Arte helenístico-romano Traductor traducir
Caracteristicas
Siguiendo la era de Arte helenístico propiamente dicho (323-27 a. C.), se abrió una nueva fase de helenismo en Roma y pronto se convirtió en el movimiento más animado y original de la época. La descripción ’ Arte romano ’se aplica en los tiempos modernos a lo que en realidad era una amalgama de etrusco , Cursiva y, sobre todo, elementos helenísticos que fueron absorbidos y reelaborados a medida que la cultura romana los adaptó a sus propias demandas nacionales. Pero tal vez estaría más cerca de la verdad si tuviéramos que llamar al arte antiguo de la época, al menos hasta el Imperio Tardío, por el término arte helenístico-romano.
Ara Pacis
Las características helenísticas están profundamente arraigadas en el monumento más significativo de la época de Augusto, el que, más que ningún otro, representaba sus ideales: el Ara Pacis (Altar de Augustan Peace), dedicado en el Campus Martius el 30 de enero del 9 a. C. La decoración figurativa del altar se ha perdido casi por completo; solo quedan unos pocos fragmentos del friso que rodeaban la mesa del altar, que representa el sacrificio anual de la suovetaurilia. (Esto se celebró frente al altar y fue un sacrificio purificador que consistía en un cerdo, una oveja y un toro). El altar está rodeado por una pantalla de pared que contiene una rica decoración. En las paredes interiores hay un gran friso con guirnaldas y calaveras de buey, que alude a los sacrificios rituales. En el exterior se representa una procesión solemne, en conmemoración de la que tuvo lugar el 4 de julio 13 a. C., el día en que se consagró el altar.
Este trabajo recuerda el friso panathenaico del Partenón , pero aquí los participantes se desarrollan con mucho más realismo. La primera es una representación típica de la Atenas de Pericles, la otra busca identificar con detalles precisos a la familia imperial y a los magistrados, senadores y otros funcionarios de Roma. Al final, sin embargo, ambos expresan la misma fe en una humanidad victoriosa y afortunada, la misma ilusión de un progreso ininterrumpido hacia la eternidad. Por otro lado, no hay nada más espléndidamente helenístico que las espirales de acanto que cubren la mitad inferior de la pared sagrada y que se retuercen alrededor de las cuatro paredes externas; Este fue un diseño de gran efecto decorativo que debía ser ampliamente imitado en la Edad Media. E incluso la solemnidad parecida al Partenón del panel en el que Eneas sacrifica a los Penates, en el lado derecho de la fachada frontal, parece disolverse en una escena bastante bucólica, quizás casi alejandrina. Además, nada es más alejandrino que el más famoso de los relieves en el altar (el más famoso en virtud de su sabor académico, pero no el más bello) que se encuentra en la pared posterior de las pantallas y, por lo tanto, corresponde con el relieve de Eneas. Esto muestra la tierra pacificada y hecha próspera y feliz por Pax Augusta. Los animales, la vegetación, el mar, el suave plumaje del cisne, la figura femenina y rolliza son parte del repertorio helenístico, incluso si el modelado alejandrino suave ha sido interpretado aquí y allá con cierta frigidez. Hay cuatro relieves en los cortos muros exteriores este y oeste y todos son simbólicos, en contraste con el reportaje "histórico" que se despliega en los otros muros más largos.
Alrededor del Ara Pacis se encuentran las obras promovidas por Augusto y sus ministros, Mecenas y Agripa, que le dieron a Roma una nueva apariencia monumental. "Restitutor aedium sacrarum et operum publicorum, Augustus podría estar orgulloso de haber transformado la Roma de terracota y ladrillos en la Roma de mármol" (Becatti). Los principales episodios del programa de construcción del Principado fueron la finalización del Foro de César, la construcción del Foro de Augusto y la construcción del Panteón. Este último fue destruido por el fuego y más tarde fue reconstruido bajo Adriano. Bajo la vasta cúpula de este templo, dedicado a los siete dioses planetarios, es evidente una nueva noción de unidad cósmica que abarca todo: de hecho, estamos muy lejos de la ’escala humana’ de la arquitectura y escultura del Partenón.. (Para obtener información sobre estilos y diseños arquitectónicos en la antigua Grecia y la antigua Roma, consulte: Arquitectura romana .)
