Arte helenístico-romano Traductor traducir

Tras la época del arte helenístico propiamente dicho (323-27 a.C.) se abrió en Roma una nueva fase del helenismo, que pronto se convirtió en la corriente más viva y original de la época. La descripción «del arte romano» se aplica hoy en día a lo que en realidad fue una fusión de elementos etruscos, itálicos y, sobre todo, helenísticos, que fueron absorbidos y reelaborados a medida que la cultura romana los adaptaba a sus necesidades nacionales. Pero quizá sería más ajustado a la verdad denominar el arte antiguo de este periodo, al menos hasta el Bajo Imperio, con el término «arte helenístico-romano».

Altar de la Paz, Ara Pacis

Los rasgos helenísticos están profundamente arraigados en el monumento más significativo de la época de Augusto, el que más encarnaba sus ideales: el Ara Pacis (Altar de la Paz), consagrado en el Campus Martius el 30 de enero del 9 a.C.. La decoración figurativa del altar se ha perdido casi por completo, y sólo se conservan algunos fragmentos del friso que rodeaba la mesa del altar y representaba el sacrificio suovetauriliano anual. (Se realizaba delante del altar y era un sacrificio purificador compuesto por un cerdo, una oveja y un toro).

El altar está rodeado por una pantalla mural ricamente decorada. En las paredes interiores hay un gran friso con guirnaldas y cráneos de toros, que recuerdan los sacrificios rituales. En el exterior, se representa una procesión solemne que conmemora el día de la consagración del altar, el 4 de julio del año 13 a.C.

Esta obra se asemeja al friso panatenaico del Partenón, pero aquí los participantes en la procesión están diseñados con mucho mayor realismo. Uno es una representación típica de Atenas en tiempos de Pericles, el otro se esfuerza por identificar con precisión a la familia imperial, así como a los magistrados, senadores y otros funcionarios de Roma. Pero, en última instancia, ambas expresan la misma creencia en una humanidad victoriosa y afortunada, la misma ilusión de movimiento continuo hacia la eternidad.

Por otra parte, no hay nada más espléndido en el estilo helenístico que las espirales de acanto que cubren la mitad inferior del muro sagrado y serpentean alrededor de las cuatro paredes exteriores; era un diseño muy decorativo que en la Edad Media llegó a ser imitado. E incluso la solemnidad partenoniana del panel en el que Eneas sacrifica a los Penates, situado en el lado derecho de la fachada frontal, parece disolverse en una escena bucólica, quizás casi alejandrina. Además, nada es más alejandrino que el más famoso de los relieves del altar (el más famoso por su colorido académico, pero no el más bello), que está montado en la pared trasera de los biombos y se correlaciona así con el relieve de Eneas.

Aquí se representa una tierra pacificada y hecha próspera y feliz por la Pax Augusta. Los animales, la vegetación, el mar, el suave plumaje de un cisne, la bella figura femenina forman parte del repertorio helenístico, aunque el suave modelado alejandrino se interprete en algunos lugares con cierta frigidez. Hay cuatro relieves en las cortas paredes exteriores este y oeste, y todos son simbólicos, en contraste con el «reportaje histórico» desplegado en las otras paredes, más largas.

Alrededor del altar se encuentran las obras realizadas por Augusto y sus ministros Mecenas y Agripa, que dieron a Roma un nuevo aspecto monumental. "Restitutor aedium sacrarum et operum publicorum, Augusto podía en efecto estar orgulloso de haber transformado Roma de terracota y ladrillo en una Roma de mármol" (Becatti).

Los principales episodios del programa de construcción del Principado fueron la finalización del Foro de César, la construcción del Foro de Augusto y la erección del Panteón. Este último fue destruido por un incendio y reconstruido bajo Adriano. Bajo la inmensa cúpula de este templo, dedicado a los siete dioses planetarios, surgió una nueva y amplia concepción de la unidad cósmica: de hecho, aún estamos muy lejos de la «escala humana» de la arquitectura y la escultura del Partenón. (Sobre los estilos arquitectónicos y el diseño de la Antigua Grecia y la Antigua Roma, véase: Arquitectura romana)

Escultura romana agustiniana

El clasicismo que dominó la escultura oficial de Augusto, y que se manifestó claramente en la juventud idealizada de los numerosos retratos del emperador, dejó su impronta en los periodos posteriores. La tendencia realista, que surgió primero bajo Claudio y luego bajo Nerón, recobró fuerza, pero ahora en un ámbito menos oficial, en el arte más privado y popular.

