Metalistería griega antigua, orfebrería Traductor traducir

Surgida en la época del arte egeo, la orfebrería decorativa y la orfebrería fueron practicadas por grandes artistas, como Fidias, y se consideraban una de las artes mayores. Permitía la nítida legibilidad necesaria para figuras y ornamentos, era valiosa por su material y, a diferencia de la escultura griega y la arquitectura, siempre podía ser accesible a los particulares con el placer añadido de la propiedad personal.

Dado que todos los metales podían reutilizarse de forma rentable y, a excepción del oro, eran propensos a la corrosión, la supervivencia de los objetos era efímera y dependía principalmente de un enterramiento deliberado o accidental y de un contexto químico adecuado. Por ello, aunque existe un buen número de objetos metálicos griegos en museos y otras colecciones, no son representativos.

Los metales como el oro, el electrum, la plata y el bronce se utilizaban con regularidad. El oro, siempre el más precioso, se utilizó principalmente para joyería, al menos hasta mediados del siglo IV, cuando los reinos macedonios y luego otros reinos helenísticos empezaron a emitir monedas de oro con regularidad.

El electrum, una aleación de oro y plata que se encontraba de forma natural en Lidia, se consideraba una calidad inferior del oro. También fue la principal moneda de algunas ciudades griegas de Asia desde finales del siglo VII hasta el siglo IV. La plata, medio de circulación habitual en el resto del mundo griego, era relativamente más valiosa que ahora. Se utilizaba en joyería barata y en vajillas y utensilios de tocador más caros. El bronce, una aleación artificial de cobre y estaño con un poco de plomo, era mucho más común y, al ser mucho más maleable que el hierro, siguió siendo un metal habitual para armaduras, vasijas y soportes, espejos, placas en muebles y estatuillas.

En valor, la proporción entre oro y plata variaba entre 15:1 y 10:1, y la proporción entre oro y electrum dependía de su supuesta composición; el bronce era mucho más barato -en el período helenístico tardío, del que tenemos alguna información, costaba entre 1:100 y 1:150 de un peso igual de plata.

Las técnicas empleadas eran el martilleo, el estampado y la impresión, el relieve, el cincelado (o grabado), la incrustación, el esmaltado, el dorado y el plateado, la fundición maciza y hueca y, sólo en joyería, la filigrana y la granulación. Las uniones se realizaban mediante plegado, soldadura, soldadura blanda o remachado. El martillo, que durante mucho tiempo fue el principal método de fabricación de vasijas y armaduras, se utilizó constantemente desde finales de la Edad del Bronce, cuando el arte de la metalistería estaba muy desarrollado, al igual que el grabado y la fundición maciza.

Otras técnicas decorativas reaparecieron o se perfeccionaron a finales del siglo IX u VIII bajo la tutela directa o indirecta de artesanos orientales. La metalistería, por supuesto, debía permanecer pulida y brillante. La admiración por la pátina del bronce, que por su maticidad oscurece los detalles y de paso inutiliza los espejos, no apareció antes de la época romana, y es uno de los casos más evidentes en los que la estimación moderna del carácter del arte y la arquitectura antiguos se muestra decepcionantemente provisional e incompleta.

Joyería

Al principio de la Edad de Hierro, la joyería que fabricaban los griegos era sencilla y poco hábil, pero a finales del siglo IX, cuando el lujo se hizo posible, la producción aumentó repentinamente y mejoraron la técnica y el estilo. Dado que el objetivo principal era exhibir la riqueza personal y que había límites a la cantidad de metal que se podía llevar decentemente, el arte del joyero siempre buscó la complejidad y el virtuosismo.

En las primeras obras, la granulación tenía una importancia especial. En el siglo V, las formas de las figuras y los ornamentos se basaban en la filigrana y el esmalte, y en el periodo helenístico y más tarde se popularizaron las incrustaciones de gemas. En general, el estilo de las figuras en joyería se asemeja al de otras bellas artes, aunque en algunos anillos de oro del siglo VIII el estilo oriental aparece antes que en la pintura de jarrones. Pero en las coronas y los colgantes del periodo clásico en adelante suele haber una copia mucho más cercana y sensible de las formas vegetales.

En general, la joyería griega muestra una fina artesanía, un buen sentido del diseño y finura en los detalles, pero en el desarrollo general del arte su importancia era secundaria: la escala era demasiado pequeña para hacer pleno uso de la figura humana.