Escultura romana de Augusto
El clasicismo dominante en el Augusto oficial escultura y también claramente visible en la juventud idealizada de los muchos retratos del Emperador, dejó su huella en períodos posteriores. La tendencia realista, al principio bajo Claudio, y luego en la época de Nerón, recobró fuerza una vez más, pero ahora permaneció confinada a una esfera menos oficial, a un tipo de arte más privado y popular. Así, junto al famoso retrato de Norbanus Sorex o el del hombre y la esposa de Pompeya, que casi parece presagiar el Retratos de momias de Fayum – encontrarán un cuerpo de esculturas "menores" que aborden aspectos de la vida cotidiana y las ocupaciones de los comerciantes y comerciantes como se muestra en sus diversos signos.
La corriente realista también penetró el arte imperial durante el reinado de los Flavios (Vespasiano, Tito y Domiciano) desde CE 69-96. El retratista ahora se tomaría su tiempo para tallar las arrugas en la cara delgada de Vespasiano, o para velar con una sombra ligera la cara carnosa de una matrona de noble linaje. Las representaciones en el arco triunfal erigidas por el Senado en honor a Tito, el conquistador de Judea (CE 70), revelan un estilo lleno de movimiento e ideas narrativas, a veces dramáticas y ciertamente muy lejos de la compostura clásica de los relieves de Augusto. Ahora que se eliminó el fondo neutral, los artistas buscaron crear una ilusión de espacio libre en el que su acción pudiera tener lugar. El fondo parecía abrirse y recibir a las personas en movimiento. La acción narrada se volvió más verdadera y real en un entorno que explotaba la idea de profundidad.
Anfiteatro Flavio / Coliseo
En el campo de la arquitectura, en la segunda mitad del siglo I a. C., surgieron dos grandiosos monumentos: la enorme Casa Dorada que Nero había construido, posiblemente imitando los gustos de los grandes príncipes orientales; y el Anfiteatro Flavio o Coliseo. El anfiteatro fue una invención romana obtenida duplicando las medidas del teatro griego. Con este enorme edificio, Nerón resolvió el problema de presentar espectáculos de circo, que habían sido concebidos como entretenimiento para las masas. Una erupción severa del Vesubio en CE 79 enterró Pompeya, Herculano y Stabiae. Además de preservar buenos ejemplos de urbanismo romano y arquitectura doméstica, la erupción también nos ha permitido seguir la evolución completa de la pintura (incluso si era más provincial en estilo que el arte que debió haber florecido en la capital) durante el primer siglo a. C. y primer siglo a. C., hasta el momento en que la lava del volcán puso fin a la vida de los tres pueblos.
Pintura mural decorativa
los pintura que adornaban las casas romanas era pintura decorativa. Tenía la misma función ornamental que las estatuas griegas que tanto se buscaban en ese momento, ya sea en forma de copias u originales. El estilo decorativo en Pompeya se desarrolló de manera más o menos independiente, y ahora se acostumbra distinguir cuatro estilos principales de pintura pompeyana. El más antiguo, que data del siglo II a. C., es el llamado estilo de incrustación, y está compuesto de simples pinturas de paneles de estuco de color o fresco . El Segundo Estilo (Perspectiva Arquitectónica) data de principios del siglo I a. C. y es claramente de derivación helenística, al igual que la mayoría de la pintura romana. El enfoque de la pintura mural, con sus características arquitectónicas de imitación, se hizo más complejo. La intención era expandir el espacio real en la pared de una manera ilusionista de la misma manera que se trata el escenario del teatro. El tercer estilo superpuesto con el final del segundo. Era más sobrio y tendía a producir decoración sin profundidad. Las pinturas, casi como miniaturas, se destacaban sobre un fondo unificado de un color oscuro: "en tonos generalmente cálidos como el rojo, amarillo, negro brillante y suaves como el azul verdoso". Y ’unas pinceladas ligeras… pequeñas decoraciones lineales o florales deliciosas… composiciones de figuras, paisajes o incluso pinturas reales’ (Bianchi Bandinelli).
