Arquitectura americana: orígenes, historia, características Traductor traducir

Arquitectura del Renacimiento Gótico en América (c. 1800-1900)

Una respuesta en parte conservadora al Neoclasicismo, el Renacimiento Gótico en los Estados Unidos no fue el resultado de convicciones artísticas, románticas o racionalistas profundamente sentidas y, debido a la familiaridad directa con el estilo, se aplicó de forma algo inconsistente.

Basado en los principios de la arquitectura gótica medieval (1150-1375), el primer edificio de estilo gótico del que se tiene constancia en Estados Unidos, una mansión llamada Sedgley, fue construido en 1798 por el arquitecto neoclásico Benjamin Latrobe en las afueras de Filadelfia. Otros edificios góticos diseñados por Latrobe fueron el Banco de Filadelfia (1807-8) y la Iglesia de Cristo (1808) en Washington, DC. El estilo también fue utilizado ocasionalmente por otros neoclasicistas, como William Strickland (Masonic Hall, Filadelfia, 1809-11) y Charles Bulfinch (Federal Street Church, Boston, 1809). La primera iglesia de estilo gótico fue el Seminario de Santa María en Baltimore (1807), diseñado por el arquitecto francés Maximilien Godefroy .

Sin embargo, no fue hasta la década de 1830, cuando se construyeron una serie de sencillas iglesias de granito en Boston (First Methodist Episcopal Church en Temple Street), que vemos signos de un movimiento tangible de renacimiento gótico. Compárense estos edificios eclesiásticos con una serie de iglesias de madera de estilo gótico elaboradamente talladas (Iglesia de San Pedro en Waterford) erigidas más o menos en la misma época en Pensilvania. (Véanse también Arte gótico y Escultura gótica .)

El arquitecto pionero de la siguiente fase del renacimiento gótico fue Richard Upjohn (1802-1878), conocido por su arquitectura eclesiástica de arenisca roja basada en las formas europeas del siglo XVI. Su primer gran éxito fue la Trinity Church (1839-1846) de Nueva York, a la que siguieron muchas otras iglesias cuyas discretas formas exteriores se veían compensadas con creces por las bellas arcadas y entramados de madera de sus interiores: por ejemplo, la First Parish Church (1845-1846) de Brunswick, Maine.

Gótico carpintero

La tradición de la madera (conocida coloquialmente como «Gótico carpintero «) también se aplicó a la construcción de casas y cabañas de madera, llegando a suplantar al estilo colonial sin decoración de las viviendas domésticas de madera. De hecho, cuantitativamente, este tipo de arquitectura doméstica fue la principal ocupación del Gothic Revival a mediados del siglo XIX.

En 1841 publicó su obra fundamental «Tratado sobre la teoría y práctica de la jardinería paisajista, adaptado a Norteamérica», que contenía una amplia sección sobre arquitectura rural. Esta obra, así como «The Architecture of Country Houses (La arquitectura de las casas de campo)» (1850) y su ensayo en «The Horticulturalist (El horticultor)», que editó desde su creación en 1846, consagraron a Downing como árbitro del buen diseño, al menos hasta su prematura muerte en la explosión de un barco de vapor.

El estilo gótico carpenteriano de mediados del siglo XIX dio lugar al « Stick Style « arquitectura de madera, basada en entramados de varillas de madera. La arquitectura Stick Style «» se caracteriza por un trazado sencillo. Los edificios tienen tejados altos con pendientes pronunciadas y frontones decorados. Se utilizó a menudo en la construcción de estaciones de ferrocarril y escuelas, así como en casas particulares. Las variantes más decorativas del «Stick Style» suelen denominarse Eastlake . Un ejemplo de diseño en «Stick Style» es la John N. Griswold House en Newport, Rhode Island (1862), diseñada por Richard Morris Hunt . Aproximadamente a partir de 1873 este diseño entró en declive y en la década de 1890 evolucionó hacia el estilo Reina Ana . El estilo Reina Ana tenía varias características en común con el «Stick Style», como los tejados superpuestos, los porches y los frontones decorativos. Para más detalles, véase más abajo.

Renacimiento gótico tardío (a partir de 1860)

Influenciado por la arquitectura victoriana temprana, el periodo más serio del Gothic Revival comenzó en 1860, tras la construcción de la catedral católica romana de San Patricio en Nueva York (1858-1888) por James Renwick (1818-1895), responsable del controvertido diseño neorrománico de la Smithsonian Institution de Washington (1848).

El diseño de la catedral de San Patricio fue una notable fusión de elementos de la catedral de Notre Dame de Reims (Francia) y de la catedral de Colonia (Alemania), y se construyó con materiales más ligeros que la piedra, lo que permitió cambiar los arbotantes por contrafuertes externos. Sin embargo, la preferencia de Renwick por los prototipos continentales (véanse, por ejemplo, las restauraciones del arquitecto francés Viollet-le-Duc) difería notablemente de la de muchos otros arquitectos de la época, que utilizaban modelos ingleses siguiendo las recomendaciones del eminente crítico de arte John Ruskin (1819-1900).

