Paul Cezanne (1839-1906) Traductor traducir

El famoso pintor francés Paul Cezanne fue pionero en el postimpresionismo. Viviendo y trabajando con los maestros más famosos del impresionismo, estando al comienzo de su viaje bajo su influencia, Cezanne, en busca de su propio estilo, fue más allá que sus colegas. Habiendo aprendido el arte de transmitir los estados milagrosos de la naturaleza, el artista profundizó en la búsqueda de los fundamentos formativos de todo lo que lo rodea y trató de aprender la lógica interna de las cosas. El enfoque innovador del pintor no le permitió durante su vida recibir el merecido éxito y la fama. Solo el tiempo puso todo en su lugar.

Lanzamiento juvenil

El futuro artista nació el 19 de enero de 1839 en una pequeña ciudad del sur de Francia: Aix. Paul fue el primogénito de la familia del banquero Louis - Auguste Cezanne. El padre, que comenzó con la producción y venta de sombreros, y luego abrió su propio banco, era un hombre muy poderoso, toda la familia obedeció estrictamente su voluntad. La madre del artista, Anna, Elizabeth, dio a luz a dos hijas más, María y Rosa, pero adoraba a su primer hijo, Paul, y siempre trató de apoyarlo. El pintor mismo idolatraba toda su vida y temía a su padre.

Desde la infancia, con ganas de dibujar, Paul Cezanne de cinco años pintó las paredes de la casa con carbón, incluso creando imágenes muy creíbles. Pero solo su madre estaba orgullosa de sus éxitos, su padre soñaba con ver a su sucesor en el hijo. Por voluntad de su padre, Paul ingresa en 1849 en una de las mejores escuelas de la ciudad: St. Joseph’s School, de donde, en 1852, se transfirió al sexto grado del prestigioso Bourbon Closed College.

En la universidad, el futuro artista famoso Paul Cezanne conoce al futuro escritor famoso: Emil Zola. Su amistad, al final, jugó un papel importante en el destino del pintor. Y luego, en su juventud, fue Zola quien descubrió a Paul el mundo mágico de los libros y la poesía. Los amigos a menudo se alejaban de Aix, llenos de sueños sobre un hermoso futuro y un amor puro.

En 1855, Paul, de dieciséis años, se graduó de la universidad, se distinguió por escribir poesía en francés y latín, y de ninguna manera se dio cuenta como artista. Después de graduarse de la universidad, Cezanne ingresa a la Facultad de Derecho, en la que su padre insistió categóricamente. Al mismo tiempo, por las tardes, Paul comienza a estudiar en la Joseph Joseph Giber School of Painting. Para alegría del joven, el padre no vio nada reprensible en este deseo de su hijo.

El museo de la ciudad recientemente inaugurado, donde se exhibieron pinturas, se convirtió en el lugar favorito del aspirante a artista. Aquí, y en el aula de la escuela Gibert, Paul se sintió realmente feliz, tuvo el sueño de convertirse en artista. Pero su padre no quería escuchar acerca de tal cambio en el destino de su único hijo, todavía insistía en estudiar a los jóvenes de una ley que no era absolutamente interesante para él. El alma del joven Cézanne soñaba con París, donde fue invitado activamente por su amigo de la universidad Emil Zola, quien para entonces se había mudado a la capital francesa y había intentado su trabajo literario. Al final, Paul Cezanne aún abandonó las clases de derecho y obtuvo el permiso de su padre para irse a París, donde Zola lo instó a comenzar a estudiar seriamente la pintura.

En 1861, el joven pintor se mudó a la capital de Francia y se preparaba para ingresar a la Academia de Bellas Artes. Cezanne comienza a asistir a clases en el taller de Lewis, donde conoce a los futuros impresionistas Camille Pissarro y Claude Monet, que estudiaron dibujo, pero que ya tenían su propia visión del desarrollo del arte pictórico.

Pissarro inmediatamente creyó en Cezanne y predijo el éxito en el futuro. Pero el joven artista de la provincia se sintió como un extraño en la atmósfera del taller de la capital. El único amigo que hizo allí fue su compatriota, el enano Achilles Amperera, que posteriormente escribió con entusiasmo a mujeres desnudas. Paul Cezanne no estaba muy seguro de sus habilidades y su talento. A veces, le parecía que todas sus actividades no tenían sentido y que necesitaba volver con Ex para convertirse en el sucesor de su padre. Probablemente, el artista fue atormentado por el remordimiento y la culpa ante el padre, cuyas esperanzas no estuvo a la altura. Estos tormentos mentales y dudas finalmente llevaron al artista a abandonar su pintura favorita y en el mismo 1861 regresó a su ciudad natal.

