Arquitectura renacentista: historia, características, diseños

), los arquitectos del Renacimiento italiano buscaron su principal inspiración en la arquitectura griega y romana haciendo un uso extensivo de los órdenes dórico, jónico y corintio, combinando el clasicismo con los nuevos principios del humanismo en los que se basaba gran parte del arte renacentista .

Sobre todo, trataron de establecer unas proporciones edilicias ideales basadas en las proporciones del cuerpo humano idealizado. La arquitectura renacentista también estuvo estrechamente vinculada al urbanismo y a la difusión de ideas a través de las nuevas técnicas de impresión. El quatrocento del siglo XV fue la época de los tratados, ejemplificada por los «Diez libros de arquitectura» (De re aedificatoria) (1485) de Alberti, traducciones impresas de las obras de Vitruvio, un arquitecto romano del siglo I, Vignola «La regla de los cinco órdenes de la arquitectura» y Sebastiano Serlio «Siete libros de arquitectura». El Renacimiento fue también un acontecimiento multimedia: así, la arquitectura fue de la mano de la escultura, así como de la pintura mural . Además, algunos de los mejores escultores (Miguel Ángel) y maestros antiguos (Rafael) se convirtieron en excelentes arquitectos.

Los principales arquitectos del Renacimiento

Algunos de los grandes arquitectos del Renacimiento son: Filippo Brunelleschi (1377-1446), Leon Battista Alberti (1404-1472), Giovanni Giocondo (1433-1515), Giuliano da Sangallo (1443-1516), Donato Bramante (1444-1514), teórico Sebastiano Serlio (1475-1554), Miguel Ángel (1475-1564), Baldessare Peruzzi (1481-1536), Rafael (1483-1520), Antonio da Sangallo el Joven (1484-1546), Michele Sanmicheli (1484-1559), Jacopo Sansovino (1486-1570), Giulio Romano (1499-1546), Giacomo Barozzi ) Vignola) (1507-1573), Andrea Palladio (1508-1580), Pirro Ligorio (1510-1583), Galeazzo Alessi (1512-1572), Giacomo della Porta (1533-1602), el teórico Vincenzo Scamozzi (1548-1616), Carlo Maderno (1556-1629), Antonio Contini (1566-1600).

Arquitectura renacentista en Florencia

A mediados del siglo XV, los viajeros procedentes de más allá de los Alpes descubrieron que Florencia, entonces el centro del arte del Renacimiento temprano, tenía un aspecto muy diferente al de las ciudades del norte. En lugar de las agujas de las iglesias perforando el cielo, el horizonte florentino estaba dominado, como hoy, por la enorme masa de la cúpula de la catedral, que se elevaba por encima de las casas bajas, las pequeñas iglesias y los palacios de los ricos, todos ellos con una decoración exterior mínima. Véase también: Arte renacentista en Florencia .

Un importante ejemplo de arquitectura prerrenacentista en Florencia fue el imponente Palazzo Vecchio (ayuntamiento) que domina la Piazza della Signoria , construido entre 1299 y 1314.

La cúpula de la catedral de Brunelleschi en Florencia

El principal proyecto cívico de los primeros años del Quattrocento fue la inacabada catedral, iniciada a finales del Trecento y continuada intermitentemente a lo largo del siglo XIV. Ya en 1367 sus arquitectos habían concebido una cúpula muy alta que cubriría el vasto espacio interior, pero carecían de los conocimientos de ingeniería necesarios para construirla.

Cuando el interés por completar la catedral resurgió hacia 1407, la solución técnica la encontró el joven escultor reconvertido en arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446), uno de los artistas clave del Renacimiento temprano en Florencia. La carrera de Brunelleschi como escultor terminó tras no ganar un concurso en 1402 para diseñar nuevas puertas de bronce para el Baptisterio, situado junto a la catedral de Florencia. Brunelleschi abandonó su papel de ayudante en este proyecto y viajó a Roma, probablemente con su amigo escultor Donatello (1386-1466), donde estudió arquitectura y escultura romanas.

