Leonardo da Vinci (1452-1519) Traductor traducir

La personalidad y el trabajo de Leonardo da Vinci siempre ha sido de gran interés. Leonardo era una figura demasiado extraordinaria para su tiempo. Se imprimen libros y artículos, se estrenan largometrajes y documentales. Los historiadores del arte recurren a científicos y místicos, en un intento por encontrar la solución al misterio del genio del gran maestro. Incluso hay una dirección separada en la ciencia, explorando la herencia del pintor. Los museos se están abriendo en honor a Leonardo da Vinci, las exposiciones temáticas se llevan a cabo constantemente en todo el mundo, rompiendo todos los récords de asistencia, y Mona Lisa mira a las multitudes de turistas durante días desde el vidrio blindado. Los hechos y leyendas históricos reales, los logros científicos y la ficción están estrechamente entrelazados en torno al nombre de un genio.

Pinturas y dibujos de Leonardo da Vinci

El destino del gran maestro.

El futuro gran artista y científico nació el 14 de abril de 1452 de un romance extramarital de un rico notario público, Sir Pierrot, con una mujer campesina o la amante de una taberna de la ciudad de Vinci. El niño se llamaba Leonardo. Katerina, ese era el nombre de la madre del artista, crió a su hijo durante los primeros cinco años de su vida, después de lo cual el padre llevó al niño a su casa.

Aunque Pierrot se casó oficialmente, no tuvo más hijos que Leonardo. Por lo tanto, la aparición del niño en la casa fue cálida y cordialmente bienvenida. Lo único de lo que el artista se ha visto privado, con el pleno apoyo de su padre, son los derechos de herencia. Los primeros años de Leonardo pasaron serenamente, rodeados por la naturaleza pintoresca de las montañas de la Toscana. Llevará toda su vida su admiración y amor por su tierra natal, perpetuando su belleza en sus paisajes.

La paz y la tranquilidad de la vida provincial terminó cuando la familia se mudó a Florencia. La vida comenzó a jugar, comenzaron a bullir con todos los colores de una metrópolis real de la época. La ciudad estaba dirigida por representantes del clan Medici, conocidos por su generosidad de filántropos que crearon las condiciones ideales para el desarrollo de las artes en su patrimonio.

Durante su reinado, Florencia se convirtió en la cuna de la revolución cultural y científica conocida como el Renacimiento. Una vez aquí, el joven Leonardo estaba en el centro de los acontecimientos cuando la ciudad se acercaba a la cima de su apogeo y gloria, la cima de la grandeza, de la cual el joven artista se convirtió en una parte integral.

Pero la grandeza estaba por delante, pero por ahora, el genio futuro solo necesitaba obtener una educación. Siendo un hijo ilegítimo, no podía continuar el trabajo de su padre, además de convertirse, por ejemplo, en abogado o médico. Lo cual, en general, no lastimó el destino de Leonardo.

Desde muy temprana edad, el joven demostró habilidades artísticas sobresalientes. Pierrot no pudo ignorar esto cuando tomó una decisión sobre el destino de su único hijo. Pronto, su padre envió a Leonardo, de dieciocho años, a estudiar en un taller de pintura muy exitoso y avanzado. El instructor del artista fue el famoso pintor Andrea del Verocchio.

Verocchio, un escultor y artista talentoso y de mentalidad amplia, no predicó puntos de vista estéticos medievales, sino que trató de mantenerse actualizado. Estaba profundamente interesado en muestras de arte antiguo, que consideraba insuperable, en su trabajo buscó revivir las tradiciones de Roma y Grecia. Sin embargo, reconociendo y respetando el progreso, Verocchio hizo un amplio uso de los logros técnicos y científicos de su tiempo, gracias a lo cual la pintura se estaba acercando al realismo.

Las imágenes planas y esquemáticas de la Edad Media se alejaban, dando paso al deseo de imitar completamente la naturaleza en todo. Y para esto era necesario dominar las técnicas de perspectiva lineal y aérea, comprender las leyes de la luz y la sombra, lo que significaba la necesidad de dominar las matemáticas, la geometría, el dibujo, la química, la física y la óptica. Leonardo estudió con Verocchio los conceptos básicos de todas las ciencias exactas, mientras dominaba simultáneamente las técnicas de dibujo, modelado y escultura, adquirió habilidades para trabajar con yeso, cuero y metal. Su talento se reveló tan rápida y claramente que pronto el joven talento se alejó mucho de su maestro en cuanto a la habilidad y calidad de la pintura.

Ya a los veinte años, en 1472, Leonardo se convirtió en miembro del honorable gremio de artistas florentinos. E incluso la falta de su propio taller, que adquirió solo unos años después, no le impidió comenzar su propio camino como maestro independiente. A pesar de las obvias habilidades de ingeniería y el notable talento para las ciencias exactas, la sociedad vio en el artista solo un artesano que aún no tenía un gran prestigio. Los ideales de libertad y creatividad aún estaban muy lejos.

El destino del artista del siglo XV dependía completamente de mecenas influyentes. Entonces, a lo largo de su vida, Leonardo tuvo que buscar un lugar de servicio entre los poderosos, y el cumplimiento de las órdenes individuales seculares y de la iglesia se basó en el principio de un simple acuerdo comercial.

Los primeros diez años de la vida del artista pasaron en búsquedas creativas y trabajar en algunos pedidos. Hasta ahora, una vez que Leonardo escuchó el rumor de que el duque de Sforza, el gobernante de Milán, necesitaba un escultor de la corte. El joven inmediatamente decidió probar suerte.

