Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) Traductor traducir

Michelangelo Merisi da Caravaggio nació el 28 de septiembre de 1571 en un pequeño pueblo cerca de Bérgamo, cuyo nombre quedó en la historia del arte mundial: Caravaggio. La fecha de nacimiento del gran artista se conoció solo gracias al contrato sobreviviente para su formación, concluido por los padres del futuro artista con la famosa pintora Simone Peterzano en ese momento. El documento, fechado en 1584, establece que en el momento de su conclusión, Miguel Ángel Merisi tenía 13 años. Peterzano fue alumno del gran Tiziano y vivió en Milán, donde comenzó la carrera creativa de Caravaggio.

El comienzo del camino creativo.

La madre de Miguel Ángel, Lucia Aratori, fue la segunda esposa del arquitecto y decorador Fermo Merisi, quien sirvió con Francesco I Sforza, quien llevaba el título de Marqués de Caravaggio. En total, la familia tuvo cinco hijos. Los primeros años de la vida de Miguel Ángel pasaron en Milán, desde donde la familia huyó a Bérgamo, huyendo de la peste. Es cierto que la epidemia no perdonó al padre y al tío del futuro artista, cuya familia entera permaneció al cuidado de su madre, que tenía una gran necesidad.

Al ingresar al taller de Simone Peterzano en 1584, Miguel Ángel firma un contrato con el duque de Colonna, heredero del marqués de Caravaggio que murió en 1583. La columna, que decidió comprar todas las obras del joven pintor, apenas ingresó El taller de Peterzano, se convirtió en el fiel mecenas de Caravaggio durante toda su vida.

El jefe de la Iglesia Católica, que era uno de los mayores clientes de pinturas, era el Papa Sixto V, que favorecía las nuevas tendencias en el arte, que acababa de comenzar a surgir en Lombardía. En este momento, el ducado de Milán, bajo el dominio español, se convirtió en el centro de una rigurosa doctrina artística y religiosa. En particular, el arte de Europa e Italia estaba bajo la regla del manierismo, pero paralelamente a él existía el academismo romano-boloñés, limitado a la imitación de los grandes pintores venecianos y romanos. En Lombardía, por otro lado, los artistas comenzaron a alejarse del manierismo y se centraron en un reflejo realista de la vida. Esta tendencia tuvo una gran influencia en la formación del estilo creativo de Michelangelo Merisi.

Desafortunadamente, sabemos poco sobre las actividades del taller de Milán, Simone Peterzano, durante el período en que Caravaggio llegó allí. Giovanni Paolo Lomazzo escribió en 1584 que Peterzano se regocijó en gran demanda, que constantemente disfrutaba de sus obras, hizo "elegante y fácilmente". Si observa sus frescos en la iglesia de Garegnano cerca de Milán, o en sus lienzos como "Venus" o "Cupido y dos sátiros" (Colección Corsini, Nueva York), puede ver una clara influencia del manierismo, mezclado con el Nuevo realismo lombardo.

En las primeras obras de Caravaggio, uno puede ver claramente la influencia del estilo Peterzano, aunque la continuidad con respecto a las pinturas de los grandes maestros del Renacimiento, como Tiziano, Giorgione, Giovanni Bellini o Leonardo da Vinci, también es evidente.. El trabajo de este último, a saber, "Madonna in the Rocks", Caravaggio, por supuesto, visto en la iglesia de San Francesco Grande, Milán. Además, de vuelta en Bérgamo, el artista admiraba la pintura de Lorenzo Lotto, que destacaba por su especial tensión emocional.

La historiadora de arte Mina Gregory demuestra convincentemente que el joven artista estudió cuidadosamente las obras de Andrea Mantegna, lo que demuestra claramente el único fresco pintado por Caravaggio, indudablemente pintado bajo la influencia del estilo de pintura de este magnífico maestro de la perspectiva. Caravaggio también estaba en Mantua, donde examinó las obras monumentales de Giulio Romane.

Mientras tanto, en Milán, se formó una verdadera escuela, que cayó bajo la influencia de la manera pintoresca de los hermanos Campi. En él, los artistas jóvenes desarrollaron los temas de sus obras, centrándose principalmente en la vida real, de la que se inspiraron. La pintura de este grupo creativo incorporó todas las innovaciones en las bellas artes de la época.

Para descubrir el efecto del claroscuro, Caravaggio pudo haber sido ayudado por el trabajo del maestro del Alto Renacimiento Giovanni Girolamo Savoldo, a quien el joven pintor admiraba. Luego creó un retrato del famoso artista Sofonisba Anguissola, que estaba familiarizado con el gran Miguel Ángel en su juventud. Sofonisba creó escenas de género tomadas de la vida cotidiana. Podemos ver en uno de sus dibujos, creados con carbón y tiza, una imagen de su pequeño hijo, cuyo cáncer fue mordido por un dedo. Fue este dibujo lo que provocó la joven trama de Caravaggio de su primera pintura, que pintó inmediatamente después de llegar a Roma.

Desafortunadamente, solo podemos hablar hipotéticamente sobre la formación creativa de Caravaggio. Según el historiador de arte Berenson, Giorgione fue fundamental para el desarrollo del estilo de Caravaggio. La influencia de la escuela lombarda también se lee con claridad. Roberto Longy escribe: “Durante mucho tiempo en Milán, un grupo de artistas que vinieron de Lombardía fue venerado y creó arte democrático simple… En sus pinturas había mucho sentimiento humano, luz interior y ningún éxtasis religioso; decisión colorista, los efectos en blanco y negro se coordinaron entre sí y se verificaron con la naturaleza. Era un arte realista que buscaba retratar simple y verdaderamente la naturaleza y el hombre. "

Peterzano, que fue un maestro muy progresista para su época, también jugó un papel importante en la formación del estilo artístico de Caravaggio. En el entrenamiento, se enfocó en la técnica de la pintura, sin la cual es imposible alcanzar las alturas de la excelencia.

Apenas cumplidos los 18 años, Caravaggio, lleno de deseo de trabajar de forma independiente, se mudó a Roma. La ruta de su viaje es desconocida, solo podemos suponer que en el camino vio muchas de las obras de grandes maestros. En Roma, el prelado Pandolfo Pucci proporciona refugio a un joven. Las primeras obras de Caravaggio tienen una trama simple: "Un niño mordido por un lagarto" (1594, Galería Nacional, Londres), "Un hombre joven con una cesta de frutas" (1593, Galería Borghese, Roma), "Un niño limpiando una pera ”(1593).

El primer autorretrato de Caravaggio se considera la pintura "Músicos" (1595, Metropolitan Museum of Art, Nueva York), en la que el artista se retrató junto con otros dos jóvenes músicos y Cupido en el fondo. Muchos historiadores del arte consideran que la imagen de Amur es una especie de símbolo homoerótico, que indica la inclinación de Caravaggio por la homosexualidad. Pronto, el pintor se enferma gravemente, pero se recupera milagrosamente y, casi de inmediato, pinta la pintura "Little Sick Bacchus" (1953, Galería Borghese, Roma), que es su segundo autorretrato.

Caravaggio es patrocinado por el poderoso Cardenal del Monte, para quien el artista crea una serie de pinturas religiosas. En la pintura "Magdalena penitente" (1595-1597, Galería Doria Pamphili, Roma) vemos la primera imagen femenina creada por el artista. En el mismo período, el pintor crea su segundo "Baco" (1596, Galería de los Uffizi, Florencia), esta vez lleno de salud. Pronto, Caravaggio provoca su primer, pero lejos del último, choque con la justicia.

Pero, ¿por qué el joven artista eligió Roma? Los biógrafos de Caravaggio coinciden en que la elección de la capital cultural de Italia, y por lo tanto del mundo entero, se debió a las extraordinarias ambiciones de Caravaggio, que soñaba con convertirse en el mejor artista de todos los tiempos. ¿Es porque violó la ley muchas veces porque creía que él, dotado de Dios más que los que lo rodeaban, tenía todo permitido?

