Arquitectura americana: orígenes, historia, características Traductor traducir

Arquitectura colonial (c.1600-1720)

los arquitectura utilizado por los primeros pobladores de América del Norte se conoce tradicionalmente como arquitectura colonial . (Ver también: Arte colonial americano .) Esta arquitectura temprana fue tan diversa como los propios colonos, que incluían español, inglés, escocés-irlandés, holandés, alemán, francés y sueco. Cada grupo de inmigrantes trajo consigo el estilo y las prácticas de construcción de su madre patria, adaptándolo a las condiciones de su nueva patria, como lo demuestra el diseño gótico medieval del norte de Europa para casas de pueblo y graneros. En total, había alrededor de siete diseños coloniales básicos, que incluyen: (1) arquitectura colonial española , en gran parte basada en el español Arquitectura barroca – que fue el primer estilo que apareció en América, y se extendió por Florida, Nuevo México, Texas, Arizona y California, desde mediados del siglo XVI en adelante. (2) Arquitectura colonial de Nueva Inglaterra , caracterizada por marcos de roble y revestimiento de tablillas, y basada en modelos ingleses. (3) Arquitectura colonial holandesa , que empleaba más piedra y ladrillo, y se basaba en prototipos en Flandes y Holanda. (4) Colonial sueco , visto a lo largo del bajo río Delaware, del cual se deriva el diseño americano de ’cabaña de troncos’, caracterizado por troncos redondos con extremos sobresalientes. (5) Colonial de Pensilvania , fundada sobre prototipos ingleses, que rápidamente se transformó en un sofisticado estilo georgiano. (6) Arquitectura colonial francesa , que surgió en las provincias marítimas del norte de Canadá, Quebec y el valle de San Lorenzo. Los franceses también introdujeron el llamado estilo de Quebec en sus asentamientos alrededor de los Grandes Lagos y la región de Mississippi. En el sur profundo, otro estilo distintivo de construcción francesa prevaleció en Louisiana y su capital, Nueva Orleans. (7) Colonial del sur , que generalmente involucra estructuras construidas con ladrillos con grandes chimeneas salientes, que surgieron en todo Virginia y las Carolinas.

Arquitectura georgiana en América (c.1700-1770)

Durante el siglo XVIII, hasta la Revolución Americana, el estilo arquitectónico básico (o `` estilos ’’) más utilizados en las colonias inglesas en Estados Unidos se denominó georgiano , después de los tres monarcas ingleses George I, II y III. La arquitectura georgiana estadounidense abarcaba tres estilos distintos: (1) El idioma barroco de Sir Christopher Wren (1632-1723) y sus seguidores. (2) El estilo palladiano de Arquitectura renacentista inventado por el diseñador Andrea Palladio (1508-80), que introdujo las características simétricas y equilibradas por las que los diseños georgianos son famosos. (3) El estilo neoclásico , una reversión a los principios arquitectónicos griegos y romanos, que se puso de moda en la segunda mitad del siglo XVIII. Ver abajo para más detalles. Ejemplos de arquitectura georgiana en Estados Unidos incluyen: Independence Hall, Filadelfia (1745) y King’s Chapel, Boston (1750). Sin embargo, el edificio georgiano más famoso debe ser La Casa Blanca en 1600 Pennsylvania Avenue, Washington DC. Una mansión georgiana en el estilo palladiano, fue diseñada por el arquitecto irlandés-estadounidense James Hoban (1762-1831), quien la modeló en Leinster House en Dublín y un diseño del Libro de Arquitectura (1728) de James Gibbs.

Arquitectura neoclásica en América (c.1776-1920)

Había dos variantes básicas de americano Arquitectura neoclásica entre 1776 y 1850: (1) el estilo federal y (2) el estilo del renacimiento griego . Ambos fueron inspirados en los principios arquitectónicos inventados y perfeccionados por los antiguos griegos y romanos. civilización , que se consideraron los modelos más apropiados para la incipiente democracia de los Estados Unidos. Ver también: Arte neoclásico .

Estilo federal de neoclasicismo

El término "arquitectura de estilo federal" describe un estilo clasicista suelto que floreció hasta 1815. Se caracteriza por la adición de nuevas características antiguas, incluidos elementos griegos y bizantinos, al estilo georgiano simétrico. Influenciado por los descubrimientos arqueológicos descubiertos en los antiguos sitios romanos de Pompeya y Herculano, y por el arquitecto escocés Robert Adam (1728-92) y su influyente libro The Works in Architecture de Robert y James Adam (1773), el estilo federal difería del georgiano arquitectura en su preferencia por menos pilastras / columnas, y superficies más planas con menos detalles, generalmente colocadas dentro de paneles, tabletas y frisos. Otras características incluyen interiores luminosos con grandes ventanas y una apariencia decorativa pero moderada. Incapaz Arquitectos americanos quienes produjeron diseños de estilo federal incluyen: Charles Bulfinch (1763-1844) y William Thornton (1759-1828), así como Asher Benjamin (1773-1845), Samuel McIntire (1757-1811) y Alexander Parris (1780-1852). Los ejemplos de arquitectura federal en Estados Unidos incluyen: la Casa del Estado de Massachusetts (1798), el Antiguo Ayuntamiento (c.1816-17) y el Hamilton Hall (1805), ambos en Salem, Massachusetts.

Estilo de renacimiento griego del neoclasicismo

Avivamiento Arquitectura griega implicaba una mayor adhesión a los valores y modelos estilísticos de Arte griego (c. 450-27 a. C.) El uso generalizado del neoclasicismo en la arquitectura estadounidense y francesa, contribuyó a una asociación entre el neoclasicismo y el republicanismo, que floreció hasta la caída de Napoleón Bonaparte. Por el contrario, el renacimiento gótico del siglo XIX puede interpretarse como una reacción monáquica o conservadora al republicanismo neoclásico. La arquitectura neoclásica de finales del siglo XIX fue una expresión del movimiento renacentista estadounidense (c.1880-1918): su fase final fue la arquitectura Beaux-Arts (1885-1920), y sus proyectos públicos finales incluyen el Lincoln Memorial (1922), el National Galería en Washington DC (1937), y el Museo Roosevelt Memorial del Museo Americano de Historia Natural (1936).

Thomas Jefferson (1743-1826), el tercer presidente de los Estados Unidos (1801-9) también fue un buen arquitecto. Entre sus obras maestras arquitectónicas se encontraba el Capitolio del Estado de Virginia en Richmond (1785-96). En su diseño de este prototipo del edificio público estadounidense, Jefferson utilizó simplificaciones del neoclasicismo francés, reemplazando el estilo corintio original con el orden jónico más sobrio, una referencia simbólica al espíritu de las antiguas repúblicas. En este edificio, dio una clara indicación de las señales arquitectónicas que la joven república estadounidense pretendía enviar.