Brunelleschi, cuyo padre participó en la elaboración de los planos originales de la cúpula en 1367, aconsejó que se construyera primero el tambor alto, o base cilíndrica. El tambor se terminó en 1410, y en 1417 Brunelleschi recibió el encargo de diseñar la cúpula propiamente dicha. Las obras comenzaron en 1420 y concluyeron en 1471. La cúpula, una revolucionaria obra de ingeniería, es una doble cúpula de mampostería que combina elementos góticos y renacentistas.

La construcción gótica se basa en un arco apuntado que utiliza fustes o nervaduras de piedra para sostener la bóveda o techo. El exterior octogonal es esencialmente una estructura de este tipo, sostenida por nervios y con el perfil de un arco apuntado; sin embargo, al igual que las cúpulas romanas, está cortado en la parte superior por un óculo (abertura) y rematado por una linterna, una estructura de coronación compuesta de formas arquitectónicas romanas.

Con una cúpula de 138 pies de diámetro, el uso de centris (soportes temporales de madera) habría sido costoso e incluso peligroso. Por ello, Brunelleschi ideó mecanismos para levantar los materiales de construcción a medida que fueran necesarios e inventó un ingenioso sistema por el cual cada parte de la estructura reforzaba a la siguiente a medida que la cúpula se erigía golpe a golpe, o capa a capa.

Los elementos de refuerzo eran costillas verticales de mármol y anillos horizontales de arenisca unidos por varillas de hierro, y el conjunto estaba sostenido por duelas y vigas de roble que unían costilla con costilla. Los armazones interior y exterior también estaban unidos por un sistema de arcos. Una vez terminado, este bloque autotensado no necesitaba ningún soporte externo para mantenerse en su sitio. Para más información sobre el duomo florentino , icono de la arquitectura renacentista, véase: La catedral de Florencia, Brunelleschi y el Renacimiento (1420-36).

La iglesia de San Lorenzo (Brunelleschi)

La cúpula de la catedral fue un triunfo de la ingeniería y la construcción para Brunelleschi, pionero de la arquitectura renacentista. El proyecto de la cúpula de la catedral fue seguido rápidamente por otros encargos, y los innovadores diseños de Brunelleschi fueron bien recibidos por los mecenas florentinos.

Desde 1421 hasta su muerte en 1446, Brunelleschi realizó dos proyectos para la iglesia de San Lorenzo. En primer lugar, el arquitecto diseñó la sacristía (la sala donde se guardan los ornamentos y vasos rituales), terminada en 1428 y llamada Sacristía Vieja, como capilla y mausoleo para la familia florentina de los Médicis . A continuación se le encargó la reconstrucción de la iglesia propiamente dicha. La historia exacta de este segundo proyecto no está clara debido a las interrupciones en la construcción y las remodelaciones posteriores. Es posible que Brunelleschi concibiera los planos de la nueva iglesia al mismo tiempo que diseñaba la sacristía en 1421, o quizás ya en 1425, después de que se hubieran colocado los nuevos cimientos para el crucero y el santuario.

San Lorenzo es una austera iglesia de planta basilical con elementos del arte paleocristiano. La larga nave, flanqueada por naves laterales únicas que se abren a capillas laterales poco profundas, está atravesada por un corto transepto con un crucero cuadrado. Más allá del crucero, frente a la nave, hay un santuario cuadrado flanqueado por pequeñas capillas que se abren desde el transepto. En el transepto sur se encuentra la sacristía de Brunelleschi, actualmente llamada Sacristía Vieja para distinguirla de la sacristía construida en el siglo XVI.

Lo que es completamente nuevo en San Lorenzo es su regularidad matemática y su simetría. Para planificar la iglesia, Brunelleschi utilizó el módulo, una unidad básica de medida que podía multiplicarse o dividirse y aplicarse a cada elemento del diseño. El resultado fue una serie de espacios interiores claros y racionales que armonizaban entre sí a escala humana.

