Metalistería griega antigua, orfebrería Traductor traducir
Materiales y tecnica
Originario durante la era de Arte egeo decorativa metalistería y orfebrería fue practicado por grandes artistas, por ejemplo Fidias , y calculó una de las principales artes. Permitió la definición precisa requerida para figuras y adornos, fue valiosa por su material y, a diferencia de Escultura griega y la arquitectura, siempre puede ser disfrutada por particulares con el placer adicional de la posesión personal. Dado que todos los metales podrían reutilizarse de manera rentable y, excepto el oro, pueden sufrir corrosión, la supervivencia ha sido cambiante, dependiendo principalmente del entierro deliberado o accidental y los contextos químicos adecuados. Entonces, aunque hay una buena cantidad de metalistería griega en museos y otras colecciones, no es propiamente representativa. Los metales en uso regular fueron oro, electro, plata y bronce. El oro, siempre el más preciado, se mantuvo principalmente para joyería, de todos modos hasta mediados del siglo IV, cuando los macedonios y luego los otros reinos helenísticos hicieron ediciones regulares de monedas de oro. Electrum, que era una aleación de oro con algo de plata y ocurría naturalmente en Lydia, fue tratado como un tipo inferior de oro. También proporcionó las principales monedas de algunas ciudades griegas asiáticas desde finales del siglo VII hasta el siglo IV. La plata, el medio de moneda estándar en el resto del mundo griego, era relativamente más valioso que ahora. Fue empleado para joyas más baratas y artículos de tocador y mesa más caros. El bronce, una aleación artificial de cobre y estaño con a veces un poco de plomo, era mucho más común y, siendo también mucho más manejable que el hierro, seguía siendo el metal normal para armaduras, recipientes y soportes, espejos, placas en muebles y figuritas. En valor, la proporción de oro a plata varió entre 15: 1 y 10: 1, mientras que la proporción de oro a electrum dependía de su supuesta composición; el bronce era mucho más barato: a fines del período helenístico, para el que tenemos información, valía entre 1: 100 y 1: 150 de un peso igual de plata.
Las técnicas que se han observado son martilleo, estampado e impresión, reposicionamiento, persecución (o grabado), incrustación, esmaltado , dorado y plateado, fundición sólida y hueca, y, solo para joyería, filigrana y granulación. Las uniones se hicieron plegando, soldando, soldando o remachando. El martilleo, durante mucho tiempo el método básico de fabricación de naves y armaduras, debe haber sido utilizado continuamente desde el último Edad de Bronce , cuando el arte del metalúrgico estaba altamente desarrollado, y también con el grabado y la fundición sólida. Las otras técnicas decorativas reaparecieron o se mejoraron a fines del siglo IX u VIII bajo la tutela directa o indirecta de los artesanos orientales. La carpintería metálica, por supuesto, estaba destinada a mantenerse pulida y brillante. La admiración por la pátina de bronce, que por su matiz oscurece los detalles y, por cierto, hace que los espejos sean inútiles, no apareció antes de la época romana, y es uno de los casos más obvios donde la apreciación moderna del carácter de arte antiguo y la arquitectura se muestra angustiosamente convencional e incompleta.
Joyería
Al comienzo de la Edad del Hierro, tales joyería Como lo hicieron los griegos, era simple y no muy hábil, pero a finales del siglo IX, cuando el lujo se hizo posible, la producción aumentó repentinamente y la técnica y el estilo mejoraron. Debido a que el objetivo principal era publicitar la riqueza personal y había límites en la cantidad de metal que se podía usar con propiedad, el arte del joyero siempre tendía a la complejidad y al virtuosismo. En los primeros trabajos, la granulación era especialmente importante; para el siglo V las formas de figuras y adornos se basaban en filigrana y esmalte; y en el período helenístico y aún más después, la incrustación de piedras preciosas se hizo popular. En general, para las figuras, el estilo de la joyería se parece al de otras artes figurativas, aunque en algunas bandas de oro del siglo VIII aparece un estilo orientalizante antes que en la pintura de jarrones. Pero en coronas y colgantes desde el período clásico en adelante a menudo hay una copia mucho más cercana y más sensible de las formas vegetales. En general, la joyería griega muestra una excelente artesanía, un buen sentido del diseño y delicadeza de los detalles, pero en el desarrollo general del arte su importancia era secundaria: la escala era demasiado diminuta para la plena explotación de la figura humana.