Uno de los diseños más famosos de Jefferson fue para Monticello House (1769-1809) ahora un sitio del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Basado en los edificios de planta central del arquitecto renacentista italiano Andrea Palladio (1508-80), filtrado a través de la interpretación de Jefferson de las casas de campo inglesas, Monticello es un edificio monumental y elegante. Su pórtico blanco clásico con cuatro columnas toscanas se destaca fuertemente contra la tela roja de ladrillo de la que está compuesto todo el edificio. Una cúpula en la parte superior de un tambor octogonal indica el corazón del edificio, un amplio salón central iluminado desde arriba por ventanas circulares. Las referencias al equilibrio y la simetría y las articulaciones compuestas de columnas, tímpanos y trabeaciones hábilmente enfatizadas por el uso de los colores rojo / blanco se convertirían en términos de referencia perdurables para el movimiento clásico estadounidense.

Benjamin Latrobe (1764-1820), formado en Inglaterra por el innovador arquitecto Samuel Pepys Cockerell, fue uno de los principales exponentes del renacimiento griego de la arquitectura neoclásica, y fue un firme defensor de la pureza estilística. En 1801 diseñó el Banco de Pensilvania en Filadelfia, el primer ejemplo de arquitectura del renacimiento griego en los Estados Unidos. Era un austero edificio inspirado en un templo jónico griego con pórticos alrededor de un espacio central abovedado. La creatividad de Latrobe se extendió hasta los detalles más pequeños de tales edificios; Para dar un ejemplo, al presentar los capiteles corintios, reemplazó las hojas clásicas de acanto con las hojas más americanas de tabaco u maíz. En 1803, Jefferson lo nombró Topógrafo de los Edificios Públicos de los Estados Unidos, dándole la tarea de dirigir la construcción del Capitolio de los Estados Unidos. Sin embargo, el diseño de la Basílica de Baltimore (1806-1821), la primera catedral católica romana en América, se considera su obra maestra. También completó varias casas, entre ellas: Adena en Chillicothe, Ohio, Decatur House en Washington DC y Pope Villa en Lexington, Kentucky.

Uno de los edificios más famosos de estilo renacimiento griego es, por supuesto, el Capitolio de los Estados Unidos (1792-1827). La sede del Congreso, el Senado de los Estados Unidos y la Cámara de Representantes, fue diseñada por William Thornton, Benjamin Latrobe y Charles Bulfinch. Modelado en el orden griego corintio, el estilo griego más adornado con columnas delgadas decoradas con hojas de acanto y rollos, su exterior está hecho completamente de mármol. La Estatua de la Libertad fue erigida en la parte superior de la cúpula en 1863.

Los principales seguidores clásicos de Latrobe incluyeron a William Strickland (1788-1854), Robert Mills (1781-1855), Ithiel Town (1784-1844), Thomas Walter (1804-87) y Alexander Jackson Davis (1803-92). Strickland diseñó el Intercambio de Comerciantes de Filadelfia (1832-34), con una impresionante linterna inspirada en el Monumento Choragic de Lisicrates en Atenas, Grecia. Robert Mills diseñó la Oficina de Patentes y el Tesoro (1836-42) en Washington DC, así como el Monumento a Washington en Baltimore (1815-29), que se basó en una enorme columna dórica, la primera estructura de este tipo en Estados Unidos. Thomas Walter colaboró ​​en el edificio del Capitolio de los Estados Unidos y fue responsable del elegante diseño del templo corintio de Girard College (1833-47). Innumerables otros edificios públicos en los Estados Unidos continuaron siendo modelados en prototipos grecorromanos, hasta bien entrado el siglo XX. Davis fue uno de los principales arquitectos de la casa del templo griego, un diseño ejemplificado por la Casa Bowers (1825-26) en Northampton, Massachusetts.

En 1846 Richard Morris Hunt (1827-95), a menudo llamado el decano de la arquitectura estadounidense, se convirtió en el primer estudiante de arquitectura estadounidense en el Ecole des Beaux-Arts en París. Hunt, quien probablemente sea mejor conocido por diseñar el pedestal para la Estatua de la Libertad (1886) en el puerto de Nueva York, y por su diseño del Museo Metropolitano de Arte , Nueva York – fue instrumental en la introducción de la arquitectura Beaux-Arts en América. Fuertemente influenciado también por Arte renacentista , se especializó en el diseño de viviendas de lujo para clientes adinerados como los Astors y los Vanderbilts, como The Breakers, una opulenta mansión neorrenacentista construida en Newport, 1892-95 para Cornelius Vanderbilt II. También diseñó Biltmore Estate (1888-95), un complejo de inspiración renacentista francesa en Carolina del Norte, basado en los castillos de Blois, Chenonceau y Chambord del Loira. Hunt también fue uno de los fundadores del Instituto Americano de Arquitectos , y fue elegido presidente en 1888.

Otro graduado de París Henry Hobson Richardson (1838-86) se destacó por su Arquitectura románica inspirado en Vaudremer, como lo ejemplificaron el Palacio de Justicia y la Cárcel del Condado de Allegheny (1883-88). Charles Follen McKim (1847-1909), otro graduado de la Ecole 1867-70, fundó la altamente influyente firma de arquitectos McKim, Mead and White, junto con William Rutherford Mead (1846-1928) y Stanford White (1853-1906). La empresa produjo una corriente de edificios clásicos para rivalizar con todo lo visto desde el apogeo de Arte romano e ingeniería. Los ejemplos incluyen la Biblioteca Pública de Boston (1887-95), el Capitolio del Estado de Rhode Island (1891-93), la Universidad de Columbia, la ciudad de Nueva York (1894-98) y la estación de Pensilvania, la ciudad de Nueva York (1902-11), también como otros diseños exhibidos en la Exposición Colombina del Mundo en Chicago en 1893.

Los famosos arquitectos neoclásicos estadounidenses del siglo XX incluyen a John Russell Pope (1874-1937) (diseñado por Jefferson Memorial, y Galería Nacional de Arte, Washington, DC ) y Paul Philippe Cret (1876-1945) (diseñado Hartford County Building, Connecticut).

Famosos edificios neoclásicos tardíos

El monumento a Washington (1884)
Un obelisco erigido en honor a George Washington, el primer presidente de Estados Unidos, fue diseñado en 1838 por Robert Mills (1781-1855). Con una altura aproximada de 555 pies (169 metros), se terminó en 1884 y se abrió al público en 1888.

El monumento a Lincoln (1915–1922)
Diseñado por Henry Bacon (1866-1924) y construido con mármol y piedra caliza blanca, está inspirado en un templo griego de la Orden Dórica. Las treinta y seis columnas estaban destinadas a representar los 36 estados de la Unión, en el momento de la muerte de Lincoln.

Monumento a Jefferson (1934-43)
Diseñado por John Russell Pope , Otto R. Eggers y Daniel P. Higgins , e inspirado en el Panteón de Roma, el monumento presenta una cúpula redonda única, una columnata circular y un orden corintio.