Así, junto al célebre retrato de Norbanus Sorex o el retrato de los esposos pompeyanos, que casi parece anticipar los retratos de las momias de Fayum, se encuentra una serie de «pequeñas» esculturas que tratan de aspectos de la vida cotidiana y de las ocupaciones de comerciantes y tenderos, representados en sus diversos rótulos.

El movimiento realista penetró también en el arte imperial durante el reinado de los Flavios (Vespasiano, Tito y Domiciano) 69-96 d.C.. El retratista ya no tenía prisa por esculpir arrugas en el rostro delgado de Vespasiano o por velar con una ligera sombra la cara carnosa de alguna noble matrona.

Las imágenes del arco de triunfo erigido por el Senado en honor de Tito, el conquistador de Judea (70 d.C.), muestran un estilo lleno de movimiento e ideas narrativas, a veces dramático y ciertamente muy alejado de la tranquilidad clásica de los relieves augusteos. Una vez abolido el fondo neutro, los artistas se esforzaron por crear la ilusión de un espacio libre en el que pudiera desarrollarse la acción. El fondo parecía abrirse y admitir personas en movimiento. La acción narrada resultaba más verdadera y real en un escenario que utilizaba la idea de profundidad.

Anfiteatro Flavio, Coliseo

En el campo de la arquitectura, en la segunda mitad del siglo I a.C. surgieron dos monumentos grandiosos: la inmensa Casa Dorada, construida por Nerón, quizá imitando los gustos de los grandes príncipes orientales, y el Anfiteatro Flavio o Coliseo.

El anfiteatro fue una invención romana obtenida duplicando el tamaño del teatro griego. Con esta enorme estructura, Nerón resolvió el problema de la presentación de espectáculos circenses, destinados al entretenimiento de las masas.

La violenta erupción del Vesubio en el año 79 d.C. sepultó Pompeya, Herculano y Estabia. La erupción no sólo preservó bellos ejemplos de urbanismo y arquitectura doméstica romanos, sino que también permitió trazar la evolución completa de la pintura (aunque fuera de estilo más provinciano que el arte que florecería en la capital) en el siglo I a.C. y el siglo I d.C. - hasta el momento en que la lava del volcán acabó para siempre con la vida de las tres ciudades.

Pintura mural decorativa

La pintura que adornaba las casas romanas era decorativa. Cumplía la misma función decorativa que las estatuas griegas, tan demandadas en la época, tanto copias como originales. El estilo decorativo de Pompeya se desarrolló de forma más o menos independiente, y hoy en día es habitual distinguir cuatro estilos principales de pintura pompeyana.

El más antiguo, que data del siglo II a.C., es el llamado estilo de incrustación, consistente en simples pinturas sobre tabla de estuco coloreado o frescos . El segundo estilo (perspectiva arquitectónica) data de principios del siglo I a.C. y es claramente de origen helenístico, como la mayor parte de la pintura romana.

El enfoque de la pintura mural, con su imitación de los elementos arquitectónicos, se hizo más complejo. La intención era ampliar ilusoriamente el espacio real de la pared, similar al de un decorado teatral. El tercer estilo coincidió con el final del segundo. Era más sobrio y gravitaba hacia el decorativismo, carente de profundidad. Las pinturas, casi como miniaturas, destacaban sobre un único fondo de color oscuro: "por regla general, tonos cálidos -rojo, amarillo, negro brillante-, así como suaves -azul verdoso-". Y "unas ligeras pinceladas….. pequeñas y deliciosas decoraciones lineales o florales…. composiciones de figuras, paisajes o incluso cuadros reales" (Bianchi Bandinelli).

A partir del Segundo Estilo se desarrolló la exuberante imaginación y riqueza decorativa del Cuarto Estilo; aquí se acentuaron los motivos arquitectónicos presentes en el estilo anterior. El origen helenístico de todos estos estilos decorativos es bastante obvio, pero no todos tuvieron el mismo éxito. Si reconocemos la gran consistencia del tercer estilo, no es sorprendente que sus elementos dominen las formas decorativas del siglo II d.C., después de que la fantasmagoría de los muros del cuarto estilo se hubiera agotado a finales del siglo anterior.

