La historia del western:
mitos y realidad en la pantalla Traductor traducir

El western se ha convertido en uno de los géneros más influyentes y reconocibles de la historia del cine. Las películas sobre el Salvaje Oeste moldearon la percepción de millones de espectadores sobre el período de la historia estadounidense, desde la década de 1850 hasta la de 1900, creando una mitología que a menudo se distanciaba de la realidad. El género transformó praderas polvorientas y pistoleros solitarios en símbolos de identidad nacional, pero tras estas imágenes romantizadas se escondía una realidad mucho más compleja.

El nacimiento de un género a partir de espectáculos y ferias

El western no surgió de la nada; sus raíces se encuentran en el entretenimiento popular de la década de 1870. Los espectáculos itinerantes del Viejo Oeste, que culminaron con el legendario "Buffalo Bill’s Wild West Show", que se emitió de 1883 a 1913, establecieron muchos de los elementos del futuro género cinematográfico. Estos espectáculos, dirigidos al público urbano, ya entonces mezclaban realidad y ficción y romantizaban la frontera.

Las primeras películas del Oeste aparecieron en 1894: una serie de cortometrajes mudos de los Estudios Edison, filmados en Nueva Jersey. Curiosamente, estaban protagonizadas por veteranos del Buffalo Bill Show, quienes demostraban las habilidades que habían adquirido en la vida real en el Viejo Oeste, incluyendo a la famosa pistolera Annie Oakley y miembros de la tribu sioux. Inicialmente, estas películas se denominaban "dramas del Salvaje Oeste", y el término "Western" no se estableció hasta 1912.

El gran robo del tren y el cine mudo

Un verdadero avance fue la película de 1903 "El Gran Robo del Tren", dirigida por Edwin Porter. Considerada una de las obras maestras del cine mudo temprano, presenta efectos especiales prácticos, acrobacias ambiciosas, una trama coherente y técnicas de filmación innovadoras, incluyendo el uso de efectos mate, planos generales y cámaras panorámicas. Esta película sentó las bases del western, con sus tramas y temas distintivos.

El cine mudo adoptó rápidamente la temática western. A mediados de la década de 1910, el cine comenzó a alejarse de la estética del vodevil y, gracias al trabajo de directores como David Griffith, las filmaciones dejaron de parecerse a las producciones teatrales. El desarrollo del primer plano permitió una actuación más contenida y realista, crucial para transmitir la profundidad psicológica de los personajes.

La Edad de Oro y la formación de la mitología

Entre las décadas de 1930 y 1950, el western vivió su apogeo, convirtiéndose en uno de los géneros estadounidenses más populares e icónicos. Hollywood transformó los westerns en éxitos de taquilla de atractivo universal, capturando la fascinación de la posguerra por el vaquero estadounidense. Las películas de esta época establecieron el canon del género: pistoleros heroicos, paisajes pintorescos y temas de ley contra caos.

John Ford y John Wayne: los creadores del canon

El dúo formado por el director John Ford y el actor John Wayne definió el western clásico. A partir de "La diligencia" de 1939, colaboraron en 14 películas, nueve de ellas westerns. "La diligencia" no solo convirtió a Wayne en una estrella, sino que también impulsó una colaboración artística que perduraría durante décadas. A diferencia de los westerns convencionales del viejo Hollywood, la obra de Ford exploraba temas más profundos, explorando no solo el mundo exterior del Oeste, sino también el mundo interior de los veteranos vaqueros y jinetes.

La diligencia seguía a un grupo de viajeros escoltados a través del desierto desde Arizona hasta Nuevo México. El personaje de Wayne, Ringo Kid, casi parodiaba los clichés de los westerns de la década anterior, pero a la vez se convertía en un arquetipo. La película fue una de las primeras del género western en trascender las fronteras del género: cada miembro del grupo de la diligencia representaba a un marginado social, y en su lucha mutua por la aceptación, encontraron comunidad en el simbólico páramo.

Ford creó su Oeste en la mítica grandeza del Valle de los Monumentos, un paisaje moral donde el bien y el mal se distinguían claramente, y la marcha del progreso, aunque costosa, era en última instancia justa. Su visión, en particular en su trilogía de caballería (Fort Apache, 1948; She Wore a Yellow Ribbon, 1949; Rio Grande, 1950) y su obra maestra de 1956, The Searchers, celebraba las instituciones — el ejército, la familia, la ley — que forjaron la civilización a partir del caos.