Roma en ese momento realmente floreció. La construcción de la Basílica de San Pedro, que en esos años era la estructura arquitectónica más grande del mundo, acaba de finalizar. Se erigieron grandes basílicas, como San Giovanni Laterano, Santa Maria Maggiore, se abrió el puerto de Ripetta en el Tíber, que realmente se convirtió en la puerta de entrada al mundo. El Papa Sixto V invitó a todos los pintores talentosos de la península a venir a Roma, y ​​muchos, incluidos los lombardos, siguieron este llamamiento. Todo esto tenía la intención de transmitir al mundo entero el triunfo del cristianismo.

Como mucho sobre la vida de Caravaggio, no sabemos la fecha exacta de su llegada a Roma. Tal vez fue 1591 o 1592. Hay muchas pruebas de que el artista llegó a la Ciudad Eterna bajo el mando del Papa Clemente VIII.

El joven artista que llegó a Roma probablemente tenía con él varios lienzos pintados en Milán. Pero estas obras, con su interpretación realista de los personajes y las tramas, difícilmente podrían despertar el interés del público local, cuyos gustos luego determinaron el manierismo y el clasicismo. Gran amor en Roma disfrutó de copias de las obras de Miguel Ángel y Rafael. Es significativo que los pintores que eran muy populares en ese momento, como Agnesti, Siolante, Taddeo Zuccaro, Salviate, Rafaelino da Reggio, Cesars Nebbia o Giuseppe Cerzi, dejaron solo un pequeño rastro en la historia mundial del arte.

El historiador del arte Callab escribe: “Los artistas jóvenes que llegaron a Roma a fines del siglo XVI no solo tuvieron que limitarse a una mansa imitación de pinturas de antiguos maestros, sino que también heredaron su idealismo, timidez artística y miedo a abandonar. una forma de representación de superficie vacía. En pintura, estos artistas se contentaban solo con semejanzas externas. "Para sobrevivir de alguna manera, se vieron obligados a someterse a los gustos del público y dedicarse únicamente a decorar la vida. Un ejemplo es el trabajo de Annibale Carracci, que vino a Roma desde Bolonia. Se le encargó decorar la galería en el Palazzo Farnese: ya en el proceso de trabajar en la implementación de su plan creativo, se encontró con grandes dificultades y desconfianza hacia los clientes y el público.

Lo mismo sucedió con Caravaggio. Se acurrucó en los barrios pobres de la ciudad, en el mismo lugar que muchos otros inmigrantes de Lombardía, los mismos artistas desempleados, escultores y albañiles que intentaron sobrevivir anticipando las órdenes. Pronto, el pintor logró ingresar al servicio de Lorenzo Siciliano, en el estudio donde conoció a sus compatriotas, los hermanos Longo.

Durante este período, Caravaggio y sus camaradas pasaron sus días en el trabajo, explorando el campo y divirtiéndose. Los investigadores buscaron en vano las obras del artista de este período. Quizás escribió algo para sí mismo, pero, obviamente, estas pinturas no encontraron compradores.

Y, sin embargo, Caravaggio sonrió por suerte en la persona de un rico filántropo, un hombre de buen gusto artístico, pero con una dudosa reputación, prelado de la corte papal, Monseñor Pandolfo Pucci. Era el hermano de un cardenal que, por cierto, también se hizo cargo del "tímido" Benvenuto Cellini.

El prelado estaba fascinado por la destreza, el talento del joven artista y su carácter implacable y explosivo. Pucci invitó a Caravaggio a su casa, asegurando su existencia. El artista, por su parte, en agradecimiento por la amabilidad del prelado, tuvo que hacer el trabajo por él de copiar las mejores pinturas piadosas de la iglesia. Monseñor Pucci envió todas sus obras al Monasterio Capuchino en Recanati, en el que una vez nació y pasó los primeros años de su vida. Ni un solo trabajo de esta serie nos ha llegado.

Estilo y temas

Con mucho tiempo libre y completa libertad creativa, Caravaggio podría elegir cualquier argumento para sus obras y reflexionar sobre ellas durante mucho tiempo. Ahora sabemos con certeza que la pintura del artista "Un niño mordido por un lagarto" (alrededor de 1954, la Galería Nacional de Londres y, segunda opción, la Fundación Longy en Florencia) fue creada durante su estancia con Monseñor Pucci. La imagen era una especie de reminiscencia del conocido dibujo al carbón de Sofonisba Anguissola. El joven en el lienzo se representa en el momento en que el lagarto lo muerde, y él temerosamente retira su mano. Por primera vez en la pintura, un momento de movimiento fue arrebatado y registrado.

Según Berenson, en este trabajo de Caravaggio existe una "necesidad universal de innovación", un deseo de destruir las convenciones. Quizás aquí también se esconde una alegoría: los hombros desnudos del niño y una flor detrás de la oreja indican que el joven pertenece a las clases bajas romanas: el mundo de las prostitutas y los ladrones, que Caravaggio asoció con el dolor físico y el sufrimiento que necesariamente acompañan al amor.. A lo largo de la carrera del artista, las imágenes del sufrimiento físico estuvieron inextricablemente vinculadas con el sufrimiento espiritual y mental.

Caravaggio también escribió su famoso "Lute Player" durante su estancia con Pucci. Ahora la imagen está en el Hermitage, en San Petersburgo. La imagen de un músico es muy típica de los modelos elegidos por el artista. Hay otra versión del lienzo, se almacena en el Museo Metropolitano de Arte, en Nueva York. En él vemos al mismo niño que juega, pero no vemos flores ni frutas a su lado.

Es sorprendente la minuciosidad con la que el artista escribe instrumentos musicales. La cara soñadora del laúd, la languidez en su mirada, todo sugiere que el joven se deja llevar por la imaginación a su profundo mundo interior. Puede leer una inscripción intrigante en la partitura en la imagen del Hermitage: "Voi sapete chio vato" ("Sabes que te amo"). Me pregunto quién envió este reconocimiento. En la imagen "Músicos", el primer plano también muestra una partitura desplegada para el público, que está en manos de un cantante semidesnudo. Pero aquí la inscripción hecha por su mano, hasta ahora nadie ha podido leer.

El hecho de que todas las obras de este período, Caravaggio se inspiró solo en hombres jóvenes (las imágenes femeninas están ausentes), también sugiere la orientación poco convencional del artista. La primera imagen femenina en su obra fue la pintura "Magdalena penitente", pintada alrededor de 1596.

No se sabe por qué Caravaggio dejó la casa de Monseñor Pucci. Quizás el prelado tenía una disposición muy fuerte. El artista aparece nuevamente en las calles romanas, privado de medios de subsistencia. Afortunadamente, el viejo amigo del pintor, que trabajó con él en el taller de Lorenzo Siciliano, el artista Antiveduto Gramatica, albergó a los sin hogar y empobrecidos Caravaggio. La gramática tuvo cierto éxito con el público, por lo que recibió órdenes regulares.

Pero las desgracias acosaron al pobre Caravaggio, se enfermó con la fiebre romana, que era rampante en toda la península. Un amigo del artista Longo lo llevó al hospital del convento de Santa Maria della Consolation, donde trajeron a quienes no tenían los medios para pagar el tratamiento. Allí, Caravaggio fue colocado en el sótano, que se consideraba un corredor de la muerte.

Por accidente, el artista llamó la atención del prior del hospital, el señor español Conteras, un buen amigo de monseñor Pucci, que pasó y reconoció a Caravaggio. Conteras pidió transferir al pintor enfermo terminal a otra habitación y ordenó no dejar a sus enfermeras. Esto solo salvó la vida del artista.

Pero los temas de la muerte y la enfermedad, en adelante, como un eco lejano de la experiencia, se pueden ver en muchos de sus lienzos, por ejemplo, en la Asunción de María. En agradecimiento por su salvación, Caravaggio pintó para las pinturas de Contares, pero, desafortunadamente, ellas, como muchas de sus otras obras, no han llegado a nuestros días.