Metalistería más grande
Cuando la carpintería griega revivió a principios del siglo VIII, sus productos más espectaculares eran grandes trípodes de bronce. En estos objetos, que parecen haber sido diseñados para mostrar en lugar de usar, tres patas largas y rectas y dos asas verticales se fijan al borde de un recipiente abierto poco profundo. La decoración generalmente consiste en bandas estrechas de adornos geométricos, especialmente zigzags y pequeños círculos concéntricos unidos tangencialmente (no muy diferente Carpintería celta ) que corren por las patas y rodean las manijas, y en algunos ejemplos elaborados, las manijas también arrojaron caballos o pájaros montados en la parte superior y figuras humanas, ya sea allí o apoyando los lados. A finales de siglo, estos trípodes estaban siendo reemplazados por un nuevo tipo de cuenco menos abierto con una base separada. Los modelos y tal vez algunos de los fabricantes vinieron del este, probablemente del norte de Siria, pero su estilo pronto fue imitado localmente y, como el estilo orientalizante griego encontró sus propios cánones, casi tan pronto se adaptó. Los cuencos tenían dos asas anulares, una vez más unidas al borde, cada una girando en un receptáculo en la parte posterior de un pájaro con cabeza humana (o ’sirena’), que según el gusto griego debería ser femenino. Pero mucho más prominentes eran las cabezas y los cuellos de los animales, normalmente grifos, seis o cuatro de los cuales se elevaron desde el hombro del cuenco. Los accesorios del mango se fundieron de manera sólida, las cabezas de los grifos se martillaron primero y luego se fundieron huecas con, por supuesto, mucho trabajo en frío después. Decorativamente, la combinación era incómoda y los griegos pronto abandonaron las sirenas, pero los grifos permitieron una elegancia inventiva y todavía se producían a principios del siglo VI. Durante el siglo VII, a medida que los métodos de lucha cambiaban y el bronce era más fácil de obtener, los cascos, corselets, chicharrones y otras piezas protectoras de metal se volvieron más deseables y algunos de los que podían permitírselo se imaginaban la decoración, extraída del stock actual de humanos y animales. figuras; pero aunque la artesanía era buena, las formas de los campos a menudo eran incómodas y se volvieron raras durante el siglo VI.
A principios del siglo sexto, los fabricantes de recipientes de bronce se dedicaron a fundir mangos y, a veces, pies y llantas y, dado que tales piezas eran sólidas, han sobrevivido al daño y la corrosión mucho mejor que los delgados cuerpos martillados. La fundición del cuerpo también, para vasos más grandes, llegó mucho más lentamente y no fue común hasta el siglo III. En general, las formas de los recipientes de bronce se basaban en curvas armoniosas, ya que los métodos griegos para trabajar metales delgados no fomentaban ángulos agudos en el cuerpo, pero en contraste los mangos y bordes pesados a menudo se moldearon y persiguieron de manera muy crujiente. El borde y, si era de cualquier altura, el pie, podría tener bandas de adornos simples en relieve, como huevos, lenguas o cuentas. El cuerpo no necesitaba tal adorno para definir su forma y, a menudo, pero no siempre, se dejaba simple. Y la exuberancia decorativa tendía a concentrarse en los mangos y particularmente en las placas por las cuales estaban unidos, aunque a veces el agarre mismo tomaba forma humana.
Los espejos de mano, de aproximadamente 6-8 pulgadas de diámetro, fueron otro producto importante de los talleres de bronce. Durante gran parte de los siglos VI y V, el tipo estándar era un disco liso de bronce fundido, ligeramente convexo por un lado y cóncavo por el otro, y con un borde de cuentas. Para el mango y la base combinados, había una figura humana de fundición sólida, pronto regularmente femenina y cubierta, de pie frontalmente en las poses más o menos familiares en la escultura de la época. Para que la transición de la cabeza de la figura al mango no parezca demasiado delgada, a menudo se agrega un pequeño animal alado o animal a cada lado, asegurado al hombro de la figura o al borde del disco o a ambos. Un sentido similar de diseño es evidente en la patera, un objeto muy parecido a una sartén pequeña, aunque su mango generalmente tiene la forma de un joven desnudo. A finales del siglo V, entró un nuevo tipo de espejo, con el disco protegido y a menudo abisagrado a una tapa. Para la decoración, una cabeza o un grupo ligeramente erótico, hecho en reposo, se fijó en el exterior de la tapa y también podría haber grabado en su interior también.
Nota: Para obtener información sobre la cerámica de la antigua Grecia, incluida la técnica Geométrica, Figura negra, Figura roja y Tierra blanca, consulte: Cerámica griega: historia y estilos .