High Noon y Shane son héroes solitarios

A principios de la década de 1950, dos películas se convirtieron en referentes del género y, simultáneamente, iniciaron su redefinición. "Solo ante el peligro" de 1952, protagonizada por Gary Cooper, estableció el modelo de un héroe solitario que se enfrenta a una banda de criminales. Ambientada en tiempo real, la película fue una de las primeras en utilizar el formato de "carrera contrarreloj". El alguacil Will Kane debe decidir si se queda en la ciudad y se enfrenta a sus perseguidores o escapa con su nueva esposa.

High Noon se considera un ejemplo temprano del western revisionista. El formato tradicional del western presentaba un personaje masculino fuerte que lideraba a los civilizados contra los incivilizados, pero en esta película, los civilizados no apoyan a su mariscal. El propio John Wayne calificó esta postura de "antiamericana".

La película "Shane" de George Stevens de 1953 estableció el ideal del pistolero viajero clásico, un arquetipo popular en el western durante décadas. El enigmático héroe Shane, interpretado por Alan Ladd, se ve envuelto en un conflicto en un pequeño pueblo y rápidamente se gana el favor de los lugareños, a la vez que provoca la ira de los amenazantes ganaderos que buscan apoderarse de sus tierras. Shane recurre a la violencia necesaria para asegurar que los colonos puedan llevar una vida pacífica, pero él mismo no puede regresar a su pasado. Un niño, Joey, lo llama: "¡Vuelve!", pero Shane se marcha: un héroe solitario del western que salva a la sociedad manteniéndose al margen.

Mitos occidentales versus realidad histórica

Los westerns de Hollywood han creado mitos perdurables sobre el Salvaje Oeste que contradicen la realidad histórica. El género siempre se ha centrado más en el entretenimiento que en representar fielmente la vida en la frontera.

El mito de los tiroteos generalizados

Uno de los estereotipos más persistentes es que los vaqueros participaban constantemente en duelos y tiroteos. En realidad, los tiroteos reales en el Viejo Oeste eran extremadamente raros, y cuando ocurrían, sus causas variaban. Los investigadores estiman que entre 1866 y 1900, aproximadamente 20.000 personas murieron por disparos en el Oeste estadounidense, pero la frecuencia y el dramatismo de los tiroteos fueron enormemente exagerados por los escritores de novelas de diez centavos a finales del siglo XIX.

El clásico duelo "cara a cara" casi nunca se produjo. Solo hay dos casos documentados de tales enfrentamientos en toda la historia del Viejo Oeste. Uno fue el tiroteo entre Bill Hickok y Davis Tutt, que comenzó por un reloj de bolsillo y una partida de cartas. Incluso el famoso tiroteo en el Corral O’Key, el 26 de octubre de 1881, no tuvo lugar dentro del corral y duró poco tiempo; estalló en un estrecho callejón cerca del estudio fotográfico CS Fly.

La mayoría de los vaqueros eran peones de rancho, no pistoleros, y las armas no eran esenciales para su trabajo diario. Los revólveres eran pesados, a menudo poco fiables e incómodos de llevar para quienes trabajaban con ganado. Una cuerda y un martillo en el cinturón eran mucho más comunes que una pistola. Cuando los vaqueros portaban armas de fuego, solían ser para fines específicos: cazar o proteger al rebaño de depredadores. Muchos ranchos incluso prohibían las armas en el trabajo, temiendo más los accidentes que los ataques.

La vida de vaquero es trabajo duro en lugar de romance.

La idea de que el trabajo de vaquero era glamuroso y lleno de aventuras está lejos de ser cierta. La vida diaria de un vaquero era físicamente agotadora, sucia, a menudo monótona e ingrata, con un salario bajo, a veces inferior a un dólar al día. El trabajo principal consistía en pastorear ganado y arrear rebaños a grandes distancias.