Seis meses pasados ​​en el hospital, dolor y miedo, enfermedades concomitantes dejaron una profunda huella en el alma del artista. Fue entonces cuando Caravaggio creó una de sus obras más famosas, "Baco enfermo". La figura de Baco se muestra en una imagen especular: una cara hinchada y pálida y ojos opacos indican la grave condición del propio artista después de la enfermedad. En "Baco enfermo" vemos a un dios que ya no puede disfrutar de las delicias de la vida, disfrútala.

La pintura fue pintada en el taller de uno de los pintores más famosos de Roma, el caballero Cesare d’Arpino, que albergó a Caravaggio en su casa. Cesare d’Arpino no era mucho mayor que el propio Caravaggio, pero ya era conocido como el favorito de la alta sociedad e incluso fue adoptado en la corte papal. Perteneciente a una de las asociaciones de arte más populares en la capital de Italia: la Academia de los Temerarios (que también incluía a poetas como Batista Laura, futuro papa Urbano XVII y Torquato Tasso), d’Arpino prefería lo divino sobre lo racional. En agradecimiento por el refugio, Caravaggio tuvo que llevar guirnaldas de hojas y flores para los frescos de Cesare d’Arpino. En esta ocasión, incluso se firmó un contrato. Murales de los contemporáneos de Caravaggio reconocidos como perfectos.

En la casa de Cesare d’Arpino, Caravaggio conoció a muchos de los ricos filántropos de Roma: cardenales, comerciantes, embajadores, así como artistas famosos que disfrutan de una buena reputación: Van Dyck, Jan Brueghel y, posiblemente, Rubens. Entre ellos estaba Valentine, que recientemente había llamado la atención de un joven artista de Francia. Se supone que más tarde Valentin se retiró en secreto del taller de Cesare d’Arpino y vendió varias obras de Caravaggio.

Aproximadamente en ese momento, el pintor creó otra obra maestra propia: "El hombre joven con una cesta de frutas", que el Papa Paul V. luego presentó a su sobrino Shipione Borghese. Ambas pinturas (esta y "Baco enfermo") estuvieron en el taller del caballero Cesare d’Arpino 1607 años. Luego, fueron confiscados por los agentes del papa Pablo V, quienes ascendieron al trono después del papa Clemente VIII, en pago de deudas.

Al no tener ingresos permanentes, Caravaggio recurrió a Valentin en busca de ayuda, y él me aconsejó que escribiera pinturas religiosas. De hecho, la demanda de pintura de la iglesia era enorme. Caravaggio aceptó la oferta, recibió pinturas y pinceles, pero después de un tiempo trajo al agente trabajo no religioso en su segundo "Baco".

En este lienzo vemos al dios antiguo en la forma de un joven de piel gruesa y lleno de salud, característico de muchos de los personajes del artista un poco pesado durante siglos. La cabeza de Baco está decorada con una corona tradicional de vides, en su mano hay una copa de vino, y en la mesa vemos una jarra medio vacía. Pero hay otros matices: hojas ligeramente marchitas en una corona de flores, frutos rancios en mal estado, que hacen pensar a un espectador atento.

El biógrafo Caravaggio Giovanni Ballone escribirá: “Baco con varias ramas de uvas pintadas en diferentes colores está escrito con mucho cuidado, así como con cierta agudeza y sequedad; Esta pintura proviene de la época en que Caravaggio intentó vivir con su propio dinero, vendiendo sus pinturas. "En 1916, este trabajo fue redescubierto por Roberto Longy, quien lo descubrió en el depósito de la Galería de los Uffizi.

El extraordinario talento de Caravaggio fue apreciado con un retraso de 300 años. No se sabe con certeza si el cliente aceptó a Baco o si el trabajo nunca salió a la venta; En cualquier caso, su implementación no podría ayudar al maestro a resolver sus problemas materiales. Valentin, que creía en el enorme talento artístico de Caravaggio, persuadió al artista para que aceptara una orden para la ejecución de obras de contenido religioso, pero el terco, a pesar de todo, comenzó a trabajar en una nueva obra: escribió The Fortune Teller.

En el lienzo vemos una escena callejera o uno de los episodios del teatro popular. ¡Valentine pagó a Caravaggio por sus 30 táleros! Posteriormente, el trabajo fue donado por el príncipe Doria-Pamphili al rey francés Louis XIV y actualmente se almacena en el Louvre.

Un examen de rayos X del trabajo mostró que bajo la imagen del joven adivino hay una imagen anterior de una manera cercana a Cesare d’Arpino. Quizás Caravaggio simplemente ahorró dinero en el lienzo. La vulgaridad de esta escena conmocionó a los contemporáneos del artista, pero fue ella quien más tarde inspiró a otro pintor, el francés Georges de Latour, para crear una imagen con el mismo nombre y en la misma trama. Después de recibir el dinero, Caravaggio se apresuró de inmediato hacia aventuras, peleas y peleas, lo que obligó a la policía papal a volver a realizar una estricta supervisión de su vida.

¿Qué pasó después? ¿Cómo logró Valentine persuadir al artista rebelde para que volviera al camino recto? Probablemente, en esta lucha con la disposición rebelde de Caravaggio, utilizó el nombre de uno de los coleccionistas de arte más ricos de este período: el cardenal Francesco Maria del Monte. Finalmente, el pintor acepta escribir para el cardenal una imagen sobre un tema religioso, que se convirtió en el primero en su trabajo.

Es cierto que el artista estableció su condición: total libertad para elegir un tema. Caravaggio inmediatamente se negó a escribir las escenas tradicionales de la crucifixión y el martirio. Como objeto de la imagen, el artista eligió el tema del éxtasis, en consonancia con su forma pictórica y su temperamento artístico. Comienza la obra monumental Éxtasis de San Francisco. Caravaggio retoma decisivamente la creación del lienzo y se instala en el sótano de la casa de Valentine para terminar esta difícil tarea lo antes posible.

El trabajo debía ser una obra altamente artística y magistral que podría abrir las puertas de Caravaggio a las colecciones de los principales amantes del arte romano. Al mismo tiempo, ella lo habría hecho famoso y le habría ayudado a ganarse el favor de personas ricas y autoritarias. Los investigadores modernos de la obra del artista consideran el éxtasis de San Francisco como la primera obra madura de Caravaggio.

El genio de la innovación.

El trabajo "Éxtasis de San Francisco" causó mucha controversia y discusión. El escritor Dominic Fernández ve en ella el nacimiento del auténtico barroco. La trama de la imagen se desarrolla en el contexto de un bosque nocturno. En el fondo, Caravaggio retrató pastores simples que encendieron un fuego. A su luz, emerge claramente la figura del santo acompañante dormido, el hermano León. San Francisco revela estigmas en un estado de éxtasis místico.

Nadie antes de Caravaggio representaba una escena de éxtasis religioso como esta: un santo yace en los brazos de un ángel, cuya imagen se materializa en la forma de un joven seductor, que recuerda mucho a los modelos favoritos del pintor. La figura de un ángel, a pesar de las alas detrás de ella, no se eleva, sino que, por así decirlo, cae al suelo. Intentando encontrar nuevos medios expresivos y expresivos, el artista mejora el juego de luces y resuelve toda la composición como una representación teatral, tratando de lograr no solo un efecto artístico significativo, sino también más persuasivo.

El éxtasis de San Francisco hizo su trabajo: sentó las bases de la fama de Caravaggio como pintor religioso. Siguieron otras obras monumentales del artista, como La conversión de Saúl de la Iglesia de Santa María del Pololo. El cardenal del Monte, apreciando la innovación del pintor, invita a Caravaggio al Palazzo Madama.

