Arte oceánico: cultura de Melanesia, Micronesia, Polinesia Traductor traducir

En arte, el término bastante amplio «Arte oceánico» describe obras de arte (artes y oficios) creadas por pueblos indígenas locales dentro de una vasta zona geográfica - casi 10.000 kilómetros de norte a sur y unos 14,5 kilómetros de este a oeste del Océano Pacífico.

La diversidad del arte del Pacífico

Esta zona abarca el continente (Australia), la segunda isla más grande del mundo (Nueva Guinea), varias otras grandes islas como las de Nueva Zelanda, y muchas pequeñas islas que salpican la vasta superficie del océano Pacífico entre Nueva Guinea y Sudamérica. No es de extrañar que el arte tribal creado en un territorio tan vasto sea muy diverso en sus formas, y ello tanto por razones étnicas como geográficas. Sus creadores son descendientes de sucesivas migraciones de emigrantes del oeste de ascendencia mixta, algunos mongoloides, otros melanoides o de piel oscura. Los antropólogos y etnólogos suelen distinguir tres zonas distintas en Oceanía: Melanesia, Polinesia y Micronesia . A menudo se observan similitudes con el arte y la cultura de las tribus de el Sudeste Asiático.

Diferencias con el arte occidental

Al examinar las similitudes con el arte indígena africano, incluida la escultura africana, los estudiosos han llegado a la conclusión de que los artefactos oceánicos no se hicieron con ninguna noción de ser «arte», en el sentido en que se utiliza la palabra en Occidente. La pintura, la escultura, la escultura y la talla en madera oceánicas se concebían como partes integrantes de las ceremonias religiosas y sociales de la vida cotidiana de los isleños, y eran aspectos de diversas formas comunes de culto a los antepasados y culto a los espíritus . El énfasis en la fertilidad es recurrente, y también hay signos más siniestros de caza de recompensas ocasional y canibalismo ritual .

Las máscaras y los cráneos ornamentados, así como las estatuas de antepasados, son omnipresentes. Los motivos tradicionales se esculpen, tallan o pintan en canoas, remos, escudos, cerámica, taburetes y vasijas. (Los rasgos individuales están sujetos a un fuerte ritmo formal de dibujo o modelado, que tiende a la exageración o a la abstracción . Los objetos o motivos creados se concebían a menudo para conferir algún mana, o poder sobrenatural, y suelen reflejar imágenes de ceremonias locales. Además de estos tipos de arte religioso, también se practicaban diversas formas de «pintura corporal viva» , como el arte corporal, el tatuaje y la pintura facial .

Para una comparación de máscaras, véase: Arte indígena americano .

Existen pruebas arqueológicas de asentamientos humanos en Oceanía ya en la Edad de Piedra del Paleolítico Superior, pero ha sobrevivido poco arte rupestre de gran antigüedad porque, con algunas excepciones como las estatuas monumentales de roca de lava de la Isla de Pascua, los materiales utilizados no son especialmente duraderos: madera pintada y tallada, madera flotante, madera a la deriva, fibras vegetales, plumas y hueso. Una vez fabricados, pocos artefactos se conservaban como tesoros o monumentos duraderos; la mayoría se abandonaban o a veces se destruían una vez cumplida su finalidad inmediata. Sin embargo, como la invasión extranjera de algunas partes de la región es relativamente reciente, las tradiciones en las que se crearon a menudo permanecen intactas y estables hasta bien entrado nuestro siglo. Una de las mejores colecciones de objetos etnográficos de Oceanía se encuentra en el Museo Británico de Londres.

arte rupestre de Sulawesi, recientemente anunciado y datado en 37.900 a.C., es sin duda el arte de la Edad de Piedra más antiguo jamás hallado en Oceanía, y tiene importantes implicaciones para la datación del arte aborigen australiano. También puede indicar la presencia de arte rupestre en las islas del Pacífico Sur.

Estilo artístico oceánico

El océano Pacífico oculta innumerables islas donde una civilización arcaica relativamente aislada ha sobrevivido hasta nuestros días sin destruir por su diversidad una unidad fundamental. En ella encontramos la confirmación del sentido mágico y simbólico del primitivismo (arte primitivo) .