Los vaqueros trabajaban largas y agotadoras jornadas, a menudo desde el amanecer hasta el anochecer. Cuando finalmente llegaban al pueblo tras semanas o meses de viaje, una visita a una cantina era un raro placer. Los vaqueros dedicaban la mayor parte de su tiempo a asuntos prácticos: comprar provisiones, conseguir una comida caliente, quizás bañarse o afeitarse. El mito de las cantinas como lugares de peleas interminables, apuestas y tiroteos es otra exageración.

La diversidad que Hollywood ha estado ocultando

La versión hollywoodense del Viejo Oeste era casi exclusivamente blanca. En realidad, la frontera estaba poblada por una amplia variedad de grupos étnicos. Aproximadamente uno de cada cuatro vaqueros era afroamericano.

La evidencia más temprana de afroamericanos como pastores de ganado en Norteamérica se remonta a la época colonial de Carolina del Sur, donde se trajeron pastores de la región del actual Senegal, en África Occidental, por sus habilidades únicas. Para la década de 1850, cuando el pastoreo de ganado llegó a Texas, a pesar de que un tercio de la población del estado estaba esclavizada, los afroamericanos constituían la mayoría de los vaqueros en los primeros tiempos de Texas.

Tras la Guerra Civil, la demanda de vaqueros negros expertos en el manejo del ganado aumentó aún más a medida que los ganaderos comenzaron a vender ganado en los estados del norte, donde la carne de res se vendía casi diez veces más cara que el ganado en Texas, un estado con una rica industria ganadera. Entre los vaqueros afroamericanos famosos se encontraban Pete Staples, un exesclavo texano que participó en las primeras arreadas de ganado hacia Kansas, y Bowes Icard, quien recorrió la ruta Goodnight Loving Trail desde Texas hasta Denver. Daniel Wallace, quien inventó la marca de ganado que se convirtió en su apodo, se convirtió en el ganadero negro más exitoso de Texas.

A medida que la industria ganadera se expandió desde Texas después de la Guerra Civil, los vaqueros negros se trasladaron por todo el Oeste, trabajando en todos los estados y territorios de la región, con la mayor cantidad en el Territorio de Arizona, California, Nevada y el Territorio de Nuevo México.

Las mujeres de la frontera son más que víctimas

Las películas del oeste tradicionalmente retrataban a las mujeres como víctimas indefensas que necesitaban rescate o como simples moradoras de tabernas. La realidad era mucho más rica. Las mujeres desempeñaron un papel mucho más importante en el Salvaje Oeste que el que se retrataba en las películas.

Martha "Calamity" Jane Cannary se ganó su apodo tras rescatar a un capitán militar emboscado por nativos americanos. En Wyoming, comenzó a forjar la personalidad que la haría famosa como Calamity Jane. En 1870, se unió al general George Armstrong Custer como exploradora en Fort Russell, vistiendo uniforme de soldado. Más tarde describió esta época como la jinete más temeraria y valiente, y una de las mejores tiradoras del Oeste.

Charlotte Parkhurst, California, se hizo rápidamente famosa por su capacidad para transportar pasajeros y oro de forma segura a lo largo de importantes rutas entre los puestos mineros y grandes ciudades como San Francisco y Sacramento. El historiador Ed Sams escribió que solo una rara raza de hombres y mujeres podía ignorar la fiebre del oro de la década de 1850 y realizar de forma sostenible el agotador trabajo que requería viajar por estrechos caminos de tierra que bordeaban curvas montañosas, se adentraban en profundos cañones y, a menudo, cruzaban turbulentos arroyos helados.

Narcissa Whitman fue una de las primeras mujeres blancas en cruzar el continente norteamericano por tierra, viajando para servir como misionera entre el pueblo cayuse en lo que hoy es Washington. Sacagawea, junto con su hijo recién nacido, fue la única mujer que acompañó a los 31 miembros permanentes de la Expedición de Lewis y Clark hasta el extremo occidental del país y de regreso. Su conocimiento de las lenguas shoshone e hidatsa resultó ser una valiosa herramienta durante el viaje.

Eleanor Pruitt Stewart se mudó a Wyoming en 1909 para reclamar su propia propiedad. En una serie de cartas a una amiga, publicadas posteriormente como "Cartas de una mujer de la frontera", Stewart describió vívidamente los desafíos y las recompensas de la vida en la frontera. Sus escritos mostraban no solo las dificultades físicas de la vida en la frontera — la sequía, el aislamiento y el trabajo agotador — , sino también la satisfacción de forjarse un lugar en el mundo.

