Pintura de prueba y error Traductor traducir

En lugar de copiar literalmente y someterse obedientemente a un conjunto de reglas de pintura bien conocidas, introduzca un elemento de oportunidad en su trabajo. Deseche los postulados preestablecidos, los sellos predominantes y dése total libertad, utilizando las infinitas posibilidades de las pinturas de acuarela.

Pat Dewes

Al comenzar a trabajar en una nueva imagen, preveo claramente su desarrollo en varias direcciones y examino cuidadosamente cada una de ellas. Mi pintura es el resultado de mi método de prueba y error. No hago bocetos. La falta de metodología es la base de una libertad ilimitada para el artista. Habiendo rechazado la estricta adherencia a los estándares y reglas de cualquier técnica, puedo tomar decisiones mientras trabajo en una pintura. El proceso de pintar abre innumerables posibilidades ante mí. Tomando la "prueba" como un estilo de pintura, prueba y error, el artista debe mostrar una gran paciencia. La pintura requiere más tiempo que el proceso de "soportar" la idea de la imagen. Constantemente rehago las partes de composición de la imagen, usando un pincel para resolver problemas. Puede ser muy difícil ir desde el comienzo del trabajo hasta el momento en que podría considerar la imagen terminada, ya que siempre trato de encontrar una manera de mejorarla en algo. Sin embargo, en mi opinión, las ventajas de este estilo de pintura son mucho mayores que las desventajas. En una hoja de papel, puedo resolver y resolver físicamente todos los dilemas de la pintura que han surgido y crear una imagen positiva y convincente.

Absoluta perfección

Intento desarrollar una actitud perspicaz hacia los negocios, basada en la mejora personal continua, por lo que me esfuerzo por encontrar formas de mejorar la composición. Algunas de mis cosas en el proceso de trabajo desde el momento en que la pintura comenzó hasta su finalización real cambian tan radicalmente que se convierten en completamente nuevas e inesperadas. Para mí, esta es la verdadera alegría de la artesanía del artista: estudio cuidadoso y ajuste de color en papel. A pesar del hecho de que el comienzo del trabajo en la pintura, así como su finalización, le brindan al artista muchos momentos únicos y deliciosos y sentimientos profundos, estoy muy intrigado por el proceso de pintar en sí mismo: un emocionante viaje hacia lo desconocido.

Como artista, abstraccionista, no me dedico a la transmisión literal de la naturaleza. La mayoría de mis trabajos nacen en la imaginación, que constantemente necesita alimentación, desarrollo y estimulación. En busca de inspiración, visito museos y exposiciones de arte, y también tomo cientos de fotografías. Practicando constantemente, escribo bodegones, trabajo al aire libre y aprovecho cualquier oportunidad para pintar. Estudio sobre el material de mis propias obras, así como sobre otros artistas. Después de decidir qué es exactamente lo que quiero contar en mi foto, trato de determinar por qué medios se puede lograr este objetivo.

Problema de equilibrio

Por supuesto, no confío en todo solo ocasionalmente. Soy muy consciente de las reglas para elegir un esquema de color y construir una composición. Constantemente leo literatura sobre este tema para entender cómo estas reglas se pueden usar en mi práctica de manera más efectiva y cómo hacer que funcionen en mi interés. Después de haber trabajado en la pintura durante 30 años, encontré un enfoque estilístico intuitivo que le permite corregir errores de composición en el proceso.

A pesar de la naturaleza intrigante y desafiantemente compleja de la obra de esta manera, este es un estilo de pintura fascinante y agradecido. Si decide adaptar el método de prueba y error, almacene en papel. Independientemente de su talento, talento natural u otras circunstancias, las posibilidades de que el primer intento sea exitoso son, francamente, pequeñas. Recuerde que siempre se pueden hacer las correcciones necesarias, especialmente si trabaja con pinturas acrílicas. La superficie del papel puede cubrirse con una imprimación de yeso, creando así un nuevo recubrimiento, y el trabajo fallido puede usarse como elementos de collage. Lo único que tienes que superar es un sentimiento de miedo, nerviosismo y vergüenza.

La evolución de la forma abstracta.