Los artistas de Oceanía demostraron una gran imaginación al crear formas y figuras inusuales. Se expresaban más plenamente en la escultura, y a veces en el dibujo . Los oceánicos esculpían figuras en relieve o circulares, máscaras y otros muchos objetos decorados con incrustaciones. Los melanesios les añadían color. El dibujo oceánico aparece en el tatuaje (un arte estrictamente polinesio), en los dibujos de las tapas de corteza, en las figuras grabadas en madera y en las tallas rupestres. A primera vista, la escultura y el dibujo oceánicos muestran una extraordinaria diversidad de estilos. Un examen más detenido cambia esta opinión, que, sin embargo, algunos autores siguen manteniendo.

Una de las formas menos conocidas del arte oceánico, característica de Vanuatu (antiguas Nuevas Hébridas) en el Pacífico Sur, es «la pintura sobre arena». Esta forma especial de arte sobre arena está reconocida por la UNESCO «como Obra Maestra del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad».

Unidad de estilo en el arte oceánico

El arte primitivo -éste es uno de los rasgos esenciales de su primitivismo- no tiene por misión expresar las impresiones del artista creador, como nosotros, sino los sentimientos del grupo. Entre los pueblos de Oceanía predomina la ansiedad por el futuro. La filosofía melanesia, al igual que la australiana, imagina un mundo sin diferenciaciones, donde los muertos y los vivos, lo natural y lo sobrenatural coexisten en estrecha asociación. Los vivos tienen que defenderse de los celos de los muertos.

Como resultado, se ha creado un aparato de precauciones mágicas: imágenes de los muertos, mezcladas con imágenes de animales totémicos, lagartos, cocodrilos, aves marinas (que son los antepasados deificados más antiguos), decoran las casas de reunión, sirven de máscaras para los bailarines de las llamadas «sociedades secretas» y consagran un gran número de objetos cotidianos.

Las obras de arte, que introducen los mitos en la vida cotidiana, proporcionan equilibrio en la sociedad, pero el jefe es el vínculo entre este mundo y el de lo sobrenatural. Su poder se basa en una genealogía que se remonta a los dioses creadores, así como en una riqueza libremente gastada y ampliamente distribuida. Esta tradición es muy adecuada para fomentar la creatividad, ya que la abundancia de obras de arte y su brillantez indican la misma generosidad hacia los muertos (a quienes honran estas obras) que hacia los vivos (que obtienen de ellas una protección mágica adicional).

Las grandes obras de arte se crean en un ambiente de celebración. El rico que las encarga mantiene a los artistas y se asegura de que dispongan de todo lo necesario y de todos los lujos. La tacañería en los gastos puede poner en peligro la realización de las obras y su valor místico.

Los artistas oceánicos, especialmente los escultores de madera a los que debemos la construcción de canoas, son admirados como clase; su posición, tanto social como material, es comparable a la de los más grandes jefes. La magia, incluida la ejecución inmaculada de los ritos, es tan necesaria para perfeccionar la creatividad en relación con el mundo sobrenatural como la habilidad manual o el genio inventivo.

La posición social de los artistas polinesios es igualmente elevada. Se les atribuye una virtud especial llamada mana, que es un concepto melanesio. Mana es un poder que va del mero prestigio al poder mágico. Entre los artistas, se trata de establecer una conexión con el mundo sobrenatural. El maná se transmite por contacto. Las herramientas de un gran artista conservan su poder, como una batería cargada de energía eléctrica, y pueden transmitirlo a quien sea digno de él. Las representaciones de los muertos divinizados, a veces reunidas en santuarios alrededor de tumbas, a veces conservadas en cabañas, son menos numerosas que en Melanesia. Estas figuras decoran objetos cotidianos, excepto los destinados a un uso sagrado.

Las creencias polinesias evolucionaron hacia una cosmogonía probablemente de origen asiático; está dominada por la omnipotencia de algunas grandes divinidades. Aunque los nombres de los dioses varían según el lugar y la época, sus funciones siguen estando claramente definidas, y el arte sólo ha producido unas pocas representaciones de ellos.

Características comunes del estilo artístico oceánico

Para hacerse comprender por la comunidad, el artista primitivo debe utilizar fórmulas accesibles a todos. Por lo tanto, los estilos casi permanentes son necesarios tanto por razones prácticas como rituales. Una vez más, el arte actúa como un lenguaje a través del cual el artista se dirige a la comunidad en formas aceptables para ella. Estas formas «aceptables» constituyen el estilo.

