Lorenzo Lotto – Allegory of Virtue and Vice National Gallery of Art (Washington)

En esta composición pictórica, se observa un paisaje de marcada dualidad, donde la luz y la sombra, lo terrenal y lo celestial, se entrelazan en una compleja narrativa alegórica. El autor ha dispuesto el espacio con una clara división: a la izquierda, un terreno elevado bañado por una luz dorada que sugiere esperanza o redención; a la derecha, una zona más sombría, marcada por la presencia de árboles frondosos y una atmósfera densa.
En primer plano, dos figuras centrales captan la atención. A la izquierda, un niño desnudo se arrodilla sobre rocas, aparentemente absorto en la contemplación de un escudo heráldico que yace a sus pies. Su gesto es de recogimiento, quizás de reflexión o incluso de búsqueda. La desnudez enfatiza su inocencia y vulnerabilidad ante el mundo.
A la derecha, una figura masculina, de apariencia salvaje y musculosa, se reclinada sobre un lecho de hierba. Sostiene en sus manos un recipiente que parece contener una bebida, mientras que a su alrededor se acumulan objetos asociados con el placer terrenal: una bandeja dorada, una ánfora de cerámica rota. La presencia del cráneo humano, situado cerca de la figura, introduce una nota de mortalidad y decadencia, sugiriendo las consecuencias efímeras de los placeres mundanos.
El árbol central, que se eleva desde el suelo rocoso hasta perderse en el cielo nublado, funciona como un eje vertical que conecta ambos planos del paisaje. Una herida visible en su tronco podría interpretarse como una metáfora de la fragilidad humana o de las cicatrices dejadas por el pecado.
El cielo, con sus nubes amenazantes y destellos de luz, contribuye a la atmósfera ambivalente de la escena. La línea del horizonte se difumina, creando una sensación de inestabilidad y misterio.
La composición en su conjunto parece invitar a la reflexión sobre la dicotomía entre virtud y vicio, entre la pureza y la corrupción. El niño representa quizás la promesa de un futuro virtuoso, mientras que la figura masculina encarna los peligros del hedonismo y la transitoriedad de las posesiones materiales. La pintura no ofrece respuestas fáciles; más bien, plantea preguntas sobre el camino a seguir en la búsqueda de una vida plena y significativa. Se intuye una invitación a elegir entre dos destinos contrastantes, con la conciencia de que cada elección conlleva sus propias consecuencias.