Francesco Maria del Monte fue el embajador del duque toscano en la corte de Pantifex Maximus. Su residencia estaba ubicada en la Villa Medici. El cardenal era una persona muy educada: sabía hebreo, griego antiguo y otros idiomas orientales. Era un gran fanático de la música y la pintura, siempre abierto a nuevas ideas. Gracias a esto, Caravaggio le causó una buena impresión, y el cardenal le dio libertad creativa y contenido completo. Viviendo en el palacio de Madama y percibido como un alumno del cardenal, Caravaggio se convirtió en un artista famoso y buscado. Es cierto que no solo lo admiraban, sino que también lo odiaban.

Protegido de todas las adversidades, bien provisto y tal vez incluso enamorado, el artista comenzó a acostumbrarse a una vida tranquila. Lo que, sin embargo, no afectó la nitidez y la nitidez de su lenguaje pictórico, que fue perfeccionado constantemente. Estaba absorto en la búsqueda de las escenas más dramáticas y, encarnando sus ideas, recurrió a una gran cantidad de contrastes, un juego de luces y sombras, lo que le dio vitalidad y persuasión a sus pinturas.

Mientras tanto, se acercaba un cambio de siglos. El manierismo como movimiento artístico cayó gradualmente en declive: el Renacimiento se convirtió en historia. Era la época del Edicto de Nantes, que puso fin a las guerras religiosas en Europa. Francia e Italia se aliaron: Enrique IV se casó con María Medici. Michelangelo Merisi, quien ahora tomó el nombre de Caravaggio, en este momento tenía 25 años.

Siendo un alumno del cardenal, que felizmente adquirió la mayoría de sus obras, el artista pudo rendirse por completo a la inspiración: "la furia del momento". Comenzó a escribir no solo pinturas religiosas, sino también de género. La "Magdalena penitente" de Caravaggio es sorprendentemente real. Por cierto, una modelo de la calle llamada Julia sirvió de modelo para el pintor. Dos años después, creó la pintura "La circulación de la Magdalena", que se distingue por un estudio aún más minucioso de todos los detalles.

En la casa del cardenal del Monte Caravaggio escribe su famosa naturaleza muerta "Canasta de frutas". La canasta que se cierne sobre la mesa parece inusualmente material. Junto con las frutas frescas y jugosas, el maestro lo "llenó" de frutas demasiado maduras y hojas marchitas. Este lienzo nunca adornó la colección de del Monte, el cardenal solo más tarde lo descubrió en el taller del señor Cesare d’Arpino, al que se lo entregó el propio artista, como compensación por las deudas. Más tarde se olvidaron de la naturaleza muerta de Caravaggio. Hasta hace poco, la "Canasta de frutas" era parte de la escuela de pintura holandesa. Solo el estudio científico de 1919 realizado por Longy demostró la autoría de Caravaggio.

Pronto, el artista dejó el Palazzo Madama y se mudó a la casa del cardenal Maffeo Barberini, quien era uno de los clientes de Valentin. Influenciado por los constantes consejos y orientación de su amigo, Caravaggio vuelve nuevamente al desarrollo de temas religiosos, sin perder la fe en sus ideas y principios. El artista busca situaciones dramáticas en la historia y en la vida, las fortalece con la teatralidad de las soluciones compositivas, con extraordinarios contrastes de luces y sombras, dando a sus obras un sonido completamente nuevo.

Las obras "Tomando a Cristo bajo custodia" (National Gallery, Dublín, Irlanda) y "La donación de Isaac" están dedicadas a historias de la historia bíblica. Lo más atractivo en "La donación de Isaac" es una interpretación humanista de la imagen de un ángel que aparece ante Abraham, trayendo una daga sobre su hijo. El ángel hace un gesto al carnero, que debe colocarse sobre el altar en lugar del niño.

En la pintura "Santa Catalina de Alejandría", el artista representa en el fondo una rueda de tortura aterradora con puntas de acero. Caravaggio equilibra magistralmente la composición al correlacionar las partes oscuras y claras. La obra, que durante algún tiempo estuvo en la colección del Monte, fue vendida por sus herederos a la familia Barberini, de la que luego pasó a formar parte de la colección Thyssen-Bornemisza en 1935.

La pintura "Juan el Bautista" pertenece al mismo período, cuya creación se inspiró en las figuras de los jóvenes desnudos de Miguel Ángel de la Capilla Sixtina. También escribe otra María Magdalena, realizada a la manera de los maestros venecianos ("Conversión de Magdalena"). En este lienzo, además de Magdalena, apoyada en un gran espejo redondo, vemos a otro personaje: Marta, que es presentada por Caravaggio. La modelo de Martha fue Filis Melandrone, quien trabajó con el artista y mientras escribía St. Catherine.

La insistente solicitud personal del cardenal y la gran demanda de pintura religiosa obligaron al pintor a seguir trabajando en obras sobre temas bíblicos. Todas sus obras posteriores dieron un duro golpe a la dirección fundamental del arte europeo: el manierismo.

Pronto, Caravaggio decide escribir un lienzo sobre uno de los peores momentos de la historia judía descritos en el Antiguo Testamento. Él escribe Judith y Holofernes, donde describe el momento en que Judith fue cortada al tirano asirio Holofernes. El modelo para Judith también fue Filis Melandrone. Inicialmente, el artista retrató a Judith con los senos desnudos, pero posteriormente, se vio obligada a "cubrirla" con un ramillete. Un poco lejos de la heroína está esperando a un sirviente anciano. Ella sostiene fácilmente una servilleta de lino para envolver la cabeza de la víctima en ella. La imagen de la vieja sirvienta fue creada por Caravaggio bajo la impresión de "Cabeza del viejo hombre" de Leonardo da Vinci.

La pintura "Descansa en la huida a Egipto" demuestra vívidamente tanto la aceptación como la negación de las tradiciones de la pintura religiosa. El cabello castaño de la Madre de Dios contrasta con los rizos rojo claro del Niño Jesús. Un ángel escrito desde atrás toca el violonchelo; su mirada está fija en el puntaje que tiene Joseph. El artista retrató al esposo de la Virgen María descalzo y con barba gris, sentado en una bolsa, junto a la cual vemos una botella de vino medio borracha. Sirviendo como telón de fondo, el paisaje enmarca toda la composición. Él y el patrón de flores y hojas están estilísticamente cerca de las pinturas de Giorgione, pero, por supuesto, Caravaggio lo supera por la fuerza de su talento.

El lienzo "Descanso en el camino a Egipto" fue percibido de manera ambigua por el público y recibió una variedad de calificaciones. Sin embargo, el cardenal le dio a Caravaggio una nueva orden para pintar el techo de su residencia (actualmente, está la villa de Boncompany Ludovisi). El artista completó el pedido a mediados de la década de 1590. Este fresco sigue siendo la única obra conocida de Caravaggio en el campo de la pintura mural. El pintor demuestra la asombrosa habilidad de poseer una perspectiva. Las figuras de Júpiter, Neptuno y Plutón, representadas por él en un fresco, dan testimonio de las habilidades extraordinarias del artista de 26 años. Aunque la obra fue recibida favorablemente por conocedores del arte ilustrados, Valentine esperaba más del artista y ayuda a Caravaggio a concluir un importante contrato para pintar escenas de la vida del apóstol Mateo de la iglesia romana más grande de San Luigi dei Francesi.

Bajo este contrato, el artista creó dos lienzos monumentales: "El martirio del apóstol Mateo" y "La llamada del apóstol Mateo", que todavía adornan la iglesia de San Luigi dei Francesi, ubicada en el mismo lugar donde fueron identificados durante el tiempo del artista Son evidencia vívida de una nueva etapa en la vida y obra de Caravaggio.