Estilo de las cabezas

La escultura polinesia tiene una característica común: las cabezas de sus figuras son exageradamente grandes. Este rasgo es evidente en la mayoría de las representaciones primitivas, que subrayan así ingenuamente la importancia concedida a la ubicación de la persona. Entre los oceánicos, notorios cazadores de las cabezas de sus enemigos, pero también piadosos guardianes de las cabezas de sus padres, existe una pseudoestatuaria en la que la cabeza conservada se modela con cera y resina y se pinta. En consecuencia, el estilo se ejemplifica mejor en el tratamiento de cabezas y máscaras. En los primitivos, el torso o busto es sólo un soporte para la cabeza, y podemos observar que la forma del torso y de los demás miembros sufre pocos cambios. Clasificaremos los estilos según las diferentes formas de tratar la cabeza o el rostro.

Convención bidimensional

El historiador del arte Maurice Leenhardt ha analizado perfectamente la mentalidad estética de los habitantes de Oceanía; destaca que a los habitantes de Nueva Caledonia les resulta difícil imaginar un mundo que conste de más de dos dimensiones. Esto explica los marcos de las puertas de esta región. Los guardianes de la entrada son los antepasados, estilizados en una máscara achatada ampliada y un tronco reducido a unos pocos signos geométricos.

La misma fórmula se aplica a las figuras con pilares crestados. Estas características «bidimensionales» se repiten en otros lugares: en las Nuevas Hébridas en las máscaras de Ambrym, en Malekula en troncos de árboles convertidos en tambores, en los que se oyen las voces de los antepasados cuyos rostros llevan. En el golfo de Papúa, entre los Abelam, en Nueva Guinea, las imágenes de los antepasados parecen dibujos tallados. Otras figuras de Ambrym están talladas más profundamente, esculpidas, remodeladas (y pintadas) en los troncos de los helechos. Estas figuras tienen grandes discos por ojos, una característica que se repite en las estatuas igualmente «bidimensionales» de las islas Marquesas y Nueva Zelanda.

Este tratamiento de la masa en dos dimensiones puede limitarse al rostro. A veces la cara plana está encerrada en un rectángulo (Nueva Guinea, Huon Bay, Helwink Bay), pero más a menudo en un triángulo. Los ejemplos abundan, desde el lago Sentani hasta la Polinesia (Tonga, Santa Cruz, Moorea, Riavawe) y en Micronesia (islas Carolinas). Además, las mismas fórmulas se aplican en algunas estatuas del archipiélago indio (Batak en Sumatra, Nias, Letty, Filipinas). Según Leenhardt, estas conexiones encontradas en la ruta de Asia a Oceanía permiten atribuir «al estilo bidimensional» probablemente un antiguo origen asiático.

Las figuras redondas y las máscaras con relieve acentuado se encuentran, en cambio, al norte de Nueva Caledonia. Los rasgos faciales se asemejan a los bajorrelieves de las puertas, y su masividad formal recuerda a las estatuas de las Islas Salomón. Esta transición de las dos dimensiones a las tres es casi imperceptible.

Melanesia: Cuenca de Nueva Guinea

El arte más «estético» procede de Melanesia, que incluye Nueva Guinea y las franjas de islas más pequeñas al norte y al este. El arte de la Edad de Piedra está probablemente mejor representado en las cuevas de Karawari, en Papúa Nueva Guinea, donde se encuentran los mejores ejemplos de plantillas de mano y otros tipos de arte parietal de Melanesia. Para una comparación con las marcas de dedos de los aborígenes australianos, véase: Arte rupestre de Kunalda (18.000 a.C.).

Existe una gran diversidad, incluso dentro de regiones pequeñas pero bastante densamente pobladas, como el río Sepik en Nueva Guinea. Melanesia es también la zona más cercana a Indonesia donde existe una tradición de lustre decorativo y ornamentación de fantasía. Predomina la talla en madera, a menudo coloreada, y la figura del antepasado y la cabeza humana son temas recurrentes, tanto en máscaras tejidas o talladas y de vivos colores como en motivos a modo de decoración sobre todo tipo de superficies.