Otros diseñadores de edificios de esta fase particular de la arquitectura del Gothic Revival son John H. Sturgis (1834-1888) y Charles Brigham (1841-1925), responsables del Museo de Bellas Artes de Boston (1876); Frank Furness (1839-1912), conocido por los motivos góticos de los edificios de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania (1872-76) y del Provident Institute (1879), ambos en Filadelfia; H. H. Richardson (1838-1886), que utilizó ejemplos románicos como base para su estilo gótico individual: véase, Brattle Square Church, Boston (1870-72) y Trinity Church at Copley Square, Boston (c. 1872-77).

Al igual que el neoclasicismo, el movimiento del Gothic Revival continuó en el siglo XX, gracias a diseñadores como Ralph Adams Crum (1863-1942) y sus socios, Bertram G. Goodhue (1869-1924) y Frank W. Ferguson, que consideraron el estilo especialmente adecuado para edificios de colegios y universidades. Entre sus obras destacan el Aspirant College (1913) y la University Chapel (1929) de Princeton. El Gothic Revival se extendió incluso a los rascacielos, como el Woolworth Building de Nueva York (1910-13), diseñado por Cass Gilbert (1859-1934).

Arquitectura del Segundo Imperio (c. 1855-80)

Este estilo coincidió con el imperio del emperador francés Napoleón III y fue adoptado con entusiasmo en América, sobre todo para edificios gubernamentales, instituciones -como hospitales y orfanatos- y casas particulares. La característica más evidente del diseño del Segundo Imperio es la mansarda -que debe su nombre a François Mansart (1598-1666)-, una de las características arquitectónicas del reinado de Luis XIV, que volvió a ponerse de moda en el París de mediados del siglo XIX. La arquitectura del Segundo Imperio también se caracterizó por las ventanas abuhardilladas, las torres cuadradas y las columnas pareadas para aumentar la altura.

Algunos edificios famosos del Segundo Imperio en Estados Unidos son: Old City Hall, Boston (1862-65), construido por Gridley James Fox Bryant y Arthur Gilman (1821-1882); Old Executive Office Building, Washington, DC (1871-88), y Old Post Office of St Louis, Missouri (1873-84), ambos de Alfred B Mallett (1834-1890); y Philadelphia City Hall (1871-1901), de John McArthur Jr (1823-1890).

Rascacielos: la Escuela de Chicago (1870-1920)

En 1871, durante una de las peores catástrofes de la historia de Estados Unidos, la ciudad de Chicago -entonces construida casi exclusivamente en madera- fue destruida casi por completo por un enorme incendio. La reconstrucción de la ciudad en piedra y acero marcó un giro revolucionario en la historia de la arquitectura: especialmente en la historia de la construcción de rascacielos . Véase Arquitectura de rascacielos (1850-presente).

De hecho, el edificio alto de oficinas ya se había hecho necesario en América debido a la alta densidad de bancos, oficinas, terminales ferroviarias y almacenes en pequeñas secciones de ciudades en crecimiento. Y tras la invención del ascensor seguro por Elisha Otis en 1853, apuntar hacia el cielo se convirtió en la única opción real para maximizar el espacio y los ingresos por alquiler. Además, estos edificios facilitaban la proximidad mutua de las empresas para agilizar las comunicaciones y constituían un emblema comercial de prestigio. Los primeros «rascacielos» fueron diseñados por arquitectos tradicionalistas y representaron un enorme desafío a los métodos convencionales de construcción con mampostería.

La Escuela de Arquitectura de Chicago se refiere a las innovaciones desarrolladas por arquitectos e ingenieros implicados en la renovación urbana. Se enfrentaron a algunos retos específicos: encajar los nuevos edificios en lo que quedaba del tejido urbano; diseñar estructuras tecnológicamente sólidas y resistentes al fuego; y diseñar formas adecuadas a las funciones de los nuevos edificios, la mayoría destinados a usos de servicios.

Entre estos arquitectos se encontraba el urbanista William Le Baron Jenny (1832-1907), que había estudiado en la Escuela Científica de Harvard y en la Escuela de Bellas Artes de París. Propuso un nuevo edificio de varias plantas, el rascacielos, en el que la altura vertical, posible gracias a la invención del ascensor, aumentaba exponencialmente el uso de la superficie edificada. Técnicamente, el diseño era posible gracias al uso de una estructura metálica.

Por ejemplo, para el Home Insurance Company Building (1884-5), Jenney diseñó una estructura metálica de columnas de hierro fundido flanqueadas por vigas de mampostería y hierro forjado que soportaban los muros de piedra y las ventanas de cada planta. (Nota: compárese el uso que hizo Jenny del hierro forjado con el empleado en la construcción de la Torre Eiffel (1887-89) por Gustave Eiffel 1832-1923).

Su alumno Daniel Hudson Burnham (1846-1912) desarrolló un lenguaje expresivo para explorar nuevas posibilidades en el diseño y la composición de las grandes superficies de las fachadas de edificios comerciales, una categoría que incluía edificios de oficinas, sedes corporativas, grandes almacenes y otras grandes estructuras de este tipo. Muchos arquitectos pronto se implicaron activamente en la labor de crear un modelo de construcción adecuado para la evolución del edificio comercial alto. Entre los representantes más importantes de la escuela de Chicago se encontraban Dankmar Adler (1844-1900) y Louis Sullivan (1856-1924), que pronto se convirtieron en líderes; en sus doce años de actividad crearon numerosos edificios en los que primaban los requisitos técnicos, estructurales y tipológicos junto a un esfuerzo constante por desarrollar elementos decorativos y estructurales en un nuevo lenguaje.