Este conjunto pintoresco fue el más grande de todos realizado en la vida del artista. Y el resultado de su trabajo fue asombroso. Las obras monumentales escritas por él, que se basan en una mirada innovadora a los temas bíblicos, dieron lugar a un debate apasionado, tanto entre clérigos como entre conocedores del arte. Esto no es sorprendente, dado que a principios del siglo XVII las pinturas y los frescos de la iglesia estaban en el centro de atención y causaban gran interés no solo entre el clero, sino también entre todos los amantes de la pintura, por lo que todos estaban ansiosos por ver nuevas obras de pintores..

La historia de este orden es bastante inusual. El cardenal Matteo Contarelli, que deseaba dedicar la capilla a San Mateo, su patrón celestial, invitó a pintores y escultores a decorar la iglesia. El trabajo aún no se había completado en el momento de la muerte del cardenal, y la cuestión de su finalización se discutió en numerosos consejos de la iglesia.Entre los artistas involucrados en la capilla de Contarelli, deben destacarse Girolamo Muziano y el caballero Cesare d’Arpino, que pintó las bóvedas y el techo de la iglesia con escenas de la vida del santo. Iba a hacer frescos todos los muros de la capilla, pero por razones desconocidas no pudo seguir trabajando. Su finalización fue encomendada a Caravaggio. El contrato del 25 de junio de 1599, que se celebró con el artista, ha sobrevivido. Según él, Caravaggio recibió una recompensa de 400 escudos.

De hecho, no está claro por qué la elección recayó en Caravaggio, y no en otros maestros romanos más famosos en aquellos años. Probablemente, la mediación de los todopoderosos mecenas del artista: el cardenal del Monte y el rico filántropo y aristócrata genovés Vincenzo Giustiniani jugó un papel importante aquí. Por supuesto, el pintor se sintió halagado por el honor que se le mostró e inmediatamente se puso a trabajar. Pero aquí quedó claro un problema: las misas servían regularmente en la capilla de Contarelli y, por lo tanto, era imposible establecer los bosques necesarios para crear composiciones de gran formato. Caravaggio ofreció su salida de la situación: ¡decidió hacer pinturas al óleo de gran formato sobre lienzo de 3.40 x 3.24 metros en óleo! Ninguno de sus contemporáneos ha completado órdenes de esta magnitud. Después de pensar un poco, el clero estuvo de acuerdo.

El pintor no cumplió con los plazos estipulados por el contrato y presentó su trabajo varios meses después. Completó el "Martirio del apóstol Mateo" a tiempo para principios de 1600. Caravaggio cambió repetidamente la composición del lienzo en busca de la solución más exitosa. El pintor describió la escena, que tuvo lugar en el patio del rey de Etiopía, quien ordenó la ejecución de San Mateo, quien predicó el evangelio allí. El verdugo, con la espada preparada, ya se inclinaba sobre el mártir resistente para matarlo. Un ángel extiende al santo una rama de palma, el emblema del martirio por la fe. En la distancia se encuentra un joven con una cara tierna, intentando involuntariamente distanciarse de la terrible escena que está teniendo lugar. El niño que huye se da vuelta, su rostro expresa un horror indescriptible.En uno de los personajes del lienzo, el propio Caravaggio puede ser visto como testigo de este crimen: un hombre de mediana edad con barba y una expresión exhausta en su rostro. Este es el tercer autorretrato del artista.

La pintura "El martirio del apóstol Mateo" conquista, en primer lugar, con autenticidad realista, riqueza emocional y la más convincente de las imágenes. Hermann Foss escribe: “En un momento en que Caravaggio comenzó a usar el método de iluminación que inventó para desarrollar composiciones de varias figuras, sintió la necesidad de abandonar los medios de imagen lineal plana utilizados por Zuccaro y Giuseppino. Sus competidores no dudaron en hacer juicios críticos. Uno de los teóricos del manierismo romano, el artista Zuccaro, dijo lo siguiente: “¡Mucho ruido de la nada! ¡Aquí no veo nada más que una copia del estilo Giorgione! "

Reconocimiento de talento

La pintura "La llamada del apóstol Mateo", ejecutada unos meses después y colocada en una capilla al lado de la composición "Martirio", proporcionó más alimento para la conversación. El artista mostró el misterio de "Calling" en forma de una escena de la vida cotidiana romana. Al darse cuenta de su audaz plan, Caravaggio elige la ubicación de una de las tabernas romanas, en la que generalmente se encuentran los jugadores. En el original, un episodio de la historia del evangelio tiene lugar en una habitación que cumple con las costumbres modernas. Después de todo, se trata del principal recaudador de impuestos, el principal recaudador de impuestos que controla la recaudación de impuestos.

En el lienzo, la luz cae desde arriba e ilumina solo el lado derecho de la habitación. La única ventana está bien cerrada y aparece tapiada. El pintor describió una situación completamente inadecuada para realizar el sacramento de la conversión, sin embargo, es aquí donde aparece Jesús. Al entrar, señala con su mano al recaudador de impuestos elegido, y este gesto recuerda de alguna manera el movimiento de la mano del dios de los anfitriones, del fresco "Creación del mundo" de Miguel Ángel.

Finalmente, Caravaggio se hace famoso. Él demostró convincentemente que en la pintura es posible una combinación armoniosa de lo divino con lo cotidiano. La aparición de Jesús en la oficina de recaudación de impuestos, que se muestra en su lienzo, no parece blasfema. Es cierto que esta innovación en la pintura de la iglesia causó un debate interminable. Sin embargo, los ejecutores de la voluntad del cardenal Contarelli quedaron satisfechos e inmediatamente instruyeron al artista para que cumpliera con la imagen central del altar de la iglesia. El motivo de la última imagen se determinó de antemano: el apóstol Mateo y el ángel. El pintor presentó a tiempo el trabajo a los clientes, pero fue rechazado por el hecho de que Caravaggio dotó a la imagen del santo de los rasgos característicos de un simple campesino, que lo representaba barbudo, calvo, con las piernas desnudas y sucias.

Bajo la presión del clero, Caravaggio presenta la segunda versión de la imagen, con una interpretación completamente diferente de la trama. En la segunda versión de la obra, el pintor se niega a demostrar la cercanía emocional entre el apóstol y algo que un ángel le susurra al oído. La imagen del altar de San Mateo, creada por Caravaggio, todavía se puede ver hoy en la capilla de la iglesia de San Luigi dei Francesi. El conjunto artístico de tres lienzos monumentales durante mucho tiempo permaneció en la oscuridad del sótano de la capilla de Contarelli en completo olvido, hasta que Roberto Longa lo "revivió" del olvido. La primera muestra de estas obras tuvo lugar en 1922 en una exposición organizada en Florencia.

Estas pinturas sensacionales le dieron a Caravaggio un éxito sin precedentes. Inmediatamente recibió un nuevo pedido. Ahora el artista tenía que trabajar en un tema religioso para otra capilla, de pie en la plaza más bella de Roma: Cherazi en la iglesia de Santa Maria del Popolo. La capilla, ubicada a la izquierda del altar, fue comprada por la familia Cherazi para la tumba familiar.

Era 1601, Caravaggio finalmente tuvo estudiantes, uno de los cuales, Giovanni, incluso se mudó a su maestro, en el sótano del Palazzo del Monte. Mientras tanto, el artista estaba completando la pintura de la Asunción de María para la capilla de Cherubini en la iglesia de Santa Maria della Scala en Trastevere, encargada por los mendigos monjes carmelitas con la mediación directa del marqués Giustiniani.