El sistema modular de Brunelleschi también se plasmó en las proporciones del interior de la iglesia. Los detalles ornamentales se tallaron en pietra serena, la piedra grisácea que se convirtió en sinónimo de los interiores de Brunelleschi. Por debajo de los sencillos cleros (el muro de ventanas del piso superior), con sus discretos vanos, los arcos de la nave están sostenidos por altas y esbeltas columnas corintias, aún más altas por el recurso favorito de Brunelleschi, la imposta entre los capiteles de las columnas y el arranque de los arcos de medio punto.

La arcada se repite en los muros exteriores de las naves laterales, en los vanos arqueados de las capillas, sobre los que se elevan lunetos arqueados. Formas arquitectónicas planas de pietra serena articulan las superficies de los muros, y cada crujía está cubierta por su propio techo abovedado. El pasaje cuadrado está cubierto por una cúpula semiesférica, y la nave y el crucero por techos planos.

San Lorenzo era un edificio experimental, que combinaba elementos antiguos y nuevos, pero el enfoque racional de Brunelleschi, su sentido único del orden y la incorporación innovadora de motivos clásicos se convirtieron en fuente de inspiración para los arquitectos renacentistas posteriores, muchos de los cuales aprendieron de su experiencia completando sus proyectos inacabados.

El Palacio de los Médicis (Michelozzo di Bartolommeo)

El papel de Brunelleschi en la construcción del Palacio de los Médicis (actual Palacio de los Médicis Riccardi) en Florencia, iniciado en 1444, no está claro. Según el pintor, arquitecto y biógrafo del siglo XVI Giorgio Vasari (1511-1574), el modelo de Brunelleschi para el palacio fue rechazado por Cosme de Médicis el Viejo, que contrató a Michelozzo di Bartolommeo (1396-1474), a quien la mayoría de los estudiosos atribuyen la autoría del diseño del edificio.

En cualquier caso, el palacio estableció una tradición de casas urbanas italianas que, con interesantes variaciones, siguió siendo la norma durante un siglo. Su aspecto sencillo estaba en consonancia con la mentalidad política y religiosa de Florencia, muy influida por los ideales cristianos de pobreza y caridad. Como muchas otras ciudades europeas, Florencia tenía leyes sobre el lujo que prohibían la riqueza ostentosa, pero a menudo eran ignoradas. Por ejemplo, las leyes florentinas limitaban las casas privadas a una docena de habitaciones; Cosme, sin embargo, compró y demolió veinte casas pequeñas para disponer de espacio para su nueva residencia.

Enorme en escala (cada piso tiene más de seis metros de altura), con finas proporciones y detalles, el edificio se construyó alrededor de un patio central rodeado por una logia o galería cubierta. Por un lado, la planta baja daba originalmente a la calle a través de grandes arcos circulares. Aunque en el siglo XVI estos arcos se tapiaron y se les colocaron ventanas diseñadas por Miguel Ángel, aún son visibles hoy en día.

La fachada de grandes bloques de piedra rústica -es decir, con las superficies exteriores rugosas sobrantes típicas de las casas urbanas florentinas- se tomó prestada de las fortificaciones. En la fachada del palacio, los pisos están claramente separados entre sí gracias al cambio en la superficie de la piedra, que pasa de ser muy rugosa en el primer nivel a casi lisa en el tercero. El palacio de los Médicis marcó el inicio de una nueva monumentalidad y regularidad de planta en la arquitectura urbana residencial.

Diseño de los palacios renacentistas

Las familias nobles del Renacimiento temprano en Italia construyeron una serie de magníficos palacios urbanos, muchos de los cuales fueron diseñados para parecer imponentes e incluso intimidantes. La parte frontal de un edificio (la fachada) da una idea de lo que hay detrás: una enorme puerta central, por ejemplo, sugiere poder; la mampostería rústica sugiere fuerza y fortificaciones de castillo; los mármoles preciosos y/o la escultura en relieve sugieren riqueza; una cartela acompañada del escudo de armas de la familia es un llamativo símbolo de nobleza.