Del Segundo Estilo se desarrolló la fantasía exuberante y la riqueza decorativa del Cuarto Estilo; aquí los motivos arquitectónicos presentes en el estilo anterior se acentuaron más. La derivación helenística de todos estos estilos decorativos es bastante obvia, pero no todos tendrían el mismo éxito. ’Una vez que se reconoce la mayor consistencia del Tercer Estilo, no es sorprendente que sus elementos dominaran las formas decorativas del siglo II d. C., después de que la fantasmagoría de las paredes en el Cuarto estilo se hubiera agotado a fines del siglo anterior. Durante la era de Adriano, estas formas se volvieron más sobrias y lineales, y corrían el peligro de volverse completamente congeladas y estáticas. Luego, durante la era de Antonino, comenzaron a calentarse, y hubo una cierta renovación de los elementos de perspectiva… hasta el advenimiento de formas arquitectónicas esbeltas, de las cuales después de CE 180 todo rastro de ilusionismo había desaparecido, y todo había desaparecido. volverse completamente esquemático: dio a luz un estilo lineal en rojo y verde sobre un fondo blanco. A partir de entonces, este estilo, con notable uniformidad, debía cubrir las paredes y bóvedas de casas y cubículos funerarios, incluidos los de las catacumbas cristianas (Bianchi Bandinelli).
Los temas de los temas ilustrados generalmente fueron extraídos de los mitos griegos o del período contemporáneo; otros fueron tomados del mundo de la religión (como en el famoso ciclo en la Villa de los Misterios). Las pinturas al estilo popular (carteles de tiendas, imágenes de juegos y festivales) son un estudio en sí mismas, pero también la conexión con el mundo helenístico se puede ver en el uso de una técnica de "resumen". Este gusto por la pintura ’sumaria’ se caracteriza por el uso de grandes manchas de color impresionistas; Esto y la interacción vigorosa de luz y sombra son una característica de numerosos bodegones y paisajes (este último es un tema favorito de la pintura romana). Los paisajes, ya sean imaginarios, idílicos o reales, se esfuerzan por presentar, digamos, un jardín al romper el espacio cerrado de una habitación e implantar en su lugar en la mente del observador la noción de estar al aire libre.
Columna de Trajano
La era de Trajano (CE 98-117) jugó un papel muy importante en el curso del arte romano. El nuevo Foro que construyó el Emperador (diseñado, al parecer, por Apolodoro de Damasco) contenía una columna erigida para celebrar las campañas dacias (CE 101-2 y 105-6). Este era un tipo de monumento nuevo y original, heredero de las columnas conmemorativas erigidas en el Foro en honor de personas importantes, y de las pinturas históricas y triunfales. El friso en bajorrelieve en Columna de Trajano se despliega como un rollo de pergamino en espiral alrededor del eje durante unos seiscientos quince pies. La historia se desarrolla continuamente sin interrupciones y tiene un ritmo rápido y convincente. Esta ya no es una crónica simple, sino un gran y conmovedor poema épico. Casi no hay aflojamiento de la tensión en la descripción de las batallas, las marchas agotadoras, el vadeo de los ríos, los ataques a las ciudades, los bosques, las llanuras, las fortificaciones y los campamentos. Por primera vez aparece un nuevo sentimiento de compasión humana por la desesperación de los conquistados, el sufrimiento de los heridos y el drama de los prisioneros. El ritmo inmediato, dramático e implacable de estos relieves, que Bianchi Bandinelli ha comparado correctamente con las esculturas de Donatello en San Antonio, Padua, introduce una nueva dimensión en el arte de la época y, tal vez, representa la expresión más noble del arte romano. Posiblemente aún persiste ’un eco de las esculturas de Pérgamo o Rodas’, pero el tratamiento y el lenguaje, enérgico y apasionado, pero ahora en un sentido humano y real, ya no heroico o mitológico como los altares de Pérgamo, ya se estaban alejando de El helenismo, incluso si aún no se habían diferenciado por completo en lo que finalmente se convirtió en el estilo de la Antigüedad tardía.
El maestro desconocido de la Columna de Trajano probablemente puede ser acreditado con los restos del ’Gran Friso de Trajano’ que anteriormente decoraba el Foro de Trajano, y también conmemoraba las victorias del Emperador sobre los Dacios. Este friso se insertó en una fecha posterior en el Arco de Constantino, un verdadero foco de esculturas de varios períodos. La columna de Trajano sirvió como modelo para otra columna erigida entre CE 108-93 en conmemoración de las victorias de Marco Aurelio sobre los marcomanos y los sarmatas. De hecho, después del período Adriano y el trabajo de restauración helenística del emperador más grecófilo, esta columna ayudó a instigar un movimiento constante lejos de los valores artísticos del helenismo. Las dos columnas, Marcus y Trajan, son similares no solo en su estructura general sino también en el repertorio iconográfico y en los escenarios realistas. Sin embargo, el estilo de la columna de Marcus es diferente: las esculturas son atormentadas y duras, ricas en sombras que dan a las figuras una profundidad dramática y dan vida a la historia vigorosamente. En resumen, era un estilo "expresionista".