Arquitectura gótica del renacimiento en América (c.1800-1900)

En parte una respuesta conservadora al neoclasicismo, el renacimiento gótico en los Estados Unidos no fue el resultado de convicciones artísticas, románticas o racionalistas profundamente sentidas y, debido a un conocimiento de primera mano del estilo, se aplicó de manera algo inconsistente. Basado en principios de la Edad Media. arquitectura gótica (1150-1375), el primero registrado estilo gótico El edificio en Estados Unidos, una mansión llamada Sedgeley, fue construida en 1798 por el arquitecto neoclásico Benjamin Latrobe en las afueras de Filadelfia. Otros edificios del Renacimiento gótico diseñados por Latrobe incluyen el Banco de Filadelfia (1807-8) y la Iglesia de Cristo (1808), Washington DC. El estilo también fue utilizado ocasionalmente por otros neoclásicos, incluidos William Strickland (Masonic Hall, Filadelfia, 1809-11) y Charles Bulfinch (Federal Street Church, Boston, 1809). La primera iglesia del Renacimiento gótico fue el Seminario de Santa María en Baltimore (1807), cuyo diseñador fue el arquitecto francés Maximilien Godefroy . Sin embargo, no fue hasta la década de 1830 cuando se construyeron una serie de iglesias de granito simples en Boston (Primera Iglesia Episcopal Metodista en Temple Street) que vemos signos de un movimiento tangible de renacimiento gótico. Compare estos edificios eclesísticos con la serie de iglesias de madera de estilo gótico intrincadamente talladas (San Pedro en Waterford) erigidas aproximadamente al mismo tiempo en Pensilvania. (Ver también: Arte gótico y Escultura gótica .)

El arquitecto innovador de la siguiente fase del Renacimiento gótico fue Richard Upjohn (1802-78) que se destacó por su arquitectura de iglesia de piedra arenisca roja, basada en formas europeas del siglo XVI. La Iglesia de la Trinidad (1839-46) en la ciudad de Nueva York, fue su primer gran éxito, y fue seguida por muchas otras iglesias, cuyos exteriores poco inspiradores fueron más que compensados ​​por la hermosa arcada de madera y la armadura de sus interiores: ver, por ejemplo, La Primera Iglesia Parroquial (1845-46) en Brunswick, Maine.

Gótico de carpintero

La tradición de la madera (conocida coloquialmente como " gótico de carpintero ") también se aplicó a la construcción de casas y casas de madera, finalmente reemplazando el estilo colonial no decorado de las viviendas de madera domésticas. De hecho, en términos de números, este tipo de arquitectura doméstica fue la ocupación principal del Renacimiento gótico a mediados del siglo XIX. Los desarrollos incluyeron la primera mansión de plantación de estilo gótico (Belmead, condado de Powhatan, Virginia, 1845), diseñada por Alexander Jackson Davis , así como los diseños góticos y casita castellados de este último. Mientras tanto, el amigo de Davis, el crítico y teórico de arquitectura Andrew Jackson Downing (1815-52) favoreció un regreso a los detalles medievales: usó su versión preferida de Gothic Revival Vitral , ventanas de ojivas, aguilones, torres de troneras, gárgolas y techos con fuertes pendientes. En 1841 publicó su obra seminal " Un tratado sobre la teoría y la práctica de la jardinería paisajística adaptada a América del Norte ", que contenía una larga sección sobre arquitectura rural. Esto, junto con " The Architecture of Country Houses " (1850) y sus ensayos en " The Horticulturalist ", que editó desde su inicio en 1846, establecieron a Downing como el árbitro del buen diseño, al menos hasta su muerte prematura en una explosión de un barco de vapor.

El estilo gótico de carpintero de mediados del siglo XIX llevó al " estilo de palo " de la arquitectura de madera , basado en armaduras de varillas de madera. La arquitectura "Stick Style" está marcada por un diseño simple y simple. Los edificios tienen techos altos con pendientes pronunciadas y frontones decorados. A menudo se empleó en la construcción de estaciones de tren y escuelas, así como en casas particulares. Las variantes más decorativas del "Estilo de palo" a menudo se denominan Eastlake . Un ejemplo de un diseño de "Estilo de palo" es la casa de John N. Griswold en Newport, Rhode Island (1862), diseñada por Richard Morris Hunt . El diseño disminuyó desde aproximadamente 1873 en adelante, antes de evolucionar hacia el estilo de la Reina Ana en la década de 1890. El estilo Queen Anne tenía varias características en común con el "Estilo Stick", como la superposición de los planos del techo, los porches envolventes y los picos decorativos a dos aguas. Ver abajo para más detalles.

Renacimiento gótico tardío (1860 en adelante)

Influenciado por temprano Arquitectura victoriana , un período más serio del movimiento de renacimiento gótico comenzó en 1860, después de la construcción de la Catedral Católica Romana de San Patricio NYC (1858-88) por James Renwick (1818-95), quien había sido responsable del controvertido diseño neo-normando de la Institución Smithsonian en Washington DC (1848). El diseño de San Patricio fue una maravillosa fusión de elementos de la Catedral de Notre Dame en Reims (Francia) y Catedral de Colonia (Alemania), y se construyó con materiales más ligeros que la piedra, lo que permitió cambiar de contrafuertes a contrafuertes exteriores. Sin embargo, la preferencia de Renwick por los prototipos continentales (ver, por ejemplo, restauraciones del arquitecto francés Viollet-le-Duc ) estaba en marcado contraste con muchos otros arquitectos de la época, que usaban modelos ingleses, junto con las recomendaciones del eminente crítico de arte John Ruskin (1819-1900). Un ejemplo de esto último es el Alumni Hall, Union College, Schenectady, diseñado en 1858 y completado en 1875, por el alumno de Upjohn, Edward Potter (1831-1904). Otros incluyen: la Academia Nacional de Diseño, Nueva York (1863-65), un edificio gótico veneciano bastante brutal diseñado por Peter B. Wight ; y la capilla más refinada de San Juan (1859) en el Seminario Teológico Episcopal en Cambridge, Massachusetts, diseñado por William Robert Ware y su socio Henry Van Brunt (1832-1903). Otros exponentes del "gótico colegiado" fueron Richard Morris Hunt, quien produjo el diseño arquitectónico de la Escuela de Divinidad de Yale (1869), y Russell Sturgis (1836-1909), socio de Wight, quien fue el arquitecto de varios pasillos en la Universidad de Yale. durante el período 1869-85. Otros diseñadores de edificios de esta fase particular de la arquitectura del Renacimiento gótico incluyen a John H. Sturgis (1834-1888) y Charles Brigham (1841-1925), responsable de la Museo de Bellas Artes, Boston (1876); Frank Furness (1839-1912), conocido por sus motivos góticos en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania (1872-76) y la Institución Providente (1879), ambos en Filadelfia; HH Richardson (1838-86), que utilizó diseños románicos como base para su estilo personal distintivo del gótico: ver, por ejemplo, Brattle Square Church, Boston (1870-72) y Trinity Church en Copley Square, Boston (c.1872 -77).

Al igual que con el neoclasicismo, el movimiento del renacimiento gótico duró hasta el siglo XX, gracias a diseñadores como Ralph Adams Cram (1863-1942) y sus socios, Bertram G. Goodhue (1869-1924) y Frank W. Ferguson , que consideraron el estilo como especialmente apropiado para edificios de colegio y universidad. Su trabajo está ejemplificado por The Graduate College (1913) y University Chapel (1929) en Princeton. El renacimiento gótico incluso se extendió a los rascacielos, como el Edificio Woolworth en la ciudad de Nueva York (1910-13) diseñado por Cass Gilbert (1859-1934).

