Cubismo Traductor traducir

El realismo crítico, que alcanzó su apogeo en la segunda mitad del siglo XIX, solo cumplió parcialmente con las nuevas demandas sociales e ideológicas. El arte del realismo crítico no encarnaba ideales revolucionarios, no indicaba nuevas formas reales para la transformación progresiva de la sociedad.

El realismo entró en una nueva etapa superior de su desarrollo: el método del realismo socialista estaba madurando, expandiendo significativamente las posibilidades del impacto social y estético del arte.

Los artistas que experimentaron en el campo de la forma no se propusieron encarnar más plenamente los ideales sociales y estéticos progresivos en sus obras, limitándose a resolver problemas específicos y específicos. Estos temas particulares, la transferencia mediante pintura y escultura de volumen, movimiento, tiempo, color y luz, fueron planteados y resueltos a su manera por artistas modernistas a través de la creación de formas puras, lo que significó la destrucción de la unidad de la forma y contenido. Esto, a su vez, como resultado lógico condujo a la negación de la necesidad de contenido significativo en una obra de arte.

Dirección característica

Los cubistas declararon al artista un creador autónomo de una realidad "diferente". Fueron los cubistas quienes comenzaron a crear obras que ya no imitaban la naturaleza, no la organizaban, sino que creaban, a su vez, una creación con el sello del hombre, una verdadera obra de arquitectura, es decir, una obra que a veces puede hacer que las personas cree en la libertad ontológica.

Al formar su dirección, los cubistas enfatizaron su opuesto a todas las bellas artes previamente creadas, que fueron definidas despectivamente por ellos como "imitativas".

Los cubistas enfatizan especialmente el "ascetismo" de su dirección, "severidad, llegando al irracionalismo". Esto fue facilitado por la no individualización del color de las obras de arte cubistas, su inexpresividad colorista. Cada tono de color, cada modulación de color convierte los cubistas en un plano (es decir, en un elemento de forma). Los cubistas expresados ​​de esta manera los planos se combinan fuertemente, sin evitar contrastes. Están tratando de expresar más claramente el plano, presentarlo más "sólido".

La estrechez formalista de las tareas del artista cubista, la limitación de los medios artísticos conducen a una disminución de las oportunidades artísticas, a la eliminación de la individualidad del artista. Los cubistas reducen la tarea de pintar a la imagen del volumen de color en una superficie plana. Abordan este problema de manera abstracta, sin tener en cuenta las leyes materiales del mundo real. Los objetos de arte creados por los cubistas adquieren un significado autosuficiente. "El compromiso del cubista con los objetos es tal", escribe el historiador de arte francés B. Dorival, "que los busca dentro de sí mismo, independientemente de su credibilidad y cualquier cambio".

La actitud antidialéctica ante la realidad determina la naturaleza estática del arte cubista. Los escultores y pintores cubistas evitan deliberadamente todos los elementos que transmiten dinámicas de vida, los bordes sombríos de las figuras geométricas pesadas le dan a las obras de arte en esta dirección un peso inquebrantable y aplastante.

Al rechazar el dinamismo, los cubistas niegan el concepto mismo del tiempo, la percepción en el tiempo de los distintos lados de un objeto. La versatilidad del objeto se transmite en sus lienzos a través de una imagen única de sus características. Un intento de mostrar la cara de una persona como si fuera visible simultáneamente desde diferentes lados conduce a la aparición, por ejemplo, de imágenes faciales de perfil con dos ojos y varias narices. En el arte del cubismo, esta técnica causa una violación aguda de las normas de percepción de la imagen, lo que la hace un poco comunicativa.

El proceso progresivo de pérdida de comunicabilidad en las obras de arte cubista se puede rastrear con bastante claridad. En los primeros lienzos, que aún no estaban completamente divorciados de la realidad, hay momentos separados de deformación que impiden la percepción de la obra.

Con el desarrollo del cubismo, esas pocas "fortalezas", que en cierta medida permitieron percibir el plan del artista, desaparecen: detalles individuales que reflejan la realidad. Reemplazar las partes de un objeto o un cuerpo humano con figuras geométricas hace que la imagen cubista sea irreconocible, y el público no percibe el diseño del artista. Tal, por ejemplo, es la escultura cubista de Jacques Lipschitz "El hombre de la guitarra". Sin leer la firma de la obra o su reproducción, es imposible correlacionar la imagen con ningún objeto o fenómeno real.

