Claude Monet (1840-1926) Traductor traducir

El 14 de noviembre de 1840 en París, un hijo llamado Oscar Claude Monet nació en la familia del dueño de la tienda de comestibles. Solo cinco años después, toda la familia del futuro artista se mudó a Normandía, a Le Havre. A partir de los 14 años, Monet comenzó a ganar dinero y fama dibujando caricaturas.

Pinturas de Claude Monet

Aquí, en Le Havre, un joven conoció a un pintor paisajista y al original Eugene Boudin, que trabajó de una manera muy extraña para ese momento: creó sus pinturas no en el estudio, sino directamente al aire libre.

Monet se dio cuenta rápidamente de las ventajas del método Boudin: la inmediatez y la vivacidad de la transferencia de la naturaleza sobre lienzo. Desde entonces, es decir, desde aproximadamente 1856, el artista también comenzó a escribir al aire libre. Incluso entonces, Claude Monet decidió por sí mismo que dedicaría su vida a la pintura, a pesar de que su padre tenía su propia opinión sobre este asunto.

Una vez decidida su misión, Monet se mudó a París, donde en 1859 ingresó en la Academia Suisse. Allí conoce al realista Gustave Courbet, al gran romántico Eugene Delacroix y al impresionista Camille Pissarro. Es cierto que después de solo un año de entrenamiento, el artista fue enviado a Argelia para el servicio militar, pero regresó a Le Havre antes de lo previsto por razones de salud, y desde allí regresó de inmediato a París.

Experimentos creativos y pasión por los efectos de iluminación.

Fatal para Monet fue la entrada en el estudio del entonces famoso pintor Charles Gdeir, en 1862. Fue allí donde conoció a sus futuros amigos: Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frederic Bazil, con quienes iniciaría el movimiento impresionista. La búsqueda de nuevas formas en el arte se ha convertido en el objetivo y el principal entretenimiento de toda la empresa.

Tres años más tarde, Monet escribió la pintura "Desayuno en la hierba", cuya inspiración fue la obra escandalosa de Edouard Manet bajo el mismo nombre. Sin embargo, Monet no iba a sorprender al público con la imagen de personajes reales desnudos, como lo hizo Manet. El joven artista solo buscaba su estilo. Ya en este momento, comenzó a descuidar la línea y modeló todas las formas usando manchas de color. El pintor, aún en Normandía adicto a la escritura en la naturaleza, estaba más interesado en los efectos de la luz natural. El trabajo en el borde del bosque le dio al joven artista la oportunidad de observar cómo los rayos del sol atraviesan el follaje y caen en varias superficies, cuyo color cambia inmediatamente, gracias a estos reflejos y reflejos del follaje.

Monet usó a su amante Camille Donsier como modelo para personajes femeninos en el trabajo, y los personajes masculinos en la imagen fueron escritos por Frederic Bazil. Esta compañía, que se prepara para el desayuno en el regazo de la naturaleza, solo está ocupada con su conversación y no tiene contacto con el espectador. El artista aparece aquí, como un observador inadvertido, los caballeros y las damas no posan para él. Solo podemos admirar los pliegues de los vestidos de mujer, con la espalda vuelta hacia nosotros. El rostro de un joven sentado ubicado en la esquina inferior derecha de la imagen también se aleja del espectador. Monet sigue sus propias leyes, no estructura claramente la composición, como una puesta en escena teatral. Rompiendo la tradición de que la imagen en primer plano de un personaje de espaldas al espectador era simplemente imposible, el artista crea su propia estética relajada, libre de prejuicios. Desafortunadamente, la imagen no se conservó en su totalidad, pero sus bocetos despertaron un gran interés por parte de muchos artistas jóvenes. En el Museo del Nombre de Moscú, AS Pushkin es una de las opciones de trabajo, creada en 1886.

Otro ejemplo de la desviación de la pintura clásica es la pintura "Damas en el jardín" (1866, Musee d’Orsay, París), cuyo diseño, con el corte de los vestidos de las mujeres, no me permitiría pintarme en ninguna academia. camino. Y Monet no tenía miedo de recortar libremente la imagen, dando la impresión de fragmentación, similar al efecto de una fotografía.

En el lienzo vemos una escena de género típica, cuyo centro semántico se desplaza hacia el borde izquierdo. La desviación de la tradición aquí se expresa en el hecho de que las damas que descansan a la sombra de los árboles se convierten en una parte integral del paisaje floreciente, que sirve como decoración, como hermosas flores. Las figuras femeninas parecen fusionarse con el paisaje, sus vestidos se adaptan al fondo de las sombras proyectadas por los troncos de los árboles.