Recientemente, completé el trabajo "Recordando a Acadia" (68.6 x 68.6), una cosa abstracta que captura la esencia y las cualidades naturales más características de mi amada costa en Maine. Pero fue el proceso de pintura lo que sirvió como medio para transmitir la esencia de mi estilo. El trabajo se inició sobre la base de 73.7 x 106.7, pero su formato final se redujo a 68.6 x 68.6. Lo que originalmente fue concebido y comenzó como un paisaje lírico con abedules en primer plano, como resultado, se convirtió en un motivo marino hirviente. Masas de nieve concebidas previamente en un bosque de abedules se convirtieron en violentas salpicaduras de las olas del mar. El proceso de introducir transformaciones tan fundamentales me ayuda a determinar la dirección en la que, en mi opinión, la imagen debería desarrollarse. Como regla, estoy extremadamente satisfecho con el resultado.

Frente a dificultades insuperables, me veo obligado a cambiar algo en la imagen, y aquí para mí todos los medios son buenos. Cuando las dimensiones originales de la base no estaban satisfechas, utilicé partes de la alfombra en forma de letra "L" para buscar un formato de composición diferente. Cambié la relación de aspecto de las piezas de passepartout en anticipación de la tan familiar "campana", lo que indica que la elección fue correcta. Como resultado, la imagen, en mi opinión, ganó significativamente en un formato reducido y cuadrado. Dio otro paso en el proceso de hacer cambios: ahora la composición de la pintura también ha sido reevaluada. Me pareció que la forma prevista de blanco podría modificarse en una forma de onda. Al mirar las fotografías de Acadia, me di cuenta de que la imagen será exitosa y más convincente si se procesa en un paisaje marino. Afortunadamente, una forma blanca ya estaba delineada donde estaba el punto brillante principal de la cresta de la ola. Tuve suerte.

El método de prueba y error es interesante principalmente por la oportunidad de experimentar la alegría de descubrimientos inesperados. La esperanza de que la próxima foto sea la mejor me anima a seguir buscando. Sígueme: te guiaré a través de las etapas del trabajo en la pintura "Recordando a Acadia - 2" (73.7 x 101.6), la segunda de la serie dedicada a los paisajes de Acadia.

Paso 1. Llena la imagen con luz

El uso de papel de alta calidad es un aspecto extremadamente importante de la pintura y una condición para lograr un buen resultado. Elegí el papel gráfico BFK Rives. No tiene que raspar intensamente su superficie: el contenido del aglutinante adhesivo en su estructura se reduce para crear el equilibrio adecuado entre la absorción del tinte y la capacidad del papel para retenerlo en la superficie. Este tipo de papel se caracteriza por un alto grado de suavidad, que le permite crear excelentes efectos de textura.

Comenzó a trabajar, como la mayoría de sus cosas experimentales, rociando accidentalmente pintura en la superficie del papel y creando un relleno dorado ocre (rimel hecho por FW) en aproximadamente un tercio del área de la hoja. El relleno introdujo calidez y luz. Así que senté las bases para la luz que emana de la imagen. Apliqué los rellenos iniciales con mucho cuidado, tratando de mantener algunas secciones de papel sin pintar, que posteriormente forman una cascada de los tonos más claros. Utilizo estas áreas para distribuir la atención del espectador por todo el espacio de la imagen.

Los tonos rosa melocotón en la esquina superior derecha están pintados con rellenos de alizarina, frambuesa y amarillo napolitano (producido por Winsor & Newton). Luego, en la superficie de este relleno, coloqué trozos de papel de cera roto y arrugado y esperé a que la pintura se seque por completo. Siempre modifico con prudencia las formas de los trozos de papel arrugado y mantengo secciones "tranquilas" de la imagen para crear contrastes expresivos con manchas de intrincados efectos texturizados. Luego aplicó una mezcla de azul ultramar, magenta (acuarela líquida Winsor & Newton), pinturas de antílope (rimel producido por FW), marrón rojizo (Dr. PN Martin) y turquesa (acrílico hecho por FW). Intentando crear atractivos efectos texturizados, roció algunas áreas con sal y después de secar la pintura, limpió ligeramente la superficie con papel de lija.

Se crearon manchas texturizadas adicionales cuando se usa un aerosol: aerosol de un ambientador bucal para amortiguar ligeramente un tono marrón rojizo. Con una pequeña cantidad de lejía diluida, apenas insinuó la presencia de agua en la parte superior de la gran forma rocosa en azul (en el centro del lado derecho de la imagen).