Estas mismas tendencias poderosas y dramáticas, que producen figuras distorsionadas y caras intensamente expresivas, se encuentran en numerosos sarcófagos de la época. Entre los más famosos se encuentra el sarcófago de Ludovisi, en el que se representa una batalla entre los romanos y los bárbaros. El movimiento es convulsivo y frenético, y las figuras de alivio fuertemente perforadas expresan la violencia de sus emociones a través de sus cuerpos, así como sus expresiones faciales. Un sentimiento notablemente diferente de equilibrio y serenidad emana de la estatua ecuestre de Marco Aurelio.
El estilo incisivo y ’roto’ del período de Commodus; la exuberante coloración del arte severano; la reaparición de los antiguos sustratos locales durante la crisis del Imperio en el siglo tercero; las restauraciones helenizantes de Galieno (CE 253-68) y, finalmente, la difusión de las doctrinas orientales (los cultos solares y astrales, entre ellos el mitraísmo) y el creciente gusto por los asuntos abstractos e intelectuales; todas estas corrientes contribuyeron a un entrelazamiento complejo de motivos hasta la época del Imperio Tardío. También provocaron una crisis en el gran trasfondo helenístico, que hasta entonces había seguido siendo el factor dominante en el arte romano, conservando una especial influencia en la pintura y la pintura. arte mosaico . (A esta tradición se le pueden atribuir los mosaicos de Piazza Armerina, Sicilia, en el siglo IV d. C., y también los de los Baños de Neptuno en Ostia, que datan del siglo III.) El simbolismo y la alegoría dominaron el lenguaje del arte en el tiempo de los tetrarcas. La forma de trabajar se volvió más simple pero más rígida. En escultura, las características esenciales de las figuras se ejecutaron en relieve en materiales duros y preciosos, incluidos bronce y piedra , de los cuales el pórfido era la piedra más utilizada en ese momento. La estatuaria oficial sufrió cambios considerables: los emperadores se criaron de manera enfática sobre todos los demás mortales, y aparentemente estaban más apegados a un mundo abstracto propio que al de sus súbditos. Fue el comienzo de esos valores jerárquicos que debían seguir siendo fundamentales para el arte bizantino y para las expresiones figurativas del Imperio Oriental.
En arquitectura, el estilo espacioso y monumental de la Antigüedad Tardía recibió vida y movimiento mediante nichos, pórticos y ambulatorios que crearon contrastes de luz y sombra, como se puede ver en los Templos de Baalbek, los Baños de Caracalla y Diocleciano, en el Teatro de Sabratha y en la Basílica de Majencio. En Egipto, desde el siglo IV d. C., el impulso derivado del nuevo cristiano civilización , y el aumento de los contactos con Bizancio, Siria e incluso con Persia crearon un movimiento gradual pero al mismo tiempo sistemático que finalmente abrumó la impronta helenística. Las obras de interés incluyen telas tejidas y esculturas, la mayoría de las cuales están en pórfido rojo; en ellos la figura humana se representa en una posición frontal rígida, como la bustos de retratos de los emperadores, con su aspecto arrogante pero bastante distraído que recuerda los retratos de los antiguos faraones. Finalmente están las composiciones grupales de Venecia y el Vaticano: en una de ellas, el abrazo de los Tetrarcas, la composición pretendía simbolizar la nueva gloria de la Concordia Augustorum.
La palabra declinación ya se había usado en referencia al helenismo, y ahora se usaba con respecto a la antigüedad tardía. Berenson le dio a su volumen sobre el Arco de Constantino el subtítulo: Sobre el declive de la forma. Esas partes del arco que datan del período del primer emperador cristiano (hay muchos relieves de un período anterior) ofrecen en la ’incoherencia’ de su estilo, su modelado duro y distorsiones expresivas una nueva visión, una nueva forma de ver Art º. Ya no era griego y sería de suma importancia en futuros desarrollos.
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Más recursos
Para más artículos sobre arte visual en la antigua Roma, ver:
Arte romano temprano (c.510 a. C. hasta agosto 27 a. C.)
Arte del Imperio Romano: estilo celta
Arte cristiano-romano (313 CE en adelante)
Escultura romana (c.55 en adelante)
Escultura en relieve de la antigua Roma
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