En Aix, Paul comenzó a trabajar en el banco de Cezanne, el mayor, que estaba increíblemente satisfecho con el "regreso del hijo pródigo". Pero la alegría de ambos fue de corta duración. Paul no podía vivir mucho sin pintar y pronto, por añoranza, comenzó nuevamente a asistir a la escuela Gibert. Después de pasar un año en casa y conversaciones interminables con su padre, el joven se va nuevamente a París, esta vez, después de haber decidido, por todos los medios, ir a la escuela en la Academia de Bellas Artes.

Es cierto que, en preparación para aprobar los exámenes, Cezanne de repente descubrió que era completamente ajeno al arte que pretendía estudiar. La pintura de salón le parecía innecesaria y vacía. Además, Paul nuevamente comenzó a dudar de su propio talento. Trabajó duro, pero su insatisfacción consigo mismo solo se intensificó. El resultado fue otro fracaso: el artista nunca pudo ingresar a la escuela de pintura.

En 1863, visitó el Salón, donde vio el trabajo escandaloso de Eduard Manet, rechazado por el público, "Desayuno en la hierba". Este trabajo de creación de época, gracias al cual tuvo lugar una verdadera revolución en el arte de esa época, también cambió la visión del mundo de Cezanne. Fue lo que introdujo al joven artista, como muchos de sus compañeros, a una nueva comprensión del arte.

Fatetic para Cezanne fue conocer a Frederick Basil, lo que ocurrió en el mismo año. Basilio lo llevó al taller de Gleyre, de donde vinieron Claude Monet, Alfred Sisley y Auguste Renoir. La timidez natural, al mismo tiempo que el carácter absurdo, no permitió que Cezanne se uniera al círculo de futuros impresionistas. Como resultado, el artista siempre se mantuvo separado, trató de no entrar en discusiones y conversaciones, y no participó en sus reuniones.

En 1864, al recibir la negativa del Salón a aceptar su nuevo trabajo, Cezanne volvió a abandonar las clases de pintura y regresó a Ex. Es cierto que continúa escribiendo allí, incapaz de abandonar las clases de arte. Como resultado, seis meses después, Cezanne vuelve a París para ofrecer su trabajo para participar en el Salón, y nuevamente recibe una negativa. Frustrado, el artista que casi ha perdido la fe en sí mismo, vuelve a casa sin nada.

En Axe, Paul se dedica al retrato. Él trabaja duro, pero el próximo año las obras del artista no fueron aceptadas por el Salón. Cézanne estaba completamente desesperada. Decidió que su trabajo nunca sería entendido, pero no quería escribir de manera diferente. Al llegar nuevamente al Salón y exhibir sus obras, recibe una ovación burlona, ​​el público se ríe abiertamente del pintor.

Pero algo bueno está sucediendo en el Salón: alguien presenta al artista a Eduard Manet, quien habla calurosamente de la búsqueda creativa de un talento joven. Finalmente, después de recibir una crítica positiva, e incluso de su ídolo, Cezanne gana confianza en la elección correcta de un camino creativo. Volviendo a Ex, el pintor se convierte en una especie de celebridad. Comienzan a reconocerlo en la calle, los artistas locales incluso intentan copiar sus obras, pero la curiosidad del público todavía era bastante hostil.

Tentación de san antonio

La obra "La tentación de San Antonio" (1867-1869, Fundación E. Bürle, Zúrich) se refiere a las primeras obras de Cezanne. Utilizando una trama religiosa clásica, el artista representa cuerpos femeninos desnudos en un contexto de naturaleza. En realidad, la trama era solo una excusa para escribir abiertamente desnudos. Al propio San Antonio, quien, en teoría, se suponía que era el personaje central de la imagen, se le asignó un lugar modesto en el borde izquierdo del lienzo, e incluso allí, su figura casi se fusiona con el fondo.

Ni en la persona ni en la pose de San Antonio se puede leer la lucha interna de la carne y el espíritu humanos. Si el objetivo del artista era retratar a un santo cristiano que lucha con una obsesión pecaminosa, entonces se podría decir que el trabajo de Cezanne fracasó. Pero el pintor no se esforzó en absoluto por esto, solo estaba interesado en los cuerpos femeninos.