Estatuillas
Además de servir como accesorios para otros objetos, las figuras de metal se preparaban con mayor frecuencia como piezas independientes. Eran, por supuesto, en su mayoría de bronce y, a menos que fueran de algún tamaño, fundidos o casi sólidos. Sus propósitos eran la dedicación en santuarios y cada vez más la posesión privada. Las figurillas de bronce, de acabado tosco y diseño torpe, parecían haber sido hechas ocasionalmente durante la Edad del Hierro anterior. Luego, con el siglo VIII, la producción se hizo mucho mayor, la artesanía mejoró y se creó un estilo coherente, paralelo al de las figuras de la pintura geométrica de jarrones. Los tipos principales eran hombres desnudos y caballos de pie. En el siglo VII los trabajadores metalúrgicos adoptaron el Daedalic fórmula para sus figuras humanas y, a medida que la escultura se estableció, generalmente siguió su desarrollo para las formas anatómicas, aunque siempre se permitieron más libertad en la elección de tipos y poses. Por ejemplo, las mujeres desnudas y los grupos integrados aparecen regularmente entre las figuras de Escultura griega arcaica , aunque en estatuario no eran aceptables antes del siglo IV. Y en Escultura griega helenística los jorobados se representaron con total deformidad solo en obras de menor escala. Las razones son bastante obvias. Primero, era mucho más rápido y más barato hacer figuritas que estatuas, de modo que el experimento pudiera realizarse más fácilmente. En segundo lugar, no estaban tan expuestos a la vista pública y, en consecuencia, a las reglas del decoro público. Tercero, su pequeñez no presentaba los mismos problemas de equilibrio estético o mecánico. En general, el arte de las figurillas de metal alcanzó su nivel más alto en los siglos VI y VI, cuando las formas de la escultura aún eran simples y fuertes. y aunque algunas piezas excelentes se hicieron más tarde, la calidad promedio disminuyó; la pequeña escala no permitió el tratamiento sutil de la superficie que comenzó a cobrar importancia en el Alto estilo clásico de escultura griega . El bailarín Baker, de finales del siglo III, es una pieza excepcional para su época; No es sorprendente que sea más grande que el promedio.
Influencia
Desde el siglo VII en adelante, el trabajo en bronce griego tuvo un fuerte efecto en Etruria, aunque el Etruscos (que tenían sus propios suministros de cobre) eran técnicamente altamente competentes y mantenían sus propias tradiciones distintivas. En España la metalistería nativa, como la escultura , finalmente muestra una influencia griega no muy profunda. En otras partes de Europa, a lo largo de la frontera norte del mundo griego, había un mercado para productos griegos, pero el estilo nativo era demasiado extraño para ser helenizado, aunque algunos talleres griegos evidentemente intentaron incorporar elementos del arte escita en objetos para la venta en Ucrania. En Oriente, se pueden detectar algunos componentes griegos en el Arte persa de la corte aqueménida desde finales del siglo VI hasta finales del siglo IV, pero aparte de esto solo hubo una pequeña exportación informal antes de las conquistas de Alejandro. Luego, cuando los nuevos reinos helenísticos impusieron la cultura griega a sus súbditos, el gusto por la metalistería griega también se volvió normal. Un testimonio curioso, aunque perteneciente a la época romana, es el descubrimiento en Begram en Afganistán del stock de yeso de un artesano para hacer facsímiles de griegos anteriores. escultura de bronce y objetos para clientes locales. Se desconoce hasta qué punto persistió la tradición griega en estas partes, pero el efecto principal fue en las tierras mediterráneas, donde el estilo del período romano continuó directamente o se desarrolló a partir de modelos helenísticos. En el Renacimiento, el nuevo estudio de Arte griego y Arte romano , basado en el centro de Italia, carecía de modelos griegos para estudiar; y cuando a mediados del siglo dieciocho la metalurgia helenística salió a la luz en Pompeya y Herculano, provocó solo una pequeña imitación de modales.
Recursos:
Para más artículos sobre el arte de la antiguedad clasica , ver:
Escultura de la antigua Grecia (Introducción)
Arquitectura griega (900-27 a. C.)
Pintura griega arcaica (c.600-480)
Escultura Griega Clásica Temprana (c.480-450 a. C.)
Escultura griega clásica tardía (c.400-323 a. C.)
Pintura griega clásica (c.480-323 a. C.)
Estatuas y relieves de estilo helenístico (c.323-27 a. C.)
Pintura griega helenística (c.323-27 a. C.)
Escultura romana (c.55 AEC en adelante)
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