El hecho es que Milán en ese momento era uno de los centros más grandes para la producción de armas, y Leonardo estaba inmerso en su último pasatiempo: el desarrollo de dibujos de máquinas y mecanismos originales e ingeniosos. Por lo tanto, la posibilidad de mudarse a la capital de la ingeniería, estaba muy inspirado. El artista escribió una carta de recomendación al duque de Sforza, en la que se atrevió a ofrecerse no solo como escultor, artista y arquitecto, sino también como ingeniero, alegando que podía construir barcos, vehículos blindados, catapultas, armas y otro equipo militar El duque quedó impresionado por la carta segura de sí mismo de Leonardo, pero solo lo satisfizo parcialmente: estaba de humor para que el artista fuera escultor. La primera tarea del nuevo escultor de la corte fue la fabricación de una estatua de bronce de un caballo, diseñada para decorar la cripta familiar de Sforza. Lo curioso es que, debido a varias circunstancias, durante los diecisiete años que Leonardo pasó en la corte de Milán, el caballo nunca fue lanzado. Pero el interés de los jóvenes talentos en los asuntos militares, la mecánica y la tecnología en los talleres de armas solo aumentó. Casi todos los inventos de Leonardo se remontan a este período.

A lo largo de su vida, el ingenioso da Vinci ha creado numerosos dibujos de máquinas de tejer, imprimir y enrollar, hornos metalúrgicos y una máquina para trabajar la madera. Fue el primero en pensar en la idea de un tornillo para helicóptero, rodamientos de bolas, una grúa giratoria, un mecanismo para conducir pilas, una turbina hidráulica, un dispositivo para medir la velocidad del viento, una escalera telescópica contra incendios, una llave ajustable y Una caja de cambios. Leonardo desarrolló modelos de varios vehículos militares: tanques, catapultas, submarinos. En sus bocetos hay prototipos del foco de una campana de buceo, una excavadora, una bicicleta y aletas. Además de sus diseños más famosos, basados ​​en un estudio minucioso de la técnica del vuelo de los pájaros y la estructura del ala del pájaro, un avión muy similar a un ala delta y un paracaídas.

Desafortunadamente, Leonardo no pudo ver la encarnación de la gran mayoría de sus ideas en la vida. Todavía no ha llegado el momento para ellos, no había materias primas y materiales necesarios, cuya creación también fue prevista por el genio del siglo XV. Toda su vida, Leonardo da Vinci tuvo que soportar el hecho de que sus grandiosos diseños estaban demasiado adelantados a la era. Solo a fines del siglo XIX, muchos de ellos recibirán su implementación. Y, por supuesto, el maestro no sospechaba que en los siglos XX y XXI, millones de turistas admirarán estos inventos en museos especiales dedicados a su trabajo.

En 1499, Leonardo dejó Milán. La razón fue la toma de la ciudad por las tropas francesas dirigidas por Luis XII, el duque de Sforza, que había perdido el poder, huyó al extranjero. Para el artista comenzó un período difícil en su vida. Durante cuatro años, se mudó constantemente de un lugar a otro, en ninguna parte por mucho tiempo sin detenerse. Hasta ahora, en 1503, él, de cincuenta años, tuvo que regresar nuevamente a Florencia, la ciudad donde alguna vez trabajó como simple aprendiz, y ahora, en la cima de la habilidad y la fama, trabajó en la creación de su brillante Mona Lisa.

Es cierto que regresó a Milán da Vinci, después de varios años de trabajo en Florencia. Ahora, él estaba allí, el pintor de la corte de Luis XII, quien en ese momento controlaba todo el norte italiano. Periódicamente, el artista regresó a Florencia, cumpliendo un pedido particular. Las pruebas de Leonardo terminaron en 1513 cuando se mudó a Roma para ver al nuevo mecenas, Giuliano Medici, el hermano del papa León X. Durante los siguientes tres años, da Vinci se ocupó principalmente de la ciencia, los pedidos de desarrollos de ingeniería y experimentos técnicos.

Ya a una edad muy avanzada, Leonardo da Vinci se mudó nuevamente, esta vez a Francia, por invitación de Francisco I, quien sucedió a Luis XII en el trono. El resto de la vida del brillante maestro transcurrió en la residencia real, el castillo de Lmboise, rodeado del más alto honor del lado del monarca. El propio artista, a pesar del entumecimiento de su mano derecha y el empeoramiento constante del estado de salud, continuó haciendo bocetos e involucró a estudiantes que lo reemplazaron con una familia que nunca fue creada por el maestro durante su vida.

Donación de observador y científico.

Desde la primera infancia, Leonardo tuvo un raro talento de observador. Desde la primera infancia hasta el final de su vida, un artista, fascinado por los fenómenos naturales, podía mirar durante horas a la llama de una vela, controlar el comportamiento de los seres vivos, estudiar el movimiento del agua, los ciclos de crecimiento de las plantas y el vuelo de las aves. Un vivo interés en el mundo que lo rodeaba le dio al maestro muchos conocimientos invaluables y las claves de muchos secretos de la naturaleza. "La naturaleza ha organizado todo tan perfectamente que en todas partes encuentras algo que puede darte nuevos conocimientos", dijo el maestro.

Durante su vida, Leonardo hizo transiciones a través de los pasos alpinos más altos para explorar la naturaleza de los fenómenos atmosféricos, viajó a través de lagos y ríos de montaña para estudiar las propiedades del agua. A lo largo de su vida, Leonardo llevó consigo un cuaderno en el que ingresó todo lo que atrajo su atención. Le dio especial importancia a la óptica, creyendo que el ojo del pintor es una herramienta directa del conocimiento científico.