"En la época de Adriano, estas formas se volvieron más sobrias y lineales, y corrían el riesgo de quedarse bastante congeladas y estáticas. Luego, en la época antonina, se volvieron más cálidas, hubo cierta renovación de los elementos de perspectiva…. hasta la aparición de esbeltas formas arquitectónicas, a partir de las cuales, después del 180 d.C., desapareció todo rastro de ilusionismo y todo se volvió absolutamente esquemático, dando lugar a un estilo lineal en colores rojo y verde sobre fondo blanco. A partir de entonces, este estilo cubrió con sorprendente uniformidad los muros y bóvedas de casas y cámaras funerarias, incluidas las de las catacumbas cristianas" (Bianchi Bandinelli).

Los temas de las ilustraciones solían proceder de los mitos griegos o de la época moderna, otros del mundo religioso (como el famoso ciclo de la Villa de los Misterios). La pintura folclórica (rótulos de tiendas, representaciones de juegos y fiestas) es un estudio en sí mismo, pero incluso aquí el vínculo con el mundo helenístico es evidente en el uso de la técnica de «generalización».

El gusto por la pintura de «síntesis» se caracteriza por el uso de grandes manchas de color impresionistas, que, además del vigoroso juego de luces y sombras, es una característica de numerosos bodegones y paisajes (este último era un tema favorito en la pintura romana). Los paisajes, imaginarios, idílicos o reales, tratan de representar, por ejemplo, un jardín, rompiendo el espacio cerrado de la habitación e implantando en la mente del observador la noción de estar al aire libre.

La columna de Trajano

La época de Trajano (98-117 d.C.) desempeñó un papel muy importante en el desarrollo del arte romano. En el nuevo Foro construido por el emperador (diseñado por Apolodoro de Damasco) se erigió una columna en honor de las campañas dacios (101-2 y 105-6 d.C.). Se trataba de un tipo de monumento nuevo y original, heredero de las columnas conmemorativas erigidas en el Foro en honor de personajes importantes y de las pinturas históricas y triunfales.

El friso en bajorrelieve de la columna de Trajano se despliega como un rollo de pergamino en espiral alrededor del fuste a lo largo de unos seiscientos quince pies. La narración se desarrolla continuamente, sin interrupción, y tiene un ritmo rápido y convincente. Ya no se trata de una mera crónica, sino de un gran y conmovedor poema épico. En la descripción de batallas, marchas agotadoras, vados de ríos, asaltos a ciudades, bosques, llanuras, fortificaciones y campamentos, la tensión es casi incesante. Por primera vez hay un nuevo sentimiento de compasión humana por la desesperación de los vencidos, el sufrimiento de los heridos y el drama de los cautivos.

El ritmo directo, dramático e inexorable de estos relieves, que Bianchi Bandinelli compara acertadamente con las esculturas de Donatello en la catedral de San Antonio de Padua, aporta una nueva dimensión al arte de la época y representa quizá la expresión más noble del arte romano. Puede que aún tenga "ecos de las esculturas de Pérgamo o Rodas", pero la interpretación y el lenguaje - vigorosos y apasionados, pero ahora en un sentido humano y real, sin heroísmo ni mitología como en los retablos de Pérgamo - ya se habían apartado del helenismo, aunque aún no se hubieran diferenciado del todo en lo que finalmente se convirtió en el estilo de la Antigüedad tardía.

A un maestro desconocido de la Columna de Trajano podemos atribuir probablemente los restos «del Gran Friso de Trajano», que antiguamente adornaba el Foro de Trajano y que también estaba dedicado a las victorias del emperador sobre los dacios. Este friso se insertó posteriormente en el Arco de Constantino, que es un auténtico batiburrillo de esculturas de distintas épocas.

La Columna de Trajano sirvió de modelo para otra columna erigida en 108-93 d.C. en honor de las victorias de Marco Aurelio sobre los marcomanos y los sármatas. De hecho, tras la época de Adriano y las restauraciones helenísticas de este emperador más grecófilo, esta columna contribuyó a un constante alejamiento de los valores artísticos del helenismo.

Las dos columnas, la de Marcos y la de Trajano, son similares no sólo en la estructura general, sino también en el repertorio iconográfico y en las actitudes realistas. Sin embargo, el estilo de la columna de Marcos es diferente: las esculturas son agónicas y severas, saturadas de sombras que dan a las figuras una profundidad dramática y animan enérgicamente el tema. En resumen, se trata de un estilo «expresionista».

