The Beethoven Frieze hostile forces, the three Gorgons Gustav Klimt (1862-1918)
Gustav Klimt – The Beethoven Frieze hostile forces, the three Gorgons
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Pintor: Gustav Klimt
Ubicación: Galerie Belvedere, Wien.
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En 1902 se celebró en la Secesión vienesa una exposición conmemorativa del gran Ludwig van Beethoven. Gustav Klimt veía al músico como un genio y en su obra creativa la encarnación del amor. El artista creó el Friso de Beethoven especialmente para la exposición de 1902. El público reaccionó negativamente ante el cuadro: lo calificaron de inerte y duro y las figuras se consideraron repulsivas. Esto es especialmente cierto en el caso de las tres gorgonas.
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Descripción del Friso de Beethoven de Gustav Klimt
En 1902 se celebró en la Secesión vienesa una exposición conmemorativa del gran Ludwig van Beethoven. Gustav Klimt veía al músico como un genio y en su obra creativa la encarnación del amor.
El artista creó el Friso de Beethoven especialmente para la exposición de 1902. El público reaccionó negativamente ante el cuadro: lo calificaron de inerte y duro y las figuras se consideraron repulsivas. Esto es especialmente cierto en el caso de las tres gorgonas. Les faltaba castidad, pureza y abstinencia, según el público. Estas revisiones son la razón de los genitales, los óvulos y los espermatozoides en el lienzo.
La composición de la pared de la izquierda presenta a un caballero que se dispone a luchar contra las fuerzas del mal. Le siguen mujeres que simbolizan la Victoria y la Compasión. La composición de la derecha está formada por figuras, símbolos de la Alegría y la Chispa Divina. La imagen central presenta las fuerzas del mal. Entre ellos está Tifón, la gorgona, que es símbolo de la enfermedad, la locura y la muerte. Las figuras femeninas del lado derecho simbolizan la voluptuosidad, la pasión y la intemperancia, mientras que la mujer del lado es un símbolo de anhelo.
En aquella época, el público aún no estaba acostumbrado al uso libre de líneas, formas y ornamentos. El público no entendía lo que simbolizaba el friso. Tampoco entendieron su final, que es la personificación de un hombre salvado por una mujer.
Cuando creó el cuadro, Klimt no esperaba seguir exhibiéndolo después de la exposición. Por lo tanto, el friso no estuvo disponible para el público durante los años siguientes. Pero desde finales del siglo pasado ha vuelto a ocupar su lugar en la Secesión vienesa.
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En el extremo izquierdo, se observa un grupo de figuras pálidas y esqueléticas, algunas con rasgos animales, interactuando de manera inquietante. Sus cuerpos delgados y posturas retorcidas evocan una sensación de sufrimiento y desesperación. La palidez de su piel contrasta fuertemente con los tonos más cálidos que dominan el resto de la obra.
El centro de la pintura está ocupado por una figura femenina desnuda, sentada en un trono ornamentado. Su postura es ambivalente: parece a la vez vulnerable y poderosa. Está rodeada de patrones geométricos complejos y colores vibrantes, especialmente azules y dorados, que sugieren riqueza y estatus. Sin embargo, su mirada se dirige hacia el lado derecho del lienzo, donde se desarrolla una escena más caótica.
La sección derecha presenta un grupo de figuras más pequeñas y densamente agrupadas, envueltas en una masa amorfa de formas orgánicas y colores oscuros. Estas figuras parecen estar luchando o resistiendo algo invisible, creando una atmósfera opresiva y amenazante. La textura rugosa y la falta de definición clara sugieren caos y desorden.
Subyacentemente, la obra parece explorar temas relacionados con la lucha entre el orden y el caos, la belleza y la fealdad, la vida y la muerte. El contraste entre las figuras pálidas del lado izquierdo y la figura femenina central podría representar una oposición entre fuerzas destructivas y creativas. La masa caótica del lado derecho sugiere la presencia de obstáculos o enemigos que amenazan la estabilidad y el equilibrio.
La ornamentación elaborada y los patrones geométricos, junto con el uso de colores ricos y simbólicos, sugieren una preocupación por la representación de ideas abstractas y emociones profundas más allá de la mera descripción visual. La composición horizontal y alargada refuerza la sensación de narrativa o proceso en curso, como si se estuviera presenciando un evento dramático que se desarrolla a lo largo del tiempo.