Negándose a seguir el camino recorrido por los contemporáneos, Leonardo buscó sus propias respuestas a las preguntas de armonía y proporcionalidad de todas las cosas (el mundo a su alrededor y el hombre mismo) que lo preocupaban. El artista se dio cuenta de que si quiere capturar a la persona misma y al mundo que lo rodea en sus obras sin distorsionar su esencia, debe estudiar la naturaleza de ambos lo más profundamente posible. Comenzando con la observación de fenómenos y formas visibles, gradualmente profundizó en los procesos y mecanismos que los gobiernan.

El conocimiento matemático ayudó al pintor a comprender que cualquier objeto u objeto es un todo, que inevitablemente consta de muchas partes, cuya proporcionalidad y ubicación adecuada dan lugar a lo que se llama armonía. Un descubrimiento increíble del pintor fue que los conceptos de "naturaleza", "belleza" y "armonía" están inextricablemente vinculados con una ley específica, siguiendo la cual se forman absolutamente todas las formas en la naturaleza, comenzando desde las estrellas más lejanas del cielo, y terminando con pétalos de flores. Leonardo se dio cuenta de que esta ley se puede expresar en el lenguaje de los números y usarla para crear obras hermosas y armoniosas en pintura, escultura, arquitectura y cualquier otro campo.

De hecho, Leonardo pudo descubrir el principio por el cual el Creador del Génesis mismo creó este mundo. El artista llamó a su descubrimiento "Proporción dorada o divina". Esta ley ya era conocida por los filósofos y creadores del mundo antiguo, en Grecia y Egipto, donde fue ampliamente utilizada en una amplia variedad de formas de arte. El pintor recorrió el camino de la práctica y prefirió obtener todo su conocimiento de su propia experiencia de interacción con la naturaleza y el mundo.

Leonardo no escatimó en compartir sus descubrimientos y logros con el mundo. Durante su vida, trabajó con el matemático Luke Pocholi para crear el libro "Divine Proportion", y después de la muerte del maestro vio la luz del tratado de la Sección Dorada, basado completamente en sus descubrimientos. Ambos libros están escritos sobre arte en el lenguaje de las matemáticas, la geometría y la física. Además de estas ciencias, el artista en diferentes momentos estaba seriamente interesado en el estudio de la química, astronomía, botánica, geología, geodesia, óptica y anatomía. Y todo con el fin, al final, para resolver las tareas que él se propuso en el arte. Fue a través de la pintura, que Leonardo consideró la forma más intelectual de creatividad, que trató de expresar la armonía y la belleza del espacio circundante.

Vida sobre lienzo

Al observar la herencia creativa del gran pintor, puede ver claramente cómo la profundidad de la penetración de Leonardo en los cimientos del conocimiento científico sobre el mundo llenó sus pinturas de vida, haciéndolas cada vez más verdaderas. Parece que con las personas representadas por el maestro, puede tener fácilmente una conversación, objetos pintados por él, girar en sus manos e ingresar al paisaje y perderse. En las imágenes de Leonardo, misterioso y sorprendentemente realista al mismo tiempo, la profundidad y la espiritualidad son evidentes.

Para comprender lo que Leonardo considera una creación real y viva, puede hacer una analogía con la fotografía. La fotografía, de hecho, es solo una copia espejo, evidencia documental de la vida, un reflejo del mundo creado, incapaz de alcanzar su perfección. Desde este punto de vista, el fotógrafo es una encarnación moderna de la que Leonardo dijo: "Un pintor, dibujando sin sentido, guiado solo por la práctica y el juicio del ojo, es como un espejo ordinario que imita todos los objetos que se le oponen, sin saber nada sobre ellos ”. Un verdadero artista, según el maestro, mientras estudia la naturaleza y la recrea en un lienzo, debe superarla," él mismo inventando innumerables formas de hierba y animales, árboles y paisajes ".

El siguiente paso en el dominio y el don único del hombre, según Leonardo, es la fantasía. "Donde la naturaleza ya ha terminado de producir su especie, el hombre mismo comienza a crear innumerables tipos de cosas nuevas con la ayuda de la naturaleza". El desarrollo de la imaginación es lo primero y más básico que un artista debe hacer, según Da Vinci, que es de lo que escribe en las páginas de sus manuscritos. En los labios de Leonardo suena a Verdad con mayúscula, porque él mismo lo ha demostrado repetidamente con toda su vida y herencia creativa, incluidas tantas conjeturas e inventos ingeniosos.

El deseo incontenible de conocer a Leonardo ha tocado casi todas las áreas de la actividad humana. Durante su vida, el maestro pudo probarse a sí mismo como músico, poeta y escritor, ingeniero y mecánico, escultor, arquitecto y urbanista, biólogo, físico y químico, conocedor de anatomía y medicina, geólogo y cartógrafo. El genio da Vinci encontró su aplicación incluso en la creación de recetas culinarias, el desarrollo de ropa, la compilación de juegos para el entretenimiento del palacio y el diseño de jardines.

Leonardo podría presumir no solo de un conocimiento inusualmente versátil y una amplia gama de habilidades, sino también de una apariencia casi perfecta. Según los contemporáneos, era un hombre alto, guapo, bien formado y dotado de una gran fuerza física. Leonardo cantaba perfectamente, era un narrador brillante e ingenioso, bailaba y tocaba la lira, tenía modales exquisitos, era cortés y simplemente fascinaba a las personas con su sola presencia.