Los agudos contrastes de claroscuro esculpen el volumen con poderosas formas monumentales. La composición piramidal clásica de la parte central de la obra en sí misma parece ser irrelevante para la trama: las chicas que forman un círculo vicioso con sus figuras no recurren en absoluto a San Antonio. Existen independientemente de él. Y solo un grupo de figuras hábilmente organizado ubicado en el borde del lienzo: San Antonio y la tentadora, que apareció ante él en una pose exageradamente abierta, corresponde al nombre de la obra. Este par está construido de acuerdo con el principio clásico de simetría. La pose abierta de una mujer que muestra su cuerpo contrasta con la pose cerrada de Anthony, que huele apresuradamente la ropa áspera.

Es de destacar que Cezanne no retrataba bellezas, realmente escribe cuerpos femeninos imperfectos. Por cierto, se les puede llamar bellezas con una extensión: Cezanne está lejos de idealizar las imágenes, escribe simplemente: mujeres. La influencia impresionista se siente en tonos de color contrastantes y reflejos del verde circundante en los cuerpos de las mujeres. Sin embargo, Cezanne usa el hallazgo del impresionismo en exceso, casi llevándolo al punto del absurdo, lo que acerca su trabajo al trabajo de los fauvistas, que aún no han entrado en la escena artística mundial.

Vida personal

Un año después, en 1870, el artista se familiarizó con Hortense Ficket, quien se convirtió en su modelo constante. La guerra que comenzó en el mismo año con Prusia, Cezanne, junto con Fique, esperó en Estac (provincia de Provenza). El pintor ocultó cuidadosamente de su familia su conexión con la modelo, de lo contrario un padre enojado podría dejarlo sin contenido, lo que apenas era suficiente para la vida. Solo gracias a la escasa ayuda del padre, el artista, que no fue entendido ni aceptado por el público, pudo sobrevivir, por lo tanto, incluso cuando el hijo de Grotzenia, Paul, nació en 1872, este evento tan importante siguió siendo un misterio para todos Los parientes de Cezanne.

Pronto el artista se mudó a Pontoise, donde vivía Camille Pissarro, una de las pocas que creía en el potencial de Cezanne. Apoyar a un amigo fue muy útil. El impresionista Pissarro enseñó que debes renunciar a tu ego y escribir lo que ves, transfiriendo al lienzo el estado real de la naturaleza y no interpretando el mundo que nos rodea.

Aquí, Cezanne se presenta al Dr. Ferdinand Gachet, a quien le gustaba pintar y apreciaba el "nuevo" arte. Gachet inmediatamente declaró que consideraba a Cezanne como un gran artista, y lo convenció de mudarse a su casa en Auvers. La percepción entusiasta de Gachet de la creatividad de Cezanne inspiró esperanza en el pintor. Nadie ha estado interesado en su trabajo y los ha tomado en serio. Aquí, el artista sintió el genuino interés de toda la familia Gachet en su trabajo y comenzó a pintar numerosos paisajes, arrastrados por el método impresionista de escritura.

Personalidad brillante

La pintura "Casa del hombre colgado" (1873, Museo de Orsay, París), a pesar de su nombre sombrío, es un paisaje soleado. La construcción compositiva magistral e inusual del lienzo es como un collage y se basa en la combinación de diferentes planos.

El primer plano introduce al espectador en el espacio de la imagen. En él vemos una pendiente arenosa poco notable, con tocones de árboles en la esquina inferior izquierda, colocada aquí como un "punto de partida" para un avance gradual hacia las profundidades. El segundo plan está ocupado por un edificio con un techo oscuro y una colina cubierta de hierba, detrás de la cual se abre una desagradable "casa del ahorcado", como si sobresaliera de la colina y es un tercer plano de la imagen. Detrás se puede ver el techo de la casa ubicada justo debajo: el cuarto plano, que muestra edificios con paredes de ladrillo rojo brillante.

Siguiendo al artista, el ojo del espectador desde la esquina inferior izquierda del lienzo desciende a lo largo de la ladera, serpentea entre las paredes de los edificios y el terreno irregular y, por lo tanto, revela toda la profundidad del espacio. Y cuanto más miras en este espacio, más complejo parece. Cézanne transmitió el paisaje exactamente como lo vio en especie, sin reconstruirlo desde una perspectiva, por lo que las casas naranjas parecen estar de pie justo en el techo del edificio cercano, y los árboles en expansión en la esquina superior izquierda de la composición son ridículamente apilados justo encima de la "casa colgada".