Para el aficionado al arte occidental que desconoce su simbolismo, la intensidad visual de estas artesanías -a veces espeluznante- puede resultar inquietante. En algunas zonas de Papúa Nueva Guinea, el trabajo de los artesanos se valoraba, incluso se coleccionaba, y surgieron artistas especializados.

Aparte de Nueva Guinea, la escultura de Nueva Irlanda, una de las principales islas del archipiélago de Bismarck, atrajo mucho la atención de Occidente, especialmente las figuras ancestrales conocidas como uli, y la escultura decorativa malanggan, estrechamente relacionada, que se exhibe en festivales. Un objeto de Nueva Irlanda que se encuentra en el Museo Occidental, la llamada «barca del alma», es conocida sobre todo por su imponente tamaño. Las figuras de la canoa son de escala humana, pero de aspecto horriblemente demoníaco e inhumano; como en uli, se resaltan agresivamente partes significativas del cuerpo: ojos, dientes y genitales.

Estilo artístico melanesio

Nueva Guinea y la sucesión de islas que la rodean tienen artes afines. Como la población de la cuenca es compleja y muy mezclada, los estilos de su escultura proporcionan datos valiosos para la clasificación antropológica.

El etnólogo suizo Felix Speiser propuso una nomenclatura para los estilos de la cuenca de Nueva Guinea. Pero debemos recordar que a menudo nos encontraremos con un estilo primario bidimensional ya definido con variaciones tribales.

En el sudeste, el primer grupo de estilos abarca la zona de Massima junto con las islas Trobriand. Comparable al estilo de las Islas Salomón, consiste en esculturas de ébano o madera ennegrecida, a menudo con incrustaciones de nácar o cal en polvo. Las formas simples son más decorativas que expresivas. Los esfuerzos del artista se centran en el tratamiento del rostro, ahuecado en la masa, con la nariz formando una cresta. Esta predilección por los huecos se acerca tanto a las fórmulas del archipiélago indio como a las de las figuras de piedra de la isla de Pascua.

En los alrededores de Massim y sus dependencias, como las islas del Almirantazgo, encontramos grandes copas de madera de gran elegancia, utilizadas en los banquetes de los jefes. La decoración extremadamente sobria de las copas tomaba sus motivos del mundo divino de los pájaros. En las islas del Almirantazgo se manifiesta el gusto por la policromía propio de la cuenca de Nueva Guinea. Algunas figuras se asemejan al estilo primario plano, pero están decoradas con triángulos rojos, negros y blancos.

La escultura del golfo de Papúa y del valle del río Purari, junto con la de la bahía de Huon, la isla de Tami, el estrecho de Torres y parte de la Nueva Guinea holandesa alrededor del lago Sentani, forma un segundo grupo guineano con el estilo primario. Sin embargo, además de figuras planas grabadas con líneas blancas, en el golfo de Papúa se encuentran máscaras de tapa en blanco y negro, en las que se da rienda suelta a la imaginación de los artistas: ojos enormes y bocas que devoran colmillos, figuras concebidas para inspirar terror.

Las tallas de madera tienen menos fuerza dramática. Los sulkas de la península de Gazelle, en Nueva Bretaña, han ideado máscaras fantásticas que no parecen tener relación alguna con la tierra. Son enormes «espantapájaros cuervos» ensamblados con bambú, tiras de médula ósea pegadas y tapa ondeante.En ciertos días estas figuras cobran vida. Sus cuerpos desnudos, cubiertos de maquillaje rojo, los conducen ceremoniosamente por los huertos, cuya fertilidad se asocia a esta visita de los espíritus. Las danzas mágicas, en las que las figuras agitan los brazos y asienten con movimientos regulados por el ritmo de gongs de madera, son grandes momentos de la vida estética de los primitivos, la expresión más vital y auténtica de su arte.