Metalistería de mayor tamaño

Cuando la metalurgia griega resurgió a principios del siglo VIII, sus productos más impresionantes fueron los grandes cuencos trípodes de bronce. Estos objetos, que parecen más destinados a la exhibición que al uso, tienen tres largas patas rectas y dos asas anulares verticales unidas al borde de un cuenco abierto poco profundo.

La decoración suele consistir en bandas estrechas de ornamentos geométricos -especialmente zigzags y pequeños círculos concéntricos unidos tangencialmente (no muy diferente de la metalistería celta)- que bajan por las patas y rodean las asas, y en algunos ejemplos elaborados las asas también presentaban caballos o pájaros montados en la parte superior y figuras humanas allí o sosteniendo los lados. A finales de siglo, estos cuencos trípodes habían sido sustituidos por un nuevo tipo de cuenco, menos abierto y con un soporte independiente.

Los modelos y tal vez algunos de los fabricantes procedían de Oriente, probablemente del norte de Siria, pero su estilo pronto fue imitado localmente y, como el estilo oriental griego encontró sus propios cánones, fue adaptado casi con la misma rapidez. Los cuencos tenían dos asas circulares, de nuevo sujetas al borde, cada una girada en un zócalo sobre el lomo de un pájaro humanoide (o «sirena»), que, según el gusto griego, debía ser femenino. Pero mucho más llamativas eran las cabezas y cuellos de animales, generalmente grifos, seis o cuatro de los cuales se elevaban desde el hombro del cuenco.

Las asas se fundían en una sola pieza, las cabezas de los grifos se martilleaban primero y luego se fundían huecas, y después, por supuesto, se trabajaban en frío. Decorativamente, la combinación no era fácil, y los griegos abandonaron pronto las sirenas, pero los grifos permitían una elegancia inventiva y se seguían produciendo a principios del siglo VI.

En el siglo VII, a medida que los métodos de combate cambiaban y el bronce se hacía más fácil de obtener, los cascos, corsés, grebas y otros elementos de protección de metal se hicieron más deseables, y algunos de los que podían permitírselos quisieron decorarlos, inspirándose en la variedad existente de figuras humanas y animales; pero aunque la mano de obra era buena, las formas de campo eran a menudo torpes y se hicieron raras en el siglo VI.

A principios del siglo VI, los fabricantes de vasijas de bronce empezaron a fundir asas y a veces pies y bordes, y como estas piezas eran de una sola pieza, sobrevivían mucho mejor a los daños y a la corrosión que los toulos finamente forjados. La fundición de tulos para vasijas más grandes fue mucho más lenta y no fue común hasta el siglo III. En general, las formas de los vasos de bronce se basaban en curvas armoniosas, ya que los métodos griegos de trabajar el metal fino no favorecían los ángulos agudos en el cuerpo, pero en cambio las asas y bordes pesados se fundían y cincelaban a menudo de forma muy marcada.

El borde y, si era de alguna altura, el vástago, podían tener bandas de ornamentación sencilla en relieve, como ovas, lenguas o cuentas. El tul no necesitaba tal ornamentación para definir su forma y a menudo, aunque no siempre, seguía siendo sencillo. La profusión decorativa tendía a concentrarse en las asas y, sobre todo, en las placas por las que se sujetaban, aunque a veces la propia asa adoptaba «una forma humana».

Los espejos de mano, de unas 6-8 pulgadas de diámetro, eran otro producto importante de los talleres de bronce. Durante gran parte de los siglos VI y V, el tipo estándar era un disco liso de bronce fundido, ligeramente convexo por un lado y cóncavo por el otro, con el borde rebordeado. Para el asa y el soporte se utilizaba una figura humana de fundición maciza, normalmente femenina y drapeada, que se colocaba de frente en poses más o menos conocidas en la escultura de la época.

Para evitar que la transición entre la cabeza de la figura y el asa pareciera demasiado enjuta, a menudo se añadía a cada lado un pequeño joven o animal alado, montado en el hombro de la figura o en el borde del disco, o en ambos. Un sentido similar del diseño se aprecia en la patera, un objeto parecido a una pequeña sartén, aunque su mango suele tener la forma de un joven desnudo. A finales del siglo V apareció un nuevo tipo de espejo, cuyo disco estaba protegido por una tapa, a menudo sujeta con bisagras. Como decoración, en el exterior de la tapa se colocaba una cabeza o un grupo suavemente erótico en relieve, y el interior podía estar grabado.

Se puede encontrar más información sobre la cerámica de la Antigua Grecia, incluidas las técnicas geométricas, de figuras negras, rojas y blancas, en el artículo Cerámica griega: historia y estilos .