Fueron esos absurdos compositivos, impensables para el arte clásico, los que permitieron al artista representar fielmente el mundo tal como lo veía. La pintura "Casa y árbol" (1873-1874, colección privada) en la estructura compositiva se asemeja a un fragmento de una obra anterior: el mismo primer plano inacabado, un edificio de piedra blanca todavía crece directamente desde la colina, contra el cual hace alarde de un árbol ramificado. El tronco sinuoso del cual, como si cruzara el plano de la pared, "se extendía" a lo largo de él, como una grieta gigante. Tal motivo da acordes dramáticos extraños y emocionantes a todo el trabajo, creando la impresión de un secreto que la casa guarda en sí misma, como si estuviera escondida detrás de un tronco y ramas de un árbol.

El lienzo "Casa del Dr. Gachet en Auvers" (1873, Musée d’Orsay, París) se distingue por la alternancia de los primeros, vacíos y segundos planos excesivamente llenos. Entonces Cezanne crea una composición armoniosa. Las casas representadas, que el artista esculpe densamente una a otra, como si estuvieran abarrotadas en esta calle provincial. Con una mirada cuidadosa a las líneas de sus paredes, se hace evidente que están lejos de ser iguales. Cezanne no persigue la claridad de las líneas, por el contrario, las distorsiona deliberadamente, al igual que la luz solar que ilumina las superficies de manera desigual, dependiendo de su textura y proximidad a otros objetos.

Paul Cezanne escribe solo lo que ve, sin ennoblecer el entorno, como debe hacer el artista "correcto". Ya aquí se manifiesta la atracción del artista hacia formas monumentales simples, que se convertirán en un sello distintivo del estilo individual del maestro. Bajo el patrocinio de Camille Pissarro, Cezanne, en 1874, participa en la primera exposición de los impresionistas. Una vez más, su trabajo es ridiculizado, sin embargo, su trabajo, "La casa del hombre colgado" es comprado por un gran coleccionista, lo que inspira esperanza en el artista, atormentado por malentendidos.

La difícil vida de Cezanne se lee bien en el autorretrato escrito en 1875 (Musee d’Orsay, París). En él vemos a un artista notablemente calvo con una mirada inquisitiva e incrédula. Paul Cezanne buscó intuitivamente su camino en el arte, que caminó solo, sin encontrar aprobación ni fama. Las obras del maestro seguían siendo incomprensibles, y él mismo sufría de falta de demanda. Solo la obstinación natural y la rebeldía ayudaron al artista a avanzar, pero el ridículo constante y la soledad a veces lo hacían dudar de su propia visión del arte. Esto causó desconfianza hacia uno mismo y hacia los demás, lo cual es visible en la mirada del pintor.

En la obra "Love Struggle" (Bacchanalia, 1875, Colección de A. Harriman, Nueva York), el artista recurre a un tema mitológico que permite una imagen libre del diseño en el espacio de cuerpos desnudos entrelazados. El lienzo expresivo da la impresión de un estudio debido a la elaboración subrayada de las figuras mismas.

Toda una serie de métodos de composición agrava la impresión ligeramente abrumadora de una lucha feroz de amantes ferozmente apasionados: los árboles cuelgan amenazadoramente, el horizonte bajo enfatiza el vasto cielo, como si ejerciera presión sobre los héroes, incluso las nubes giratorias con contornos inusualmente definidos parecen agresivo. La pintura se basa en el principio del escenario teatral: los acantilados con árboles que crecen en ellos sirven como backstage. La falta de profundidad en el lienzo, solo enfatiza este efecto.

Una reunión importante para Cezanne tuvo lugar en 1875, cuando Auguste Renoir le presentó al ávido coleccionista Viktor Choquet, quien compró una de las pinturas del artista. A partir de ese momento comenzó su larga amistad. En 1877, el pintor crea el "Retrato de Victor Choquet sentado" (Galería de Bellas Artes, Colón), en el que vemos a un amigo del artista sentado en un magnífico sillón de la época de Luis XVI, en un ambiente hogareño relajado.