La mayoría de los palacios renacentistas utilizaban diseños tomados de la antigua arquitectura griega o de los antiguos edificios romanos -columnas de orden dórico, jónico o corintio, entablamentos ornamentados y otros elementos similares- en el estilo conocido como Clasicismo.

Por ejemplo, el Palacio Farnesio de Roma fue construido para los Farnesio, uno de los cuales, el cardenal Alessandro Farnesio (1468-1549), se convirtió en el Papa Pablo III en 1534. Diseñado por Antonio da Sangallo el Joven, Miguel Ángel y Giacomo della Porta, este enorme edificio se alza en la cabecera de una amplia plaza abierta, o piazza, y la domina. Las tres plantas del palacio están claramente definidas por dos bandas horizontales de mampostería, o columnas. Una cornisa de varios niveles se eleva sobre la fachada como una pesada corona. Las molduras, la cornisa y el entablamento están decorados con motivos clásicos y los lirios que forman el escudo de armas de la familia Farnesio.

La gran puerta central está acentuada por un elaborado trabajo de cantería rústica (al igual que las esquinas del edificio, donde las piedras perfiladas se conocen como quonas) y está coronada por un balcón, adecuado para las apariciones ceremoniales del propietario, sobre el que se sitúa una cartela con el escudo de armas de los Farnesio. Las ventanas de cada planta están decoradas de forma diferente: en la planta baja, doce ventanas están colocadas sobre fuertes ménsulas con volutas, y los huecos de las ventanas están rematados con platabandas.

El piso inmediatamente superior se conoce en Italia como piano nobile, o planta baja (los americanos lo llamarían segundo piso), donde se encuentran las habitaciones más señoriales o «nobles». Sus doce ventanas están adornadas con frontones triangulares y arqueados, sostenidos por pares de semicolumnas corintias. El primer piso (o tercer piso americano) tiene trece ventanas, todas con frontones triangulares, cuyas semicolumnas jónicas de apoyo están colocadas sobre ménsulas que repiten las ménsulas bajo las ventanas de la planta baja.

Los palacios renacentistas solían estar orientados hacia el interior, lejos de las calles ruidosas. Muchos de ellos tenían patios abiertos. Aquí también predominaban los elementos clásicos. El patio del palacio Farnesio tiene una logia con una arcada a nivel del suelo. Sus columnas clásicas están representadas por todas las partes habituales: pedestal, base, fuste y capiteles. La progresión de los órdenes desde el piso más bajo al más alto refleja la aparición de los órdenes en la antigua Grecia: el dórico, el jónico y el corintio.

Teorías de Leon Battista Alberti

A mediados del siglo XV, cada vez más artistas empezaron a estudiar el pasado, y algunos humanistas se atrevieron con la teoría del arte y el diseño. Leon Battista Alberti (1404-1472), humanista reconvertido en arquitecto, escribió sobre sus teorías clásicas del arte antes incluso de diseñar un edificio. Alberti estudió en las universidades de Padua y Bolonia, y luego trabajó como escriba de latín para el Papa Eugenio IV. Este puesto, que implicaba viajes diplomáticos y ponía a Alberti en contacto con los mejores mecenas potenciales de Italia, desempeñó un papel crucial en su posterior carrera como arquitecto.

Los diversos escritos de Alberti constituyen la primera exposición coherente de la estética de principios del Renacimiento italiano, incluido el sistema matemático italiano de perspectiva atribuido a Brunelleschi y las proporciones ideales del cuerpo humano tomadas del arte griego. Con Alberti se inició un cambio gradual en el estatus del arquitecto: de constructor práctico, y por tanto trabajador manual, pasó a ser un intelectual del que se esperaban conocimientos de filosofía, historia y los clásicos, así como de matemáticas e ingeniería.