Quizás fue precisamente esta naturaleza extraordinaria en casi todas las esferas de la vida lo que causó una actitud tan cautelosa de la mayoría conservadora hacia él, aceptando aprensivamente ideas innovadoras. Por su genio y su pensamiento innovador, fue calificado repetidamente como un hereje e incluso acusado de servir al diablo. Aparentemente, este es el destino de todos los genios que vienen a nuestro mundo para romper los cimientos y llevar a la humanidad hacia adelante.

En palabras y hechos, negando la experiencia de generaciones pasadas, el gran pintor dijo que "la imagen del pintor será poco perfecta si toma las pinturas de otros como inspiración". Esto se aplica a todas las demás áreas del conocimiento. Leonardo prestó gran atención a la experiencia como la principal fuente de ideas sobre el hombre y el mundo. "La sabiduría es hija de la experiencia", dijo el artista, no se puede adquirir simplemente estudiando libros, porque quienes los escriben son solo intermediarios entre las personas y la naturaleza.

Cada persona es un hijo de la naturaleza y la corona de la creación. Tiene innumerables posibilidades de conocer el mundo, inextricablemente vinculado con cada célula de su cuerpo. Al explorar el mundo, Leonardo se conocía a sí mismo. La pregunta que atormenta a muchos historiadores del arte es lo que más le interesaba a Da Vinci: ¿pintura o cognición? ¿Quién fue al final, un artista, científico o filósofo? La respuesta es esencialmente simple, como un verdadero creador, Leonardo da Vinci combinó armoniosamente todos estos conceptos en uno. Después de todo, puedes aprender a dibujar, ser dueño de un pincel y pinturas, pero esto no te convertirá en un artista, porque la verdadera creatividad es un estado especial de sentimientos y actitud hacia el mundo. Nuestro mundo corresponderá, se convertirá en una musa, descubrirá sus secretos y permitirá que solo amarlo verdaderamente penetre en la esencia misma de las cosas y los fenómenos. Por la forma en que vivió Leonardo, por todo lo que hizo, era obvio que era una persona apasionadamente enamorada.

Imágenes de la Virgen

La obra "La Anunciación" (1472-1475, Louvre, París) fue escrita por un joven pintor al comienzo de su carrera. La pintura que representa la Anunciación estaba destinada a uno de los monasterios cerca de Florencia. Ella generó mucha controversia entre los investigadores del gran Leonardo. Las dudas se refieren en particular al hecho de que la obra es una obra completamente independiente del artista. Debo decir que tales disputas en torno a la autoría no son infrecuentes para muchas obras de Leonardo.

Realizado en un panel de madera de impresionantes dimensiones: 98 x 217 cm, el trabajo muestra el momento en que el Arcángel Gabriel, que bajó del cielo, le dice a María que dará a luz a un hijo, a quien Jesús llamará. Tradicionalmente se cree que María en ese momento estaba leyendo el mismo pasaje de las profecías de Isaías, que menciona un cumplimiento futuro. La escena no se representa accidentalmente en el contexto de un jardín de primavera: las flores en la mano del arcángel y bajo sus pies simbolizan la pureza de la Virgen María. Y el jardín en sí, rodeado por un muro bajo, tradicionalmente nos remite a la imagen sin pecado de la Madre de Dios, cercada del mundo exterior por su integridad.

Un hecho interesante está asociado con las alas de Gabriel. Es claramente distinguible en la imagen que se terminaron más tarde: un artista desconocido los alargó en un estilo de pintura muy tosco. Las alas originales que Leonardo describió permanecieron discernibles: son mucho más cortas y, probablemente, fueron dibujadas por el artista desde las alas de un pájaro real.

En este trabajo, si observa de cerca, puede encontrar varios errores cometidos por Leonardo, que todavía no tenía experiencia, al construir una perspectiva. La más obvia de las cuales es la mano derecha de Mary, ubicada visualmente más cerca del espectador que toda su figura. Todavía no hay suavidad en las cortinas de la ropa; se ven demasiado pesados ​​y congelados, como de piedra. Aquí debemos tener en cuenta que esto es lo que Leonardo le enseñó a su mentor Verocchio. Esta angularidad y nitidez es característica de casi todas las obras de artistas de la época. Pero en el futuro, en el camino de encontrar su propio realismo pintoresco, Leonardo se desarrollará y liderará a todos los demás artistas.

En la pintura "Madonna Litta" (circa 1480, el Hermitage, San Petersburgo), Leonardo logró crear una imagen femenina increíblemente expresiva con casi el único gesto. En el lienzo vemos a una madre llena de consideración, tierna y pacífica, admirando a su hijo, concentrándose en esta mirada en toda la plenitud de sentimientos. Sin una inclinación tan especial de la cabeza, tan característica de muchas obras del maestro, que estudió durante horas creando docenas de dibujos preparatorios, mucha de la impresión de amor maternal sin límites habría desaparecido. Solo las sombras en las comisuras de los labios de María insinúan la posibilidad de una sonrisa, pero cuánta ternura le da a todo el rostro. En tamaño, el trabajo es muy pequeño, solo 42 x 33 cm, lo más probable es que esté destinado a la adoración en el hogar. De hecho, en Italia del siglo XV, las imágenes pintorescas de la Virgen y el Niño eran bastante populares, a menudo ordenadas por ciudadanos adinerados. Presumiblemente, «Madonna Litta» fue escrita originalmente por un maestro para los gobernantes de Milán. Luego, cambiando varios propietarios, se mudó a una colección familiar privada. El nombre moderno de la obra proviene del nombre del conde Litta, propietario de una galería de arte familiar en Milán. En 1865, fue él quien lo vendió al Hermitage junto con varias otras pinturas.