El desarrollo de la tecnología industrial y el uso de estructuras de acero permitieron a Sullivan crear los primeros rascacielos en los que la estructura portante permanecía visible; aun así, no abandonó los elementos decorativos que utilizaba para enfatizar los elementos portantes verticales, las entradas y los contornos de las plantas inferiores de estos edificios, por lo demás libres y racionales.

Véanse, por ejemplo, los grandes almacenes Schlesinger & Mayer, Chicago (1899-1904), diseñados por Sullivan. Sullivan también desarrolló un método para diseñar rascacielos dividiéndolos en tres zonas funcionales: una gran zona de acceso en la planta baja, un ático situado en la parte superior del edificio y un hueco intermedio con un número indeterminado de plantas. Sus edificios demuestran claramente los principios que iban a revolucionar la arquitectura, y no sólo la estadounidense, durante el siglo XX. Entre sus diseños de edificios más conocidos se encuentran el Garanti Building, Buffalo, Nueva York (1895); el Wainwright Building, San Luis (1890-91); el Auditorium Building, Chicago (1885-89), y otros.

Los rascacielos del siglo XX utilizaron diferentes estéticas, diseños y materiales de construcción. Algunos fueron reconocidos por su clasicismo, otros por sus rasgos renacentistas. Hacia 1920, los arquitectos desarrollaron formas cúbicas sencillas, como el zigurat escalonado, popularizado en el arte del precisionismo por Charles Demuth (1883-1935), Charles Scheler (1883-1965) y Georgia O’Keeffe (1887-1986). Entre los arquitectos notables del siglo XX que participaron en el diseño de rascacielos estadounidenses figuran: Raymond M. Hood (1881-1934), Mies van der Rohe (1886-1969), George Howe (1886-1955), William Lescaze (1896-1969), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-1984), John Merrill (1896-1975), Timothy Pflueger (1892-1946), y Robert Venturi (n. 1925), y muchos otros.

Arquitectura de frontera (c. 1850s-90s)

Mientras tanto, la arquitectura vernácula tradicional surgía en el Oeste americano, gracias en parte a la Homestead Act de 1862, que dio a millones de estadounidenses la oportunidad de poseer sus propias casas y cambió fundamentalmente el carácter de los asentamientos en las Grandes Llanuras y el Suroeste. La ley ofrecía un modesto «homestead» -generalmente 160 acres- gratuito a cualquiera que cultivara la tierra durante al menos 5 años y construyera una casa en ella. Este incentivo fomentó la aparición de granjas aisladas en el Medio Oeste y el Oeste, en lugar de las aldeas y pequeñas ciudades comunes en el Este y la mayor parte de Europa.

Los colonos y granjeros utilizaron materiales locales para construir sus casas, como césped, troncos, adoquines, piedra y ladrillos de adobe. Utilizando diseños convencionales, construyeron cabañas de troncos en zonas boscosas y casas de césped en llanuras y praderas sin árboles. Más al oeste y al suroeste, los colonos utilizaban arcilla muy extendida para fabricar ladrillos de adobe y tejas.

A medida que aumentaba la disponibilidad de madera tratada, se hicieron más comunes las casas estilo rancho, así como los diseños fronterizos como la arquitectura colonial de Monterrey. En total, entre 1862 y 1934, la Homestead Act concedió aproximadamente 1,6 millones de granjas con una superficie de 270.000.000 de acres. Véase también Arte popular .

Diseño no convencional de casas de madera - Estilo Reina Ana, que evolucionó a partir del Gótico carpintero y el Stick-Estlake (véase más arriba). En las zonas de California ricas en madera, se utilizó una gran variedad de construcciones de madera en la arquitectura doméstica de finales del siglo XIX, incluido el estilo Reina Ana, cuyo ejemplo más famoso es la mansión Carson en Old Town Eureka, en la bahía de Humboldt, diseñada por Samuel y Joseph Cather Newsom.

En la Costa Este, el estilo Reina Ana evolucionó hacia la arquitectura de estilo Shingle, caracterizada por una imagen rústica más relajada. Algunos ejemplos son la William Watts Sherman House (1874-75) en Rhode Island y la Mary Fiske Stoughton House (1882-83) en Cambridge, Massachusetts, ambas diseñadas por H.H. Richardson ; y el Casino de Newport (1879-81), diseñado por Charles Follen McKim .

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Con la aparición de Frank Lloyd Wright, Chicago mantuvo su reputación como centro creativo de la arquitectura estadounidense. Ya en el momento de su nacimiento, su madre estaba segura de que se convertiría en «el mayor arquitecto estadounidense». Se convirtió en uno de los arquitectos más prolíficos y productivos del siglo XX: cuando murió, a los noventa años, dejaba tras de sí más de 400 proyectos y edificios, y con sus ideas y creaciones contribuyó decisivamente al rumbo de la arquitectura en Norteamérica y Europa.

Su nombre está estrechamente asociado al concepto « de arquitectura orgánica», que significa esencialmente un enfoque de la arquitectura basado en la creación de relaciones armoniosas entre las partes de un edificio, así como entre las partes y el todo, que se expresa en espacios fluidos en armonía con el entorno y en el uso de materiales naturales.