El tercer grupo, en Nueva Guinea, reúne los estilos del río Sepik, Ramu y, en Nueva Guinea Holandesa, los de Helwink Bay, Humboldt Bay y Sureste (Merauke). A excepción de los Abelam, cuyos plásticos «son bidimensionales», aquí predominan las formas circulares y se caracterizan por una mayor libertad. Placas que recuerdan a los antepasados, ornamentos arquitectónicos y figuras en las casas, decoraciones talladas en las canoas… la imaginación del artista se inspira en todas las formas que ofrece la naturaleza, y estas hábiles decoraciones parecen obra de un virtuoso. Uno de los más extraños es, sin duda, el schnabelstyle («estilo de pico») practicado por la tribu Tchambuli de Spica. Los cercanos Mundkumors favorecen formas más robustas y a veces alcanzan un poderoso naturalismo.

El arte de Nueva Bretaña no se caracteriza por tanta exuberancia como el de la isla principal. Las obras más llamativas son las gigantescas máscaras de la sociedad Dukduk, sobre las que descansa el orden social. Esta pobreza contrasta con la riqueza de la escultura en Nueva Irlanda, donde los escultores hacen gala de un virtuosismo extraordinario.

En el centro de la isla, las figuras de Uli representan a los muertos en formas enormes, con colores fuertes pero sutiles. En el norte, las figuras disminuyen de tamaño conservando la misma sencillez. A menudo desaparecen bajo una abundancia de hojas, plumas, pájaros y peces, que se entrelazan como adornos de Nueva Guinea, sumergiendo al antepasado en su simbolismo. Los colores rojo y blanco, en marcado contraste entre sí, algunos tonos negros y azules, contribuyen a la confusión. Además, las cubiertas branquiales de los moluscos dotan a las imágenes de una mirada vidriosa y una especie de vida alucinatoria.

Estas figuras se llaman malanggan, por el nombre de los festivales en los que se exhiben. Los artistas, apoyados por mecenas adinerados que compiten por sus servicios, preparan los malanggan en secreto. El día de la fiesta, las imágenes se exponen derrumbando parte de la valla que las rodea. La multitud las admira o las critica. Este «salón» es un homenaje a los muertos divinizados. En él están representados por bailarines con máscaras exquisitamente coloreadas, cabellos peinados y poderosos perfiles de una seriedad suprema.

El culto a los muertos, el comportamiento ostentoso de los mecenas, el talento y la rivalidad de los artistas, la expresiva escultura repleta de símbolos míticos, los bailarines con grandiosas máscaras, la magia simpática musical, todo ello hace de los festivales de Malanggan una síntesis de las artes de Melanesia y de las circunstancias que las rodean y les dan origen.

Nota: El arte prehistórico de Melanesia tiene un gran parecido con algunos tipos de arte rupestre aborigen del norte de Australia. Por ejemplo, arte rupestre de Ubirra (c. 30.000 a.C.), arte rupestre de Kimberley (c. 30.000 a.C.), y arte rupestre de Bradshaw (c. 15.500 a.C.). Para las obras de arte más antiguas de Australia, véase Gabarnmang rock shelter charcoal drawing (26.000 a.C.).

Estilo en la zona de transición

La zona entre Melanesia y Polinesia, habitada por pueblos de ambas regiones (como Micronesia, que recientemente incluía a los malayos), es pobre en arte. Sus estatuas de madera reducen al hombre a sus rasgos más esenciales. El rostro bidimensional es afín a las representaciones melanesias y a las de los polinesios de Tonga y Samoa. De las primeras conocemos varias pequeñas figuras femeninas. El rostro, sin relieve, está alargado en triángulo; el resto del cuerpo, a excepción de las manos, simples bastones planos, tiende a imitar la naturaleza. Una representación de una joven, medio reclinada, es emblemática del idílico descanso polinesio.

A veces, los artistas primitivos, para relajarse, abandonan la creatividad pura e imitan lo que realmente ven. En las islas Santa Cruz, unas habitadas por tribus de piel negra y otras por tribus de piel morena procedentes del oeste, las estatuas se asemejan al estilo tongano a pesar de su pesadez. Figurillas de un tipo similar, probablemente modernas, aparecen en las islas Fiyi, donde se mezclaron la sangre y la cultura de los dos grupos oceánicos.

Rostros triangulares, narices en cruz con cejas, estrechos brazos tonganos y cuerpos de extrema gracia caracterizan las esculturas de las islas Carolinas, en Nuku-manu y Takuu. Las figuras más conocidas de Nukuor se caracterizan por un mayor relieve. La masa alargada de las cabezas de estos Tinos se repite en algunas estatuillas de Tahití.