En las paredes hay obras de arte visibles que forman parte de la colección Choquet. Es cierto que no se incluyen en el "marco" en su conjunto, sino que se dan en fragmentos o solo se indican mediante marcos dorados. El artista no busca reproducir cuidadosamente la decoración de la habitación ni transmitir con precisión las características del héroe. Crea una imagen generalizada de un coleccionista como una persona atenta y reflexiva que puede apreciar intuitivamente el valor artístico de una obra. La figura alta de Viktor Shoke parece algo cómica en una vieja silla baja, el borde superior del lienzo le corta el cabello gris y las patas de la modelo y las patas de la silla están pintadas casi cerca del borde inferior del lienzo.. Esto da la impresión de que el recopilador está muy cerca del marco asignado de la imagen.

Uno de los muchos retratos de Hortense: “Madame Cezanne en la silla roja” (1877, Museum of Fine Arts, Boston), que, por cierto, aún no se ha convertido en la esposa oficial del artista, es inusualmente espectacular en su esquema de color. La tapicería roja de la silla contrasta con los colores verde oliva y azul de la ropa de Hortense y la pared detrás de ella, y también distingue perfectamente la figura de la heroína. El trabajo causa una impresión monumental debido a la proximidad máxima de la joven mujer a el espectador. El borde superior del lienzo corta parte de su peinado, y el inferior, el dobladillo de su falda. La compañera de vida de Cezanne mira a un lado, y sus manos con los dedos cruzados crean una barrera psicológica entre la modelo y el espectador.

Vemos una transmisión muy generalizada de las características locales en el paisaje "Montañas en la Provenza francesa" (1878, Museo Nacional de Gales, Cardiff). Cezanne desmonta mentalmente los objetos en las formas individuales que los componen, y luego construye su propia realidad a partir de ellos. Esta técnica continuará siendo un rasgo característico de los constructivistas.

Aún más "constructivas" son las obras de "Casas en Provenza cerca de Estacus" (1879, Galería Nacional, Washington), "Monte Santa Victoria" (1886, Galería Nacional, Washington) y "Casa en Provenza" (1885, Museo de Arte Herron, Indianápolis). Piedras, colinas, muros de viviendas aparecen ante nosotros en forma de formas generalizadas, atravesando el prisma de la visión analítica de Cezanne, que corta todo lo superfluo de ellas, dejando solo la esencia. Todos los contornos de montañas y campos en el lienzo "Montañas en Provenza" (1886-1890, Tate Gallery, Londres) se enfatizan de manera correcta y geométrica.

El artista está trabajando activamente, pero el Salón aún rechaza sus obras. Cezanne vuelve a ser ridiculizada en la tercera exposición impresionista. Es cierto que hay un conocedor del arte del artista que compra regularmente su trabajo: un joven funcionario que trabaja en el intercambio, llamado Paul Gauguin.

Habiendo pasado una carrera sólida, Paul Cezanne nunca se convirtió en un impresionista. Su fascinación por la transmisión impresionista de la imagen de la naturaleza y el ambiente de luz y aire fue reemplazada por la comprensión de la necesidad de un orden especulativo de la realidad circundante. No fue suficiente para el artista ver y reproducirse, necesitaba ver y transmitir la estructura oculta del mundo.

Vida de altibajos

En 1886, una serie de eventos tuvieron lugar en la vida personal del pintor. En primer lugar, Cezanne, casi en contra de su voluntad (ya que le apasionaba mucho la joven criada en la casa de su padre), se casó con Hortense, quien, ante la insistencia de los miembros de su familia, se mudó a la finca de Cezanne en Provenza. Para entonces, el hijo del artista Paul ya tenía catorce años. En segundo lugar, un amigo de su juventud, Cezanne, un conocido escritor Emil Zola, publica la novela "Creatividad", en la que el artista creaba un prototipo del personaje principal. La novela demostró perfectamente la actitud de Zola hacia el propio Cézanne y su arte, poniendo fin a la vida del héroe por suicidio. El pintor tomó este gesto como un fuerte anuncio de que un viejo amigo no cree en el artista ni en su arte. Así terminó la amistad entre los dos genios de la época: un gran escritor y un gran artista. En tercer lugar, el tiránico padre del pintor murió, dejándole un sólido legado.