En los primeros años de su carrera, Wright trabajó en el tema de las casas de la pradera: viviendas unifamiliares diseñadas principalmente para la élite culta y acomodada de los suburbios de Chicago. Se caracterizan por sus volúmenes alargados y horizontales; la mayoría de las veces están construidas sobre un terreno llano y cubiertas con grandes tejados que sólo se inclinan ligeramente pero sobresalen. Están iluminados por franjas continuas de ventanas.

En 1910, los diseños de Wright cambiaron en respuesta a varias influencias, incluyendo el arte japonés, así como las tradiciones del arte precolombino, como se ve en las casas de bloques que construyó en las colinas de Los Ángeles durante la década de 1920. Por ejemplo, en el proyecto de la Casa Millard (1922-23) en Pasadena, utilizó un nuevo sistema estructural que denominó bloques textiles: bloques de hormigón decorados con motivos geométricos, unidos entre sí con cierres de acero. El clima cálido y seco de California llevó a Wright a aplicar ideas diferentes de las que utilizó en las casas de la pradera de Illinois, y sus diseños californianos crean edificios de bloques bien protegidos del exterior, con patios interiores a la sombra y zonas con agua.

Antes de crear su obra maestra de arquitectura orgánica, Fallingwater (1936-37), en Bear Run, Pensilvania, Wright trabajó en el desarrollo de modelos urbanos, imaginando alternativas a la tradicional metrópolis americana, como Broadacre City, diseñada en 1934, basada en la idea de que cada familia recibiría una parcela de un acre. En torno a 1925 empezaron a aparecer nuevos arquetipos en sus diseños, como el círculo y la espiral, que más tarde aparecerían en sus obras más famosas de la posguerra.

Fallingwater, Bear Run, Pensilvania

En 1936, el propietario de unos grandes almacenes de Pittsburgh, Edgar J. Kaufman, encargó a Wright la construcción de una casa de vacaciones en la extensa propiedad familiar de Pensilvania. Wright eligió una zona boscosa atravesada por un arroyo cuyo lecho está surcado por grandes rocas de forma irregular. Wright decidió colocar lo que se convertiría en una obra maestra de su arquitectura orgánica junto al arroyo, en un saliente rocoso justo por encima de la caída del agua.

El aspecto más llamativo de esta casa es su estrecha integración con el paisaje circundante. Las plantas, el agua y las rocas impregnan las habitaciones, convirtiéndose en parte del entorno doméstico. La casa está formada por planos horizontales sostenidos por cuatro pilares centrales de piedra que se extienden en todas direcciones y terminan en terrazas salientes de hormigón liso que se asemejan a abrevaderos superpuestos.

Las habitaciones están separadas del paisaje circundante por cintas de vidrio macizo. Una escalera de hormigón armado conduce del salón al arroyo; un camino a través del bosque lleva por un pequeño puente a la entrada de la casa. La entrada da directamente al salón, que ocupa toda la planta principal, con una terraza sobre el arroyo y otra con vistas a la montaña. Como es habitual en los interiores de Wright, la pieza central de este espacio es la chimenea. El suelo del salón está formado por losas de piedra de forma irregular, las paredes están acabadas en piedra y el mobiliario, diseñado por el propio Wright, es de nogal.

Los dormitorios están en la primera planta; todas las habitaciones tienen terrazas orientadas en distintas direcciones. En la última planta, más pequeña que las demás, hay un estudio y un dormitorio, ambos con acceso a una terraza.

El salón, organizado en torno a la chimenea, es el punto central de la casa. Gracias a los grandes ventanales, el interior está en estrecho contacto con el bosque exterior. La naturaleza también está presente en el interior: en el suelo de piedra, los muebles de madera y los revestimientos de fibra natural de las paredes. Naturaleza y artificialidad se funden en una construcción orgánica donde cada material cumple su función: piedra para los soportes verticales, hormigón armado para los planos horizontales, vidrio y metal, pintados de rojo, enmarcan las aberturas. El diseño original de Wright preveía que los voladizos de hormigón, de color amarillo ocre, se recubrieran de pan de oro para que brillaran al sol y se reflejaran en el agua.

Otros proyectos arquitectónicos notables de Frank Lloyd Wright de antes de la guerra son el S.C. Johnson & Son Wax Company Administration Building (1937) en Racine, Wisconsin; y Taliesin West en Paradise Valley, cerca de Phoenix, Arizona (iniciado en 1938).

Rascacielos Art Déco (c. 1920-40)

Como telón de fondo del auge de la arquitectura Art Déco en América, el periodo comprendido entre el final de la Primera Guerra Mundial y la caída de la Bolsa de Nueva York en 1929 fue un periodo de gran desarrollo de la construcción en Estados Unidos. La red de carreteras y líneas de ferrocarril del país aumentó, las afueras de los centros urbanos crecieron y los rascacielos cambiaron la fisonomía de las grandes ciudades.

Durante estos años, los movimientos de vanguardia europeos utilizaron las innovaciones tecnológicas y las nuevas posibilidades que ofrecían los nuevos materiales de construcción para encontrar formas adecuadas que expresaran el espíritu de la época; en Estados Unidos, sin embargo, el uso de estilos históricos seguía en boga. En 1922, el Chicago Tribune convocó un concurso para diseñar su nueva sede; los 263 diseños presentados representaban una amplia gama de estilos. El primer premio fue para Raymond M. Hood y John Mead Howells por un edificio neogótico con un armazón de piedra rematado por una corona de agujas.