Arquitectura del Segundo Imperio (c.1855-80)

Este estilo coincidió con el imperio del emperador francés Napoleón III, y fue adoptado con entusiasmo en Estados Unidos, especialmente para edificios gubernamentales, instituciones, como hospitales y asilos, y casas particulares. La característica más obvia del diseño del Segundo Imperio es el techo abuhardillado , llamado así por Francois Mansart (sic) (1598-1666), una de las características arquitectónicas del reinado de Luis XIV, que había vuelto a la moda a mediados del siglo XIX en París. La arquitectura del Segundo Imperio también se caracterizó por ventanas abuhardilladas, torres cuadradas y columnas emparejadas para mejorar la altura. Los edificios famosos del Segundo Imperio en América incluyen: Old City Hall, Boston (1862-65), de Gridley James Fox Bryant y Arthur Gilman (1821-82); el Old Executive Office Building, Washington DC (1871-88), y la Old Post Office St Louis, Missouri (1873-84), ambos por Alfred B Mullet (1834-90); y el Ayuntamiento de Filadelfia (1871-1901), por John McArthur Jr (1823-1890).

Rascacielos: la escuela de Chicago (1870-1920)

En 1871, en uno de los peores desastres en la historia de los Estados Unidos, la ciudad de Chicago, que luego se construyó casi exclusivamente de madera, fue destruida casi por completo por un gran incendio. La reconstrucción de la ciudad en piedra y acero marcó un punto de inflexión revolucionario en la historia de la arquitectura: en particular, la historia de la construcción de rascacielos . Ver: Arquitectura de rascacielos (1850-presente).

De hecho, el alto edificio de oficinas ya se había hecho necesario en Estados Unidos por la alta densidad de bancos, oficinas, terminales ferroviarias y almacenes en secciones pequeñas de ciudades en crecimiento. Y después de la invención del ascensor de seguridad por Elisha Otis en 1853, empujar hacia el cielo era la única opción posible para maximizar el espacio y los ingresos por alquiler. Además, dichos edificios proporcionarían proximidad mutua para que las empresas agilicen las comunicaciones, así como un emblema comercial de prestigio visible. Los primeros ’rascacielos’ fueron diseñados por arquitectos tradicionalistas, y ofrecieron un gran desafío a los métodos regulares de construcción de mampostería.

los Escuela de arquitectura de Chicago se refiere a las innovaciones desarrolladas por los arquitectos e ingenieros involucrados en la reconstrucción de la ciudad. Se enfrentaron a ciertos problemas muy específicos: la inserción de nuevos edificios en lo que quedaba del tejido urbano; el diseño de estructuras que serían tecnológicamente confiables y resistentes al fuego; y el diseño de formas adecuadas para las funciones de los nuevos edificios, la mayoría para el uso de las industrias de servicios.

Entre estos arquitectos estaba el parque y el urbanista William Le Baron Jenney (1832-1907), que había estudiado en la Harvard Scientific School y en la Ecole des Beaux Arts de París. Propuso un nuevo edificio de varios pisos, el rascacielos, en el que la altura vertical, posible gracias a la invención del ascensor, aumentó exponencialmente el uso del lote del edificio. La estructura se hizo técnicamente posible gracias al uso de un esqueleto de metal. Para el edificio Home Insurance Company (1884-5), por ejemplo, Jenney diseñó un esqueleto metálico de columnas de hierro fundido, envuelto en mampostería, y vigas de hierro forjado, que transportaban las paredes y ventanas de mampostería en cada nivel del piso. [Nota: Compare el uso de hierro forjado de Jenney con el utilizado en el diseño de Torre Eiffel (1887-89) por Gustave Eiffel 1832-1923.] Su alumno Daniel Hudson Burnham (1846-1912) desarrolló un lenguaje expresivo para explorar nuevas posibilidades en el diseño y composición de las grandes superficies de las fachadas de edificios comerciales, una categoría que incluía edificios de oficinas, oficinas centrales de la compañía, grandes almacenes y otras grandes estructuras similares. Pronto, muchos arquitectos participaron activamente en la campaña para establecer un modelo de construcción adecuado para la evolución del alto edificio comercial. Entre los miembros más importantes de la escuela de Chicago estaban Dankmar Adler (1844-1900) y Louis Sullivan (1856-1924), y pronto se convirtieron en los líderes; En doce años de actividad, construyeron numerosos edificios en los que las demandas técnico-constructivas y tipológicas se pusieron lado a lado con el esfuerzo constante de elaborar elementos decorativos y estructurales en un nuevo lenguaje.

Los avances en las tecnologías industriales y el uso de estructuras de acero permitieron a Sullivan hacer los primeros rascacielos en los que el esqueleto de soporte se dejó visible; aun así, no eliminó las decoraciones, que utilizó para enfatizar los elementos de soporte vertical, las entradas y el contorno de los pisos inferiores de estos edificios de otra manera sobrios y racionales. Ver, por ejemplo, los grandes almacenes Schlesinger & Mayer diseñados por Sullivan, Chicago, (1899-1904). Sullivan también elaboró ​​un método para diseñar rascacielos dividiéndolos en tres áreas funcionales: el área de acceso de la planta baja, el ático ubicado en la parte superior del edificio y el pozo en el medio con un número indeterminado de pisos. Sus edificios dejan en claro los principios que revolucionaron la arquitectura, y no solo la arquitectura estadounidense, durante el siglo XX. Sus diseños de edificios más famosos incluyen los de: Guaranty Building, Buffalo, Nueva York (1895); el edificio Wainwright, St Louis (1890-91); el Auditorio Building, Chicago (1885-89); y otros.

Los rascacielos del siglo XX han empleado una gama de diferentes estética , diseños y materiales de construcción. Algunos han ganado prominencia a través de su clasicismo; otros por sus características renacentistas. Alrededor de 1920, los arquitectos desarrollaron formas cúbicas simples, como el diseño zigurat escalonado, que se popularizó en el Arte de precisión de Charles Demuth (1883-1935), Charles Sheeler (1883-1965) y Georgia O’Keeffe (1887-1986). Entre los arquitectos famosos del siglo XX involucrados en el diseño de rascacielos estadounidenses se incluyen: Raymond M. Hood (1881-1934), Mies van der Rohe (1886-1969), George Howe (1886-1955), William Lescaze (1896-1969), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-84), John Merrill (1896-1975), Timothy Pflueger (1892-1946) y Robert Venturi (nacido en 1925), por nombrar algunos.

