self-portrait in red 1913 Aristarkh Lentulov (1882-1943)

Aquí se observa un retrato frontal de una figura humana, presumiblemente el autor, ejecutado con una paleta cromática dominada por tonos rojos y ocres. La composición es relativamente sencilla: la cabeza y parte del torso ocupan casi todo el espacio pictórico, recortados sobre un fondo oscuro y uniforme que acentúa la luminosidad de la figura principal.
La persona retratada presenta una expresión serena, casi melancólica; los ojos, ligeramente hundidos, transmiten una sensación de introspección. El cabello, corto y liso, enmarca el rostro con líneas rectas y angulosas, reforzando la rigidez general del retrato. La indumentaria, también representada con pinceladas contundentes y colores intensos, parece consistir en un atuendo de tonos rojizos con detalles blancos que sugieren una camisa o cuello alto.
Un elemento vegetal, presumiblemente flores, se ubica en la parte superior izquierda de la composición. Estas flores, pintadas con trazos expresivos y colores vibrantes (amarillos, naranjas, verdes), contrastan con la sobriedad del retrato y aportan un toque de vitalidad a la escena. No obstante, su ubicación marginal sugiere una cierta distancia o separación entre el individuo retratado y la naturaleza que lo rodea.
La técnica pictórica es notable por su simplificación formal y su énfasis en la expresividad del color. Las formas se reducen a sus elementos esenciales, sin buscar un realismo mimético. La pincelada es visible y vigorosa, contribuyendo a una sensación de dinamismo y tensión emocional.
Subtextualmente, el retrato podría interpretarse como una exploración de la identidad personal en un contexto de cambio social y artístico. El uso del rojo, color asociado con la pasión, la energía y también con la angustia, sugiere una complejidad emocional latente. La expresión introspectiva del retratado, junto con la sobriedad de la composición, podría aludir a una reflexión sobre el propio ser y su lugar en el mundo. La presencia de las flores, aunque vitales, parecen estar separadas, quizás simbolizando un anhelo por la conexión o una sensación de aislamiento. En definitiva, se trata de una obra que invita a la contemplación y a la interpretación subjetiva.