Palacio Rucellai (Alberti)

La relación entre la fachada y el edificio situado detrás era un problema recurrente para los arquitectos italianos del Renacimiento. Al principio de su carrera arquitectónica, Alberti diseñó una fachada, comenzada en 1455 pero nunca terminada, que debía ser la fachada unificadora de una amalgama planificada de ocho casas vecinas en Florencia adquiridas por Giovanni Rucellai.

El diseño de Alberti, influido en su esencia por el Palacio Médicis, era una sencilla fachada rectangular que sugería un edificio cúbico completo de tres plantas rematado por una cornisa saliente, una pesada moldura horizontal que sobresalía en la parte superior del muro. Las ventanas dobles bajo arcos de medio punto eran características del Palazzo Medici de Michelozzo, pero otros aspectos de la fachada eran totalmente nuevos. Inspirándose en el antiguo Coliseo de Roma, Alberti decoró la superficie del muro ligeramente rusticado con un patrón horizontal-vertical de pilastras y arquitrabes superpuestos de órdenes clásicos: el dórico en la planta baja, el jónico en el primer piso y el corintio en el tercero.

El palacio Rucellai se convirtió en una clara lección para los arquitectos locales en el uso de elementos clásicos y proporciones matemáticas, y el entusiasmo de Alberti por el clasicismo y sus proyectos arquitectónicos en otras ciudades sirvieron de catalizador para la difusión del movimiento renacentista.

Arquitectura renacentista italiana fuera de Florencia

Iglesia de San Francisco, Rímini (Alberti)

La difusión de los proyectos arquitectónicos renacentistas fuera de Florencia se debió en gran parte a Leon Battista Alberti, que viajó mucho y expuso sus puntos de vista a posibles mecenas. Así, en Rímini emprendió un proyecto insólito, propio de un artista bien familiarizado con los clásicos: transformar la iglesia medieval de San Francesco existente en un templo «renacentista» en honor del gobernante local Sigismondo Malatesta y su amante Isotta degli Atti.

Aunque el proyecto, redactado en 1450, no llegó a completarse, el armazón exterior, parcialmente modificado, representa una enciclopedia de las ideas arquitectónicas de Alberta. La fachada, que da al muro original de la iglesia, combina formas tomadas del templo clásico y del arco triunfal romano, como el cercano Arco de Augusto.

Un alto podio con un orden corintio de columnas adosadas y un entablamento que sostiene un frontón triangular constituyen el frontón del templo. Arcos triples, columnas adosadas, redondeles y una pesada cornisa saliente transmiten el motivo del arco triunfal. Esta estratificación y combinación de motivos y referencias es típica del pensamiento humanista y se asemeja en su concepto al tratamiento de las mitologías desarrollado por Botticelli (1445-1510).

Iglesia de Sant’Andrea, Mantua (Alberti)

Otro mecenas, el gobernador de Mantua, encargó a Alberti en 1470 la ampliación de la pequeña iglesia de Sant’Andrea, que albergaba una reliquia sagrada que se creía era la verdadera sangre de Jesús. Para satisfacer el deseo de su mecenas de contar con un gran edificio capaz de albergar a las multitudes que acudían a ver la reliquia, Alberti propuso construir «un templo etrusco». (Véase también: Arte etrusco)

Las obras de la nueva iglesia comenzaron en 1472, pero Alberti murió ese verano. La construcción avanzó lentamente, al principio según su plan original, pero no se terminó hasta finales del siglo XVIII. Por ello, no siempre está claro qué elementos pertenecen al diseño original de Alberti.

La planta de cruz latina -una nave de más de dieciséis metros de ancho intersecada por un transepto de igual anchura; un pasaje cuadrado con cúpula; un santuario rectangular en el mismo eje que la nave- responde sin duda a las ideas de Alberti. Alberti también es responsable de las bóvedas de cañón de las capillas, situadas a la misma altura que la nave, y de los nichos bajos de las capillas tallados en los enormes pilares que sostienen la bóveda de cañón de la nave. Su cúpula, sin embargo, no estaba perforada ni se levantaba sobre un tambor como ésta.