Dos años después, Cezanne crea un maravilloso retrato doble de su hijo Paul, vestido con un traje de Arlequín, y su amigo, vestido con un traje de Pierrot. La pintura "Pierrot y Arlequín" (1888, Museo Estatal de Bellas Artes A. Pushkin, Moscú) representa una escena del festival de carnaval Maslenitsa, que tiene lugar justo antes de la publicación (en relación con el cual el segundo nombre de la pintura es " Mardigra ”, esa es la" Semana del panqueque "). En el lienzo, el padre admira abiertamente a su hijo. Vemos al apuesto Paul, magníficamente arrogante, que sale de las alas y mira al espectador. En este contexto, el Pierrot separado, doblado en una posición bastante ridícula, parece una página complaciente.

A pedido de Hortense, en 1888 los Cezannes se mudaron a París. Un año más tarde, la imagen del pintor "El hombre colgado", debido a la proyección del coleccionista Viktor Shoke, se presentó en la Exposición Mundial. Pero el trabajo pasó desapercibido para el público, ya que se colocó demasiado alto.

Una vez más, las obras de Cezanne no se vieron y no quisieron ver, y su talento nuevamente permaneció sin reconocimiento. El pintor ya tenía sesenta años, los problemas de salud lo obligaron a cambiar constantemente su lugar de residencia, pero continuó pintando e incluso realizó su sueño juvenil: creó su propio trabajo en el espíritu del trabajo "Jugadores de cartas" de Louis Lenin, lo que le causó una gran impresión incluso en su juventud.

La pintura "Jugadores de cartas" (1892, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) es una obra de género que representa a tres hombres jóvenes en su pasatiempo favorito. La figura del observador en el fondo está cortada en los hombros por el borde superior de la imagen, gracias a ella, en el plano compositivo, el lienzo parece incompleto. Luchando por una expresión clara y concisa de la idea, Cezanne escribió varias versiones de este trabajo. La versión final del lienzo del mismo nombre, creada casi al mismo tiempo, sorprende con integridad, concisión y simetría, para superar la excesiva influencia de la cual, Cézanne corta la espalda del jugador correcto.

Los centros compositivos y semánticos de la imagen coinciden: estas son las manos de dos hombres sentados que parecen enmarcar una orgullosa botella de vino. La obra está privada del género estricto inherente a la versión anterior. No hay nada superfluo, todo es muy estricto y extremadamente expresivo. Los jugadores están completamente absortos en su búsqueda, el tiempo parece haberse detenido para ellos, el mundo entero se concentra en dos figuras inclinadas entre sí. Aquí y ahora, en el diseño de las tarjetas, se concluye lo más importante, el juego para ellos se convierte en una especie de trabajo sagrado, gracias al cual la imagen en sí misma adquiere un cierto significado sagrado. Quizás la botella de vino sobre el mantel rojo tiene el significado simbólico tradicional de sangre y expiación.

El retrato "El chico del chaleco rojo" (1888-1890, Museo de Arte Moderno, Nueva York) es particularmente expresivo gracias al uso magistral del color. La combinación solemne de colores rojo y blanco se ve reforzada por la abundancia de negro, lo que hace que el perfil del héroe del lienzo sea extremadamente claro y contrastante. Cezanne no evita el negro, como muchos impresionistas, sino que, por el contrario, lo introduce en la imagen como un elemento que forma formas. El cabello del joven se funde con el fondo negro de las cortinas, esta técnica, el maestro como si "inculcara" el modelo en el espacio del lienzo, al mismo tiempo que le da un cierto sonido trágico. La imagen de la persona retratada es completa y completa, incluso a pesar del hecho de que la imagen no contiene detalles, ni una designación de tiempo o lugar, ni una pista del tipo de actividad del joven en un chaleco rojo.

Composiciones temáticas y paisajes

Todos los bodegones de Paul Cezanne son reconocibles: con el conjunto mínimo de objetos más simple (varias frutas, jarrones de porcelana, platos y tazas), cortinas deliberadamente descuidadas con pliegues y numerosos pliegues arrojados sobre la mesa le dan a la composición una expresividad decorativa y única.

La pintura "Naturaleza muerta con azucarera" (circa 1888-1890, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) es una de las obras más famosas de Cezanne. Aquí el pintor rechaza una perspectiva lineal; No vemos un punto de fuga común en el lienzo.

Vemos una mesa rectangular con cortinas blancas sobre ella, forrada con platos de porcelana y frutas, desde dos puntos de vista a la vez: desde la parte superior y desde el frente, lo que es imposible para el arte tradicional, que, desde el Renacimiento, trabajó en La transferencia correcta del lienzo tridimensional en el espacio plano bidimensional.