La cerámica antigua de Polinesia, Melanesia y Micronesia suele atribuirse a la cultura lapita. Una forma de cerámica llamada Plainware también se encuentra en excavaciones arqueológicas en el Pacífico Sur, aunque su relación (si la hay) con la cerámica Lapita no está clara. Para ver cómo encaja la cerámica de Oceanía en la evolución de la cerámica, véase: Cronología de la cerámica (26.000 a.C. - 1900).

Polinesia

El arte de la Polinesia, las islas del Pacífico muy dispersas desde Nueva Zelanda hasta la Isla de Pascua, puede parecer en comparación menos vital y más decorativo. Las figuras y máscaras ancestrales son escasas; entre otras cosas, porque los primeros misioneros cristianos completaron la destrucción o mutilación minuciosa y generalizada de las deidades ancestrales esculpidas. Pero la alegría polinesia por crear complejos ritmos de patrones superficiales encuentra su expresión en muchos medios diferentes, desde el espectacular trabajo de plumas de Hawai hasta las intrincadas tallas en madera y piedra verde de los maoríes de Nueva Zelanda, pasando por «el arte viviente» los tatuajes .

La fascinación de los maoríes por la ornamentación curvilínea de las superficies era casi obsesiva; los complejos patrones lineales se encuentran en la decoración de canoas, jambas de puertas y dinteles de casas de reunión y persisten hasta nuestros días, aunque la vitalidad original sólo se manifiesta ocasionalmente en obras contemporáneas.

Estilo artístico polinesio

Acerquémonos al corazón del triángulo polinesio del que partieron las tribus que colonizaron las islas de los Mares del Sur. Las Islas de la Sociedad, las Islas Cook y las Islas Australes, antaño estrechamente emparentadas, proporcionan pruebas de artes relacionadas.

Aquí los artesanos son talladores de piedra para los recintos sagrados de los altares y para los terraplenes sobre los que se levantan algunas casas. Las grandes estatuas de piedra son raras. Las más macizas son de Raya-wave.

Las imágenes de piedra de Tahití, Moorea y Raiatea rara vez alcanzan el metro de altura, y la mayoría apenas llega a la mitad. Las formas, dictadas por el bloque, que sólo está perforado por algunas muescas, rozan la pobreza. Las diminutas imágenes de madera son objetos rituales o se utilizaban para decorar canoas. Estas figuras representan a los muertos, pero la religión polinesia también representaba a sus dioses supremos. En Tahití son símbolos sencillos.

El dios de la guerra Oro es un fragmento de madera del tamaño de la mano de un niño, cubierto con una densa red de finos hilos de fibra de coco (sennit). A él están unidas las plumas escarlatas de un pájaro tropical de cola roja. Al juntarse, se convirtieron en imágenes de un dios. Finalmente, todo rastro del arte se evaporaba.

En Mangai Tane, el patrón de los artistas, se simboliza mediante una pinza cuya hoja está fijada a un mango monumental. Algunos estudiosos ven una estilización de la figura humana en las cruces ornamentadas. En Rurutu y Raroton-ga, las imágenes de Tangaroa, el dios que creó el mundo y a los humanos, son de una figura casi humana con un tronco cilíndrico (Rurutu) o plano del que emerge la humanidad como brotes jóvenes que brotan savia. Los Tangaroa de la isla de Rarotonga, de perfil, tienen grandes ojos alargados con pesados párpados como bocas.

En Raiawawa, algunas estatuas de madera de gran rareza muestran un rostro plano con rasgos en forma de cruz sobre diminutas masas geométricas. Las mazas militares y las palas de estado con motivos circulares o rectangulares, en cuyas empuñaduras están grabadas figuras humanas, a veces lineales, son de nuevo obras de arte muy genuinas. En las palas también encontramos de nuevo cuerpos cóncavos y cabezas redondas al estilo de Tahití o Nukuor.

