Adele Bloch-Bauer II Gustav Klimt (1862-1918)
Gustav Klimt – Adele Bloch-Bauer II
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Pintor: Gustav Klimt
Ubicación: Galerie Belvedere, Wien.
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Gustav es un artista austriaco. Gustav pintó su segundo retrato de Adele en 1912. El cuadro es una de las diez obras de arte más caras del mundo. ¿Cuál es la historia de este modelo? Adele Bloch-Bauer era la esposa de Ferdinand Bloch-Bauer, un industrial muy rico de la época. Ferdinand amaba el arte y patrocinaba varias formas de arte, incluyendo el arte. Por lo tanto, Gustav recibió fondos materiales de Ferdinand en virtud de su personalidad creativa.
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Descripción del cuadro de Gustav Klimt El segundo retrato de Adele
Gustav es un artista austriaco. Gustav pintó su segundo retrato de Adele en 1912. El cuadro es una de las diez obras de arte más caras del mundo. ¿Cuál es la historia de este modelo? Adele Bloch-Bauer era la esposa de Ferdinand Bloch-Bauer, un industrial muy rico de la época.
Ferdinand amaba el arte y patrocinaba varias formas de arte, incluyendo el arte. Por lo tanto, Gustav recibió fondos materiales de Ferdinand en virtud de su personalidad creativa. Adele fue pintada por Gustav en dos ocasiones, un incidente aislado en su vida artística. De esto podemos concluir que Fernando lo patrocinó muy bien.
Descripción del cuadro. El rostro, así como las manos de Adele, están pintados exclusivamente en tonos fríos, lo que confiere al cuadro una sensación de realismo. Son la característica visual dominante en la conciencia y la percepción de la pintura por el ojo humano. La descripción ornamental de los demás elementos del modelo, distingue y diferencia las manos y el rostro en el conjunto. La composición puede dividirse en dos partes.
La parte derecha del cuadro representa a la propia Adele, mientras que la parte izquierda oculta un indicio, sólo un pequeño indicio, del interior. La parte izquierda del cuadro está casi en blanco y permite sumergirse en un mundo de imaginación. Hay otra parte del cuadro, la de abajo. Se llena con el dobladillo del vestido de Adélie.
Gustave optó por representar la planitud en lugar de la perspectiva de la profundidad en este modelo. Todo el espacio (el vestido, las paredes, la silla) queda desplazado por el fondo dorado. Por lo tanto, este espacio se ve puramente como figuras bidimensionales junto a Adèle.
Si se examina el cuadro con detalle, se puede ver a una mujer de figura elegante sentada en un sillón. Todo el plano vertical del cuadro está ocupado por esta mujer, sin dejar espacio para nada más. Los tonos claros se acentúan con el contraste del pelo negro de Adélie y la gran boca roja desproporcionada. La mirada de la mujer se fija en el espectador, lo que aumenta la experiencia visual. Y Adele tiene las manos delante de sus pechos.
El vestido acentúa la figura de la mujer y es ajustado. Encima del vestido hay un chal que desciende desde los brazos del cuadro. Los tonos dorados dominan también en esta parte del cuadro. Una banda ancha de triángulos (una doble hilera) y un fino dobladillo de rectángulos añaden belleza y originalidad al escote del vestido de Adele.
La capa presenta un adorno en forma de espiral, formas de hoja y pliegues ligeramente perceptibles. Es ligeramente más claro que los tonos del vestido. La silla es en tonos dorados. Se acentúa únicamente a través del dibujo en espiral. El esquema general tiene un acento de color, con un fragmento del suelo en tonos verdes. Este fragmento también da más estabilidad al modelo.
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En el lienzo se presenta una figura femenina de cuerpo entero, vestida con un elaborado atuendo que domina la composición vertical. La mujer, de rostro pálido y mirada directa al espectador, exhibe una expresión serena, casi distante. Su indumentaria es particularmente llamativa: un vestido largo de tonalidades plateadas y doradas, ricamente decorado con patrones geométricos y florales, se superpone a una blusa blanca de cuello alto. Un gran sombrero verde oscuro enmarca su rostro, acentuando la palidez de su piel y el brillo de sus ojos.
El fondo no es un espacio vacío; está poblado por formas abstractas y figuras estilizadas que sugieren un jardín o un entorno natural idealizado. Se distinguen manchas de color rosa, morado y verde, aplicadas con una técnica que recuerda al mosaico, creando una atmósfera onírica y decorativa. La presencia de pequeñas figuras humanas en la parte superior del lienzo, aunque difusas, insinúan una escena social o ritual.
La pincelada es fragmentada y ornamental, característica propia de un estilo que busca más la evocación sensorial que la representación realista. El uso abundante del dorado no solo enfatiza el estatus de la retratada sino que también confiere a la obra un carácter simbólico asociado a la riqueza, el lujo y la espiritualidad.
La composición se centra en la figura femenina, pero la profusión de detalles ornamentales y la abstracción del fondo sugieren una preocupación por la superficie pictórica en sí misma. La mujer no parece estar plenamente integrada en su entorno; más bien, se presenta como un objeto precioso, aislado y contemplado.
Se puede inferir que el autor buscó representar a una figura femenina de la alta sociedad, enfatizando su belleza, elegancia y posición privilegiada. Sin embargo, la atmósfera onírica y la falta de profundidad emocional sugieren también una cierta ambigüedad en torno al retrato: ¿se trata de una celebración de la individualidad o de una crítica sutil a los valores superficiales de la época? La repetición de patrones florales podría simbolizar la fertilidad y la vitalidad, pero también la fugacidad del tiempo y la decadencia.