En la mano derecha del niño Jesús, se esconde un pichón casi invisible a primera vista, que sirve en la tradición cristiana como símbolo del Hijo de Dios y su infancia. Hay disputas alrededor del lienzo, causadas por contornos demasiado claros de la imagen y una postura antinatural del niño, lo que lleva a muchos investigadores a suponer que uno de los estudiantes de Leonardo participó activamente en la creación de la imagen.

La primera pintura, en la que se reveló el talento del maestro, fue la pintura "Madonna en la Gruta" (circa 1483, Museo del Louvre, París). La composición se ordenó para el altar de la capilla en la iglesia milanesa de San Francisco y se suponía que era la parte central del tríptico. El orden se dividió entre tres maestros. Uno de ellos creó paneles laterales con la imagen de los ángeles para la imagen del altar, el otro - enmarcado tallado de la obra de madera terminada.

El clero firmó un contrato muy detallado con Leonardo. Estipuló los detalles más pequeños de la imagen, hasta el estilo y la técnica de realizar todos los elementos e incluso el color de la ropa, de los cuales el artista no debe desviarse un paso. Entonces, nació una obra que habla sobre la reunión del niño Jesús y Juan el Bautista. La acción tiene lugar en la parte posterior de la gruta, en la que la madre y el hijo se refugian de los perseguidores enviados por el rey Herodes, que vieron en el Hijo de Dios una amenaza directa a su poder. El bautista corre hacia Jesús, junta las manos en oración, quien, a su vez, lo bendice con un gesto de su mano. Un testigo silencioso del sacramento es el ángel Uriel, mirando hacia el espectador. De ahora en adelante, lo llamarán para proteger a John. Las cuatro figuras están tan hábilmente dispuestas en la imagen que parecen formar un todo único. Quiero llamar a toda la composición "musical" con tanta ternura, armonía y suavidad en sus personajes, unidos por gestos y miradas.

Este trabajo fue entregado al artista es muy difícil. El plazo estaba estrictamente estipulado en el contrato, pero, como a menudo sucedía con el pintor, no podía cumplirlo, lo que implicaba procedimientos legales. Después de una larga demanda, Leonardo tuvo que escribir otra versión de esta composición, que ahora está almacenada en la Galería Nacional de Londres, la conocemos como "Madonna in the Rocks".

El famoso fresco del monasterio de Milán.

Dentro de los muros del monasterio milanés de Santa Maria della Grazie, más precisamente en su refectorio, se conserva una de las mayores obras maestras de la pintura y el principal tesoro nacional de Italia. El legendario fresco "La Última Cena" (1495-1498) ocupa un espacio de 4.6 x 8.8 m, y describe un momento dramático cuando, rodeado de discípulos, Cristo pronuncia la triste profecía "Uno de ustedes me traicionará".

El pintor, que siempre se sintió atraído por el estudio de las pasiones humanas, quería capturar personas comunes, no personajes históricos, en las imágenes de los apóstoles. Cada uno de ellos responde a su manera al evento. Leonardo estableció su tarea con el mayor realismo para transmitir la atmósfera psicológica de la noche, para transmitirnos los diversos personajes de sus participantes, exponiendo su mundo psíquico y sus experiencias conflictivas con la precisión de un psicólogo. En la variedad de rostros de los héroes de la imagen y sus gestos, hay un lugar para casi todas las emociones, desde la sorpresa hasta la ira furiosa, desde la confusión hasta la tristeza, desde la simple incredulidad hasta el profundo shock. El futuro traidor Judas, a quien tradicionalmente todos los artistas se habían separado previamente del grupo general, se sienta en este trabajo junto con los demás, distinguiéndose claramente con una expresión sombría y una sombra, como si envolviera toda su figura. Proporción de oro que descubrió, Leonardo verificó la ubicación de cada estudiante con precisión matemática. Los doce apóstoles se dividen en cuatro grupos casi simétricos, destacando la figura de Cristo en el centro. Otros detalles de la imagen están diseñados para no distraer la atención de los personajes. Por lo tanto, la mesa se hace intencionalmente excesivamente pequeña, y la habitación en sí, donde se realiza la comida, es simple y simple.

Trabajando en La Última Cena, Leonardo realizó un experimento con pinturas. Pero, desafortunadamente, inventó la composición del suelo y la pintura, para lo cual combinó aceite y temple, era completamente inestable. La consecuencia de esto fue que solo veinte años después de la escritura, el trabajo comenzó a deteriorarse rápida e irreversiblemente. El establo, que fue organizado por el ejército de Napoleón en la habitación donde se encontraba el fresco, exacerbó el problema ya existente. Como resultado, los trabajos de restauración se han llevado a cabo en este monumental lienzo casi desde el comienzo de su historia hasta nuestros días, solo gracias a lo cual todavía es posible preservarlo.

Habiendo comenzado su larga vida, Ciu Leonardo da Vinci no creó más de veinte pinturas, algunas de las cuales quedaron sin terminar. Tal fertilidad, sorprendente en ese momento, no alivió a los clientes, pero la tranquilidad con la que el maestro solía trabajar en sus pinturas se convirtió en un sinónimo. Recuerdos del monje del monasterio de Santa Maria delle Grazie, quien observó la obra del pintor en el famoso fresco "La Última Cena". Así es como describió la jornada laboral de Leonardo: a primera hora de la mañana, el artista trepó por los bosques erigidos alrededor de la pintura, y no pudo separarse de su pincel hasta altas horas de la noche, olvidando por completo la comida y el descanso. Pero en otra ocasión, pasó horas, días, mirando de cerca su creación, sin aplicar una sola mancha. Desafortunadamente, a pesar de todos los esfuerzos del maestro, debido a un experimento y materiales sin éxito, el fresco del monasterio de Milán se convirtió en una de las decepciones más poderosas del artista.