Al norte del triángulo (islas Hawai) se había desarrollado en el siglo XII una estatuaria de madera de enorme tamaño, que se cree que recibió la influencia de Tahití, con la que los hawaianos habían establecido relaciones.Esculturas aún más antiguas han dejado en la isla Necker toscos restos de piedra, cuyos rostros se asemejan al sustrato primario del arte plástico oceánico. Grandes figuras hawaianas representan a los dioses que custodian los santuarios. Los primeros visitantes blancos hicieron dibujos de ellas. Los gestos contorsionados, las muecas de miedo y ferocidad de las figuras con ocho bocas (repetidas en Nueva Zelanda) contrastan con las estatuas estáticas encontradas hasta entonces. El realismo se llevó aún más lejos, como demuestran algunas estatuillas domésticas encontradas recientemente.

Algunas figurillas de junco de mimbre, decoradas con plumas de color rojo anaranjado de un ave tropical, representan al dios de la guerra Kukailimoku, cuya temible imagen se llevaba consigo en la batalla. Las vajillas de plumas, también de gran delicadeza, daban a los reyes magníficos mantos y tocados como los de la infantería griega. Los hawaianos también eran aficionados a los platos, fuentes y pequeños muebles de líneas limpias, hechos de madera pulida y teñida de amarillo.

En el extremo suroeste del triángulo se encuentran los maoríes de Nueva Zelanda. La dureza del clima ha endurecido su carácter y agudizado su orgullo. Su arte, algo tosco pero esencialmente decorativo, es a menudo simbólico. Los moldes sintéticos están cubiertos de intrincados y delicados arabescos de la espiral maorí, quizá tomados del tatuaje heráldico (moko) de los guerreros. Tras la muerte, la cabeza, cuidadosamente fumigada, se conserva entre los tesoros familiares. La espiral crea un movimiento visible que a veces es tan realista que cansa la vista. Las figuras talladas, que rara vez tienen más de dos dimensiones, se deforman como para evitar la decoración que invade todos los objetos, ondulando tanto en los portales de las casas comunales como en las alas de las canoas de guerra.

¿Pueden relacionarse estos ornamentos maoríes con los de los melanesios? Estos últimos realizan una sobria disposición sobre una superficie plana de motivos naturales que transforman. Los maoríes, en cambio, sin abandonar la superficie plana, parecen eludirla constantemente.

En el sudeste, el arte de las Marquesas confirma la diversidad de inspiración de los polinesios; pero la diversidad de medios de expresión es mayor entre los pueblos negros. Al igual que el maorí, el arte de las islas Marquesas es principalmente gráfico. El tatuaje era su expresión más pura. La escultura es un tallado de superficie, tocando ligeramente una forma original muy simple.

Los santuarios al aire libre estaban llenos de imágenes grandes o pequeñas de Tiki, el primer hombre, hechas de piedra o madera. Su rostro, con los ojos muy abiertos, la boca en forma de sable y los rizos de la nariz y las orejas, se repite por igual en la piel de los hombres y en los utensilios más insignificantes. Tiene algunas de las características de ese semblante que puede decirse que tipifica el arte del Pacífico desde Asia hasta la Isla de Pascua, y a veces hasta el arte precolombino de Mesoamérica.

Isla de Pascua

Es posible que los atolones Tuamotu de camino a la isla de Pascua no conocieran más arte que la poesía religiosa, en la que aparece la grandiosa y confusa personalidad de Quijo, el más grande de todos los dioses, recientemente descubierta.

En Mangareva (en las islas Gambier), que contribuyó al asentamiento de la isla de Pascua, se han encontrado imágenes de madera con troncos y extremidades que imitan la naturaleza; tienen la cara plana ya conocida. Sólo una parece combinar volúmenes curvos y rectangulares, ejemplo de esos conceptos abstractos que suelen atraer a los escultores polinesios.

En el extremo sur de esta región se encuentra la isla de Pascua, la Rapa Nui de los tahitianos modernos. Sus enormes estatuas de brecha volcánica fueron la primera revelación del arte megalítico polinesio . De este material, fácilmente tallable con bórax de piedra, los habitantes de la isla de Pascua erigieron más de quinientas imágenes de sus muertos, de una altura que oscilaba entre los nueve y los cuarenta y ocho pies. En el pasado, se erigían sobre el altar de santuarios que también servían de tumbas. Equipos de especialistas trabajaron febrilmente para tallar estos megalitos en un tiempo récord de tres a cuatro semanas. Bajando la pendiente desde los talleres, cientos de hombres y mujeres los arrastraban hasta la orilla del océano.