Arquitectura fronteriza (c.1850-90s)

Mientras tanto, la arquitectura vernácula local estaba apareciendo en todo el oeste de Estados Unidos, en parte debido a la Ley Homestead de 1862, que dio a millones de estadounidenses la oportunidad de ser dueños de su propia casa, y alteró fundamentalmente el carácter de los patrones de asentamiento en las Grandes Llanuras y el Suroeste. La Ley ofreció una modesta "granja" – típicamente 160 acres – sin cargo, a cualquiera que cultivó la tierra por un mínimo de 5 años y construyó una residencia en la propiedad. Este incentivo estimuló un patrón de granjas aisladas en todo el Medio Oeste y el Oeste, en lugar de las aldeas y pequeñas ciudades que prevalecen en el este y la mayor parte de Europa. Los colonos y agricultores utilizaron materiales locales para construir sus hogares, incluidos tepes, troncos, adoquines, piedras y ladrillos de adobe. Usando diseños vernáculos, construyeron cabañas de troncos en áreas boscosas y casas de césped en las llanuras y praderas sin árboles. Más al oeste y suroeste, los colonos usaron arcilla ampliamente disponible para hacer ladrillos de adobe y tejas. Con la mayor disponibilidad de madera fresada, las viviendas de estilo rancho se hicieron más comunes, junto con diseños fronterizos como la arquitectura colonial de Monterey. En total, aproximadamente 1.6 millones de viviendas, que ocupan 270, 000, 000 acres, fueron asignadas bajo la Ley de Homestead entre 1862 y 1934. Ver también: Arte popular .

Un diseño no vernáculo utilizado en casas de madera fue el estilo Queen Anne , que evolucionó de Carpenter’s Gothic y Stick-Eastlake (ver arriba). En las zonas ricas en madera de California, la arquitectura doméstica de finales del siglo XIX usó varios diseños de madera, incluido el estilo Queen Anne, el ejemplo más famoso fue Carson Mansion, en Old Town Eureka en Humboldt Bay, diseñado por Samuel y Joseph Cather. Newsom. En la costa este, la reina Anne se convirtió en una arquitectura de estilo Shingle , marcada por una imagen rústica más relajada. Los ejemplos incluyen la Casa William Watts Sherman (1874-75) en Rhode Island y la Casa Mary Fiske Stoughton (1882-83) en Cambridge, Massachusetts, ambas diseñadas por HH Richardson ; y el Newport Casino (1879-1881), diseñado por Charles Follen McKim .

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Con la aparición de Frank Lloyd Wright Chicago mantuvo su reputación como el centro creativo de la arquitectura estadounidense. En su nacimiento, su madre ya estaba convencida de que se convertiría en "el mejor arquitecto estadounidense". Se convirtió en uno de los arquitectos más fecundos y productivos del siglo XX: cuando murió, a los noventa años, dejó más de 400 diseños y construyó obras, y con sus ideas y creaciones hizo una contribución decisiva a la dirección tomada por la arquitectura en Norteamérica y Europa.

Su nombre está estrechamente asociado con el concepto de ’ arquitectura orgánica ’, que esencialmente significa un enfoque de la arquitectura basado en la creación de relaciones armónicas entre las partes de un edificio, y entre las partes y el todo, que se expresa en espacios fluidos en armonía con el ambiente circundante y en el uso de materiales naturales. Durante los primeros años de su carrera, Wright trabajó en el tema de las casas de la pradera : viviendas unifamiliares diseñadas en la mayoría de los casos para una élite educada y acomodada en los suburbios de Chicago. Estos son notables por sus largos volúmenes horizontales; Con mayor frecuencia se construyen en terreno llano y están cubiertos por grandes techos que se inclinan solo ligeramente pero que se proyectan. Están iluminados por cintas continuas de ventanas.

En 1910, los diseños de Wright cambiaron en respuesta a una variedad de influencias, incluyendo arte japonés así como las tradiciones de arte precolombino , como es evidente en las casas de bloques que construyó en las colinas de Los Ángeles en el transcurso de la década de 1920. Por ejemplo, en su diseño de Millard House (1922-23), Pasadena, empleó un nuevo sistema constructivo que llamó bloques textiles: bloques de concreto decorados con motivos geométricos, unidos entre sí mediante accesorios de acero. El clima cálido y seco de California significó que Wright tuvo que aplicar ideas diferentes de las que había usado en las praderas de Illinois, y sus diseños de California crean edificios de bloques que están bien protegidos del exterior, con patios sombreados internos y áreas de agua.

Antes de hacer su obra maestra de la arquitectura orgánica, Fallingwater (1936-37), en Bear Run, Pennsylvania, Wright trabajó en la elaboración de modelos urbanos, presentando alternativas a la metrópoli estadounidense tradicional, como Broadacre City, diseñada en 1934, basada en el idea de que a cada familia se le otorgaría un terreno de un acre. Nuevos arquetipos comenzaron a aparecer en sus diseños alrededor de 1925, incluido el círculo y la espiral, más tarde destinados a aparecer en sus obras más famosas de la posguerra.

Fallingwater, Bear Run, Pensilvania

En 1936, el dueño de los grandes almacenes de Pittsburgh, Edgar J. Kaufmann, le encargó a Wright que construyera una casa de vacaciones en las vastas propiedades de su familia en Pensilvania. Wright eligió un sitio arbolado atravesado por una corriente, cuyo curso corre sobre la forma irregular de grandes rocas. Wright decidió colocar lo que se convertiría en la obra maestra de su arquitectura orgánica junto a la corriente, en una repisa rocosa directamente sobre el agua que cae.

El aspecto más llamativo de esta casa es su estrecha integración con el paisaje circundante. Las plantas, el agua y las rocas ingresan a las habitaciones, convirtiéndose en parte del entorno doméstico. La casa está compuesta de planos horizontales, sostenidos por cuatro pilares centrales de piedra, que se extienden en todas las direcciones, terminando en terrazas salientes de hormigón liso que se asemejan a bandejas superpuestas. Las habitaciones están separadas del paisaje circundante por cintas de vidrio continuo. Una escalera de hormigón armado conduce desde la sala de estar al arroyo; Un camino a través del bosque conduce a través de un pequeño puente a la entrada de la casa. La entrada se abre directamente a la sala de estar, que ocupa todo el piso principal, con una terraza ubicada directamente sobre el arroyo y otra frente a la montaña detrás. Como es común en los interiores de Wright, el centro de este espacio es la chimenea. El piso de la sala se compone de losas de piedra de forma irregular, las paredes están revestidas de piedra, los muebles, diseñados por el propio Wright, son de nogal.

Las habitaciones están en el segundo piso; Todas las habitaciones tienen terrazas con diferentes direcciones. El último piso, más pequeño que los otros, es un estudio y un dormitorio, que también dan a una terraza.

La sala de estar, dispuesta alrededor de la chimenea, es el punto central de la casa. Grandes extensiones de vidrio ponen el interior en estrecho contacto con el bosque exterior. La naturaleza también está presente en el interior, en los suelos de piedra, los muebles de madera, el revestimiento de paredes de fibra natural. La naturaleza y el artificio se mezclan en una construcción orgánica, con cada material cumpliendo una función: piedra para soportes verticales, hormigón armado para planos horizontales, vidrio y metal, pintado de rojo, enmarcando las aberturas. El diseño original de Wright exigía que los voladizos de hormigón pintados de amarillo ocre se vistieran con pan de oro para que brillaran al sol y se reflejaran en el agua.

Otros diseños arquitectónicos famosos de antes de la guerra de Frank Lloyd Wright incluyen los siguientes: el edificio administrativo de los fabricantes de cera SC Johnson & Son (1937) en Racine, Wisconsin; y Taliesin West en Paradise Valley, cerca de Phoenix, Arizona, (comenzó en 1938).