La misteriosa Mona Lisa

Para eso, el pintura "Mona Lisa" tomó un lugar enorme en su vida. Desde el momento de escribir el famoso lienzo hasta el final de su vida, Leonardo será inseparable de él, como con su tesoro más preciado. ¿Cuál es el secreto de esa gran impresión que causa esta imagen de pequeño tamaño (solo 77x53 cm)? Millones de espectadores se han estado preguntando durante siglos quién la ha visto al menos una vez.

Es extremadamente sorprendente que en las grabaciones de Leonardo da Vinci no haya una sola mención de este retrato. No hay información, ni quién le encargó trabajar en el lienzo, ni quién sirvió de modelo para él, ni cómo fue el proceso de su creación. El artista, que ha estado grabando toda su vida toda su vida, nunca ha mencionado a un búho como la creación más grande.

No hay absolutamente ninguna evidencia documental, pero las mentes inquisitivas de los especialistas han avanzado extraordinariamente en sus conjeturas. En diferentes momentos, la duquesa Matui Isabella d’Este, cuyos retratos Leonardo trabajaba en ese momento, luego una cierta amante florentina llamada Pacifica Brandano, quien era la amante del noble patrón Giuliano Medici, se convirtieron en candidatos para la heroína del lienzo. Varios investigadores afirman que no había ningún modelo, y Leonardo creó la imagen colectiva perfecta de una mujer. Otros están seguros de que recreó de memoria los rasgos de su madre. Otros argumentan que se trata de un hombre joven con atuendo de mujer, un ex alumno y posiblemente un amante del propio pintor: Jnan Giacomo Kaproti, quien ha estado con Leonardo durante los últimos 26 años (por cierto, fue el artista quien le legó la pintura). Bueno, la última, de las versiones más populares, nos dice que Mona Lisa es un autorretrato del propio Leonardo da Vinci.

Absolutamente todas las conjeturas no tienen ninguna evidencia real. También hay una versión oficial. Afirma que la pintura representa a la esposa del rico comerciante florentino Francesco del Giocondo - Lisa Gerardini. La fecha exacta de la creación de la imagen tampoco se conoce, se cree que el trabajo en la Mona Lisa se llevó a cabo entre 1503 y 1513. Presumiblemente, la futura "Mona Lisa", y luego Lisa Gerardini, posó cuando ella estaba a punto veinticuatro años. El prefijo "mona", nuevamente, presumiblemente, no es más que la abreviatura de la palabra "madonna", que en italiano significa "señora, amante".

La imagen revivida

Durante todo el Renacimiento, el hombre fue proclamado la corona de la naturaleza, su creación más perfecta. Como resultado, y en la pintura, que buscaba imitar la naturaleza en todo, la capacidad de representar a una persona se convierte en un verdadero indicador de la habilidad del artista. Además, era importante transmitir no solo los rasgos característicos de la apariencia externa del modelo. Lo más importante fue la capacidad de revelar la personalidad del retrato. Aquí comienzan las preguntas y las búsquedas, ¿cómo mostrar lo invisible, cómo transmitir en la imagen el temperamento y las cualidades espirituales ocultas inherentes a los personajes?

Leonardo, por supuesto, tenía su propia respuesta a estas preguntas. El artista aconseja escribir héroes con gestos que reflejen su estado mental. “Si las figuras no hacen ciertos gestos, y aquellos que expresarían sus almas por los miembros del cuerpo, entonces estas figuras están dos veces muertas: en su mayoría están muertas porque la pintura en sí no vive, sino que es solo una expresión de objetos vivos sin vida, si la vitalidad del movimiento (gesto) no se une a ellos, resultan muertos una vez más ”, consideró el maestro.

Al mismo tiempo, no es necesario recurrir a ángulos complejos y movimientos intrincados, el propio pintor nunca lo hizo. Leonardo pudo alcanzar las alturas de dominio al crear la saturación y la profundidad de la imagen con una ausencia casi completa de movimiento externo. La cara de Mona Lisa está iluminada por una sutil sonrisa que le da una expresión especial. En una mujer que mira desde un retrato, todo es simple, natural y al mismo tiempo muy misterioso. O piensa en algo o recuerda algo. Leonardo creó, sin exagerar, una cara completamente viva de una persona viva. Se las arregló para no dibujar, sino para recrear su modelo en lienzo, revelando una imagen tan animada e inspirada que casi da miedo. Parece que no el espectador está mirando a la Mona Lisa, pero ella misma lo mira con una mirada profunda,mirada significativa Muchos argumentan que, al estar en la misma habitación con la imagen, parece que la apariencia de "Mona Lisa" siempre se dirige al espectador, donde sea que se mueva. Algunos también afirman que la cara de Gioconda cambia, dependiendo de cómo la mires. Resulta que esto no es una imagen, sino la presencia real de una heroína creada por el genio más grande de Leonardo da Vinci.

Artesanía sin igual

¿Cómo logró el pintor crear un efecto tan sorprendente? ¿Cómo hacer de tu propia vida una capa de pinturas sobre una superficie plana de un panel de madera? ¿Qué tipo de magia usó Leonardo, usando solo un pincel y una paleta, para que millones de espectadores creyeran en la "Mona Lisa", como en la realidad?

