Season Diane Dillon

Aquí se observa una composición de marcado contraste cromático y estilístico. El fondo, de un tono ocre apagado, sirve de soporte a dos figuras principales delineadas en silueta oscura, con detalles sutiles en un púrpura violáceo que acentúa ciertos elementos. La disposición es asimétrica; la figura izquierda ocupa una posición más central y se presenta en una postura de confrontación, mientras que la derecha se ubica en el extremo superior derecho, aparentemente en movimiento ascendente.
La figura a la izquierda muestra un individuo con una máscara o cubrimiento facial que oculta sus rasgos, aunque se intuyen ojos furiosos y una expresión de ira contenida. Sus brazos están alzados, uno flexionado en señal de desafío, el otro abrazando lo que parece ser una esfera o globo. La textura del cuerpo está marcada por líneas paralelas verticales, creando un efecto visual que sugiere tanto armadura como una especie de piel escamosa o texturizada. La postura general transmite tensión y hostilidad.
En contraste, la figura a la derecha presenta una criatura antropomorfa con características bestiales: orejas puntiagudas, colmillos prominentes y extremidades alargadas que sugieren agilidad y fuerza. Su rostro exhibe una mueca amenazante, con los ojos entrecerrados y una expresión de malevolencia. La disposición de sus miembros, en particular las garras extendidas, refuerza la impresión de peligro inminente. El púrpura violáceo se concentra en los bordes de su vestimenta y en ciertos detalles anatómicos, otorgándole un aire fantasmal y perturbador.
El texto inscrito en la parte inferior central, AND A TIME TO HATE;, proporciona una clave interpretativa fundamental. Sugiere que la obra no es simplemente una representación visual, sino una reflexión sobre emociones negativas como el odio, la ira y la confrontación. La máscara de la figura izquierda podría simbolizar la ocultación de la identidad o la represión de sentimientos, mientras que la criatura a la derecha encarna quizás la manifestación física del odio mismo, un monstruo interiorizado o externo.
La yuxtaposición de estas dos figuras, una aparentemente humana y otra bestial, invita a considerar la dualidad inherente en la naturaleza humana: la capacidad tanto para la compasión como para la crueldad. La composición, con su marcado contraste y sus siluetas expresivas, evoca un ambiente de tensión psicológica y conflicto latente, dejando al espectador con una sensación de inquietud e incertidumbre. La técnica utilizada, que recuerda a los grabados o xilografías, acentúa la naturaleza simbólica y alegórica de la obra.