El pintor está interesado no tanto en transmitir la individualidad de las mujeres jóvenes, sus atuendos o actividades, sino en transmitir el juego de la luz y la armonía en la relación entre la naturaleza y el hombre. Puedes juzgar cuán insignificante para el artista fueron las damas por el hecho obvio de que las cuatro señoritas fueron escritas a partir de la misma modelo: la propia Camilla. El artista intentó velar esto mostrándonos la cara de una sola mujer sentada en el césped. La figura de la izquierda se muestra de perfil, la dama que está a su lado se cubre la cara con un ramo y la cuarta heroína, que se acerca a los arbustos en flor, se aleja por completo del espectador.

En el mismo año, se pintó una de las pinturas más famosas de Claude Monet de la década de 1860: "Una mujer con un vestido verde" (1866, Kunsthayle, Bremen, Alemania). En el lienzo, nuevamente vemos a Camilla Donsier. El pintor trabaja de manera realista, usa un fondo oscuro, en el que se destaca brillantemente el rostro de una niña, bañada por el sol.

El fuerte contraste de las áreas iluminadas y sombreadas se asemeja al claroscuro de Caravaggio. La imagen lírica y, al mismo tiempo, muy íntima, no está destinada a la visión general: el maestro despliega a Camilla de espaldas casi al observador, la modelo no busca poses espectaculares, dejándonos solo la oportunidad de examinar el dobladillo. de su vestido y el abrigo de piel arrojado sobre él. El trabajo fue recibido positivamente tanto por críticos como por espectadores, lo que trajo a la joven fama de Monet.

Un año después, Monet pintó una imagen con un tema muy similar. Uno tiene la impresión de que el artista necesita a una mujer con una túnica blanca clara en la pintura "Lady in the Garden" (1867, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) como pretexto para materializar la animación de la naturaleza en orden para darle un estado habitable. La dama nuevamente casi le da la espalda al espectador, y el artista solo está interesado en la belleza del paisaje del mediodía con sus colores brillantes y largas sombras.

El centro de la composición es un macizo de flores redondo con flores rojas, sobre el cual se encuentra un árbol. La mujer representada, que, en teoría, es el centro semántico de la obra, se coloca al borde de la imagen. La dama sirve como el punto más a la izquierda desde el cual comienza la diagonal compositiva de la obra, apoyada además por un árbol en el macizo de flores y otro árbol representado a la derecha. El ritmo de la composición está establecido por las verticales de la figura femenina y ambos árboles, así como por las sombras estrechas que proyectan en el verde de la hierba.

En 1867, Camille Donsier, dio a luz al hijo del artista Jean, y poco después se convirtió en su esposa. En el mismo año, se pintó la pintura "Jean Monet en la cuna" (colección privada). Aquí, a diferencia de muchas pinturas del autor, el centro de la composición está claramente marcado; Es una cuna decorada con un dosel que cuelga sobre la cabecera de la cama. Vemos a una madre cerca de la cuna; esto hace que la imagen parezca escenas de género populares en la pintura holandesa. Sin embargo, el hombro y la espalda derechos de Camilla están cortados por el borde de la imagen, lo que indica la importancia de otro personaje de la obra: un hijo cubierto con una manta.

El género de la naturaleza muerta no era el favorito de Monet, pero, sin embargo, se dirigía a él de vez en cuando. La pintura "Naturaleza muerta con frutas y uvas" (1867, colección privada) se distingue por un estilo de escritura más suave que las obras de paisaje del maestro. Un fondo oscuro y opaco es bastante raro en los lienzos de Monet, pero en él, las frutas maduras, incluso ligeramente maduras, se ven especialmente vivas y creíbles. En este trabajo, el artista, como siempre, está más interesado en la naturaleza y los efectos de la luz.

Pero las flores, el artista que las amaba apasionadamente, preferían pintar en la naturaleza. La imagen de flores cortadas fue una rara excepción, un ejemplo de la cual es la pintura "Flores y frutas" (1869, Museo Paul Getty, Los Ángeles, California). Aquí, el maestro usó inicialmente un fondo oscuro, pero luego lo abandonó. Después de construir una naturaleza muerta, Monet corta fácilmente una buena mitad de una canasta de mimbre, frutas en la mesa y pétalos de girasol, lo que también viola todos los cánones de la pintura académica, cuya vocación siempre se consideró como la imagen del objeto en su máxima expresión. lado.