Rascacielos Art Deco (c.1920-40)

A modo de antecedentes del crecimiento de la arquitectura Art Deco en Estados Unidos, el período entre el final de la Primera Guerra Mundial y el colapso de la Bolsa de Nueva York en 1929 fue un período de gran desarrollo de edificios en los Estados Unidos. La red de carreteras y las líneas ferroviarias de la nación se incrementaron, las áreas periféricas de los centros urbanos crecieron y los rascacielos se elevaron para cambiar los horizontes de las principales ciudades. Durante estos años, los movimientos de vanguardia europeos utilizaron las innovaciones tecnológicas y las nuevas oportunidades que ofrecen los nuevos materiales de construcción en la búsqueda de formas adecuadas para expresar el espíritu de los tiempos; en los Estados Unidos, sin embargo, el uso de estilos históricos Todavía estaba muy de moda. En 1922, el Chicago Tribune celebró un concurso para el diseño de su nueva sede; Los 263 diseños presentados en respuesta presentaron una amplia gama de estilos. El primer premio fue para Raymond M. Hood y John Mead Howells por un edificio neogótico con un marco estructural vestido de piedra y rematado con una corona de agujas.

los El movimiento Art Deco les dio a las personas las imágenes y los objetos que reflejaban su deseo de velocidad, lujo y modernidad. Su arquitectura glorificó la edad de la máquina y las formas geométricas, así como los nuevos materiales y tecnologías. El punto culminante del movimiento fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas (1925) patrocinada por el gobierno francés en París, donde el estilo era conocido como " Estilo Moderno ". Se extendió rápidamente en los Estados Unidos, volviéndose más modernista y racionalizado durante la década de 1930.

Los diseños de edificios Art Deco se inspiraron en una variedad de influencias diferentes, desde arte abstracto a zigurats, así como movimientos de arte moderno como el francés Cubismo e italiano Futurismo . En contraste con las formas fluidas anteriores de Art Nouveau , Arte deco diseño incorporaron formas geométricas y estructuras escalonadas. Los ejemplos de famosos rascacielos Art Deco en Nueva York, que utilizaron estructuras de acero vestidas de granito, incluyen: el Edificio Chrysler (1928-30), diseñado por William van Alen (1883-1954); el Empire State Building (1929-31) [entonces el edificio más alto del mundo], por los arquitectos Shreve, Lamb & Harmon ; Edificio McGraw-Hill (1929-30), de Raymond Hood ; The News Building (1929-30), de Raymond Hood con John Mead Howells ; Rockefeller Center (1932-39), por los arquitectos Reinhard y Hofmeister , Harrison y Macmurray , Hood y Foulihoux .

Arquitectura modernista en América (c.1925-60)

Una característica tardía de arte Moderno en general, la arquitectura modernista fue el intento de crear nuevos diseños para el "hombre moderno". Rechazó todos los estilos tradicionales basados ​​en prototipos más antiguos y propuso un nuevo tipo de diseño funcional que utilizaba materiales modernos y técnicas de construcción para crear una nueva estética y sentido del espacio. A diferencia de Europa, donde el modernismo surgió durante la primera década del siglo XX, la arquitectura modernista estadounidense solo apareció a mediados y finales de la década de 1920, porque Estados Unidos confiaba mucho más en modelos históricos que Europa, cuyo arte de vanguardia el movimiento fue completamente más fuerte. (Ver, por ejemplo, el impacto de la Show de armería del modernismo europeo.) Además, dada la importancia del desarrollo urbano en la recuperación económica de los Estados Unidos y el crecimiento de numerosos mercados dentro de Estados Unidos, no es sorprendente que la mayoría de los desarrollos modernistas durante la década de 1930 involucraran grandes edificios comerciales, especialmente rascacielos. De acuerdo con su actitud antihistórica, la arquitectura modernista favoreció las formas simplificadas, y solo el tipo de ornamentación esencial que reflejaba el tema y la estructura del edificio. Arquitectos importantes en la historia y el desarrollo del movimiento modernista en Estados Unidos, incluidos varios refugiados de Europa, como Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), Walter Gropius (1883-1969), el ex director de la Escuela de Diseño Bauhaus y Louis Kahn (1901-74). Otros modernistas importantes incluyen: Frank Lloyd Wright , Richard Neutra (1892-1970), Eero Saarinen (1910-61), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-84), John Merrill (1896-1975), Philip Johnson , IMPei y Robert Venturi .

Estilo internacional

los El estilo internacional de la arquitectura moderna era un estilo particular (purista) del modernismo, que apareció en Europa durante la década de 1920. Recibió su nombre de la " Exposición Internacional de Arquitectura Moderna " (1932), comisariada por el historiador de arquitectura Henry-Russell Hitchcock (1903-1987) y el arquitecto Philip Johnson (1906-2005), que se celebró en el Museo de Arte Moderno (MOMA) en Nueva York. Se publicó un libro simultáneamente con la exposición MOMA. El objetivo de Hitchcock y Johnson era identificar y promover un estilo que encapsulara la arquitectura moderna. Para lograr esto, habían examinado cuidadosamente todas las estructuras exhibidas en la exposición, para asegurarse de que solo se incluyeran aquellos diseños que cumplieran ciertos criterios. Casi todos eran edificios europeos, diseñados por artistas como Jacobus Oud, Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Erich Mendelsohn (1887-1953) y Alvar Aalto (1898-1976). Solo dos eran edificios estadounidenses: el Film Guild Cinema, Nueva York (1929), diseñado por Frederick John Kiesler (1890-1965); y Lovell House, LA (1929), de Richard Neutra .

Los criterios utilizados por Hitchcock y Johnson para identificar su estilo arquetípico incluyeron las siguientes tres reglas de diseño: (1) la expresión de volumen en lugar de masa; (2) la importancia del equilibrio en lugar de la simetría preconcebida; (3) la eliminación del adorno aplicado. Todos los edificios en la exposición observaron estas reglas de diseño y, por lo tanto, se presentaron a la audiencia estadounidense del espectáculo como ejemplos del "Estilo internacional".

Los materiales más utilizados por los arquitectos de estilo internacional fueron el vidrio para la fachada, el acero para soporte exterior y el concreto para soportes y pisos interiores. Además, los planos de planta fueron deliberadamente funcionales y lógicos.

Aunque la arquitectura modernista nunca se hizo muy popular para los edificios residenciales de una sola vivienda en los Estados Unidos, a pesar de los esfuerzos de los años treinta de Hood, Lescaze, Edward Stone y Neutra, se convirtió rápidamente en el estilo dominante para los rascacielos y para los edificios institucionales y comerciales. (Véase, por ejemplo, la Segunda Escuela de Arquitectura de Chicago , dirigida por el brillante nacido en Alemania Mies van der Rohe , uno de los mejores arquitectos para practicar en América. Más tarde, incluso suplantó los estilos históricos tradicionales en escuelas e iglesias; véase, por ejemplo, la Iglesia Luterana de Cristo de Eliel Saarinen (1949-50) en Minneapolis. Además, en las escuelas de arquitectura era la única plataforma de diseño aceptable hasta principios de los años ochenta.