Estereotipos y conceptos erróneos sobre los nativos americanos

La representación de los nativos americanos en las películas del oeste ha sido uno de los aspectos más problemáticos del género. Durante décadas, Hollywood moldeó la imagen de los indígenas a través de un prisma que a menudo perpetuaba estereotipos, distorsionaba culturas e ignoraba la complejidad de las identidades nativas americanas.

Históricamente, los personajes nativos americanos en el cine han sido estereotipos unidimensionales que perpetúan clichés dañinos. Estos estereotipos incluían imágenes del "buen salvaje", el "guerrero salvaje" y el "indio borracho". Estas representaciones reducían a los pueblos nativos a caricaturas simplificadas, ignorando la rica diversidad de culturas, idiomas y tradiciones entre las tribus nativas americanas.

En las primeras obras de John Ford, los nativos americanos aparecían a menudo como una amenaza salvaje y sin rostro, un obstáculo narrativo que las fuerzas de la civilización debían superar, lo que justificaba moralmente la doctrina del Destino Manifiesto. Las películas del oeste retrataban el viaje al oeste como heroico e inevitable, presentando a menudo la expansión como una conquista física y una misión moral.

En un ejemplo llamativo, los actores navajos que trabajaban en películas de John Ford en Monument Valley a menudo recibían instrucciones, irónicamente, de asesores blancos sobre cómo "interpretar a los indios", a pesar de ser ya nativos. Esto refleja una tendencia más amplia: incluso cuando había nativos presentes, sus propias voces se filtraban o reescribían para servir a la narrativa mítica de Hollywood.

Los spaghetti western y la deconstrucción del mito

En la década de 1960, el director italiano Sergio Leone revolucionó el género con lo que posteriormente se conocería como spaghetti western. Estas películas ambientadas en el Oeste americano, rodadas principalmente en Europa por directores italianos, aportaron una nueva identidad y autonomía estética al género.

Por un puñado de dólares, de 1964, fue un éxito rotundo de taquilla. El distintivo estilo visual de Leone, con primeros planos extremos y pausas dramáticas, resultó increíblemente popular. Estas nuevas películas complicaron la psicología de los personajes tradicionales del western, alejándose de la retórica simplista de sus homólogas estadounidenses. En los spaghetti western, incluso los protagonistas "buenos" son despiadados, moralmente dudosos y enfrentan a la gente entre sí para obtener beneficios personales.

Las películas de Leone se distinguían no solo por su estilo. También se caracterizaban por su realismo: pueblos mexicanos desolados, pequeñas chozas, cuencos de frijoles, grandes cucharas de madera. Las películas poseían un nivel de realismo que siempre parecía faltar en los westerns de las décadas de 1930 a 1950, en su brutalidad y sus variados matices de gris y negro. Leone encontró negros aún más oscuros y blancos sucios. Su representación de la Guerra Civil poseía un realismo del que carecían sus predecesores.

Érase una vez en el Oeste (1968), considerada la gran final del spaghetti western, llevó el género a una escala épica sin precedentes, lo que dificultó añadir algo original a sus temas. Leone probablemente era plenamente consciente de ello.

Las películas de Leone y otros spaghetti westerns suelen describirse como una ruptura con las convenciones, criticando o incluso desmitificando muchas de las convenciones del western estadounidense tradicional. Esto fue en parte intencional y en parte consecuencia del diferente contexto cultural. En 1968, la ola de spaghetti western alcanzó su máximo auge, representando un tercio de la producción cinematográfica italiana, para luego decaer a una décima parte en 1969.

Los western revisionistas y la decadencia del género

A partir de finales de la década de 1960, los cineastas independientes crearon películas revisionistas que invirtieron radicalmente los esquemas habituales del western y criticaron tanto al capitalismo como a la contracultura.

A finales de la década de 1960, el Oeste ya no parecía tan salvaje. Estados Unidos, que antaño anhelaba la justicia estricta de la época vaquera, estaba ahora sumido en disturbios civiles, escándalos políticos y el trauma de la guerra de Vietnam. De repente, las historias de hombres justos con armas dejaron de tener eco. Los códigos morales en blanco y negro de las películas del Oeste parecían incompatibles con un mundo pintado en tonos grises.