Paso 2. Creando tonos oscuros de contraste y certeza

Para las áreas de tonos oscuros, tomé pinturas acrílicas: rojo cadmio oscuro, siena quemada y azul ultramar mezclado con una imprimación de gesso. El amasado se realizó en una capa bastante delgada, pero revisé los trazos oscuros con un trozo de papel higiénico para aligerarlos un poco. (Las toallas de papel Scott son las más adecuadas para esto). Ella aplicó una versión más gruesa de la misma mezcla de colores en la esquina inferior izquierda de la composición, y luego prescribió las formas principales con este color. Prefiero "tratar" con tonos oscuros en las primeras etapas del trabajo, para poder juzgar razonablemente el grado de contraste en mis pinturas.

Paso 3. Control sobre áreas vulnerables

Llegué a la conclusión de que había una necesidad bastante urgente de fortalecer de alguna manera la base en la esquina inferior derecha de la imagen, es decir, conectar firmemente los elementos en un solo nodo semántico. Puse ocre dorado mezclado con imprimación de gesso en esta área, y apliqué los mejores trazos de esta pintura en todo el campo de la imagen, de hecho, solo tenues toques de este color. Luego, habiendo decidido que se recogieron tonos demasiado oscuros y opacos en la parte inferior izquierda de la imagen, prescribió este lugar con una mezcla de pinturas acrílicas: Hooker verde, frambuesa alizarina e imprimación de yeso blanco. Se eliminó el exceso de pintura con una tarjeta de crédito antigua. Registré algunos fragmentos de espacio en blanco con este color, usando papel encerado y plástico de envoltura para crear una textura.

Paso 4. Transferencia de elementos de movimiento activo.

Una imprimación diluida de gesso salpicó la superficie del papel; En el proceso de caída de gotas en la base, se agregaron “chorros” de agua pulverizada para imitar el flujo natural del agua. Además, infligió este lote desde un sitio que recuerda a una masa de agua en el centro a la derecha hasta la cima de una formación rocosa de color azul. La pieza blanca que sobrevive en la forma de una piedra azul en el centro a la derecha se convirtió en rosa.

Usando alcohol y una botella vacía debajo del rociador - Chloraseptic spray (demostró ser excelente en el trabajo), elementos rociados que se asemejan a burbujas de aire en cuerpos de agua. Como no estaba muy contento con la sección oblonga amarillenta en el centro de la imagen, una mezcla de acrílicos - ceruleum azul y siena quemada (compañía Liquitex), mezclada con imprimación de gesso, le dio una variedad de colores. Una imprimación líquida de gesso pasó sobre el molde azul, rociando la superficie del papel con alcohol para crear formas en forma de burbujas de aire.

Paso 5. Manchas finales

Finalmente, agregó tonos oscuros donde la imagen necesitaba ser mejorada. Cambié el contorno de una forma alargada en la parte central del trabajo y reflejé la forma de la piedra directamente detrás de esta forma para romper el espacio aún más profundo.

Utilicé un pincel lineal para dibujar líneas finas a lo largo de toda la superficie de la imagen para conectar sus componentes en un solo conjunto y dirigir los ojos del espectador de un nodo compositivo a otro. El contorno en la esquina superior izquierda da vida a esta área completamente blanca con un toque de azul. Las líneas son una excelente manera de romper el espacio; Incluso una línea pequeña puede dejar una fuerte impresión y generar un gran impulso de energía. El delgado contorno azul en la parte inferior derecha de la imagen de alguna manera inexplicablemente soporta la forma de una piedra pesada. Sin embargo, debe recordarse que este elemento de la pintura, la línea habitual, es más eficaz si se aplica con moderación.