El lienzo "Asunción de María" se convertiría en el más grande en el altar de la capilla. La composición de la imagen nos muestra a la moribunda María. Su habitación es pobre, todo el miserable ambiente consiste en una cama elevada, una silla y un recipiente para lavar. El lecho de muerte está cubierto por una gran cortina roja que cuelga directamente de la viga del techo. Longy señala: "La imagen nos dice cómo es la muerte de una mujer de la gente común… El dolor de todos los que están de pie junto a la cama es impresionante y recibe un poder de influencia ilimitado gracias a un flujo de luz que combate las sombras, cayendo desde la izquierda e iluminando los parpadeantes colores ardientes desde el interior. El dolor y la conmoción de los presentes, enfatizados expresamente por la iluminación, parecen infinitamente enormes, inagotables. "

No es sorprendente que los monjes carmelitas rechazaran la imagen. No fue sin rumores. ¿El artista no invitó a una mujer de virtud fácil como modelo para el personaje principal? Caravaggio describió el cuerpo de la fallecida María de tal manera que todo indicaba una enfermedad grave. Incluso la imagen de primer plano de un recipiente con agua de vinagre, diseñada para lavar a los muertos, fue en sí misma una blasfemia y alertó a la iglesia. Cabe recordar que un año antes en Roma, Giordano Bruno, que rechazó el dogmatismo religioso, fue quemado en la hoguera de la Inquisición.

El producto de la Asunción de María no encontró un comprador durante mucho tiempo, hasta que el duque de Mantuan de Vincenzo Gonzaga lo compró para su propia colección por consejo de Rubens. Rubens estaba encantado con el coraje y el poder de la pintura de Caravaggio, su habilidad para transmitir luces y sombras. La obra de la Asunción de María, como la mayoría de la colección del duque, fue vendida a Carlos I en Inglaterra en 1628. Durante algún tiempo después de la muerte del rey, la pintura perteneció a un banquero de París y luego fue adquirida por Louis XIV.

Durante este período, Caravaggio vuelve a reunirse con sus amigos de los barrios pobres y no trata de concluir un contrato rentable con la iglesia de Santa Maria del Popolo, por lo que Valentine está muy preocupado. Sin embargo, el pintor acepta escribir una pintura monumental para el acaudalado banquero Marqués Giustiniani: "Coronando con una corona de espinas". La versión original de la imagen, que durante mucho tiempo se consideró una copia, se identificó solo en 1974, se encuentra en la Galería de Arte Prato.

Además de ella, el maestro, durante un tiempo increíblemente corto, escribe otra obra de gran tamaño: "La posición en el ataúd", que ahora se encuentra en el Vaticano. En este trabajo, su extraordinaria visión de luces y sombras y su talento para trabajar con colores "revividos" se manifestaron sorprendentemente. La pintura fue la única obra de Caravaggio sobre un tema religioso, sin demora y recibida positivamente por los clientes de la iglesia de Santa María en Vallicella, hablando en nombre de Monseñor Vitrici. Más tarde, Rubens hizo una copia de este trabajo, cambiando ligeramente la composición.

Pronto, se concluyó un importante contrato con la iglesia de Santa María del Popolo para 400 escudos, con la asistencia directa de Valentine. Este dinero permitió a Caravaggio pagar deudas y obtener algo de independencia. Inicialmente, de acuerdo con el contrato, se suponía que el artista debía escribir trabajos emparejados de pequeño formato, ejecutados en tableros de ciprés, sin embargo, al final, Caravaggio los pintó sobre lienzo con pinturas al óleo. Las tramas fueron propuestas por el señor Cherazi: "La crucifixión del apóstol Pedro" y "La conversión de Saúl". Lo más probable es que el pintor cumpliera con entusiasmo este orden, que era clásico en todos los aspectos.

Sin embargo, el clero rechazó enérgicamente la primera versión de las pinturas creadas por el artista, que dio lugar a la creación de sus segundas versiones. La versión original de la pintura "La crucifixión del apóstol Pedro" se encuentra en el Hermitage, en San Petersburgo, mientras que la primera versión de la "Conversión de Saúl" se pierde. La segunda versión de The Crucifixion fue creada con un realismo tan absoluto y tan convincente que los monjes carmelitas la aceptaron con miedo. Caravaggio retrata a verdugos que intentan levantar una gran cruz con los santos clavados en ella. El artista pintó al apóstol Pedro con una niñera, que posó para él para la pintura "Descansa en la huida a Egipto" y pinturas ubicadas en San Luigi Lei Francesi. La "Crucifixión del Apóstol Pedro" fue aceptada por los clientes,aunque con cierto descontento.

La pintura "La apelación de Saúl" fue rechazada dos veces por los monjes antes de ser colocada en la capilla de Cherazi. El hecho es que tal interpretación de la trama bíblica, como en la pintura "Asunción de María", fue una provocación impensable. Es suficiente tener en cuenta que casi todo el espacio del lienzo está reservado para la imagen del caballo. Uno de los prelados de la iglesia de Santa María del Popolo cuestionó obstinadamente esta decisión artística con el propio Caravaggio. Un siervo de la iglesia grabó esta conversación para la historia: "¿Por qué el caballo está en el medio y el apóstol Saúl yace en el suelo?" - "¡Entonces es necesario!" - "¿Debería este caballo reemplazar a Dios?" - "No, pero está a la luz de Dios ".

Berneson señala que "… Caravaggio anticipa algo de los escultores de nuestro tiempo…". Roberto Longi cree que ambos lienzos de la iglesia de Santa María del Popolo son una prueba vívida del genio artístico del maestro. “Los experimentos de Caravaggio en el campo de la pintura finalmente le permitieron aplicar la reducción de sombras profundas, y esto, por supuesto, aumentó el impacto de su realismo trágico y valiente… Caravaggio cambia por completo la iconografía tradicional. Quizás esta sea la imagen más revolucionaria en la historia del arte religioso, que ayudó a marcar un importante punto de inflexión en el colosal desarrollo espiritual de la sociedad ”, escribe. Anthony Blunt es más conciso, pero argumenta que fue esta pintura de Caravaggio la que inspiró a Georges de Latour a crear la pintura "San José el Carpintero"."

Debido a que se retrasó la ejecución de la orden, Caravaggio fue multado con 100 escudos. Las obras de Santa María, así como las pinturas de San Luigi, fueron olvidadas gradualmente. Una de las razones de esto fue la ubicación demasiado alta de pinturas en las instalaciones de la iglesia. Tanto la "Conversión de Saúl" como la "Crucifixión del apóstol Pedro" se ubicaron en una sombra parcial debajo del techo, por lo que era casi imposible de distinguir. Solo en el siglo XX tuvo lugar su renacimiento.

El artista fue muy sensible a las críticas. Absorto en la indignación y el resentimiento, se lanza de cabeza a una vida salvaje. Durante meses, Valentine no había escuchado nada sobre él. Y Caravaggio deambulaba por las afueras de Roma con un joven novio llamado Benedetto y su amigo Lionello Spada. Sin embargo, Valentine aún logró seguir su rastro. Después de buscar al pintor, sugirió que creara una serie de pinturas sobre famosos temas mitológicos. Así nacieron las pinturas "Narciso" y "Cupido el vencedor" (1603).

Los lienzos puestos a la venta provocaron críticas extremadamente hostiles por parte de los comerciantes de arte, quienes los consideraron indecentes. Quizás el modelo de la figura de Amur, representado por el pintor como un niño muy terrenal y juguetón, fue el novio Benedicto. Armado con flechas, el niño, sin vergüenza, se burla de los símbolos del amor, el arte, el poder y el poder. La obra tiene una inscripción significativa: Amor vinciti omnia ("El amor lo conquista todo"). Además, hubo rumores de que Amur el Conquistador fue creado como una parodia de la famosa estatua de Victoria de Miguel Ángel en el Palacio Vecchio de Florencia. Otros vieron en él una pista de la imagen de San Bartolomé del fresco "El Juicio Final" de la Capilla Sixtina. Por supuesto, Caravaggio puso al descubierto el tema homosexual en el trabajo de su gran predecesor.