Al comienzo de su carrera, Claude Monet sufrió graves dificultades financieras, que casi lo llevaron al suicidio. En la década de 1860, la mala situación financiera del artista lo obligó a moverse constantemente de un lugar a otro. A partir de 1869, Monet se instaló en el suburbio parisino de Bougival. Auguste Renoir a menudo venía a él aquí, juntos trabajaron mucho en la naturaleza, capturaron los mismos puntos de vista y desarrollaron su propia técnica de pintura.

Los amigos se asomaron a la naturaleza, notaron incluso cambios menores en la iluminación y el movimiento del aire que más les interesaban. El deseo de atrapar los estados instantáneos de una naturaleza siempre cambiante, viviendo de acuerdo con sus propias leyes, unió a los jóvenes artistas. Observaron cuidadosamente cómo se transformaron los mismos paisajes dependiendo de la hora del día, las condiciones atmosféricas y la naturaleza de la iluminación: las sombras se alargan y se espesan, el resplandor del sol juega en las hojas y el agua, y se forman ondas en la superficie del río.

En 1869, los artistas pintaron sus famosas pinturas del mismo nombre con una vista del café en el Sena cerca de Bougival y la piscina cerca. Las pinturas se llamaron "The Frog" (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). En su versión del trabajo, Monet desarrolló una técnica de escritura individual, una nueva forma de aplicar trazos, que permite transferir rápidamente al lienzo las sensaciones de lo que vio, lo que los críticos consideraron extremadamente negligente. De hecho, desde el punto de vista del pintor de salón, el lienzo da la impresión de un boceto inacabado y ejecutado con fluidez, en el que los objetos solo se marcan y son bastante groseros. No hay idealización característica del arte académico. Pero Monet evitó completamente esto conscientemente. El artista siempre escribió lo que vio en ese momento, tratando de "atrapar" la realidad congelada que estaba congelada por un instante, y para tal tarea necesitaba un equipo rápido.

Como la mayoría de los impresionistas, Monet escribió en color puro, sin recurrir a mezclar colores en una paleta. Evitó las sombras y los medios tonos adoptados en la pintura tradicional. En cambio, el artista aplicó trazos densos de ciertos colores en el lienzo y, en combinación, le dieron diferentes tonos a la percepción del ojo humano. La idea de tal pintura se basó en los descubrimientos del físico francés Eugene Chevreul en el campo de la óptica. En particular, se descubrió que el color de los objetos no es un hecho objetivo determinado, sino que depende de la luz cuyos rayos se reflejan de ellos. Esto sirvió como justificación para el rechazo completo de los impresionistas del negro y su creación de luces y sombras "coloreadas" en las superficies claras de sus lienzos.

La pintura "Terraza en St. Andress" (1867, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) se distingue por la ausencia de una prometedora construcción de un espacio común para el arte europeo. Debido a esto, parece que el mar se cierne sobre una terraza soleada. La idea de tratar de renunciar a la perspectiva de Monet fue presentada por la pintura tradicional japonesa que se hizo popular en Europa. En el primer plano de la imagen hay una terraza con flores, en la que damas y caballeros se esconden del cálido sol de verano bajo un dosel o sombrillas paseando o simplemente relajándose, sentados en sillas de mimbre.

Las flores brillantes aparecerán repetidamente en los lienzos de Monet, convirtiéndose, al final, en un motivo independiente en su trabajo posterior. Al fondo se encuentra el mar, numerosos veleros en los que destaca el horizonte. El velero en la foto cerca de la terraza sirve como una guía importante para los ojos. Sin ella, el primer y segundo plan de la imagen se verían demasiado fragmentados, lo que llevaría a la desintegración de la composición en dos partes independientes y no relacionadas. Claros pilares verticales, discutiendo con la construcción horizontal de la composición, se ven un poco extraños. Pero esto es solo una impresión superficial, de hecho, son ellos quienes "recopilan" todo el trabajo, centrando la atención del espectador en su parte central.

Con el comienzo de la guerra franco-prusiana en 1870, Monet fue a Londres, donde se casó con Camille ese mismo año. En Londres, el artista continúa reuniéndose con amigos y personas de ideas afines y escribe opiniones urbanas con Camille Pissarro.

Personalidad de estilo

Dos años después, el artista crea su famosa obra "Impresión". Amanecer ”(1872, Museo Marmottan-Monet, París). En él, el pintor no intentó reproducir la realidad, no intentó imitar la naturaleza, sino que solo transmitió su impresión personal de su belleza.

Las figuras de las personas en la imagen nuevamente apenas se esbozan, lo cual era inusual para el espectador, acostumbrado al estilo académico de escritura. Pero la relación colorista del agua radiante pura y el amanecer, que se manifiesta en reflejos brillantes en la superficie del mar, se transmite maravillosamente.