Desarrollos durante las décadas de 1940 y 1950

La Segunda Guerra Mundial fue uno de los eventos más desestabilizadores del siglo XX, con importantes consecuencias también en el campo de la arquitectura. Las condiciones que habían provocado el nacimiento de la arquitectura moderna habían perdido fuerza, y los arquitectos se vieron obligados a buscar nuevas soluciones al mismo tiempo que prestaban atención a la importancia de la revolución arquitectónica de los años veinte. Esto preocupó a la mayoría de los arquitectos europeos famosos, que reelaboraron su lenguaje para evitar la imitación estéril, pero lo hicieron sin traicionar los principios que habían madurado en los años anteriores a la guerra, o su estatus preeminente en la industria. Gropius fundó The Architects Collaborative , cuyos miembros diseñaron el modernista Harvard Graduate Center (1949-50), mientras que Mies van der Rohe se convirtió en jefe del departamento de arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago en 1938 y diseñó su nuevo campus. Es cierto que las obras de las que Gropius fue responsable en los Estados Unidos, principalmente escuelas y casas unifamiliares, no comparten la intensidad expresiva de sus diseños anteriores a la guerra en Alemania, pero Mies van der Rohe encontró Chicago, el lugar de nacimiento del rascacielos y el marco de acero. – Muy agradable a su estilo.

Modernismo corporativo

A orillas del lago Michigan, Mies van der Rohe diseñó sus primeros rascacielos de acero y vidrio. Con la colaboración de Philip Johnson, Mies diseñó uno de los edificios más influyentes de la posguerra, el Seagram Building de Nueva York (1954-58), un impresionante rascacielos cuya silueta afilada de vidrio y acero se convirtió en un prototipo muy imitado. El edificio de treinta y ocho pisos en Park Avenue fue diseñado para la multinacional canadiense Seagram & Sons. Aclamado como una obra maestra del modernismo corporativo, su muro cortina de bronce y vidrio forma una gruesa malla que acentúa la verticalidad del edificio. Está adornado por el tinte gris-ámbar del cristal de la ventana y el revestimiento de travertino verde de las columnas en la base. El estilo simple de Mies van der Rohe minimalismo y el uso del acero y el vidrio fueron repetidos por otros arquitectos, como Philip Johnson , Eero Saarinen y Charles Eames (1907-78), cuyo lenguaje experimentó evoluciones progresivas.

El Seagram Building personificó el uso de la arquitectura moderna por parte de grandes empresas y su búsqueda de emblemas distintivos de prestigio durante el período de posguerra. Connecticut General Life Insurance Company le encargó a Skidmore, Owings y Merrill , una de las firmas más grandes de arquitectos modernos, que diseñaran su nueva sede en Hartford (1955-57). Lever Brothers ya había contratado a la empresa para diseñar Lever House (1952), cuya plaza tipo parque, muros de cortina de vidrio y delgadas columnas de aluminio tenían el nombre de Mies van der Rohe por todas partes. La estética austera y geométrica del Centro Técnico de General Motors (1948-56) en Michigan, fue otro edificio que siguió los principios de Miesian, como lo fue el Edificio de la Sede de las Naciones Unidas (1947-52), diseñado por Le Corbusier , Oscar Niemeyer y otros. Otros ejemplos del modernismo de los años 50 incluyen: la torre para la Compañía de Aluminio de América en Pittsburgh (1954), diseñada por Harrison y Abramovitz ; y el Inland Steel Building en Chicago (1955-57), diseñado por Skidmore, Owings y Merrill. Frank Lloyd Wright fue uno de los pocos que rechazó la geometría rectilínea de estos edificios de oficinas: vea, por el contrario, el diseño facetado de su Price Tower de hormigón y cobre (1955), Bartlesville, Oklahoma.

Formalismo Decorativo

A principios de la década de 1950, en un alejamiento del " funcionalismo " hacia el " formalismo ", los arquitectos modernos se interesaron cada vez más en las cualidades decorativas de diferentes materiales de construcción y sistemas estructurales expuestos. En términos simples, comenzaron a utilizar los atributos formales de los edificios con fines decorativos, incluso expresivos. Un ejemplo interesante de esta nueva estética fue el diseño de Frank Lloyd Wright para el Museo Guggenheim de Nueva York (1943-59), un edificio organizado alrededor de una rampa en espiral que constituye la disposición de la exhibición del museo y el elemento generador de su diseño general.. Otros arquitectos estadounidenses también usaron geometría estructural curvilínea, como lo ejemplifica el estadio deportivo en Raleigh (1952-53), diseñada por Matthew Nowicki (1910-49), donde dos arcos parabólicos, sostenidos por columnas, y un techo de piel estirada encierran un espacio masivo desprovisto de soportes interiores. La terminal TWA de Eero Saarinen en el Aeropuerto Internacional John F. Kennedy (1956-62), fue otro ejemplo dinámico de un edificio monumental de una sola forma, cuyas formas geométricas y siluetas reflejaban una nueva expresividad formal, cuyo cenit era sin duda la Ópera de Sydney (1959-73), diseñado por Jorn Utzon . El estilo formalista más apagado de Minoru Yamasaki (1912-86) se ilustra en sus Torres Gemelas de 1.360 pies del World Trade Center, edificios 1 y 2, diseñados en 1965-66. Otro ejemplo de decoración formalista fue el Centro John Hancock (1967-70), diseñado por Skidmore, Owings y Merrill, que hizo una característica de los tirantes de soporte en forma de X del edificio, diseñado por Fazlur Khan (1929-82), probablemente el más grande ingeniero de diseño de rascacielos del siglo XX. Esta tendencia de expresionismo estructural, monumentalismo dinámico, llámelo como quiera, sigue presente en la arquitectura moderna: sea testigo de los elegantes patrones rectangulares del Time Warner Center de SOM (2003-7), Nueva York.

Un recipiente interesante de la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos, en 1971, fue el nacido en Estonia Louis Isidore Kahn (1901-74). La carrera de Kahn siguió un curso diferente al de muchos de los citados anteriormente. Su entrenamiento tuvo lugar antes de que el estilo internacional se arraigara en los Estados Unidos. Estudió en la Universidad de Pensilvania, donde adquirió los elementos de la definición clásica siguiendo la tradición académica de la Ecole des Beaux-Arts : simetrías, axialidad, proporciones adecuadas, la jerarquía de las partes. Contacto con la arquitectura egipcia antigua , así como los valores del diseño griego y romano, lo llevaron a crear un lenguaje personal que utilizara materiales y tecnologías modernas para explorar y presentar formas geométricas, a menudo monumentales, relacionadas con la historia. Sus obras más importantes de los años 1950 y 1960 incluyen: la Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven (1951-53); los Laboratorios de Investigación Médica Richards de la Universidad de Pennsylvania en Filadelfia (1957-65); el Instituto Salk de Estudios Biológicos en La Jolla, en California (1959-65); y el Museo de Arte Kimbell en Fort Worth (1966-72), que algunos ven como su obra maestra de estos años.