Geometría del cubismo

Un montón de planos geométricos no causa al espectador ninguna asociación con las formas de la realidad.

Tales obras de cubismo "sin sentido" no son susceptibles de análisis estéticos, y la estética ha reemplazado durante mucho tiempo el pensamiento crítico con una interpretación formal arbitraria, carente de toda minuciosidad. Entonces, en el libro "Maestros del arte del modernismo", la escultura de J. Lipschitz "Un hombre con una guitarra" se describe de la siguiente manera: "Lipschitz en su" Hombre con una guitarra "reunió placas y prismas entrelazados e interpenetrantes en Un diseño monumental que permite examinarlo desde casi cualquier ángulo de visión. Sus líneas rectas varían en curvas aleatorias. En particular, el escultor hizo un agujero resonador redondo en la guitarra con un ingenio formal excepcional en todo el cuerpo del músico. Un análisis tan crítico no revela ni el valor artístico ni el significado de la obra. Sin embargo, el nivel de análisis en este caso está "establecido" por el nivel del trabajo que se analiza.

La tergiversación de la realidad producida en las pinturas y esculturas es tercamente llamada por los cubistas no deformación, sino "reforma" y, al crear obras razonablemente no percibidas, afirman ser una "imagen total de los objetos". Los cubistas se dan cuenta de sus pretensiones de "totalidad" de una manera puramente formalista, al negarse a representar el objeto en sí. Los artistas cubistas han desarrollado una disposición específica de formas geométricas en el lienzo, reemplazando partes del tema. Siguiendo este patrón, los artistas cubistas crean el mismo tipo de trabajo que constituye un cierto período en la existencia de esta tendencia. Lo más característico del cubismo es el esquema creado y utilizado por artistas de esta dirección en 1910-1912. Es claramente visible en la pintura cubista de Juan Gris "La guitarra y las flores": utiliza el patrón geométrico obvio del dibujo, por el cual la composición recibe el orden básico al dividir el lienzo en cuatro partes: vertical, horizontal y dos veces diagonalmente. La imagen de Georges Braque “Girl with a Guitar” y muchas otras está construida exactamente de la misma manera.

Cezanne

La definición del período temprano de la existencia del cubismo como "Cézanne" plantea las objeciones más resueltas: en ninguna etapa de su existencia el cubismo se relacionó directamente con Cézanne, ni con sus puntos de vista estéticos, ni con la práctica de su arte. El cubismo es lo opuesto a la creatividad de Cezanne en su método artístico.

Pinturas de Paul Cezanne

El objeto del arte de Cezanne es el mundo material circundante. Los cubistas, por otro lado, utilizaron el método del formalismo; Los objetos de su arte eran la obra misma. Cezanne dedicó su vida a la tarea de "desarrollar el arte en contacto con la naturaleza". Los cubistas arrancaron su arte de la naturaleza, siguiendo el camino de la creación de formas abstractas y la deformación de la realidad. Cezanne advirtió a los artistas contra el peligro de distorsionar la vida para complacer las teorías. “El artista debe abandonar cualquier punto de vista que no se base en una observación completamente consciente de la característica. Debe tener miedo de seguir la actitud teórica que tan a menudo lleva al artista a desviarse del verdadero camino, es decir, de un estudio concreto de la naturaleza, para perderse durante mucho tiempo en especulaciones incomprensibles… Sin embargo, yo una y otra vez volvemos a lo siguiente: el artista debe dedicarse por completo a estudiar la naturaleza y crear pinturas que sirvan a la causa del conocimiento. "Este punto de vista, basado en su práctica artística, Cezanne expresó en 1904, siendo fiel a ella toda su larga vida creativa.

Los cubistas declararon su arte "conceptual" y dedicaron todas sus actividades prácticas, en palabras de Cezanne, a la "especulación incomprensible", desde la cual Cezanne advirtió a los artistas. Cezanne utilizó formas geométricas como uno de los medios, uno de los métodos de reflexión en el arte de la realidad. Pero un truco separado aún no determina el método creativo. Los cubistas no tomaron prestado y no desarrollaron el método creativo de Cezanne en su totalidad, tomaron uno de sus trucos, lo castraron y lo convirtieron en un fin en sí mismo, se opusieron al realismo. Al especular sobre la autoridad de Cezanne, trataron de dar significado a su investigación formal sin sentido.

