enfermo, cansado y decepcionado con las políticas de las autoridades españolas, decidió abandonar la bulliciosa capital por privacidad. Compró una gran casa de dos pisos a orillas del río Manzanares, rodeada de grandes tierras cultivadas. El artista se mudó a más de uno a un nuevo refugio, apodado vecinos de la Casa de los Sordos, seguido de su pariente lejano Leocadia Weiss, con su pequeña hija Rosarita. Poco se sabe sobre la vida de esta mujer. En Madrid, era famosa por su comportamiento escandaloso, pero la artista sorda obviamente no estaba avergonzada.

A fines de 1819, Goya cayó gravemente enfermo nuevamente. Leocadia y Rosarita lo cortejaron, tratando de alegrar su grave condición. Gracias a este cuidado y los esfuerzos del Dr. Eugenio García Arrieta, el artista pudo recuperarse e incluso volvió a la pintura. Su primera imagen, después del sufrimiento, fue dedicada a su salvador: "Autorretrato con el Dr. Arrieta" (Instituto de Artes, Minniapolis) ya se pintó en 1820. En el centro de la composición, el maestro se retrató a sí mismo, inclinando la espalda. en el hombro de un joven doctor. Eugenio trae un vaso de caldo curativo a los labios del artista. En el fondo, en una habitación oscura, se pueden ver las siluetas de alguien. El color del doble retrato es armonioso y tranquilo. En la parte inferior del lienzo, la nota del artista:“Goya agradece a su amiga Arriet por la atención y el cuidado que le salvó la vida durante una enfermedad peligrosa, que sufrió a fines de 1819, a la edad de 73 años. Lo escribió en 1820. "

Después de mejorar su salud, Goya comienza a trabajar en una nueva serie de impresiones llamada Los Proverbios (Proverbios), publicada por la Academia de San Fernando en 1864, aunque se dio a conocer con un nombre diferente: "Disparates" ("Tonterías"). En 22 cartones, Goya representaba todo tipo de absurdos y absurdos: esta fue la interpretación de su autor de los proverbios nacionales, que adquirió un sonido fantástico del artista.

Visiones de miedo

En el mismo 1820, Goya volvió a la pintura monumental, decidiendo pintar las paredes de su casa. Así, por ejemplo, en las paredes de una habitación grande en la planta baja, el pintor representaba a una hermosa joven en pleno crecimiento: "Una mujer con un chal negro" (Museo del Prado, Madrid). No hay información exacta, pero quizás este sea un retrato de la propia Leocadia Weiss. El español se encuentra en una pose natural, descansando con una mano sobre una valla de piedra alta, que ocupa la mayor parte de la composición. El velo negro y claro que cubre el rostro de la mujer le da a la imagen un cierto misterio.

Este mural se ha convertido en la más pacífica de todas las obras del ciclo, en el que el maestro decidió revelar la esencia oculta del hombre. La historia del arte aún no ha visto obras de este tipo. Los murales de Goya están dominados por un principio aterrador, diabólico y antinatural, las imágenes siniestras aparecen como en una pesadilla. Quizás el artista los vio en un sueño, la fe no está enteramente en un sueño, sino en el delirio. El propio Goya en algunas cartas mencionó que durante su enfermedad sufrió terribles alucinaciones, tal vez fueron ellos quienes encontraron su camino en las Pinturas negras del artista.

Uno de los más llamativos es el fresco "Saturno devorando a sus hijos" (1820-1823, Museo del Prado, Madrid). La tenue iluminación arranca de la oscuridad el delgado cuerpo de un dios que, en una locura frenética, devora a su propio hijo, destrozando su cuerpo.

El fresco "Peregrinación a San Isidoro" (1820-1823, Mray Prado, Madrid) es muy revelador, lo que demuestra cuánto ha cambiado la cosmovisión del artista. Esta comparación es muy vívida porque en su juventud Goya ya creó una obra dedicada a este tema: "Fiestas en el día de San Isidoro" (1788, Museo del Prado, Madrid) representa una de las fiestas más queridas de los madrileños. Es una procesión anual a las orillas del río Manzanares, donde se organizó un gran picnic con bailes. Un atributo indispensable de la fiesta era beber más agua de un manantial curativo encontrado, según la leyenda, por San Isidoro. En el lienzo de 1788 es una fiesta nacional colorida y alegre. Pero en un trabajo tardío, en la pared de la "Casa de los Sordos", reina un sentimiento alarmante de inminente desgracia.En un fresco oscuro y sombrío sobre un suelo seco, una multitud de personas deambulan entre sí. En sus caras hay terribles muecas de dolor, miedo, horror, malicia animal y malicia.

En el mismo espíritu, se realizó la obra "Sábado de las Brujas" (1820-1823, Museo del Prado, Madrid), aunque estaba pintada en colores más claros, todo el espacio estaba ocupado por la misma multitud "fea". En el centro de la composición hay una cabra negra en sotana monástica. Los que están alrededor con un brillo codicioso de ojos locos escuchan la personificación de Satanás. Al dibujar esta "tribu demoníaca", el artista enfatiza que las personas han perdido su apariencia humana, por lo que sus caras son como las caras de los animales.

Todos los frescos de la "Casa de los sordos" tienen un carácter extraño y controvertido, excitan y asustan. Manchas de color blanco, amarillo y rojo rosado destellan repentinamente, arrebatando imágenes separadas de la oscuridad, luego, por el contrario, las envuelven. Las quince escenas se hicieron en colores oscuros, por esto y el hecho de que las tramas en sí son increíblemente "oscuras", los frescos fueron apodados "Pinturas negras". Estuvieron en las paredes de la casa hasta la década de 1870, hasta que el nuevo propietario, el barón Emil Erlanger, un banquero y un coleccionista apasionado, ordenó transferir todas las parcelas a la lona. En 1878, los presentó en una exposición en París, y tres años después donó todas las obras al Museo del Prado de Madrid, fundado por Fernando VII en 1819.

Traslado a Francia y la muerte de un maestro.

La finalización de los frescos coincidió con los cambios en el país. El rey Fernando VII en 1823 abolió el gobierno constitucional, con el que Goya simpatizaba. El artista, que todavía era pintor de la corte, comenzó a temer por su vida y en la primavera de 1824, se fue a Francia.

Se instaló en Burdeos, en una pequeña y acogedora casa, llevándose con él y Leona Leocadia con su hija. En este momento, el artista ya tenía setenta y seis años. Goya trabajó mucho en Francia. Creó retratos de sus familiares y amigos a su alrededor, dominó la técnica de la litografía. Alrededor de 1828, Goya creó la obra "Zorzal de Burdeos" (Museo del Prado, Madrid) y una nueva serie de grabados "Toros de Burdeos".

Poco antes de su muerte, el pintor viajó a Madrid, donde visitó a su hijo y nieto. El pintor murió el 16 de abril de 1828, tenía ochenta y dos años. Las cenizas de Francisco de Goya fueron transportadas a España y enterradas en el Templo de San Antonio de la Florida en Madrid, pintadas por el maestro hace muchos años.

Todo el trabajo del maestro tuvo un gran impacto en la formación y el desarrollo del arte del siglo XIX. Pocos años después de la muerte del artista, su contribución a la cultura artística se evaluó a nivel paneuropeo.

Zhuravleva Tatyana