Reputación malcriada

El período de 1602 a 1606 estuvo lleno no solo de creatividad, sino también de aventuras aventureras, constantes enfrentamientos con los servidores de la ley y el pago de innumerables multas. Por ejemplo, cierto pintor de Girolamo Spampa herido con una espada por críticas ofensivas de sus obras. Un poco más tarde, fue acusado de componer y publicar versos difamatorios sobre el pintor y su futuro biógrafo Ballon. Esto sucedió justo cuando el artista terminó el trabajo de Ascensión para la Iglesia romana del Gesu. Luego, para la composición de la sensacional difamación difamatoria (que no fue perdonada en Roma), el pintor fue enviado a la prisión de Torre di Nona, incluso allí logrando comportarse mal. Las declaraciones de Caravaggio, repletas de insolencia, mentiras y calumnias, no contribuyeron de ninguna manera a la indulgencia de los jueces.

Si no fuera por la intercesión de dos, o incluso tres cardenales y el marqués Giustiniani, Caravaggio inevitablemente habría recibido un largo período de prisión, dadas las muchas condenas anteriores. Pero el artista se arrepintió, prometió no cometer más actos indecorosos e incluso pidió perdón a Ballon, después de lo cual fue liberado. Así que tuvo la oportunidad de terminar el trabajo "David con la cabeza de Goliat". En él, el artista se liberó de la influencia del manierismo y dio una interpretación completamente nueva del espacio y la luz. Tres años después, Caravaggio escribió otra versión de este lienzo. Pronto firmó un contrato para la creación de la obra monumental "Madonna di Loreto", para la capilla de Cavaletti en la iglesia romana de Sant Agostino. El artista se puso a trabajar, pero este trabajo no le trajo felicidad.A pesar de las advertencias, Caravaggio lo invita a posar para una prostituta de Piazza Navona llamada Helen.

El ex notario público, Mariano Pascvalone, expresó abiertamente su indignación por este hecho. Esto o algo más causó un fuerte conflicto entre el pintor y el notario, que terminó con el sangriento Pascvalone apareciendo en el patio y explicando que fue golpeado por el artista Caravaggio frente al palacio del embajador español. El incidente escandaloso y penalmente castigado obligó a Caravaggio a abandonar urgentemente Roma.

Viaja a Génova en 1604 y recibe el patrocinio del duque Marzio Colonna, quien fue su protector desde sus estudios en Milán. Allí, Caravaggio recibe una oferta del Príncipe Marcantonio Doria, quien deseaba que el artista pintara su residencia en frescos. Pero el pintor rechaza un contrato lucrativo. Ahora en la galería del Palazzo Bianchi está la obra de Caravaggio "El hombre" (Ecce Homo, 1606), que, tal vez, fue escrita precisamente en la visita de este artista a Génova. Es cierto que esto no está probado.

De repente, el notario Mariano Pascvalone retira su denuncia contra Caravaggio y el artista regresa a Roma. Allí termina la Madonna di Loreto. En esta pintura increíblemente popular, se representa a la Virgen María "flotando en el cielo" dentro del espacio del altar. El artista decide presentarla con un simple disfraz de campesina en el momento en que conoce a dos peregrinos descalzos y sucios con una mansedumbre y reverencia conmovedoras. La cara de la Virgen está llena de modestia infinita, y el Niño Jesús, a quien sostiene en sus manos, mira a los ancianos con un sentido mixto de curiosidad y ansiedad. La interpretación de las imágenes del peregrino es especialmente impresionante en el trabajo.

La imagen, como siempre, causó mucha controversia y discusiones interminables, durante las cuales el pintor apareció como nuevos fanáticos y nuevos enemigos irreconciliables. Los sacerdotes de la iglesia de Sant Agostino no podían decidir aceptar el trabajo y, por lo tanto, pagar el contrato de Caravaggio. Una carta de un clérigo se conserva en el archivo estatal de la ciudad de Módena, donde describe los problemas del artista con la justicia y su juicio en la curia judicial.

Pronto ocurrió un nuevo incidente que, por supuesto, solo exacerbó la situación del pintor. En una comida divertida en el Albergo del Moro, el chico camarero sirvió a Caravaggio de manera indiscreta y casual, y le arrojó un plato de alcachofas. Esto condujo a una pelea y el alborotador fue arrestado. El artista volvió a aparecer en el patio, que dejó solo gracias a sus clientes. Tratando de rehabilitarse y justificarse de alguna manera, Caravaggio toma una orden para dos lienzos: "San Francisco con una calavera" y "Escribiendo Jerónimo", destinado a la iglesia de los monjes capuchinos.

Alrededor del mismo período, la obra "Cristo en el olivar", destruida en 1945 durante el bombardeo de Berlín, se remonta. Solo podemos ver copias de él ahora. Durante los mismos años, Longo fecha "Juan el Bautista" de la Galería Borghese y otra versión de la pintura "Cristo en Emaús", que ahora se encuentra en la Pinacoteca di Brera en Milán.

Este período fue el más fructífero de todo el tiempo que Caravaggio estuvo en Roma. En la segunda versión de la pintura "Cristo en Emaús", el artista logra el dominio supremo en la construcción compositiva de la imagen, en la que las figuras de cinco personajes bíblicos llenan casi todo el espacio del lienzo.

El patrocinio del duque de Colonna ayudó a que las órdenes de Caravaggio fueran cada vez más numerosas. Ahora, su genio creativo podría revelarse por completo, y el premio al artista no se hizo esperar. A pesar de la notoriedad del pintor, el sobrino del cardenal Shipione Borghese recibió el permiso del propio papa Pablo V para confiar a Caravaggio la ejecución de la imagen de la Virgen para la Basílica de San Pedro.

Absolutamente todos los pintores romanos de la época soñaban con trabajar en esta catedral más grande del mundo. Según los términos del contrato, era necesario decorar el altar más importante de la capilla de Palafrenieri, una de las familias más notables de Italia, que incluía al papa Pablo V. La comisión de los cardenales del consejo de la iglesia específicamente Caravaggio era un Excelente oportunidad para que el artista recupere por completo la reputación dañada y establezca su posición como uno de los mejores pintores de Roma y de toda Italia.

Pero, como siempre, la obstinación de Caravaggio arruinó todo. A pesar de los consejos y advertencias, el artista nuevamente invita a la modelo callejera Helen como modelo. Cumple la orden inusualmente rápido: todo el trabajo en el lienzo se completó en solo tres días, después de lo cual se presentó al público.

Fue un colapso indescriptible de todas las ambiciones y esperanzas del pintor. Nunca antes Caravaggio había podido avanzar tanto en una interpretación realista de la historia del evangelio y la vitalidad de las imágenes. Como era de esperar, la mayoría del público consideraba el trabajo monstruosamente vulgar. La Madonna Palafrenieri fue rechazada categóricamente por el clero, y las puertas que podrían abrir al artista el camino hacia la fama y la fortuna se cerraron para siempre. "No vemos nada en esta imagen, excepto la vulgaridad, el sacrilegio, la falta de divinidad y belleza", escribió uno de los secretarios del Consejo de Cardenales. Luego, al igual que sus rivales: el caballero Cesare d’Arpino, Pomerancho, Passignano y Giovanni Ballone y otros, ascendieron activamente a la cima de la fama: la Academia de San Lucas, en el camino al recibir el honor de recibir un caballero ’En la cruz, Caravaggio perdió para siempre la oportunidad de ser reconocido por la alta sociedad y la autoridad papal.

El pintor vuelve a ponerse serio y pronto se encuentra nuevamente en la prisión de Torre di Nona. Ahora estamos hablando de un delito más grave. Uno de los guardias papales fue encontrado muerto, mirando al artista por la noche; alguien se rompió la cabeza con una piedra. El pintor trató de demostrar su inocencia: aseguró que la piedra se cayó accidentalmente del techo justo en el momento en que este hombre pasó por allí. Pero el tribunal rechazó esta versión y Caravaggio fue encarcelado.

El artista fue encadenado e interrogado durante mucho tiempo, incluso fue sentenciado a golpes con palos. Quizás este sufrimiento de Caravaggio se reflejó en el lienzo "Flagelación de Cristo", que escribirá más tarde en Nápoles. Los amigos temían por su vida y vieron su salvación solo en fuga.