Paul Cezanne construye su naturaleza muerta contraria a la ley principal de la pintura: la perspectiva. Debido a la construcción incorrecta del espacio y la distorsión de la perspectiva, se hace imposible determinar la distancia desde la pared a la mesa, o a las patas de madera talladas que son visibles en el fondo, aparentemente, el jardinero. La relación entre los planos paralelos y perpendiculares de las paredes, la mesa, el piso y los cajones también se vuelve implícita. El espacio privado de profundidad y perspectiva, construido con relativa observancia de la geometría, hace que una naturaleza muerta sea similar a la pintura religiosa, cuyo estilo fue creado y aprobado antes de la perspectiva, y a menudo lo ignoró.

Cezanne crea su propio sistema de coordenadas en el que cada objeto gana autosuficiencia y en sí mismo puede ser un "modelo" para el artista. "Extra", a primera vista, la sección de las piernas del jardinero se introdujo por una razón: esta parte particular, en primer lugar, "sostiene" toda la composición en la esquina superior derecha del lienzo y, en segundo lugar, sirve como un poderoso acento colorista en el fondo general de color frío de la parte superior de la imagen, sus tonos parduzcos resuenan armoniosamente con una mesa marrón y tonos cálidos de fruta madura. No es casualidad que el artista componga libremente objetos en el plano de la mesa sin unirlos en grupos; si eliminamos mentalmente alguno de ellos, la integridad de la composición no se romperá.

Las mismas características también son características de Bodegón con manzanas y naranjas (1895, Museo d’Orsay, París), Bodegón con cortinas (1899, Museo del Hermitage del Estado, San Petersburgo) y Bodegón con berenjenas (1893-1894, Metropolitano Museo de Arte, Nueva York). En el primer trabajo, el papel de las telas que forman el espacio con sus pintorescos pliegues es especialmente obvio. Son telas lujosas que llenan toda la superficie del lienzo. Hacen innecesaria la perspectiva, en ausencia del sistema de coordenadas habitual, el espacio pierde tridimensionalidad. Un caótico, a primera vista, montón de pliegues esconde los muebles y locales. No está completamente claro en qué están los objetos. Gracias a este efecto, crea la impresión de una decorativa enfatizada e incluso teatralidad, una interpretación plana aún más mejorada del espacio.

En esta naturaleza muerta, el maestro trabaja extremadamente expresivamente con el color. Las telas orientales brillantes que recuerdan las cortinas exóticas del gran romántico de las pinturas de Eugene Delacroix, un ídolo de Cézanne, crean el telón de fondo para un florero de porcelana y tela blanca moteada y descuidadamente arrojada. La atención del espectador primero se ve atraída por este lugar deslumbrante y de diseño complejo, de modo que, disfrutando de la transferencia magistral de la tela, se concentra en las frutas brillantes, como si brillara sobre un fondo blanco. Es el color blanco que organiza hábilmente toda la composición. No permite que el ojo se pierda en el florecimiento festivo y deambule por el lienzo, introduciendo rigor en la decisión colorista y "recogiendo" la composición en el centro.

Con la ayuda del color, la unidad de la composición se logra en Still Life with Eggplant. Gracias a la gama fría azul-lila, el lienzo se ve sorprendentemente sin costuras, mientras que tiene un contraste brillante en forma de manzanas de color rojo anaranjado. La tonalidad general del trabajo se suaviza, como si una disposición aleatoria de objetos en una naturaleza muerta. Si no fuera por el color, los jarrones de cerámica, el plato y la botella demasiado cerca el uno del otro, habrían parecido un montón absurdo de cosas al azar.

Una de las evidencias de depresión interna para los artistas puede servir como Naturaleza muerta con calaveras (1898-1900, colección privada). Obras similares aparecieron en el arte mundial de los holandeses y pertenecían a las obras de "vanitas" ("vanidad de vanidades"), simbolizando la fugacidad de todo lo terrenal. Los restos mortales plegados se dan de cerca y ocupan la mayor parte de la superficie del lienzo. La ausencia de otros objetos en la imagen y las cuencas de los ojos vacías, que capturan los ojos del espectador, dan lugar a asociaciones blasfemas con el retrato, y no con la naturaleza muerta.

Aunque Cézanne era el principal heredero de su padre, sus familiares vendieron su propiedad favorita en Aix sin su conocimiento. Además, las pertenencias personales de Cezanne, el anciano, e incluso los muebles que el artista recordaba de la infancia, fueron destruidos.