El artista presentó este trabajo en la primera exposición impresionista, celebrada en 1874. Luego, Monet y sus camaradas todavía se llamaban a sí mismos "Sociedad anónima de artistas, pintores y grabadores". La pintura recibió críticas muy negativas de críticos y espectadores, y su nombre ("Impresión") dio lugar a una definición irónica en el momento de la nueva dirección de la pintura: el impresionismo. La exposición ganó fama solo por su fracaso ensordecedor.

Volveremos en 1872, cuando Monet y su familia se mudaron a la ciudad de Argenteuil, cerca de París. Los amigos vinieron a él aquí de nuevo: Sisley, Eduard Manet y Renoir. Las pinturas del artista todavía no estaban a la venta, pero la herencia heredada de su padre fue capaz de aumentar ligeramente el bienestar material de su familia. Aquí, en Argenteuil, Monet creó un "taller flotante" para sí mismo. Viajó en un bote por el Sena, capturó libremente las vistas que le gustaban y continuó estudiando los efectos de la iluminación a través de los reflejos de la luz solar en el agua.

En 1873, Monet crea la pintura "Campo de amapolas en Argenteuil" (Museo d’Orsay, París), que representa a Camille y al pequeño Jean Monet ahogándose en el césped. La construcción diagonal de la composición crea una sensación de movimiento. En primer plano y en el fondo hay dos pares que consisten en una madre y un niño, que se encuentran en la diagonal, sostenidos por un camino apenas perceptible, subrayado solo por una franja de amapolas. Ambos pares están escritos de los mismos modelos. El trabajo demuestra perfectamente la hábil composición de la composición usando color.

En el mismo año, también se pintó la pintura "Kaputsin Boulevard" (1873, Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin, Moscú), en la que se siente claramente la influencia del arte de la fotografía. La imagen, que transmite un instante de la vida llena de transeúntes y tripulaciones del bulevar de la ciudad, se asemeja a una instantánea. Las personas en él juegan solo un papel secundario, y el principal se asigna a la atmósfera del artista contemporáneo de la ciudad.

La influencia obvia de la fotografía es notable en la construcción compositiva de la pintura "Saint-Denis Street en el Día Nacional" (1878, Museo de Arte, Rouen). El ritmo de la composición está marcado por trazos azul-blanco-rojo de muchos estandartes nacionales, exhibidos, como bayonetas, desde balcones y ventanas de casas. El trabajo, como un reportaje, capturó la vida de la ciudad durante las vacaciones.

Además, al pintor no le interesa en absoluto celebrar a las personas. A diferencia de Delacroix y su obra Freedom on the Barricades, Monet no retrató al grupo en un entorno espectacular. El artista necesitaba la ciudad misma, su rostro y atmósfera reinaban en vacaciones. Las calles están habitadas solo por figuras del personal: siluetas oscuras esbozadas por paredes de piedra.

Pero las modelos más queridas para el artista seguían siendo su adorada esposa y su pequeño hijo. Brushes Monet posee una obra maravillosa "Camille Monet con su hijo Jean" (nombre alternativo "Lady with an Umbrella", 1875, National Gallery of Art, Washington). A pesar de las poses estáticas de los héroes, la imagen está llena de movimiento: las nubes están barriendo el cielo, y un viento y un vestido ligero y un velo en el sombrero de una mujer joven se están desarrollando.

Un ejemplo sorprendente de la influencia del arte oriental en la obra del artista es su pintura de fama mundial "Japanese Girl" (1876, Museum of Fine Arts, Boston). En él, Camilla, vestida con un kimono rojo brillante, se alza contra una pared gris decorada con abanicos de papel japoneses. El trabajo es extremadamente decorativo, el atuendo tradicional japonés oculta completamente la forma del cuerpo de una mujer, y la composición carece por completo de profundidad y se acerca a un dibujo plano. Como siempre, Monet evita los contornos claros de los objetos: la figura de su esposa, una japonesa, representada en la tela de un kimono y un abanico en la pared detrás de la espalda de la mujer, están escritos más en color que en una línea, lo que crea Una impresión adicional de la planitud del trabajo. Un punto interesante en la solución compositiva es que las figuras de los japoneses en el kimono y la heroína de la imagen se despliegan en direcciones exactamente opuestas, equilibrándose entre sí.

El lugar más importante para el artista contemporáneo de París fue la estación de Saint-Lazare. El maestro le dedicó varias pinturas, escritas en 1877. La estación creó el destino de las personas, conectando la capital de Francia con otras ciudades e incluso países. La vida siempre estaba en su apogeo: los pasajeros llegaban y se iban, las locomotoras zumbaban, los trenes se aceleraban y se alejaban.