Las mismas tendencias poderosas y dramáticas, que crean figuras distorsionadas y rostros intensamente expresivos, son evidentes en numerosos sarcófagos de la época. Entre los más famosos se encuentra el sarcófago de Ludovisi, que representa una batalla entre romanos y bárbaros. Los movimientos son convulsivos y frenéticos, y las figuras en relieve fuertemente cinceladas expresan la ferocidad de la emoción tanto en la expresión corporal como facial. Una sensación muy diferente de equilibrio y tranquilidad emana de la estatua ecuestre de Marco Aurelio.

El estilo incisivo y «fracturado» de la época de Cómodo; el exuberante colorido del arte nórdico; el renacimiento de los antiguos sustratos locales durante la crisis del imperio en el siglo III; las restauraciones helenizantes de Galieno (253-68 d.C..); por último, la difusión de doctrinas orientales (cultos solares y astrales, incluido el mitraísmo) y el creciente gusto por lo abstracto y lo intelectual: todas estas corrientes contribuyeron a un complejo entrelazamiento de motivos hasta el Bajo Imperio. También condujeron a una crisis del gran trasfondo helenístico, que hasta entonces había seguido siendo el factor dominante en el arte romano, conservando una influencia especial en la pintura y el arte del mosaico . (A esta tradición pueden atribuirse los mosaicos de la plaza Armerina (Sicilia) del siglo IV d.C., así como los mosaicos de las termas de Neptuno en Ostia, que datan del siglo III).

El lenguaje artístico de los tetrarcas estaba dominado por el simbolismo y la alegoría. El estilo de las obras se simplificó, pero se hizo más rígido. En escultura, los rasgos principales de las figuras se ejecutaban en relieve en materiales duros y preciosos, entre ellos el bronce y la piedra, de los cuales el pórfido era el más común. La escultura oficial experimentó un cambio importante: los emperadores se elevaron enfáticamente por encima del resto de los mortales y, al parecer, estaban más apegados a su propio mundo abstracto que al de sus súbditos. Este fue el comienzo de los valores jerárquicos que siguieron siendo fundamentales en el arte bizantino y en la expresión figurativa del Imperio de Oriente.

En arquitectura, el estilo espacioso y monumental de la Antigüedad tardía cobró vida y movimiento a través de nichos, pórticos y deambulatorios que creaban contrastes de luz y sombra, como puede verse en los templos de Baalbek, las termas de Caracalla y Diocleciano, el teatro de Sabrata y la basílica de Majencio.

En Egipto, a partir del siglo IV d.C., el impulso de la nueva civilización cristiana, y los crecientes contactos con Bizancio, Siria e incluso Persia, condujeron a un movimiento gradual pero sistemático que acabó por desbancar la impronta del helenismo. Son interesantes tanto los tejidos como las esculturas, la mayoría de ellas de pórfido rojo; en ellas, la figura humana se muestra en una rígida pose frontal, como en los bustos-retrato de los emperadores, con su mirada altiva pero algo distraída, que recuerda a los retratos de los antiguos faraones. Por último, hay composiciones de grupo procedentes de Venecia y del Vaticano: en una de ellas, «Abrazo de los Tetrarcas», la composición pretendía simbolizar la nueva gloria de la Concordia Augustorum.

La palabra «declive» ya se había utilizado en relación con el helenismo, ahora se emplea en relación con la Antigüedad tardía. Berenson dio a su libro sobre el Arco de Constantino el subtítulo: «Sobre la decadencia de la forma». Las partes del arco que pertenecen al reinado del primer emperador cristiano (hay muchos relieves de una época anterior) ofrecen en la «incoherencia» de su estilo, su modelado rígido y sus distorsiones expresivas una nueva visión, una nueva forma de percibir el arte. Ya no era griego, y esto iba a ser de gran importancia para su desarrollo posterior.

Véase también: Arte romano tardío (c. 200-400 d.C.)

Para otros artículos sobre las artes visuales de la antigua Roma, véase:
Arte romano primitivo (c. 510 a.C. - 27 de agosto a.C..)
Arte romano: estilo celta
Arte romano cristiano (a partir del 313 d.C.)
Escultura romana (a partir del 55 d.C.)
Escultura en relieve de la antigua Roma (§1212)

Más sobre la evolución de las artes visuales: Historia del Arte .