El problema de la correlación de la creatividad y el cubismo de Cezanne va más allá del marco de cuestiones particulares de evaluar la pintura de Cezanne y determinar los orígenes del cubismo. Tiene un significado metodológico general. La cuestión del uso de técnicas individuales no puede resolverse de manera abstracta a partir de las posiciones estéticas generales del artista que utiliza esta o aquella técnica. La naturaleza del uso de una técnica particular en la creación artística está determinada principalmente por el método creativo del artista. El mismo truco puede servir para propósitos muy opuestos. La deformación en el arte realista, utilizada, por ejemplo, en lo grotesco, en la caricatura amigable, es un medio para reflejar la realidad, no elimina, sino que fortalece el elemento de la evaluación del artista del fenómeno reflejado, enfatiza la creatividad del artista. personalidad.

Un dispositivo artístico en el proceso de creatividad no aparece en su forma pura, está mediado por la cosmovisión del artista, su método creativo. El énfasis abstracto en los medios artísticos conduce inevitablemente a la confusión al evaluar los fenómenos del arte. Un ejemplo de este sesgo anti-científico en las evaluaciones es equiparar la técnica de "geometrización" de Cézanne con la creación de cubistas.

La evolución del cubismo.

Los teóricos del arte a menudo usan una consideración abstracta de las técnicas artísticas fuera del método creativo en sus intentos de "disolver" el realismo en varias áreas del arte modernista.

Hablando sobre las etapas (períodos) en la evolución del cubismo, los investigadores proceden de los fundamentos puramente formales de la periodización. El teórico del arte del modernismo C. Gray en su libro "Teorías estéticas del cubismo" define la fase "analítica" de la existencia de esta tendencia de la siguiente manera: "La primera fase del cubismo se caracteriza por una diferencia más o menos aguda entre Los problemas de forma y espacio. Existe una "lógica" bien conocida, pero también hay un objeto al que se dirige esta lógica. El objeto es analizado e interpretado, pero aún conserva su realidad objetiva. "

El cubismo ve la tarea del arte en la expresión de "ideas" que preceden a las formas.

El proceso de evolución del cubismo demuestra el fortalecimiento de los elementos idealistas en su desarrollo, la separación gradual del arte cubista de la vida hasta su completa pérdida de comunicabilidad.

Picasso

La aparición del cubismo suele asociarse con el nombre de Pablo Picasso. La crítica ve las virtudes de sus "Doncellas de Aviñón" en "la nitidez de la escritura, la aguda frescura de la paleta, la ausencia de cualquier perspectiva y el verdadero claroscuro". Picasso trabaja en paralelo y lado a lado (en la misma casa) con los cubistas, sin ser formalmente un participante en esta dirección. Construye sus pinturas sobre los mismos principios que los artistas cubistas, pero es escéptico sobre el cubismo como escuela. Considera sus experimentos como una búsqueda de nuevos medios de expresión artística. Picasso busca encontrar nuevos medios artísticos formales, mientras que los cubistas se proponen el objetivo de buscar independientemente de los resultados de estas búsquedas.

Pinturas de Pablo Picasso

Principios de referencia

Al formular en sus trabajos teóricos los principios básicos de la práctica artística del movimiento, los cubistas lo designaron en primer lugar como vicioso todo arte relacionado con la vida y tratando de reflejar los fenómenos de la realidad: "La única falacia posible en el arte es la imitación", escribe Los cubistas franceses A. Glez y J. Metzenge.

Los cubistas afirman que después de que la pintura se negó a imitar al sujeto con líneas y color, la tarea del artista es expresar "conciencia plástica del instinto" por medio del arte. "Estamos lejos de pensar", explican los cubistas, "cuestionar la existencia de objetos que afectan nuestros sentimientos. Pero, acercándonos razonablemente, no podemos confiar en nada excepto en las imágenes que crean en nuestra mente. Y además: "Estamos buscando lo principal, pero lo estamos buscando en nuestra personalidad, y no en alguna eternidad, que los matemáticos y filósofos fabrican con tanta diligencia". Las declaraciones anteriores revelan la naturaleza subjetiva idealista e intuitiva de la cosmovisión cubista, la base filosófica en la que se basó el modernismo desde el principio como una dirección en el arte.