Los historiadores del arte han estudiado cuidadosamente la imagen. Si hablamos de la técnica de su ejecución, debe tenerse en cuenta que el trabajo está hecho de capas casi transparentes, inusualmente delgadas de color aplicado que cubren el dibujo original. Cuando el recubrimiento anterior se secó, el maestro impuso lo siguiente, y así, muchas, muchas veces, mostrando una paciencia envidiable y virtuosismo.

El resultado de un trabajo tan minucioso, esta pintura inusualmente de varias capas, fue una transición tan suave de algunos colores a otros que las líneas de contorno originales de la imagen parecían estar disueltas. Y es precisamente esta falta de límites entre la luz y la sombra lo que se fusiona suavemente entre sí y crea una sensación de volumen vivo. Otro logro increíble de Leonardo fue una imagen sin precedentes del grosor del aire sin precedentes para pintar en ese momento. El artista llena el espacio de la imagen con una bruma apenas perceptible, gracias a lo cual aparece la profundidad en la obra.

Este efecto de neblina, luz suave difusa, Leonardo llamó al término italiano "sphumato". Las pinceladas del artista eran tan pequeñas que ni una radiografía ni un microscopio permitieron detectar rastros de su trabajo o determinar el número de capas de pintura aplicadas. Durante cientos de años, muchos artistas han intentado repetir la técnica de Leonardo, pero ninguno de ellos tuvo éxito. Hasta ahora, "Mona Lisa" se considera insuperable en términos de técnicas de pintura.

Y todo esto a pesar del hecho de que tenemos la oportunidad de ver una imagen bastante alterada. La obra maestra del gran Leonardo ha sido durante muchos años, durante este tiempo se han producido algunos cambios, en particular en la paleta de colores del lienzo. El primer biógrafo del pintor Giorgio Vasari, que vivió en el siglo XVI, en sus descripciones de la obra admira los tonos de frambuesa en los colores de la paleta utilizada para escribir la cara de Lisa Gerardini. Hoy, nada como esto se puede ver en la imagen.

La relación de color en la imagen también se vio afectada por los recubrimientos de barniz, que después de Leonardo se aplicaron a la superficie de la obra maestra para garantizar su mejor conservación, y también crearon un efecto turbio. Ahora estamos mirando la imagen de una mujer que parece brillar a través del espesor del agua de mar. La composición de la pintura también sufrió cambios: dos columnas se perdieron por completo, que anteriormente estaban ubicadas a los lados de la figura principal. Pero estos elementos arquitectónicos cambiaron por completo la percepción de la composición, porque gracias a ellos quedó claro de inmediato que la heroína de la imagen estaba sentada en el balcón de la pista, y no estaba en absoluto suspendida en el espacio, como a veces parece.

Leyes de la armonía

Al crear una obra maestra, Leonardo usó naturalmente la ley de la "proporción áurea" que descubrió. Todos los elementos de la imagen están ubicados de forma estrictamente definida. Siguen la ley de la proporción divina y armoniosa. La figura de la Mona Lisa se correlaciona con la regla del "triángulo de oro" con precisión matemática, que coincide perfectamente con todas las partes del pentágono estrella regular. Desde el punto de vista del espectador, que distingue los objetos circundantes en forma, esto es muy importante, aunque no lo reconoce la persona misma.

Muy a menudo, intuitivamente, nos parecen atractivos y nos atraen aquellas formas que obedecen la ley de la proporción. Sabios y maestros antiguos sabían esto, y los científicos modernos lo han probado experimentalmente. Esta ley es válida no solo para la pintura, sino también para la psicología, el diseño industrial. La creación de formas e imágenes para la publicidad moderna se basa en la ley de la armonía, simplemente no lo sabemos y no pensamos en ello.

La magia del verdadero arte.

Puedes escribir mucho sobre la magia y la incredulidad de la obra maestra de Leonardo, pero las palabras son solo palabras, para entender qué es "Mona Lisa", necesitas verla. Con solo mirarla a los ojos, puedes sentir todo lo que los críticos de arte, los críticos y la gente común escriben sobre ella.

Desafortunadamente, las fotografías y reproducciones borran la vida de la cara de la Mona Lisa, y la magia de su imagen desaparece sin dejar rastro. La fotografía solo da una idea general del trabajo, es solo un obstáculo para aquellos que desean disfrutar de la comunicación con creaciones vivas. La fotografía es solo un mediador, como cualquier razonamiento sobre una obra maestra de numerosos historiadores del arte. Ni un solo libro le dirá lo que la Gioconda estacionaria le dirá personalmente. Como dijo el gran creador de la imagen: "Quién puede ir a la fuente, no debe ir a la jarra". Ningún conocimiento ayudará a sentir que, en comunicación con verdaderas obras de arte vivientes, solo necesita su propia sensibilidad mental. En una reunión con "Mona Lisa", todos tendrán que buscar una pista de su secreto. Eso’Está demostrado que en diferentes personas evoca una variedad de sentimientos y asociaciones, alguien revive recuerdos personales, alguien sugiere. Algunos seguro que es triste, otros tan pensativos, el tercero parece astuto, e incluso siniestro para alguien. Bueno, alguien decidirá que no sonríe en absoluto, y todo su misterio místico es ficción.

