Parau Api (WhatS New) Paul Gauguin (1848-1903)
Paul Gauguin – Parau Api (WhatS New)
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Pintor: Paul Gauguin
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La historia de este cuadro comenzó ya en 1891, cuando Paul Gauguin decidió subastar sus obras y utilizar los beneficios para hacer un viaje a una isla llamada Tahití. Fue en esta isla donde comenzó la siguiente serie de pinturas de Gauguin. Estaba muy desilusionado con el sistema colonial francés, por lo que se fue a la parte más profunda de la isla, menos expuesta a la civilización y sus rudimentos. Durante este periodo pintó una serie de cuadros, que fueron bastante apreciados por la crítica de todos los tiempos, pero pronto Gauguin se vio obligado a volver a la capital francesa porque estaba enfermo y el dinero era catastrófico.
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Descripción del cuadro Mujeres de Tahití de Paul Gauguin
La historia de este cuadro comenzó ya en 1891, cuando Paul Gauguin decidió subastar sus obras y utilizar los beneficios para hacer un viaje a una isla llamada Tahití.
Fue en esta isla donde comenzó la siguiente serie de pinturas de Gauguin. Estaba muy desilusionado con el sistema colonial francés, por lo que se fue a la parte más profunda de la isla, menos expuesta a la civilización y sus rudimentos.
Durante este periodo pintó una serie de cuadros, que fueron bastante apreciados por la crítica de todos los tiempos, pero pronto Gauguin se vio obligado a volver a la capital francesa porque estaba enfermo y el dinero era catastrófico. Después de dos años, regresó y comenzó su trabajo. El cuadro muestra la imagen de dos mujeres que, a pesar de todo, están en armonía con la naturaleza, que están en su propio paraíso terrenal y no se preocupan por la civilización y el mundo cambiante que las rodea. Esta obra describe la vida ideal de estas chicas, que no depende del espacio ni del tiempo.
La obra es similar a las composiciones de frisos del plan decorativo. No hay ni un atisbo de sonrisa en los rostros de estas chicas, pero eso no significa que no sean felices; lo más probable es que no sepan lo que es. Van vestidos con sus ropas nacionales y, con toda probabilidad, se están relajando sin pensar en nada elevado y eterno.
Esa es la belleza de una foto así, capturar a estas dos jóvenes en un momento doméstico de sus vidas. Gracias a esta originalidad, con este cuadro el espectador puede experimentar la vida y el entorno tal y como es realmente, triste, despojado pero un poco extraño, en relación con la posición del espectador.
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A la izquierda, una mujer joven, con el cabello recogido en una trenza larga, sostiene un tejido de colores vivos que contrasta con la palidez de su piel. Su mirada es introspectiva, dirigida hacia abajo, sugiriendo una reflexión o quizás una melancolía contenida. A su derecha, otro individuo, presumiblemente masculino, se encuentra sentado con las piernas cruzadas, cubierto parcialmente por un manto decorado con patrones geométricos y colores intensos. Su expresión facial es más neutra, aunque perceptible hay una cierta tensión en sus facciones.
El fondo, delimitado por una línea horizontal que separa el suelo del cielo, está pintado con tonos azules y amarillos que contribuyen a la sensación de irrealidad o de un espacio estilizado. Algunos elementos vegetales, representados de manera simplificada, se vislumbran en la parte superior, añadiendo una nota de naturaleza sin integrarse plenamente en el conjunto.
La disposición de los objetos sobre el suelo – lo que parecen ser frutas o elementos rituales – refuerza la idea de un contexto cultural específico y posiblemente ceremonial. La ausencia de detalles narrativos concretos invita a la interpretación subjetiva; no se nos presenta una acción específica, sino más bien una representación de la quietud y la contemplación.
La paleta cromática, dominada por ocres, amarillos, rojos y azules intensos, crea un ambiente exótico y ligeramente opresivo. La pincelada es plana y deliberadamente carente de modulaciones sutiles, lo que contribuye a una estética simplificada y expresiva. El uso del color no parece buscar la imitación fiel de la realidad, sino más bien transmitir una impresión general, un sentimiento o una atmósfera particular.
En términos subtextuales, la obra podría interpretarse como una reflexión sobre la identidad cultural, el desplazamiento o la pérdida. La mirada ausente de los personajes y su postura contenida sugieren una cierta alienación o desconexión con su entorno. La simplificación formal y la paleta cromática intensa podrían simbolizar la intensidad emocional subyacente a esta experiencia. El encuentro entre lo humano y lo natural, aunque presente, se ve mediado por una representación estilizada que impide una conexión directa y orgánica.