Aplicó una mancha blanca en la parte inferior izquierda de la imagen, usando la cartilla blanca de gesso: esto ayudará a distribuir la atención del espectador por todo el espacio de trabajo. Si no fuera por este énfasis, la imagen habría perdido el equilibrio correcto. Descubrí que la forma oscura en la parte inferior izquierda de la composición sin esta adición necesaria parece demasiado grande, aburrida y sin vida. Al escribir cada elemento por separado, el artista como si coleccionara un mosaico. Cada nuevo objeto debe estar conectado orgánicamente con otros, integrado en la imagen general para que todos los elementos tomen su lugar, fusionándose en un solo conjunto armonioso. Trabajando en esta imagen por etapas, pude identificar las piezas más exitosas. Además, aparecieron errores y errores molestos: algunos elementos de composición eran ineficaces y el proceso de pintura era más largo de lo que hubiera sido si no hubiera sido necesario rehacer constantemente algunos fragmentos de la imagen. Pero mi paciencia y mi arduo trabajo fueron totalmente recompensados: pude crear una imagen en la que todos los elementos interactúan entre sí, formando un todo completo. También descubrí que a veces es difícil formular por qué resultó la imagen; pero estás seguro de que es así.

Transformación inesperada de la imagen.

Al comienzo del trabajo en la pintura "Recordando a Acadia", no sabía que lo terminaría como un paisaje marino. Este es el atractivo extraordinario de mi estilo: da la alegría de descubrimientos inesperados. Por ejemplo, la tempestuosa ola del mar rompiendo en las rocas en la esquina superior derecha fue concebida originalmente como una masa de nieve en un bosque de abedules. Me gusta elaborar decisiones fundamentales directamente en una hoja de papel.

Nunca deseche el "desperdicio"

La pintura "El borde del agua y la influencia de la luz de Braque" (74,9 x 106,7) sufrió numerosos cambios en el proceso de creación. El más importante de ellos apareció en la esquina superior derecha de la obra. Al principio hubo una ola ejecutada de manera realista. Sin embargo, me pareció que el elemento realista crea un contraste con la naturaleza básica - abstracta - de la imagen. Mirando a través de piezas no utilizadas de otras obras en busca de nuevas ideas, me encontré con una hoja verde de la que se cortó un pequeño círculo a la vez. Esto me inspiró a crear una forma similar en la esquina superior derecha, lo que aportó un color abstracto adicional al trabajo. Este cambio aparentemente insignificante ayudó a reunir todas las partes compositivas de la imagen en un solo todo.

Mantener el movimiento

La pintura "Falling Water" (54,6 x 74,9) se realizó sobre la base de una composición grande, muy recortada. Sosteniendo una hoja de papel en posición vertical, salpique un color azul en su superficie. En el momento de dejar caer gotas de pintura en la base, se agregó agua rociada para crear la impresión de una cascada furiosa. Además, usé sal para obtener una textura expresiva. Esta pintura es de fotografías de la casa de Frank Lloyd Wright. Me sobornaron los elementos estructurales de la esquina, así como la geometría de la casa y el flujo de agua, que se reflejaba en las poderosas formas angulares. El resultado final me abrió una visión ligeramente diferente de la naturaleza.

Fortalecimiento del centro de atención

Para mí es muy importante que cada nueva imagen sea diferente de las demás. En la composición "Mar de Invierno" (55.9 x 76.2) quería mostrar áreas grandes y tranquilas con un poderoso centro de composición, un punto de enfoque. Logré transmitir la severidad y la monoliticidad de las formaciones rocosas en la trama con la ayuda de un modelado mínimo. Presta atención al fuerte contraste de los puntos claros y oscuros en el centro de atención del espectador. A pesar de que se utilizaron formas grandes y simplificadas, la técnica de acristalamiento con numerosas capas introdujo la revitalización y la diversidad dentro de los límites de cada forma. El centro de atención del espectador se complementó con elementos de collage. Anteriormente intenté simular las formas de esta área con pinturas, pero luego decidí que las piezas del collage se verían mucho más atractivas. Por lo tanto, pegué los elementos del collage, y en este trabajo en la pintura se completó.

Sobre el artista

Pat Dewes es parte de The Guild of Creative Art Guild of Art en Shrewsbury, Nueva Jersey. Ha recibido numerosos premios, miembro de dos asociaciones creativas: las Sociedades Nacionales de Acuarelas de los Estados Unidos. En 1995, recibió el Premio de la Sociedad Americana de Acuarelas - High Winds Medah. En pintura, Pat Dewes trata de transmitir la esencia de los fenómenos naturales, la piedra y el agua. Estos son los temas constantemente recurrentes de su trabajo; son un hilo rojo a través de su trabajo.