El diseño de Alberti para la fachada de Sant’Andrea recuerda al del templo Malatesta de Rímini en su fusión de fachada de templo y arco triunfal, pero la fachada tiene ahora su propio volumen diferenciado que la separa visualmente del edificio situado detrás. Dos conjuntos de colosales pilastras corintias adornan la fachada del pórtico. Las que enmarcan la entrada con el arco triunfal tienen dos pisos de altura, mientras que las otras, que se elevan sobre pedestales, abarcan tres pisos y sostienen el entablamento y el frontón en forma de templo. El propio arco tiene bóvedas de cañón laterales que se abren a través de arcos de dos pisos a izquierda y derecha.

Ni la simplicidad de la planta ni la complejidad de la fachada dejan entrever la grandeza del interior de Sant’Andrea. Su enorme nave con bóveda de cañón, prolongada a cada lado por altas capillas, se inspira en los interiores monumentales de ruinas tan antiguas como la basílica de Constantino y Majencio en el Foro Romano. Con esta referencia explícita al arte imperial romano, Alberti creó un edificio de escala y unidad espacial tan colosales que influyó en el diseño arquitectónico durante siglos.

Palacio Ducal de Urbino (Luciano Laurana)

La corte de Urbino fue un destacado centro artístico bajo el mecenazgo de Federico da Montefeltro, que buscaba activamente a los mejores artistas de la época para que acudieran a Urbino. En 1468, incapaz de encontrar un toscano para construir el nuevo palacio ducal (palazzo ducale) iniciado hacia 1450, Federico contrató a uno de los ayudantes que ya participaban en el proyecto, Luciano Laurana, para supervisar las obras.

Entre los principales méritos de Laurana figuran el cerramiento del patio con una cuarta ala y el rediseño de las fachadas del patio. El resultado fue una espléndida solución racional a los problemas asociados al diseño de las fachadas del patio. El pórtico a nivel del suelo de cada lado tiene arcos sostenidos por columnas; los ángulos de las esquinas están cubiertos por soportes con columnas adosadas en el lado de la arcada y pilastras orientadas hacia el patio.

Esta disposición evitaba el incómodo efecto visual de dos arcos apoyados en una sola columna y daba mayor estabilidad a la esquina. En la planta baja se utilizó, quizá por primera vez, un capitel compuesto (corintio con volutas jónicas). Las pilastras corintias enmarcan las ventanas de los pisos superiores, formando divisiones que recuerdan los vanos del pórtico. (En las sencillas caras de los plafones se grabaron inscripciones que identificaban a Federico y ensalzaban sus numerosas virtudes humanistas. En la ilustración no se aprecia un elemento innovador que se convirtió en norma en el diseño de los patios de palacio: una escalera monumental desde el patio hasta el piso principal.

Iglesia de Santa Maria delle Carceri, Prato (Giuliano da Sangallo)

El arquitecto florentino del siglo XV cuya obra fue más importante para el desarrollo del siglo XVI fue Giuliano da Sangallo (c. 1443-1516). De 1464 a 1472 trabajó en Roma, donde realizó una serie de minuciosos dibujos de los monumentos antiguos de la ciudad, muchos de los cuales se han perdido y sólo se conocen por sus obras. De regreso a Florencia, se convirtió en uno de los favoritos de Lorenzo el Magnífico, el gran humanista y mecenas de las artes.

Poco después de terminar una villa de campo para Lorenzo a principios de la década de 1480, Giuliano presentó una maqueta de una nueva iglesia en Prato, cerca de Florencia, en la que había empezado a trabajar en 1485. En 1484, un niño afirmó que la imagen de la Virgen María que había en el muro de la cárcel de la ciudad había cobrado vida, y pronto se elaboraron planes para retirar la imagen y conservarla en una iglesia votiva (una iglesia construida como ofrenda especial a la santa), que se llamaría Santa Maria delle Carceri (Santa María de la Cárcel).

