St. Marks Square in Venice. 1887 Valentin Serov (1865-1911)
Valentin Serov – St. Marks Square in Venice. 1887
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Pintor: Valentin Serov
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A los 22 años, Valentin Serov enfermó gravemente. Después de recibir dinero para otro cuadro, decidió ir a Italia con sus amigos. El clima cálido de Italia tuvo un buen efecto en la salud del gran artista ruso. Allí escribió una de sus obras: "La plaza de San Marcos de Venecia". Venecia es una ciudad impresionante que durante siglos ha atraído a artistas y poetas. La plaza de San Marcos es el lugar más importante de la ciudad.
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Descripción del cuadro de Valentin Serov "Plaza de San Marcos en Venecia".
A los 22 años, Valentin Serov enfermó gravemente. Después de recibir dinero para otro cuadro, decidió ir a Italia con sus amigos. El clima cálido de Italia tuvo un buen efecto en la salud del gran artista ruso. Allí escribió una de sus obras: "La plaza de San Marcos de Venecia".
Venecia es una ciudad impresionante que durante siglos ha atraído a artistas y poetas. La plaza de San Marcos es el lugar más importante de la ciudad. Aquí tienen lugar los acontecimientos más importantes: encuentros, reuniones, enamoramientos y separaciones. La belleza de la arquitectura local ha cautivado al artista.
En el centro de la obra se encuentra la Catedral de San Marcos. Valentin Serov utiliza pinturas al óleo cuando trabaja en el cuadro. No traza todos los detalles, y sólo hace pistas, esbozos. El esquema de color de la obra es apagado. El artista rechaza la representación realista del color. Al elegir los tonos pastel, el artista transmite el relieve de la arquitectura italiana. Pero debido a la falta de color, el artista se pierde y no nos muestra la belleza de la catedral. Lo ha hecho casi sin rostro, sin interés. No hay rastro de los antiguos mosaicos ni de los dibujos que adornan la fachada de la catedral. No vemos el impresionante revestimiento de mármol del edificio, las columnas.
Tal vez esta obra sea sólo un esbozo. El artista probablemente pintó al aire libre. Salió a la Plaza de San Marcos durante un par de horas e hizo un boceto para trabajar más tarde en los detalles finos.
A pesar de la aparente incompletud y falta de claridad de la obra, se han esbozado algunos de los momentos individuales del cuadro. Por ejemplo, el artista representó la ubicación de las personas que caminaban alrededor de la catedral. Se trata de habitantes de la ciudad o de turistas que, como Serov, quedaron cautivados por la belleza de la arquitectura local. La plaza en sí está prácticamente vacía, con sólo algunas palomas posadas en el antiguo pavimento.
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La paleta cromática se reduce a tonos terrosos: ocres, grises, marrones y amarillos deslavados, aplicados con una pincelada suelta y vaporosa. Esta técnica difumina los contornos, creando una atmósfera brumosa que atenúa la nitidez de las formas y sugiere un momento fugaz, quizás capturado en una luz matinal o vespertina. La ausencia casi total de colores vivos contribuye a una sensación general de melancolía y transitoriedad.
En primer plano, se distinguen figuras humanas dispersas, apenas esbozadas, que parecen indiferentes al entorno monumental que las rodea. Su presencia es mínima, casi incidental, acentuando la escala colosal de los edificios y la vastedad del espacio abierto. La plaza está salpicada de pequeños detalles: lo que podrían ser aves o sombras proyectadas sobre el suelo, añadiendo una sutil complejidad a la composición.
El autor parece más interesado en transmitir una impresión atmosférica que en representar con precisión los detalles arquitectónicos. La monumentalidad de las estructuras se sugiere más que se define; su contorno se diluye en la neblina, perdiendo nitidez y detalle. Esta deliberada falta de definición invita a la contemplación y a la evocación de recuerdos o sensaciones asociadas al lugar representado.
Subyace una reflexión sobre el paso del tiempo y la fragilidad de la existencia humana frente a la grandiosidad del entorno construido. La atmósfera brumosa, los colores apagados y las figuras humanas insignificantes sugieren una sensación de desolación y nostalgia, como si se tratara de un recuerdo difuso o de una visión onírica. La pintura no busca celebrar la belleza tangible del lugar, sino más bien evocar su esencia melancólica y su carácter efímero. Se intuye una reflexión sobre la historia, el declive y la memoria colectiva.