Figurillas

Aparte de servir como accesorios de otros objetos, las figurillas de metal solían fabricarse como objetos independientes. La mayoría eran de bronce y, a menos que fueran de gran tamaño, se fundían en una sola pieza o casi. Se destinaban a los santuarios y, cada vez más, a la posesión privada. Las estatuillas de bronce, de acabado tosco y diseño torpe, parecen haberse fabricado ad hoc durante toda la primera Edad del Hierro.

Posteriormente, a partir del siglo VIII, la producción aumentó considerablemente, la artesanía mejoró y se estableció un estilo coherente paralelo al de las estatuillas geométricas pintadas en vasos. Los principales tipos eran hombres desnudos de pie y caballos de pie. En el siglo VII, los metalistas adoptaron la fórmula daédrica para sus figuras humanas y, a medida que la escultura se fue consolidando, siguieron en general su desarrollo para las formas anatómicas, aunque siempre permitiéndose una gran libertad en la elección de tipos y poses.

Por ejemplo, las mujeres desnudas y los grupos integrados aparecen regularmente entre las figurillas de la escultura griega arcaica, aunque no fueron aceptables en escultura hasta el siglo IV. Y en la escultura griega helenística las espaldas encorvadas se representaban con total fealdad sólo en obras de pequeña escala. Las razones son bastante obvias. En primer lugar, era mucho más rápido y barato hacer figurillas que estatuas, por lo que la experimentación podía permitirse más fácilmente. En segundo lugar, no estaban tan expuestas al escrutinio público y, por tanto, a las reglas de la decencia pública. En tercer lugar, su pequeño tamaño no planteaba problemas de equilibrio estético o mecánico.

En general, el arte de fabricar figurillas de metal alcanzó su máximo nivel en el siglo VI y principios del V, cuando las formas de la escultura aún eran sencillas y fuertes. Aunque posteriormente se realizaron algunas piezas excelentes, la calidad media disminuyó. La pequeña escala no permitía el fino tratamiento de la superficie que empezó a cobrar importancia en el estilo altamente clásico de la escultura griega . La Bailarina del Panadero, realizada a finales del siglo III, es una obra excepcional para su época; no en vano, su tamaño es superior a la media.

Influencia

A partir del siglo VII, el bronce griego ejerció una fuerte influencia en Etruria, aunque los etruscos (que disponían de sus propias reservas de cobre) eran técnicamente muy competentes y mantuvieron sus propias tradiciones. En España, la metalistería local, al igual que la escultura, muestra en última instancia una influencia griega no muy profunda. En el resto de Europa, a lo largo de la frontera septentrional del mundo griego, existía un mercado para los productos griegos, pero el estilo local era demasiado ajeno para ser helenizado, aunque al parecer algunos talleres griegos intentaron incorporar elementos del arte escita en objetos destinados a la venta en Ucrania.

En Oriente se pueden encontrar algunos componentes griegos en el arte persa de la corte aqueménida desde finales del siglo VI hasta finales del siglo IV, pero aparte de esto sólo hubo pequeñas exportaciones ocasionales hasta las conquistas de Alejandro. Entonces, cuando los nuevos reinos helenísticos impusieron la cultura griega a sus súbditos, el gusto por la metalistería griega también se convirtió en la norma.

Una prueba curiosa, aunque de época romana, es el descubrimiento en Begram (Afganistán) de una reserva de moldes de yeso con los que los artesanos hacían facsímiles de esculturas de bronce griegas y objetos para los clientes locales. Se desconoce hasta qué punto sobrevivió la tradición griega en estos lugares, pero su principal influencia se produjo en los países mediterráneos, donde el estilo de la época romana continuó directamente o desarrolló los modelos helenísticos.

Durante el Renacimiento, el nuevo estudio del arte griego y del arte romano, basado en la cultura de Italia central, no tuvo modelos griegos que estudiar; y cuando se descubrió metalistería helenística en Pompeya y Herculano a mediados del siglo XVIII, sólo se encontró en ellos una imitación poco amanerada.

Recursos:
Otros artículos sobre arte de la antigüedad clásica, véase:

Escultura de la Antigua Grecia
Arquitectura griega (900-27 a.C..)
Pintura griega clásica (~480-323 a.C.)
Estatuas y relieves helenísticos (~323-27 a.C..)
Pintura griega helenística (~323-27 a.C.)
Escultura romana (ca. 55 a.C. en adelante)