Aunque la necesidad de albergar procesiones y congregar fieles hizo que la larga nave de la basílica fuera casi una necesidad para las iglesias locales, la iglesia votiva se convirtió en un lugar natural para la experimentación renacentista con la planta central. La tradición existente de iglesias con planta central se remontaba al martyrium paleocristiano (santuario redondo en honor de un santo mártir) y quizá, con el tiempo, al tholos clásico o templo redondo.

Alberti, en su tratado de arquitectura, hablaba de la planta central como un ideal derivado de la creencia humanista de que el círculo es un símbolo de la perfección divina y que el círculo inscrito en el cuadrado y la cruz inscrita en el círculo son símbolos del cosmos. Así, la iglesia de Santa Maria delle Carceri de Giuliano, construida según el esquema de la cruz griega, es uno de los mejores ejemplos del simbolismo humanista en el diseño arquitectónico del Renacimiento temprano. También es la primera iglesia renacentista con una verdadera planta central; el experimento anterior de Brunelleschi en la Sacristía Vieja de San Lorenzo, por ejemplo, estaba pensado para ser una estructura adosada, y el plan de cruz griega de Alberti nunca se construyó.

Basándose en su conocimiento de la obra de Brunelleschi, Giuliano creó un espacio central cuadrado, cubierto por una cúpula, prolongado a cada lado por brazos cuya longitud era la mitad de la anchura del espacio central. Los brazos estaban cubiertos por bóvedas de cañón que se extendían desde los arcos de medio punto que sostenían la cúpula. Giuliano elevó su cúpula sobre un tambor corto y redondo, lo que aumentó la cantidad de luz natural que entraba en la iglesia. También revistió de pietra serena los muros interiores, la cúpula de doce cuerpos y el tambor. En el exterior, la cúpula está rematada por un tejado cónico y una alta linterna al estilo de Brunelleschi.

El exterior de la iglesia es una maravilla de claridad y orden renacentistas. El sistema de esbeltas pilastras dóricas de la planta baja, agrupadas en las esquinas, se repite en orden jónico en el nivel superior, más corto, como si el entablamento de una iglesia más pequeña se elevara sobre otra más pequeña. La iglesia se terminó por completo en 1494, salvo la instalación del fino revestimiento de mármol verde y blanco sobre la planta baja. En la década de 1880 se enchapó una parte del piso superior; sin embargo, la filosofía de conservación del siglo XX exige que el resto del edificio se deje en piedra tosca, como está en la actualidad.

Arquitectura renacentista en Roma y sus alrededores

Capitalizando los logros de los diseñadores del siglo XV e inspirados por su estudio de los monumentos de la Antigüedad, los arquitectos renacentistas que trabajaban en Roma desarrollaron ideales comparables a los de los pintores y escultores contemporáneos. La obra en diez volúmenes sobre arquitectura clásica del arquitecto e ingeniero romano del siglo I Vitruvio siguió siendo una fuente importante para los arquitectos durante el Alto Renacimiento en Italia.

Inspiró varias enciclopedias renacentistas sobre diseño y guías prácticas de estilo clásico, como la de Giacomo da Vignola (1507-1573). Aunque el arte y la arquitectura religiosa fueron una importante fuente de encargos, algunas de las mejores oportunidades para la innovación fueron los palacios urbanos y las grandes villas campestres. Para más información sobre el arte en la ciudad, véase: Renacimiento en Roma (c. 1480-1550).

Tempietto di San Pietro in Montorio (Donato Bramante)

Donato Bramante (1444-1514) nació cerca de Urbino y se formó como pintor, pero al principio de su carrera se dedicó al diseño arquitectónico. Poco se sabe de sus actividades hasta 1481, cuando se convirtió en sirviente de la corte de los Sforza en Milán, donde pudo haber conocido a Leonardo da Vinci (1452-1519).