Era esta atmósfera emocionante de la nueva vida industrial que el artista buscaba mostrar en sus lienzos. «Estación Saint-Lazare. Llegada del tren ”(1877, Fogg Museum of Art, Harvard) refleja perfectamente la vida cotidiana de la estación. El trabajo utiliza pintura casi monocromática, el ángulo inusual seleccionado, transmite perfectamente las características de la solución de la bóveda arquitectónica de la estación.

Pronto, dos de los eventos más importantes para el artista tuvieron lugar en su familia: en 1878, su amada esposa dio a luz a su segundo hijo, Michel, después de lo cual Camilla se enfermó gravemente. Monet vuelve a experimentar serias dificultades financieras. Ni el público ni los críticos han "madurado" hasta la percepción correcta de su estilo en el arte. El pintor se vio obligado a abandonar Argenteuil y establecerse en Vetej, donde su vecino era el empresario Ernest Goshede y su esposa Alice, que más tarde estaba destinada a convertirse en la segunda esposa del pintor.

El artista transmitió sus impresiones sobre el movimiento en la pintura "El camino a Vethey en invierno" (1879, el Museo de Arte de Gotemburgo), donde describió un típico paisaje invernal en Francia: un camino de tierra cubierto de nieve, colinas de color marrón. suelo marrón que muestra a través de nieve suelta y hierba verde congelada, una iglesia, casas de dos pisos construidas en las suaves laderas de las colinas a ambos lados de la carretera. Solo las figuras de los dos viajeros animan un poco el paisaje.

La pintura "A orillas del Sena, cerca de Vetheya" (1880, National Gallery, Washington), pintada en el verano del próximo año, es simple y lírica. Todo el primer plano de la imagen está ocupado por pastos en flor, detrás de los cuales se puede ver la superficie del espejo del río. El artista transmitió magistralmente el cielo reflejado en el río con nubes flotando sobre él y los árboles de pie en la orilla opuesta. Los arbustos costeros y los árboles que crecen por separado en el fondo de la imagen son como si estuvieran envueltos en una bruma azulada grisácea de nubes grises que los sombrean.

El paisaje inusualmente brillante y soleado en el lienzo "Blossoming Apple Trees" (1879, Museo de Bellas Artes, Budapest) impresiona con la transmisión de luz del taller: el paisaje representado parece bañarse en la luz del sol que inunda todo el espacio circundante.

La composición de la imagen es nuevamente muy simple, en primer plano hay árboles florecientes del huerto de manzanas y hierba debajo de ellos, en el segundo vemos casas con techos rojos medio ocultos detrás de las ramas de los árboles, y el fondo está ocupado por un Colina ascendente. Unos cuantos manzanos, empujados cerca del borde inferior de la obra, sirven como las escenas laterales correctas y la única vertical en la composición horizontal, como si "recogiera" todo el trabajo.

En el mismo 1879, a la edad de solo treinta y dos años, la amada esposa de Monet murió de una enfermedad grave. Una artista afligida, pinta su retrato de Camille en su lecho de muerte, en el que retrató a su esposa a su manera, enfatizando con color cómo su rostro pierde sus colores vitales.

Éxito tan esperado

Paradójicamente, es en este año de duelo en su vida personal que el éxito profesional llega al artista. Comentarios positivos y comentarios aparecieron en la prensa de París sobre la exposición de sus obras, que inmediatamente comenzaron a venderse. Esto mejoró la situación financiera del pintor.

En 1883, alquilará una casa pequeña pero muy acogedora en Giverny, cerca de París, junto a la cual se establece un magnífico jardín, verificado como una pintura, teniendo en cuenta el color individual y el tiempo de floración de cada planta. Más tarde, Monet compra un territorio adicional cerca de la casa para crear otro jardín impresionante en el que había un estanque con nenúfares y un puente japonés con caminos sinuosos que conducían a él. Este lugar será el tema de sus pinturas hasta su muerte, junto con la idea de crear muchas series separadas de obras en las que el artista encarnó sus muchos años de estudio de las posibilidades visuales del color en la transmisión de varias luces. En estos ciclos de trabajo, el pintor describió claramente cómo cambia el mismo motivo dependiendo de cómo se ilumina. Es necesario decir que todas las series tuvieron un gran éxito con el público.