Movimiento El Art Déco dio a la gente imágenes y objetos que reflejaban su deseo de velocidad, lujo y modernidad. Su arquitectura celebraba la era de las máquinas y las formas geométricas, así como los nuevos materiales y tecnologías. El movimiento culminó en la Exposición Internacional de Arte Decorativo e Industrial Moderno (1925) patrocinada por el gobierno francés en París, donde el estilo se conoció como « Style Moderne «. Se extendió rápidamente a Estados Unidos, haciéndose más modernista y aerodinámico en la década de 1930.

Los diseños de los edificios Art Déco se inspiraron en diversas influencias, desde el arte abstracto hasta los zigurats, pasando por movimientos artísticos contemporáneos, como el cubismo francés y el futurismo italiano . A diferencia de las primeras formas fluidas del Art Nouveau, el diseño del Art Déco incorporó formas geométricas y estructuras escalonadas. Ejemplos de famosos rascacielos Art Déco de Nueva York que utilizaron estructuras de acero revestidas de granito son: Chrysler Building (1928-30), diseñado por William van Alen (1883-1954); Empire State Building (1929-31) (entonces el edificio más alto del mundo), arquitectos Shreve, Lamb y Harmon ; McGraw-Hill Building (1929-30), por Raymond Hood ; News Building (1929-30), de Raymond Hood con John Mead Howells ; Rockefeller Centre (1932-39), arquitectos Reinhard y Hofmeister, Harrison y McMurray, Hood y Fulihooks .

Arquitectura modernista en América (c. 1925-60)

Característica tardía del arte moderno en general, la arquitectura modernista fue un intento de crear nuevos diseños para «el hombre moderno». Rechazó todos los estilos tradicionales basados en prototipos antiguos y propuso un nuevo tipo de diseño funcional que utilizaba materiales y técnicas de construcción modernos para crear una nueva estética y sentido del espacio.

A diferencia de Europa, donde el modernismo surgió en la primera década del siglo XX, la arquitectura modernista estadounidense no surgió hasta mediados o finales de la década de 1920 porque Estados Unidos se basó mucho más en modelos históricos que Europa, donde el arte de vanguardia era mucho más fuerte. (Véase, por ejemplo, la influencia del Armory Show del modernismo europeo). Además, dada la importancia del desarrollo urbano para la recuperación económica de Estados Unidos y el crecimiento de numerosos mercados dentro del país, no es de extrañar que la mayoría de los proyectos modernistas de la década de 1930 incluyeran grandes edificios comerciales, en particular rascacielos. En consonancia con su postura antihistórica, la arquitectura modernista favorecía las formas simplificadas y sólo aquellos adornos esenciales que reflejaran el tema y la estructura del edificio.

Arquitectos importantes en la historia y el desarrollo del movimiento modernista en América fueron varios refugiados de Europa, como Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969), Walter Gropius (1883-1969) antiguo director de la Escuela de Diseño Bauhaus , y Louis Kahn (1901-1974). Otros modernistas importantes son: Frank Lloyd Wright, Richard Neutra (1892-1970), Eero Saarinen (1910-1961), Louis Skidmore (1897-1962), Nathaniel Owings (1903-1984), John Merrill (1896-1975), Philip Johnson, I. M. Pei, y Robert Venturi .

Estilo internacional

El Estilo Internacional de la Arquitectura Moderna fue un estilo distintivo (purista) del modernismo que surgió en Europa en la década de 1920. Toma su nombre de la «Exposición Internacional de Arquitectura Moderna «(1932), comisariada por el historiador de la arquitectura Henry-Russell Hitchcock (1903-1987) y el arquitecto Philip Johnson (1906-2005), que se celebró en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York. Se publicó un libro al mismo tiempo que la exposición en el MOMA. El objetivo de Hitchcock y Johnson era definir y promover un estilo que encarnara la arquitectura moderna.

Para lograr este objetivo, examinaron minuciosamente todas las estructuras de la exposición para asegurarse de que sólo se incluyeran proyectos que cumplieran ciertos criterios. Casi todos los edificios eran europeos, diseñados por autores como Jacobus Oud, Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Erich Mendelssohn (1887-1953) y Alvar Aalto (1898-1976). Sólo dos edificios eran estadounidenses: Film Guild Cinema, Nueva York (1929), diseñado por Frederick John Kiesler (1890-1965); y Lovell House, Los Ángeles (1929), diseñado por Richard Neutra .

Los criterios utilizados por Hitchcock y Johnson para definir su estilo arquetípico incluían las siguientes tres reglas de diseño:
❶ la expresión del volumen en lugar de la masa;
❷ la importancia del equilibrio en lugar de la simetría preconcebida; y
❸ el rechazo de la ornamentación aplicada. Todos los edificios de la exposición seguían estas reglas de diseño, por lo que se presentaron al público estadounidense de la exposición como ejemplos «del Estilo Internacional».

Los materiales más utilizados por los arquitectos del Estilo Internacional eran el cristal para la fachada, el acero para los soportes exteriores y el hormigón para los soportes interiores y los suelos. Además, los planos de planta eran intencionadamente funcionales y lógicos.