Los westerns revisionistas, como Grupo Salvaje (1969) y McCabe y la Sra. Miller (1971), respondieron a estos gustos cambiantes deconstruyendo los mitos del género. Estas películas eran más oscuras, más violentas y, a menudo, críticas con los mismos valores que celebraban los westerns tradicionales. En Grupo Salvaje, por ejemplo, el director Sam Peckinpah describió el Oeste como un lugar de violencia sin sentido y decadencia moral, donde el honor y el heroísmo eran meras ilusiones.

Las películas de principios de la década de 1970 destacan especialmente por su fotografía y diseño de producción hiperrealistas. Otras películas, como las dirigidas por Clint Eastwood, fueron realizadas por profesionales familiarizados con el western, tanto como críticas como extensiones del género. "El forajido Josey Wales" de Eastwood (1976) y "Los imperdonables" (1992) presentaron importantes papeles secundarios para mujeres y nativos americanos.

A medida que el western revisionista cobraba impulso, el género en su conjunto comenzó a perder su posición dominante en Hollywood. Dejó de ser el género principal para los éxitos de taquilla, y la producción de westerns disminuyó significativamente. El auge de la ciencia ficción y las películas de acción a finales de los años setenta y ochenta suplantó al western.

Transformaciones renacentistas y modernas

A pesar de su declive en las décadas de 1970 y 1980, el western experimentó un resurgimiento significativo a principios de la década de 1990, en gran parte debido al renovado interés en la capacidad del género para transmitir complejidad moral e introspección. Este resurgimiento estuvo liderado por películas que adoptaron las tendencias revisionistas de décadas anteriores, a la vez que rescataron el poder emocional y temático del mito del western.

La película de Clint Eastwood de 1992, "Sin perdón", marcó un antes y un después, al ofrecer una reflexión madura sobre la violencia y las consecuencias de la vida de un pistolero. La película deconstruyó la imagen idealizada del héroe del Oeste, mostrando a un asesino envejecido que intenta expiar su pasado.

Neo-westerns y mezcla de géneros

El western ha seguido evolucionando en el siglo XXI, a menudo mediante la fusión de géneros y la adopción de perspectivas diversas históricamente ausentes. Los directores utilizan cada vez más el western como marco para explorar problemáticas sociales contemporáneas, reflejando así el cambiante panorama cultural.

Los hermanos Coen, Joel y Ethan, se han convertido en maestros de la renovación del canon western. Desde su revolucionaria película neo-noir de 1984, Blood Simple, los hermanos Coen han escrito y dirigido más de una docena de películas que navegan por el canon western, inspirándose y expandiéndose continuamente en las historias y temas que moldearon las actitudes colectivas.

Sin lugar para los débiles (2007) no se limita a criticar el marco moral de los viejos westerns, sino que lo rechaza por completo, reemplazando a héroes y villanos virtuosos por una incapacidad posmoderna para creer en nada. La apatía y el nihilismo reinan por doquier, mientras la violencia sin sentido de la película mata a todos, independientemente de su postura moral.

Fargo, de 1996, impone de inmediato su grandeza al mundo cotidiano de la clase media baja del Medio Oeste, elevando un simple thriller policial a una gran narrativa. Nada en Fargo es convencionalmente grandioso: los personajes tienen marcados acentos regionales, la violencia es brutal y todos están simplemente exhaustos por el ajetreo corporativo. Sin embargo, los Coen encuentran grandeza en estas vidas sencillas.

Los westerns modernos han demostrado la capacidad del género para renovarse constantemente. Los mitos del Salvaje Oeste, creados en la pantalla hace más de un siglo, siguen transformándose, reflejando los valores cambiantes de la sociedad. Las imágenes románticas de pistoleros solitarios y colonos heroicos han dado paso a narrativas más complejas que reconocen la diversidad de la frontera, la ambigüedad moral de la violencia y el precio del supuesto progreso. El western sigue siendo un género vibrante precisamente porque es capaz de reimaginar su propia mitología, equilibrando leyenda y verdad.