Una vista rural sin pretensiones en la pintura "Pajar en Giverny" (1886, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) se ha convertido en uno de los motivos favoritos del artista. El paisaje, cuyo centro de composición era un pajar parado en primer plano, se complementa con casas y árboles visibles en los campos lejanos.

En 1888, Monet creará una serie de 25 obras dedicadas a esta especie. Además, el paisaje circundante en los lienzos se volverá cada vez más arbitrario, la división en planes compositivos prácticamente desaparecerá, y el pajar adquirirá un papel independiente, como si se concentrara en sí mismo un centro conceptual de ser. El papel principal en todas las pinturas se le da al color, que busca transmitir todo el espectro de luz variable. Durante el día, el artista trabajó en varios lienzos que transmiten diferentes condiciones de iluminación: mañana, tarde y noche, esta fue la originalidad del método del pintor, que sentó las bases para otra serie: "Álamos". La simetría de espejo, en cuyo principio se construye la composición de la obra "Álamos en Ept" (1891, la Galería Nacional de Escocia, Edimburgo) presenta dos realidades al espectador: un verdadero bosque de álamos a orillas del río y su reflejo en la superficie del espejo del agua, solo ligeramente ondulado por las ondas. El río incorpora completamente todos los colores con los que los árboles están llenos, el cielo con nubes rosadas flotando sobre él. La naturaleza de los trazos del pintor enfatiza la inquietud de la superficie del agua.

El ciclo más grande dedicado a la Catedral de Rouen fue iniciado por Claude Monet en 1892. Durante dos años, el artista completó 50 pinturas, que representaban constantemente la fachada gótica de la catedral en diferentes momentos del día: desde temprano en la mañana hasta tarde en la noche. La luz del sol crea metamorfosis impresionantes no solo con el color de la catedral, sino también con su esencia de piedra. El muro que se ha mantenido durante varios siglos, gracias a la luz que lo inunda y la arquitectura gótica del calado, parece casi ingravidez y milagroso. Los rayos del sol parecen disolver el poder de piedra de la catedral, penetrando en ella con diferentes intensidades.

Gracias al dominio del pincel de Monet, la catedral parece dejar de ser una sustancia material y se vuelve aireada y efímera. Es como si dejara de ser una creación terrenal y se fusionara con el cielo. ¿Fue este el efecto de los arquitectos de la lejana Edad Media, levantando el encaje de piedra de las paredes de la iglesia al cielo? Quizás Monet penetró en el corazón mismo de la idea conceptual del arte gótico. El ciclo "Catedral de Rouen" fue exhibido por el artista en 1895 y tuvo mucho éxito.

Simultáneamente con el inicio del trabajo en el ciclo, Claude Monet se casará con Alice Goshed. El pintor comienza a viajar mucho, trabaja en Italia, cuyas catedrales góticas encuentra increíblemente impresionista, Normandía, Suiza y Holanda.

En Normandía, el maestro dio a luz a magníficos paisajes marinos, como la pintura Mannport (1883, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), como si glorificara la grandeza del elemento agua. Además, el artista a menudo trabajó en la imagen de rocas pintorescas cerca de la ciudad de Egret, que fueron la atracción principal de esta área, debido a su forma única creada por el capricho de las olas.

Mannport es quizás el arco de roca más famoso. Para transmitir la escala de la formación rocosa, el pintor delinea rápidamente con unos pocos trazos un par de figuras debajo de los arcos de un arco de piedra, la mayor parte del cual, sobresaliendo poderosamente del borde izquierdo de la imagen, está literalmente listo para aplastarlos. La composición de la obra contribuye a la creación de tal impresión: el artista enfatiza el efecto del infinito de la superficie de la piedra en que toda la roca no cabe en el marco de la imagen.

Un derroche de color e inutilidad

La capacidad expresiva del color, a lo largo de la carrera del artista, fue el principal medio de su lenguaje artístico. Claude Monet permaneció fiel a sí mismo hasta el final, nunca apagó el camino elegido y solo mejoró y perfeccionó la expresividad de las técnicas de su estilo individual. La única diferencia en el último período de su trabajo fue el ansia de inutilidad, borrando el concepto de una trama y forma específicas. El artista no consideró que una de sus mejores creaciones fuera una pintura, sino el jardín que creó en la casa de Giverny, donde recogió y plantó numerosos tipos y variedades de flores para que el jardín floreciera constantemente, deleitando al ojo de pintor con una variedad de tonos. El magnífico jardín, de hecho, también una obra de arte, se ha convertido en un objeto favorito de la pintura del maestro, encontrando sus innumerables reflejos en el lienzo.