Los artistas han aportado muy pocas variaciones a este «tipo de masa». Derivan de la estela, y sólo sus grandes máscaras estrechas, enmarcadas por largas orejas, son más que bidimensionales. El busto, recortado en el ombligo, tiene brazos en bajorrelieve. El rostro ocupa dos séptimas partes de la altura. Las sombras contrastan fuertemente con las superficies angulosas iluminadas por la luz del océano.

El árbol en sí es raro, y deriva de una sola especie, Sophora toromiro, con troncos raquíticos achaparrados. A veces el mar arroja un árbol flotante. Así, en las leyendas, los tesoros están siempre formados por objetos de madera. Las figurillas de madera, nada parecidas a las estatuas monumentales, representaban a los muertos o a los espíritus. Eran muy solicitadas para exponerlas alrededor de los santuarios en los días festivos.

Las obras especializadas, algunas de las más antiguas, se caracterizan por un acabado y un refinamiento que Cook observó en su viaje. Las más famosas, llamadas moai kawakawa (estatuas multifacéticas) por los nativos, que aún las imitan, representan a ancianos demacrados y barbudos con macabro realismo.

La versión local del dios Tane Maka Maka está adornada con el pico de un albatros. Otras aves marinas desempeñan un papel importante en la vida religiosa. Una criatura con cabeza de ave marina, dibujada con trazo libre y preciso, pulula sobre las rocas y la lava. Cientos de grabados prehistóricos cubren varios metros cuadrados de superficie, representando las criaturas y plantas de la isla, objetos cotidianos como canoas, junto a figuras que combinan elementos animales y humanos. En los cientos de signos grabados en tablillas de madera, algunas autoridades creen ver escritura. (Compárense estos grabados con las pinturas rupestres de la península de Burrup, en Australia).

El elemento unificador más importante en el arte de Oceanía sigue siendo su «bidimensionalidad», en gran parte impuesta por una técnica poco desarrollada y varios factores culturales. Este «estilo primario de» bidimensionalidad es a menudo evidente en el rostro, pero también en toda la figura, y se repite a lo largo de la ruta migratoria seguida por los oceánicos desde el sur de Asia. Esto es una prueba clara de la unidad fundamental de las artes de Oceanía.

Colecciones

Además de los numerosos centros y museos del patrimonio insular de todo el Pacífico, muchos museos de Indonesia y Australia contienen ejemplos de las artes y la artesanía de Oceanía. Entre ellos figuran: Museum Seni Rupa dan Keramik (Museo Seni Rupa dan Keramik) en Yakarta; National Gallery of Australia (Galería Nacional de Australia) (NGA) en Canberra; National Gallery of Victoria (Galería Nacional de Victoria) (NGV) en Melbourne; Art Gallery of South Australia (Galería de Arte de Australia Meridional) (AGSA) en Adelaida; Art Gallery of New South Wales (Galería de Arte de Nueva Gales del Sur) (AGNSW) en Sydney; Queensland Art Gallery (Galería de Arte de Queensland) (QAG) en Brisbane; y Art Gallery of Western Australia (Galería de Arte de Australia Occidental) (AGWA) en Perth.

EDAD DE PIEDRA, CULTURA PRIMITIVA
Para información sobre la cronología del arte prehistórico, incluyendo fechas y acontecimientos, véase: Cronología del arte prehistórico . Para una revisión de trabajos más recientes, véase: Cronología de la historia del arte .

CIVILIZACIONES ANTIGUAS
Arte de la antigua Persia
Arte chino
Cerámica china
Arte japonés
Arte de la India

ARTE Y CULTURAS ANTIGUAS
Para una visión general de las formas de arte primitivo, incluyendo la pintura, la escultura y las artes decorativas, véase: Arte antiguo .

ARTE ISLÁMICO
Para una breve visión general de las influencias y la historia del arte visual musulmán, véase: Arte islámico .

DIFERENTES FORMAS DE ARTE
Para definiciones, significados y explicaciones de las diversas artes, véase. En «Tipos de arte».

SIGNIFICADO DEL ARTE
Para más detalles sobre los distintos tipos y estilos de las bellas artes, véase
: ¿Qué es el arte?