Aunque la arquitectura modernista nunca llegó a ser muy popular para edificios residenciales en Estados Unidos -a pesar de los esfuerzos de Hood, Lescaze, Edward Stone y Neutra en la década de 1930-, se convirtió rápidamente en el estilo dominante para rascacielos, así como para edificios institucionales y comerciales. (Véase, por ejemplo, la Segunda Escuela de Arquitectura de Chicago, dirigida por el brillante Mies van der Rohe, nacido en Alemania y uno de los mejores arquitectos que han ejercido en Estados Unidos. Más tarde incluso suplantó los estilos históricos tradicionales en escuelas e iglesias, como la Christ Lutheran Church (1949-50) de Eliel Saarinen en Minneapolis. Además, en las escuelas de arquitectura fue la única plataforma de diseño aceptable hasta principios de la década de 1980.

Acontecimientos de las décadas de 1940 y 1950

La Segunda Guerra Mundial fue uno de los acontecimientos más desestabilizadores del siglo XX, con importantes consecuencias también en el campo de la arquitectura. Las condiciones que dieron lugar al nacimiento de la arquitectura moderna ya no eran válidas y los arquitectos se vieron obligados a buscar nuevas soluciones, recordando al mismo tiempo la importancia de la revolución arquitectónica de los años veinte.

Esto afectó sobre todo a los famosos arquitectos europeos, que reelaboraron su lenguaje para evitar la imitación estéril, pero lo hicieron sin cambiar los principios que habían madurado en los años anteriores a la guerra y su posición dominante en el sector. Gropius fundó The Architects Collaborative, cuyos miembros diseñaron el modernista Harvard Graduate Centre (1949-50), y Mies van der Rohe dirigió el departamento de arquitectura del Illinois Institute of Technology de Chicago en 1938 y diseñó su nuevo campus. Es cierto que las obras de Gropius en Estados Unidos, principalmente escuelas y viviendas unifamiliares, carecen de la expresividad de sus proyectos de preguerra en Alemania, pero Mies van der Rohe encontró en Chicago -la cuna del rascacielos y la estructura de acero- un lugar muy adecuado para su estilo.

Modernismo corporativo

A orillas del lago Michigan, Mies van der Rohe diseñó sus primeros rascacielos de acero y cristal. En colaboración con Philip Johnson, Mies diseñó uno de los edificios más influyentes de la posguerra, el Seagram Building de Nueva York (1954-58), un impresionante rascacielos cuya afilada silueta de vidrio y acero se convirtió en un prototipo a seguir. Este edificio de treinta y ocho plantas situado en Park Avenue fue diseñado para Seagram & Sons, una multinacional canadiense.

Considerado una obra maestra del modernismo corporativo, su muro cortina de bronce y cristal forma una densa retícula que acentúa la estricta verticalidad del edificio. Lo embellecen los tonos grises y ámbar de los cristales de las ventanas y el travertino verde de las columnas de la base. El estilo de Mies van der Rohe -el minimalismo sencillo y el uso del acero y el cristal- fue repetido por otros arquitectos como Philip Johnson, Eero Saarinen y Charles Eames (1907-1978), cuyo lenguaje experimentó cambios progresivos.

El edificio Seagram personificó el uso de la arquitectura moderna por parte de las grandes empresas y su búsqueda de símbolos distintivos de prestigio en la posguerra. La Connecticut General Life Insurance Company encargó a Skidmore, Owings y Merrill, una de las mayores firmas de arquitectos modernos, el diseño de su nueva sede en Hartford (1955-57). Lever Brothers ya había contratado a esta empresa para diseñar la Lever House (1952), cuya plaza en forma de parque, paredes acristaladas y delgados montantes de aluminio llevaban el nombre de Mies van der Rohe.

La estética austera y geométrica del Centro Técnico de General Motors (1948-56) en Michigan fue otro edificio que siguió los principios de Mies, al igual que el edificio de la sede de la ONU (1947-52), diseñado por Le Corbusier, Oscar Niemeyer y otros. Otros ejemplos del modernismo de los años 50 son la torre de la Aluminium Company of America de Pittsburgh (1954), diseñada por Harrison y Abramowitz ; y el Inland Steel Building de Chicago (1955-57), diseñado por Skidmore, Owings y Merrill. Frank Lloyd Wright fue uno de los pocos que rechazó la geometría rectilínea de estos edificios de oficinas: véase, por el contrario, el diseño facetado de su Price Tower (1955) de hormigón y cobre, Bartlesville, Oklahoma.

Formalismo decorativo

A principios de la década de 1950, alejándose del « funcionalismo» y acercándose al « formalismo», los arquitectos contemporáneos se interesaron cada vez más por las cualidades decorativas de diversos materiales de construcción y sistemas estructurales abiertos. En pocas palabras, empezaron a utilizar los atributos formales de los edificios con fines decorativos e incluso expresivos.

Un ejemplo interesante de esta nueva estética fue el diseño de Frank Lloyd Wright para el Museo Guggenheim de Nueva York (1943-59), un edificio organizado en torno a una rampa en espiral que representa la ubicación de la exposición del museo, así como un elemento generador de su diseño general. Otros arquitectos estadounidenses también emplearon la geometría estructural curvilínea, ejemplificada por el Sports Arena de Raleigh (1952-53), diseñado por Matthew Nowicki (1910-1949), donde dos arcos parabólicos sostenidos por columnas y una cubierta de piel tensada rodean un espacio masivo desprovisto de soportes internos.