Arquitectura posmoderna (1970-presente)

La década de 1960 fue testigo del comienzo de una insatisfacción general con las consecuencias de la arquitectura del siglo XX (en particular) en los Estados Unidos, donde sus deficiencias se describieron en dos publicaciones influyentes: La muerte y la vida de las grandes ciudades estadounidenses (1961), de Jane Jacobs; y Complejidad y contradicción en la arquitectura (1966), de Robert Venturi. Mientras Jacobs criticaba el despiadado utopismo del movimiento moderno, Venturi lamentaba el hecho de que debido a que las estructuras modernas carecen de cualquier rastro de elementos históricos, también carecen de la ironía y la complejidad significativas con las que la arquitectura generalmente se enriquece.

Una forma particularmente impopular y sin alma de la arquitectura moderna experimental se conocía como el brutalismo (del francés "beton brut", que significa hormigón en bruto), un término acuñado por los diseñadores británicos Alison y Peter Smithson para describir las estructuras geométricas de hormigón, a menudo erigidas en áreas de decadencia social, por arquitectos utópicos como Le Corbusier (1887-1965). La idea básica detrás de la arquitectura brutalista era fomentar patrones funcionales de vida, eliminando todos los ornamentos y otras distracciones visuales. La idea falló. Algunos ejemplos infames de diseño brutalista en América del Norte incluyen: Yale Art and Architecture Building (1958-63), diseñado por Paul Rudolph (1918-97); y Habitat ’67, Montreal (1966-67) por Moshe Safdie .

¿Qué es la arquitectura posmoderna?

Jacobs y Venturi fueron catalizadores de una ola de oposición al modernismo, pero no inventaron el " posmodernismo ". (ver también: Arte posmodernista El término fue acuñado por el teórico estadounidense Charles Jenks en su libro The Language of Post-Modern Architecture (1977), que describe las tendencias arquitectónicas que surgieron en los años 60 en oposición a los dictados dominantes del modernismo racionalista.

El punto era que la arquitectura moderna había excluido las formas históricas tradicionales, así como los elementos decorativos de su repertorio. La posmodernidad quería "rehumanizar" la arquitectura mediante el uso de una mezcla de estilos, incluidas las características tomadas de los diseños clásicos y de la cultura popular. La ironía juguetona, además de sorpresas ocasionales, incluso conmociones, han sido una parte esencial del enfoque posmoderno del diseño de edificios. Después de todo, las características básicas de la arquitectura, como columnas, arcos y tímpanos, a menudo pierden su significado original cuando se usan fuera de contexto, por ejemplo, como elementos decorativos. La arquitectura posmoderna seguía los pasos de Arte pop , cuyos adherentes, como Andy Warhol (1928-87) Roy Lichtenstein (1923-97) y Claes Oldenburg (nacido en 1929) – ya estaban rejuveneciendo el mundo de arte contemporáneo a través del uso de imágenes populares más significativas.

Sin embargo, se debe tener en cuenta que un gran número de arquitectos posmodernos comenzaron sus carreras como modernistas y, por lo tanto, muchas características del modernismo se trasladaron al posmodernismo, especialmente en el trabajo de arquitectos como Robert Venturi , Michael Graves , Frank O. Gehry y Richard Meier . (Por favor vea también: Artistas posmodernos .)

Historia del diseño arquitectónico posmodernista

El posmodernismo en los Estados Unidos generalmente se considera que comenzó en 1972, con la demolición de una serie de bloques de losas de 14 pisos que se habían erigido hace menos de 20 años a partir de diseños de Minoru Yamasaki como parte del galardonado proyecto de vivienda Pruitt-Igoe. en St. Louis, Missouri (1955). En realidad, era una estructura de hormigón rígida y modernista que se convirtió en un imán para los problemas. Aunque ya se habían demolido numerosos bloques de viviendas en Europa, fue en St. Louis donde comenzó la era posmoderna estadounidense.

Durante la década de 1970, Robert Venturi y sus socios Denise Scott Brown (n. 1931) y John Rauch (n. 1930) reintrodujeron la referencia histórica, el ingenio y la humanidad en los diseños de numerosos edificios, entre ellos: Vanna Venturi House, Pennsylvania (1961-64); la Casa de Retiro de la Casa del Gremio, Filadelfia (1961-66); Tucker House, Katonah, Nueva York (1975); Museo de Arte Allen Memorial, Oberlin College (1976); y el Museo de Arte Contemporáneo, San Diego (1996). Michael Graves (n. 1934) – uno de los famosos " New York Five ", junto con Peter Eisenman (n. 1932), Charles Gwathmey (1938-2009), John Hejduk (1929-2000) y Richard Meier (nacido en 1934): diseñó el Edificio del Servicio Público de Portland en Oregón (1980-82) y la Torre Humana, Louisville, Kentucky (1986), que combinan la masa de un rascacielos regular con motivos históricos. Similar a la Piazza d’Italia, Nueva Orleans (1975-80), y Alumni Center, Universidad de California en Irvine (1983-85), diseñadas por Charles Moore , estas estructuras optimistas y seguras están diseñadas para tranquilizar al público sobre su cultura. La identidad ya no está siendo atacada por la arquitectura moderna antihistórica.

Durante las décadas de 1970 y 1980, siguiendo el ejemplo del arte pop, varios arquitectos estadounidenses adoptaron un estilo populista que ocasionalmente presentaba elementos clásicos. Incluyeron a Philip Johnson y John Burgee , quienes diseñaron el edificio AT&T, Nueva York (1978-84), completo con un horizonte de Chippendale; y Robert Stern , quien utilizó un diseño clásico de Jefferson para su Observatory Hill Dining Hall en la Universidad de Virginia (1982-84), pero presenta características coloniales españolas para su edificio de oficinas Prospect Point, La Jolla, California (1983-85).

La carrera del célebre arquitecto chino-estadounidense IMPei abarca casi toda la gama de la arquitectura moderna, incluido el estilo internacional, el funcionalismo, el formalismo decorativo y la posmodernidad. Su uso innovador de materiales modernos para volver a expresar temas históricos alcanzó un punto álgido en su icónica pirámide de cristal (1983-88) que forma un atrio de entrada en el Museo Louvre en París, y un punto bajo en el desafortunado edificio John Hancock, Boston (1967-76). Otros proyectos estadounidenses de Pei incluyen el Laboratorio Mesa del Centro Nacional de Investigación Atmosférica, Boulder (1961-67); el ala este de la National Gallery of Art, Washington DC (1968-78); la Biblioteca y Museo Presidencial John F. Kennedy, Boston (1965-79); y el Salón de la Fama del Rock and Roll, Cleveland (1987-95).

Deconstructivismo (1980)

" El deconstructivismo "es un estilo particular de arquitectura posmoderna que se desarrolló en Europa y los Estados Unidos durante las décadas de 1980 y 1990. Se puede definir como una actitud de diseño que implica una pronunciada deformación de la geometría euclidiana que otorga poco peso a los principios tradicionales de proporción. Las características recurrentes del deconstructivismo son la precariedad, la falta de armonía y la irregularidad. Los atributos convencionales de la arquitectura se deconstruyen para crear formas aparentemente incoherentes que a menudo desafían las leyes de la gravedad. El concepto se presentó por primera vez en 1988 en una exposición llamada " Arquitectura deconstructiva ", organizado por Philip Johnson, que se celebró en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La exposición mostró el trabajo de siete arquitectos posmode