Frustrado por la pérdida de su hogar natal, el pintor decide adquirir una mansión con el sombrío nombre Black Castle. A pesar de que esta intención nunca se hizo realidad, Cezanne dedica varios de sus paisajes a este lugar: "Bosque en las cuevas rocosas sobre el Castillo Negro" (1900-1904, Galería Nacional, Londres), así como "Mill on the River "(1900-1906, Marlborough Art Gallery, Londres). En ellos, el artista, como antes, descompone todas las formas en partes componentes, pero va más allá: en general, el estilo de las obras está más cerca no del postimpresionismo, sino de la abstracción.

Mount Victoria se ha convertido en un destino favorito para Paul Cezanne para crear sus paisajes. Admiraba su magnífica belleza en su juventud. En el último período de creatividad, el maestro pintó repetidamente las vistas de esta montaña, transmitiendo su belleza en diferentes condiciones atmosféricas y con diferentes luces.

Al final de su vida, Cezanne concibió una composición de figuras múltiples de gran formato de bañistas desnudos en el seno de la naturaleza. El artista siempre ha soñado con escribir este lienzo y hay varias de sus opciones creadas en diferentes momentos. Debido a la timidez natural y la falta de fondos, Cezanne nunca utilizó los servicios de modelos.Por lo tanto, para crear su propia composición de varios cuerpos femeninos desnudos, incluso le pidió a uno de sus amigos que tomara fotografías del desnudo femenino. Quizás esto explica cierta angularidad de todas las figuras creadas por el artista sin depender de la naturaleza.

El pintor trabajó mucho y duro en la pintura "Big Bathers" (circa 1906, el Museo de Arte de Filadelfia), considerando cuidadosamente el diseño de los desnudos en el espacio, reconciliando meticulosamente el ritmo de las líneas del cuerpo y los brazos extendidos, que, junto con Troncos de árboles inclinados, forman un semicírculo armonioso. El trabajo debía convertirse en una obra maestra, una especie de apogeo de la creatividad de Cezanne. El artista esperaba encontrarse a través de la armonía de la "redondez del pecho y los hombros femeninos de las colinas". Desafortunadamente, nunca sabremos qué tipo de artista le gustaría ver al final, ya que la muerte interrumpió su trabajo.

La fama mundial llega demasiado tarde

Paul Cezanne era un solitario, siguió su camino invicto, casi incomprendido y ridiculizado por demasiados. El artista no quería una reproducción simple de la naturaleza, buscó conocer su esencia interna y transmitir esta estructura fundamental en el plano del lienzo. El trabajo del maestro anticipó el arte del cubismo y la abstracción, representando la realidad refractada por la conciencia de una persona en particular. Cézanne descubrió el mundo "nuevo arte", completamente construido en su mente, y por lo tanto profundamente original e individual.

Solo al final de la vida, el reconocimiento comenzó a llegar gradualmente al artista. A finales de la década de 1880, un comerciante de arte parisino Ambroise Vollard se interesó en el trabajo de Cezanne. Al principio estudió el trabajo del maestro, los miró de cerca y le interesaron las opiniones de otros artistas. Después de mucha deliberación, Vollard decide localizar a Cezanne para organizar su primera exposición individual.

La exposición, que se inauguró en 1895, cubrió todos los períodos de la obra del pintor, mostrando la evolución de su visión creativa y revelando a todos la desconocida Cezanne. Los que vinieron a apoyar al artista Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir y Camille Pissarro quedaron asombrados. Monet y Degas compraron inmediatamente varias obras de un viejo amigo, y el público parisino ya estaba listo para aceptar el arte de Cezanne.

Después de la primera exposición, siguió la segunda. Vollard, aunque de bajo costo, pero de manera estable compró la obra del artista. Dos de sus pinturas fueron adquiridas por la Galería Nacional de Berlín. Pero, solo en 1900, el pintor finalmente ganó el reconocimiento en casa, en Aix, poniendo fin al acoso y al ridículo.

Poco a poco, gracias a su participación en la Exposición Internacional de París y otros eventos dedicados al arte, Cezanne se hizo famosa en todo el mundo, el nombre del artista se convirtió en una leyenda. Sin embargo, desafortunadamente, este merecido reconocimiento llegó al pintor muy tarde. 22 de octubre de 1906 Paul Cezanne muere. Solo después de la muerte del artista, sus pinturas realmente encontraron su audiencia.