La terminal TWA de Eero Saarinen en el aeropuerto internacional John F. Kennedy (1956-62) es otro ejemplo dinámico de edificio monumental de una sola forma cuyas formas geométricas y siluetas reflejan una nueva expresión formal, cuyo cenit fue sin duda la Ópera de Sydney (1959-73) diseñada por Jorn Utzon . El estilo formalista de Minoru Yamasaki (1912-1986), más apagado, queda ejemplificado en las torres gemelas del World Trade Centre, los Edificios 1 y 2, diseñados en 1965-1966. Otro ejemplo de diseño formalista fue el John Hancock Centre (1967-70), diseñado por Skidmore, Owings and Merrill, que incorporó al edificio los tirantes de soporte en forma de X diseñados por Fazlur Khan (1929-1982), posiblemente el mejor diseñador de rascacielos del siglo XX. Esta tendencia al expresionismo estructural, al monumentalismo dinámico -llámelo como quiera- sigue presente en la arquitectura contemporánea: fíjese en las elegantes formas rectangulares del Time Warner Centre (2003-7) de SOM en Nueva York.

El estonio Luis Isidor Kahn (1901-1974) recibió la Medalla de Oro del Instituto Americano de Arquitectos en 1971. La carrera de Kahn se desarrolló de forma diferente a la de muchos de los anteriormente mencionados. Su formación tuvo lugar antes de que el estilo internacional arraigara en Estados Unidos. Estudió en la Universidad de Pensilvania, donde adquirió los elementos de definición clásica, siguiendo la tradición académica de la Escuela de Bellas Artes: simetría, línea central, proporciones correctas, jerarquía de las partes.

El contacto con la antigua arquitectura egipcia, así como con los valores del diseño griego y romano, le llevaron a crear un lenguaje personal que utiliza materiales y tecnología modernos para explorar y representar formas geométricas, a menudo monumentales, vinculadas a la historia. Entre sus obras más significativas de las décadas de 1950 y 1960 se encuentran la Galería de Arte de la Universidad de Yale, en New Haven (1951-53); los Laboratorios Richards de Investigación Médica de la Universidad de Pensilvania, en Filadelfia (1957-65); el Instituto Salk de Estudios Biológicos, en La Jolla, California (1959-65); y el Museo de Arte Kimbell, en Fort Worth (1966-72), considerada por algunos su obra maestra de estos años.

Arquitectura posmoderna (desde la década de 1970 hasta la actualidad)

La década de 1960 fue testigo del nacimiento de un descontento general con las implicaciones de la arquitectura del siglo XX (en particular) en Estados Unidos, donde sus deficiencias se describieron en dos influyentes publicaciones: The Death and Life of Great American Cities (La muerte y la vida de las grandes ciudades americanas) (1961), de Jane Jacobs; y Complexity and Contradictions in Architecture (Complejidad y contradicciones en la arquitectura) (1966), de Robert Venturi. Mientras que Jacobs criticaba el utopismo sin alma del movimiento moderno, Venturi lamentaba que, al carecer las estructuras modernas de cualquier rastro de elementos históricos, también carecían de la significativa ironía y complejidad con que suele enriquecerse la arquitectura.

Una forma particularmente impopular y desalmada de arquitectura moderna experimental fue conocida como brutalismo (del francés «beton brut», que significa hormigón en bruto), término acuñado por los diseñadores británicos Alison y Peter Smithson para describir las estructuras geométricas de hormigón erigidas a menudo en zonas de decadencia social por arquitectos utópicos como Le Corbusier (1887-1965).

La idea básica de la arquitectura brutalista era fomentar patrones funcionales de vida eliminando toda decoración y otras distracciones visuales. La idea fracasó. Algunos ejemplos famosos de diseño brutalista en Norteamérica son: el Edificio de Arte y Arquitectura de Yale (1958-63), diseñado por Paul Rudolph (1918-1997); y Habitat ’67, Montreal (1966-67), diseñado por Moshe Safdie .

¿Qué es la arquitectura posmoderna?

Jacobs y Venturi fueron los catalizadores de la ola de oposición al modernismo, pero no inventaron « el posmodernismo». (Véase también: Arte posmoderno) En realidad, el término fue acuñado por el teórico estadounidense Charles Jencks en su libro El lenguaje de la arquitectura posmoderna (1977), que describe las tendencias arquitectónicas surgidas en la década de 1960 en oposición a los dictados imperantes del modernismo racionalista.

La cuestión es que la arquitectura moderna excluyó de su repertorio las formas históricas tradicionales, así como los elementos decorativos. El posmodernismo quería «humanizar» la arquitectura utilizando una mezcla de estilos, incluidos elementos tomados de ejemplos clásicos y de la cultura popular. La ironía lúdica y las sorpresas ocasionales, incluso chocantes, formaban parte del enfoque posmodernista del diseño de edificios.

Al fin y al cabo, los elementos arquitectónicos básicos, como columnas, arcos y tímpanos, a menudo pierden su significado original cuando se utilizan fuera de contexto, por ejemplo, como elementos decorativos. La arquitectura posmoderna siguió los pasos del Arte Pop, cuyos seguidores -como Andy Warhol (1928-1987), Roy Lichtenstein (1923-1997) y Claes Oldenburg (nacido en 1929)- ya estaban rejuveneciendo el mundo del Arte Actual utilizando imágenes populares más significativas.

No obstante, cabe señalar que muchos arquitectos posmodernistas comenzaron su carrera como modernistas, por lo que muchos rasgos del modernismo se trasladaron al posmodernismo, especialmente en la obra de arquitectos como Robert Venturi, Michael Graves, Frank O. Gehry y Richard Meier. (Véase también: Artistas posmodernos .)