La fuga de Caravaggio de la prisión fue un éxito, pero ahora ha sido incluido en la lista negra por la policía papal. Ni el propio artista ni sus amigos tenían idea de cómo deshacerse de la persecución. Pero lo más lamentable es el hecho de que el artista no quería aprender de sus errores.

En el puerto de Ripetta, a orillas del río Tíber, Caravaggio volvió a reanudar sus aventuras y peleas, escondiéndose periódicamente en el Palazzo Colonna. El 29 de mayo de 1606, durante un juego de pelota en el Campo de Marte, el artista acusó a Ranuccio Tomassoni de engañar a su compañero. Esto llevó a una pelea. Se lanzaron armas, como resultado, Tomassoni cayó muerto. El pintor también resultó herido, pero logró escapar.

Después de este escándalo, sus amigos fueron detenidos y él mismo fue condenado a muerte. En ese momento, dicha sentencia significaba que cada agente de la ley, en cualquier lugar y en cualquier momento, al detectar a un fugitivo, podía ejecutar la sentencia.

Caravaggio clamó por ayuda a sus clientes, pero ya estaban cansados ​​de las interminables solicitudes del artista, que no quería comportarse con prudencia. Débil y enfermo, el pintor tuvo que esconderse nuevamente. Quería refugiarse en las tierras de la Columna o en Lacy, ubicada fuera de los límites romanos.

A los 35 años, el pintor entra en el último período de su vida. Sin embargo, Roma nunca le prometió riqueza, pero le proporcionó los medios de subsistencia suficientes para el desarrollo de su genio. Caravaggio nunca regresó a la Ciudad Eterna. Aunque cada minuto esperaba un regreso, escondido en un refugio secreto. El fugitivo, envenenado por la enfermedad, el odio y la amenaza de muerte, comienza a escribir sus obras maestras a un ritmo increíble e "inhumano". Sus últimos trabajos están llenos de pasión, grandeza y fuerza.

Equilibrio al borde

Habiendo huido de Roma en mayo de 1606, Caravaggio, que tenía la gloria de uno de los mejores pintores de la Ciudad Eterna, no esperaba el perdón, por lo que prefirió alejarse de los detectives papales. Sin dudarlo, se dirigió a Nápoles, una ciudad grande y densamente poblada, que brilla literalmente con nuevas ideas, movimientos artísticos y espíritu revolucionario.

Aquí, el artista recibe casi de inmediato un pedido de un rico comerciante de Ragus. Caravaggio crea una gran imagen del altar "Madonna con el rosario" para el altar de la iglesia dominicana, que tiene un segundo nombre: "Madonna del Rosario". Este lienzo marcó el comienzo de una nueva etapa en su obra.

El trabajo terminado causó un conflicto entre el artista y los monjes dominicos, quienes se reconocieron en los personajes representados en el lienzo. Esto contradecía el concepto tradicional de pintura religiosa. El pintor usa contrastes agudos de claroscuro para una transmisión volumétrica muy importante de formas, mientras que las técnicas pictóricas en sí mismas indican el regreso del artista a su estilo temprano de escritura.

Como resultado, la pintura fue comprada por el pintor Louis Finsonius de Brujas. La envió a Amberes, donde la asociación de arte, que incluía a Rubens, Van Balen y Jan Brueghel, la adquirió para la Catedral Dominicana por 1800 florines. En 1781, José II, rey de Austria-Hungría, se lo compró a los monjes, después de admirarlo completamente.

El nuevo pedido, que pronto recibió Caravaggio, tampoco fue apreciado por el cliente. Esta vez, se suponía que el artista escribiría un lienzo para la iglesia de Pio Monte della Misericordia. El cliente era el jefe de la ciudad curia. El pintor recibió instrucciones de crear la monumental imagen trans-altar "Siete obras de misericordia".

El maestro decide combinar siete episodios descritos en el Evangelio de Mateo en un lienzo. La pintura, como la Madonna del Rosario, se distingue por un estilo napolitano, que fue especialmente pronunciado en el carácter de los personajes y la composición. Ricos y pobres, plebeyos y nobles se unen en una escena nocturna. Una mujer sencilla de la gente en la puerta de la prisión amamanta al anciano: "porque tenía hambre y me diste algo de comer" ("Evangelio de Mateo"). Cerca, un caballero delgado toma una espada para cortar un trozo de tela de su capa y cubrirlo con un mendigo. El propietario de una noche de estadía le da de beber a una persona sedienta, y este último, como Samson, usa la mandíbula de un burro en lugar de un tazón. Otro personaje de la imagen se encuentra con el vagabundo demacrado y le sacrifica su ropa de viaje.Y el último acto de misericordia capturado por Caravaggio es el entierro del fallecido. El fallecido se lleva a cabo desde la esquina de la casa, una pared oculta parte de su cuerpo.

Las opiniones de ambos contemporáneos del artista y los críticos de nuestro siglo difieren. Alguien considera la imagen grotesca, alguien ve en ella el "último destello" del genio de Caravaggio. Pero una cosa es obvia, esta es una obra extraordinariamente artística y magistral, que tuvo una influencia innegable en Rembrandt, Velázquez y Franz Hals. Ribera tomó prestada directamente de Caravaggio las figuras del vagabundo y el anfitrión de la posada, para su pintura "Cinco sentidos".

Durante una estancia de ocho meses en Nápoles, el artista creó dos versiones de la pintura "La flagelación de Cristo", que se convirtió en la encarnación artística de la tortura experimentada por Caravaggio en Roma. Mina Gregory escribe sobre la primera versión: "La oscuridad enfatiza la fuerza interior de Cristo". El científico Roberto Longi considera que este trabajo es uno de los más sorprendentes en Caravaggio: "La crueldad, la crueldad, las atrocidades y el miedo infinito a Dios están en conflicto entre sí".

En ambas versiones de la imagen vemos las mismas caras de los torturadores, lo que sugiere la venganza personal del artista a los guardias de la prisión en la que fue encarcelado. Durante varios meses, el criminal perseguido Caravaggio se convirtió en el artista más famoso y fructífero de Nápoles. Sin embargo, de repente deja la ciudad y se dirige a Malta.

Las razones de esto son desconocidas. Quizás Caravaggio se enteró de los espías papales, o tal vez decidió convertirse en un caballero honorario de la Orden de Malta. En julio de 1607, el artista navegó en un barco a La Valletta, la capital de los Caballeros de San Juan de Jerusalén, los nobles defensores de la fe cristiana de los piratas del Magreb y el Islam. El período maltés del trabajo de Caravaggio fue notable por su fertilidad sin precedentes. El pintor pasó menos de seis meses en la isla, pero durante todo este tiempo, escribió a un ritmo increíble, creando una serie de obras sobre género y temas religiosos. Las pinturas de este período eran muy diferentes de todo lo creado por Caravaggio anteriormente. Tanto es así que durante mucho tiempo, estos lienzos se atribuyeron a otros autores.

Tan pronto como llegó a Malta, el artista recibió una oferta para escribir Jerome para una de las capillas de la Catedral de San Giovanni dei Cavalieri. El gran maestro de la orden, Alofude Vinyakur, le gustó mucho el trabajo. Inmediatamente ofrece a Caravaggio para crear la monumental pintura "La decapitación de la cabeza de Juan el Bautista".

El lienzo "La decapitación de la cabeza de Juan el Bautista" ha recibido un amplio reconocimiento. Artistas de toda Europa vinieron especialmente a verlo. La imagen está dominada por la luz y el espacio vacío, el espectador siente casi físicamente las últimas convulsiones del cuerpo de un mártir decapitado, extendido en el suelo con las manos encadenadas a la espalda. El verdugo parecía haber levantado su espada. Salomé sostiene la copa para recibir la cabeza de John. Una anciana que se parecía a Magda de la obra de Caravaggio "Cristo en Emaús" se agarró la cabeza con absoluta desesperación