El lienzo "Jardín de lirios en Giverny" (1899, Galería de arte de la Universidad de Yale) nos muestra nuevamente una composición muy simple. Un lienzo de formato cuadrado representa un camino que se adentra en las profundidades del jardín, medio oculto por arbustos de lirios cubiertos de vegetación, y encima puede ver troncos de árboles de jardín que crean una perspectiva a largo plazo.

El artista se pone el lienzo como exultante, colores puros y brillantes, transmitiendo al espectador su sentido de felicidad y plenitud de vida, nacido del contacto con la naturaleza. Las hermosas y delicadas flores de iris en primer plano parecen mirarnos a los ojos. La hábil mano del maestro parece inspirarles, y la belleza de la naturaleza circundante se convierte en el mayor milagro, la personificación de la corona de las creaciones divinas. Es esta actitud hacia la naturaleza, que es un objeto suficiente de la pintura en las obras de Claude Monet, distingue al artista de los seguidores del estilo académico, en el que solo el hombre siempre ha sido la "corona de la creación".

Una de las series más famosas de Monet "Nenúfares" se lanzó en 1899. En las obras del ciclo, el pintor representa nenúfares (nenufaras) flotando en el estanque de su jardín en Giverny. El propio artista cultivó estas delicadas flores en su estanque y las admiró durante mucho tiempo, disfrutando del resplandor del sol sobre pétalos frágiles y el reflejo de las nubes en el agua. Parece increíble, pero los nenúfares poseían el corazón de un artista talentoso hasta su muerte, unos veinte años. La seriedad del trabajo se basa en la variación de este motivo bajo diversas condiciones de iluminación.

Creada en 1903, la obra “Nenúfares. Nubes ”(colección privada) da lugar a una impresión sorprendentemente alegre. El lienzo está saturado de luz solar, a pesar de que el cielo solo está presente en su reflejo en el agua. Parece como si los lirios de agua y las nubes flotaran lentamente en la misma superficie, como si fueran impulsadas por un ligero soplo de aire.

La forma cuadrada del lienzo en la obra "Un estanque con nenúfares" (1908, colección privada, St. Gallen, Suiza) amplía visualmente la imagen en el espacio, dando la impresión de infinito. Monet utilizó el efecto de la fotografía, como si tallara un fragmento separado de la superficie del agua de un estanque y lo escribiera en primer plano. Solo la extensión de agua con hojas, flores de nenúfares y nubes reflejadas, pintorescamente dispersas en su superficie, cayó en el marco.

Aquí, el maestro nuevamente se apartó de la construcción en perspectiva de la pintura, debido a que los nenúfares ubicados en la esquina superior derecha de la composición están más cerca del espectador que las plantas en primer plano de la pintura. Gracias a esta técnica, la pintura pierde profundidad y, por así decirlo, se despliega en un plano, volviéndose más decorativa.

Desde la década de 1870, Claude Monet ha visitado repetidamente Inglaterra, le encantaba Londres por su atmósfera de niebla única. Y alrededor de 1900, el pintor comenzó a venir aquí con más frecuencia. Él crea aquí una serie de obras dedicadas al edificio del parlamento.

La pintura "El edificio del Parlamento en Londres" (1904, Museo d’Orsay, París) representa un objeto arquitectónico como envuelto en una densa niebla. Solo en algunos lugares, el sol amarillo-rojo rompe el pequeño pensamiento, destacando fragmentos de los majestuosos contornos de la arquitectura neogótica y manchando el amplio Támesis con destellos de color rojo púrpura. El estilo de la pintura es muy arbitrario, el artista no representa elementos específicos, sino una imagen momentánea de la ciudad, tal como la acaba de ver.

El impresionismo de Monet no pretende transmitir una realidad objetiva; No reconoce la constancia de las cualidades de los objetos.Toda su apariencia, color y forma dependen solo de la luz, que apenas penetra, luego inunda todo el vecindario, o incluso se apaga, convirtiéndose en el crepúsculo. En la primavera de 1908, Claude Monet y su familia fueron a Venecia. La encantadora atmósfera de esta ciudad, sus extensiones de agua, sorprendentemente exitosamente golpeadas por los arquitectos venecianos, los reflejos de luz en el agua y los monumentos reflejados en ella, cautivaron al pintor. Así nació una serie de paisajes venecianos, escritos directamente durante el viaje.

La obra "Palazzo da Mula en Venecia" (1908, National Gallery, Washington), escrita allí, difícilmente puede llamarse un paisaje guiado o arquitectónico. Más bien, es, en sentido figurado, un "retrato" de un edificio veneciano medieval, "mirando" en el espejo del canal frente a él. Además, este "retrato" fue pintado en primer plano, los lados del palacio están cortados por el marco de la imagen, solo la parte media del edificio sin techo cayó sobre el lienzo.