Historia del diseño arquitectónico posmoderno

Generalmente se cree que el posmodernismo en Estados Unidos comenzó en 1972, con la demolición de una serie de bloques de 14 plantas que habían sido construidos menos de 20 años antes según los diseños de Minoru Yamasaki como parte del galardonado proyecto de viviendas Pruitt-Igoe en San Luis, Misuri (1955). En realidad, se trataba de una estructura de hormigón austera y modernista que se convirtió en un imán para los problemas. Aunque en Europa ya se habían demolido numerosos barrios residenciales, fue en San Luis donde comenzó la era del posmodernismo estadounidense.

En la década de 1970, Robert Venturi y sus socios Denise Scott Brown (nacida en 1931) y John Rauch (nacido en 1930) volvieron a aportar referencias históricas, ingenio y humanidad a los diseños de numerosos edificios, entre ellos: Vanna Venturi House, Pensilvania (1961-64); Guild House, Filadelfia (1961-66); Tucker House, Katonah, Nueva York (1975); Allen Memorial Art Museum, Oberlin College (1976); Museum of Contemporary Art, San Diego (1996). Michael Graves (n. 1934) -uno de los famosos «Cinco de Nueva York», junto con Peter Eisenman (n. 1932), Charles Gwathmey (1938-2009), John Hejduk (1929-2000) y Richard Meyer (n. 1934)- diseñó el Edificio de Servicios Públicos de Portland). - diseñaron el Public Service Building de Portland, Oregón (1980-82) y la «Houman Tower» de Louisville, Kentucky (1986), que combinan la masa de un rascacielos convencional con motivos históricos. Al igual que la Piazza d’Italia, Nueva Orleans (1975-80), y el Alumni Center, Universidad de California en Irvine (1983-85), diseñados por Charles Moore, estas estructuras seguras y alegres pretenden tranquilizar al público asegurándole que su identidad cultural ya no está siendo atacada por la arquitectura moderna antihistórica.

En los años setenta y ochenta, siguiendo la estela del Pop Art, varios arquitectos estadounidenses adoptaron un estilo populista que a veces incorporaba elementos clásicos. Entre ellos se encuentran Philip Johnson y John Bergey, que diseñaron el AT&T Building de Nueva York (1978-84), con un rascacielos de estilo Chippendale; y Robert Stern, que utilizó un diseño clásico de estilo Jeffersonian para el Observatory Hill Dining Hall de la Universidad de Virginia (1982-84), pero rasgos coloniales españoles para el edificio de oficinas Prospect Point de La Jolla, California (1983-85).

La carrera del célebre arquitecto chino-estadounidense I.M. Pei abarcó casi todo el espectro de la arquitectura moderna, incluido el Estilo Internacional, el funcionalismo, el formalismo decorativo y el posmodernismo. Su innovador uso de materiales modernos para expresar temas históricos alcanzó su punto álgido en su icónica pirámide de cristal (1983-88), que forma el atrio de entrada al Museo del Louvre de París, y su punto más bajo en el malogrado edificio John Hancock de Boston (1967-76).

Otros proyectos estadounidenses de Pei son el Laboratorio Mesa del Centro Nacional de Investigación Atmosférica, Boulder (1961-67); el Ala Este de la Galería Nacional de Arte, Washington (1968-78); la Biblioteca y Museo Presidencial John F. Kennedy, Boston (1965-79); y el Salón de la Fama del Rock and Roll, Cleveland (1987-95).

Deconstructivismo (años 80)

«Deconstructivismo» El deconstructivismo es un estilo distintivo de la arquitectura posmoderna que se desarrolló en Europa y Estados Unidos en las décadas de 1980 y 1990. Puede definirse como una actitud hacia el diseño que implica una deformación pronunciada de la geometría euclidiana y que concede poco valor a los principios tradicionales de proporción.

Las características constantes del deconstructivismo son la inestabilidad, la falta de armonía y la irregularidad. Los atributos tradicionales de la arquitectura se deconstruyen para crear formas exteriormente incoherentes que a menudo desafían las leyes de la gravedad. El concepto se presentó por primera vez en 1988 en una exposición titulada « Deconstructive Architecture », organizada por Philip Johnson y celebrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La exposición presentaba la obra de siete arquitectos posmodernistas que han sido citados como principales defensores del nuevo estilo, entre ellos: Frank O. Gehry, Daniel Libeskind, Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Bernard Tshumi, y el grupo Co-op Himmelblau .

Sin embargo, el verdadero pionero del deconstructivismo fue Frank O. Gehry (nacido en 1929), que realizó los primeros experimentos de diseño deconstructivista en California a finales de la década de 1970. Entre ellos, una serie de edificios en los que combinó materiales poco habituales en estructuras aparentemente inestables y poco fiables. Entre los proyectos posteriores de Gehry se encuentran el Museo Aeroespacial de California, Los Ángeles (1982-84); la Sala de Conciertos Walt Disney, Los Ángeles (1988-2003); el Museo Weisman, Minneapolis (1990-93); el Museo Guggenheim, Bilbao (1991-97); el sorprendente Edificio Nacional de los Países Bajos, Praga (1992-97), también conocido como «Fred y Ginger» ; y Experience Music Project, Seattle (1999-2000).