Abandonando los intentos de reflejar el mundo real, los cubistas se centraron en la creación de formas, proclamando abiertamente el objetivo de sus actividades. En términos teóricos, los cubistas intentaron encontrar correspondencia entre líneas y color, argumentando, por ejemplo, que las líneas curvas también están correlacionadas con líneas rectas, como tonos fríos con tonos cálidos.

Las creaciones no comunicativas de los cubistas causaron desconcierto y, a menudo, indignación, entre la audiencia. Sin embargo, los cubistas no querían explicar tal reacción con las peculiaridades de su trabajo, culparon a la incomprensión y la inercia de la audiencia, a quienes fueron maltratados. Llamando a la audiencia "multitud", reclamaron una superioridad incondicional sobre ella.

La relación de malentendidos mutuos de artistas y espectadores cubistas se ha convertido en característica de otras áreas del arte modernista. El arte del cubismo se separó de la audiencia y esencialmente se convirtió en anti-gente.

Al comparar los principios teóricos y las prácticas artísticas del cubismo con sus modernas y generalizadas en el siglo XX. Teorías filosóficas idealistas, la conexión de los cubistas con las enseñanzas de A. Schopenhauer y A. Bergson se hace evidente. La interconexión de objetos y fenómenos reales, desde su punto de vista, no puede ser de interés para el artista; Este es un tema de la ciencia como un tipo más bajo de actividad cognitiva en comparación con el arte.

Los cubistas intentaron realizar en sus obras una comprensión de la idea como una unidad, no dividida en espacio y tiempo. Siguiendo a Schopenhauer, se opusieron a la realidad de la categoría del tiempo. La estática como atributo de los lienzos cubistas era esencialmente un símbolo de la negación de la dinámica, el movimiento de la materia. Schopenhauer tomó prestada la idea de la naturaleza impersonal del arte, de la despersonalización del artista.

En términos filosóficos y estéticos, los programas teóricos de los cubistas fueron un paso atrás incluso en comparación con Schopenhauer: expulsaron lo bello y lo sublime del arte, privándolo de los principales medios de impacto estético en una persona. A diferencia de Schopenhauer, los cubistas insistieron en la naturaleza intranscendente y "frívola" del arte.

Los cubistas actualizaron el arsenal de sus ideas filosóficas con las enseñanzas de A. Bergson. Bajo la influencia de Bergson, el arte del modernismo adquirió un evidente carácter subjetivista. Para los cubistas, la mente aún no ha sido completamente abandonada (como más tarde entre los surrealistas), aunque solo participó como un instrumento para la deformación de la realidad.

El cubismo es una tendencia única en el arte de principios del siglo XX. El lenguaje plástico de la dirección se basa en la descomposición y deformación de los objetos en varios planos geométricos y en cambios de forma plástica. La mayoría de los artistas rusos lideraron su camino creativo precisamente a través del aumento del cubismo, combinando a menudo sus principios con técnicas interesantes de otras tendencias artísticas y contemporáneas, por ejemplo, el primitivismo y el futurismo.

El cubofuturismo se ha convertido en un tipo específico de interpretación del cubismo con un pronunciado matiz ruso de arte. El nacimiento de la dirección se remonta a los años 1907-08, justo en la víspera de la Primera Guerra Mundial. Una nueva tendencia en el arte modernista obsoleto causó una furia inevitable por parte de la burguesía. Hubo un tiempo en que el cubismo en el arte estaba rodeado por un círculo de críticos y poetas que seguían la filosofía de Bergson, curiosamente, también se hacían llamar cubistas.

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Una de las principales tendencias del cubismo fue el dominio del concepto básico sobre el valor artístico y personal de la imagen. Hegel también señaló que el arte de los tiempos modernos estará cada vez más imbuido de reflexión, y el pensamiento imaginativo inculcado en la sociedad se irá desplazando gradualmente de lo abstracto. En otras palabras, la línea entre la creatividad práctica y la crítica de arte se hizo muy delgada. Si en el cubismo esta tendencia estaba presente en forma de embrión, entonces en la posmodernidad se volvió dominante.

Los padres del cubismo son considerados Picasso y Braque. Pero Delaunay, Juan Gris y Fernand Leger se unieron inmediatamente a la nueva corriente. Se las arreglaron para hacer una transformación sensacional de la realidad artística existente en el mundo del arte de la época, que nadie podía ver e imaginar: descomposición de la forma en cubos.