Una composición tan inusual se explica de manera muy simple, Monet no iba a copiar un monumento arquitectónico en absoluto, no era tan importante para él como las figuras de personas en la mayoría de sus lienzos. El artista quedó cautivado por la unidad sorprendentemente armoniosa de la arquitectura y el paisaje, diseñada por un brillante arquitecto que concibió el palacio, como si emergiera del agua. Una composición horizontal con una división clara en el frente (espacio de agua) y la parte trasera (paredes del palazzo, salpicadas con numerosos arcos de puertas y ventanas) se equilibran con un par de siluetas delgadas de góndolas.

Venecia impresionó al artista con la unidad de vida de los edificios y canales a orillas de los cuales fueron erigidos. La armonía impresionista, formada por muros de piedra reflejados en el agua, que el mismo agua que absorbe la luz del sol, pinta con numerosos reflejos de sombras celestiales, ganó el corazón del pintor. Fue este estado el que trató de transmitir en sus lienzos venecianos.

Soledad y pérdida

La segunda década del nuevo siglo estuvo marcada para el artista por una serie de pérdidas. En 1911, la segunda esposa de Alice murió, tres años más tarde, en 1914, su hijo mayor, Jean, muere. Monet fue atendido fielmente solo por la hija de Alice de su primer matrimonio, que era la esposa de Jean.

Junto con una serie de muertes de familiares, el pintor sufrió otra desgracia: doble catarata. La roca malvada le quitó al artista lo principal que dedicó toda su vida a poder ver y estudiar los efectos de iluminación, el resplandor y los reflejos de los rayos del sol, vistos en la naturaleza. Sin embargo, Monet no se detuvo, continuó creando su trabajo. Cuatro años después, después de su diagnóstico, el artista concibió una nueva serie de impresionantes paneles de 2x4 metros con imágenes de su jardín.

El panel "Nenúfares" ("Nenufaras", 1920-1926, el Museo del Invernadero, París) da la impresión de la planitud de un espacio sin fin, como si se extendiera mucho más allá de los marcos de la imagen. Los trazos grandes y jugosos del maestro solo delinean la forma de las hojas y las flores, toda la imagen se ejecuta utilizando la técnica de manchas de color.

Un poco antes, en 1917, Claude Monet escribió su "Autorretrato" (Museo del invernadero, París). La imagen es la autoestima de una persona reproducida a través del reflejo en el espejo de la propia conciencia. Los ojos cansados ​​del maestro no miran al espectador, aunque se volvió para mirarlo. El artista no busca el "diálogo". A primera vista, el trabajo parece inacabado: solo se representa la cabeza del artista y la línea del hombro se esquematiza esquemáticamente. Sin embargo, la espesa sombra que bordea el retrato satura la imagen de drama y no deja dudas sobre su integridad.

Al final de su carrera, Monet comenzó a mezclar arte sujeto y no objetivo. En su obra de 1918, The Japanese Bridge (Institute of Arts, Minneapolis), solo se puede leer el contorno del puente favorito del artista, torcido con glicinias y arrojado sobre un estanque con nenúfares, un arbusto bajo en primer plano y un árbol en El borde derecho del lienzo. Todo lo demás es solo un derroche extravagante de colores, belleza y plenitud de vida.

La pintura "Jardín con un estanque en Giverny" (alrededor de 1920, el Museo de Bellas Artes de Grenoble) nos presenta un rincón misterioso del jardín del artista, escondido en densos matorrales. El trabajo, por supuesto, es sustantivo: una composición claramente construida es visible aquí, los contornos de las ramas son claramente distinguibles. Parece que en la obra el color juega un papel independiente, se destaca el decorativo en la refracción de la vista moribunda del pintor. Gracias a la representación de color condicional poco realista, la imagen deja una impresión dramática. El color es inusualmente expresivo. Esto ya no es impresionismo en su forma más pura, la técnica de escritura y la concepción artística son más probablemente un reflejo del mundo interior de una persona que envejece.

El gran artista, uno de los fundadores del impresionismo, que conquistó el mundo, Claude Monet murió en diciembre de 1926 en su casa de Giverny. Cezanne en un momento exclamó: "Monet es solo un ojo, pero, Dios mío, ¡qué cosa!" La pintura del artista francés es una admiración entusiasta sin fin por la naturaleza, cuya belleza y perfección pudo transmitir en un estilo especial, único, sutil y sensual.

Zhuravleva Tatyana