Reflexión del gran Leonardo

Un hecho popular es que cuando el autorretrato de Leonardo se aplica a la imagen de Mona Lisa, la parte superior de la cara coincidirá casi por completo con un punto de vista científico. Los historiadores del arte dicen que cuando el Creador pone su alma en el hombre, el pintor pone una parte de sí mismo en su creación. Sintiendo cuán increíblemente fuerte está literalmente conectado con cada una de sus propias obras, Leonardo da Vinci argumentó repetidamente que “las figuras creadas muy a menudo se parecen a sus maestros. Esto sucede porque nuestro juicio es lo que mueve nuestra mano al crear todos los contornos de esta figura. "

Al observar una obra de arte, el observador no solo ve lo que se representa en ella. Lo más importante que sucede es que entra en contacto con el mundo interior del pintor y se reconoce a sí mismo. ¿Quizás, por lo tanto, la sonrisa moderada y casi efímera de Gioconda ha estado excitando los corazones y las mentes de las personas con su incomprensibilidad durante tanto tiempo? Siente toda la sabiduría del conocimiento de la verdadera naturaleza de los objetos circundantes, acumulada por Leonardo da Vinci. Quizás, a través de su amada creación, el propio artista nos mira con una leve sonrisa. Parece que toda la experiencia del mundo, encarnada en la forma de una mujer, se recoge en este pequeño retrato. Penetrar en el secreto de la Mona Lisa es lo mismo que comprender el genio de su creador.

Y en Roma, y ​​en Milán, y en su último refugio, el francés Amboise, Leonardo nunca se separó de este lienzo. Y después de su muerte, legó "Mona Lisa" a su asistente y estudiante, quien pronto vendió la pintura al ardiente admirador y último mecenas del maestro, el rey francés Francisco I.

Generaciones enteras de monarcas admiraban la pintura en Versalles, hasta que Luis XV ordenó trasladarla a la bóveda del palacio. Después de la Revolución Francesa, Napoleón trasladó la obra maestra a su habitación privada en el Palacio de las Tullerías. Más tarde, "Mona Lisa" llegó a los museos de Napoleón en el Louvre. De donde fue secuestrada el 21 de agosto de 1911. El secuestrador era un italiano que veneraba inconmensurablemente las obras de un gran maestro, llamado Vincenzo. Soñaba con devolver el lienzo a la tierra natal del artista y durante casi tres años escondió una obra maestra en su propia casa. Todo este tiempo, hasta su regreso al Louvre, la Mona Lisa no dejó las portadas de revistas y periódicos de todo el mundo. Entonces, ya a principios del siglo XX, "Mona Lisa" se convirtió en la obra más reconocible en la historia del arte mundial,y los debates y discusiones al respecto continúan hasta nuestros días.

Mírate a ti mismo

Los artistas del Renacimiento solían colocar la imagen de sí mismos en algún lugar en las profundidades de las pinturas en las que trabajaban. Quizás Leonardo no fue la excepción y se retrató a sí mismo en el papel de un joven pastor en el dibujo preparatorio para la pintura "Adoración de los magos". Entre otras cosas, se cree que a menudo capturó sus rasgos para estudiar las proporciones del rostro humano. Sin embargo, todo esto es solo especulación, que no tiene evidencia indiscutible. El único retrato del artista cuya autenticidad está fuera de toda duda es el "Autorretrato" (Biblioteca Real, Turín), pintado alrededor de 1515, que mide 33 x 21 cm, que ahora se imprime en cada publicación ilustrada dedicada a la vida y obra de Leonardo. da Vinci

Uno de los artistas del siglo XVI, Giovannp Lomazzo lo describió de esta manera: "Su cabeza estaba cubierta con un cabello tan largo, y sus cejas eran tan gruesas y su barba tan impresionante que parecía ser una verdadera personificación de la beca más noble que los antiguos Prometeo y Druida Hermes solían ser ".

El maestro creó su "Autorretrato" cuando ya tenía unos sesenta años. Leonardo pasó toda su vida estudiando el mundo que lo rodeaba, la naturaleza y las personas, y ahora que su camino creativo y de vida estaba llegando a su fin, llegó el momento de verse a sí mismo. El artista hizo esto no solo mientras se mira en el espejo, sino que se miró a sí mismo desde la perspectiva de un artista que puede penetrar la esencia profunda de las cosas y con movimientos seguros de su mano capturar lo que ve y sabe en una superficie plana de un hoja.

Este autorretrato, mejor que cualquier otra cosa, expone al maestro no solo a los demás, sino, ante todo, a sí mismo. Leonardo dibujó algunas líneas con un pedazo de sangre roja, pero parece que no podría ser más honesto. Solo la juventud es el momento del narcisismo, la madurez ya no es necesaria. Ante nosotros aparece un hombre con la mirada de un sabio, sus rasgos son duros y al mismo tiempo tranquilos. Su imagen no parece un viejo cansado, sino más bien un genio con una fuerza interior increíble, cuya alma aún está llena de pasión. Leonardo es serio, centrado y lleno de determinación. Este dibujo rápido fue capaz de transmitir la imagen terminada, a lo que no hay nada más que agregar. El destino de la imagen durante mucho tiempo no se conocía. Fue descubierto solo a fines del siglo XIX,cuando el monarca italiano Karl Albert de Saboya lo compró a un coleccionista desconocido y lo transfirió a la Biblioteca Real de Turín para su almacenamiento.

El gran Leonardo da Vinci murió el 2 de mayo de 1519. Siglos después, el maestro sigue siendo un símbolo de las aspiraciones ilimitadas de la mente humana, un creador, un genio y un vidente, dotado de habilidades casi sobrehumanas. Todos los intentos de penetrar en los secretos que el artista dejó como legado a las personas son similares al deseo de comprender la esencia del arte en sí, como la manifestación más elevada del hombre.

Zhuravleva Tatyana