En 1499, Bramante se instaló en Roma, pero sus obras progresaron lentamente. El arquitecto rondaba los sesenta años cuando, en 1502, recibió el encargo de diseñar un pequeño santuario sobre el lugar donde se creía que había sido crucificado el apóstol Pedro. El Tempietto Iseo («pequeña iglesia»), conocido como Tempietto di San Pietro in Montorio, ha sido admirado desde su construcción como la primera interpretación perfecta de los principios de Vitruvio en el Renacimiento.

Sin copiar ningún monumento antiguo en particular, pero tal vez inspirado por los restos de un pequeño templo circular en Roma, Bramante diseñó un santuario de sólo 4,5 m de diámetro, con una base escalonada y un peristilo dórico (hilera continua de columnas). Vitruvio aconsejaba el uso del orden dórico para los templos de dioses con un carácter particularmente fuerte. La planta baja del santuario está coronada por un alto tambor, o muro redondo, que sostiene una cúpula semiesférica (ya no es original) que recuerda a las antiguas tumbas redondas romanas. El efecto escultórico del exterior del edificio, con sus profundos nichos en las paredes que crean contrastes de luz y sombra, su friso dórico con emblemas papales tallados y su elegante balaustrada (barandillas talladas), es especialmente notable.

Poco después de que Julio II fuera elegido Papa en 1503, encargó a Bramante la renovación del Palacio Vaticano, y en 1506 Julio le nombró arquitecto jefe del proyecto de sustitución de la basílica de San Pedro en el Vaticano, en el lugar de la tumba de Pedro. La construcción apenas había comenzado cuando Julio murió en 1513; el propio Bramante falleció en 1514, sin dejar a su sucesor ningún plan o modelo completo. Tras una sucesión de papas y arquitectos y varios cambios, la nueva catedral de San Pedro aún estaba a punto de terminarse cuando Miguel Ángel se hizo cargo del proyecto en 1546.

Reconstrucción de la plaza del Campidoglio (Miguel Ángel)

Después de que Miguel Ángel se estableciera en Roma en 1534, un noble romano rico y mundano fue elegido Papa Pablo III (reinó 1534-1549). Sorprendió a sus electores al emprender enérgicas reformas en la Iglesia, incluida la celebración del Concilio de Trento en 1545, que reunió a facciones conservadoras y reformistas. También inició la reconstrucción de varios lugares importantes de Roma y mejoras en las propiedades papales.

Entre los proyectos en los que participó Miguel Ángel se encuentra la reconstrucción del Campidoglio (Capitolio), la plaza pública situada en la cima de la colina Capitolina, antaño ciudadela de la Roma republicana. Los edificios que ocupaban la plaza, de forma irregular, se habían deteriorado, y el Papa vio en su reconstrucción un símbolo de su autoridad espiritual y secular.

Los eruditos aún debaten el papel de Miguel Ángel en el proyecto del Capitolio, aunque algunos relacionan la concesión de la ciudadanía romana en 1537 con su dirección de las obras. Sin embargo, los documentos conservados sólo mencionan al artista por su nombre en dos ocasiones. En 1539, la forma de la base de la antigua estatua romana de Marco Aurelio fue modificada por consejo suyo.

En 1563 se pagó «el cumplimiento de los encargos del Maestro Miguel Ángel Buonarroti para la construcción del Campidoglio». El plan global de Miguel Ángel, que es sin duda uno de los proyectos de renovación urbana más bellos de todos los tiempos, está documentado en grabados que se han identificado como realizados a partir del plano y la maqueta de Miguel Ángel del nuevo Campidoglio. La actual Piazza del Campidoglio es muy similar al concepto representado en estos grabados pocos años después de la muerte de Miguel Ángel, aunque la plaza y los edificios no se completaron hasta el siglo XVII, y el exquisito patrón de estrellas de Miguel Ángel en el pavimento no se instaló hasta el siglo XX.

Reconstrucción del Palacio de los Conservadores (Miguel Ángel)

En 1537 el consejo de la ciudad Conservatori) asignó fondos para la reconstrucción del Palazzo dei Conservatori, que albergaba sus oficinas y salas de reuniones. Aunque a la muerte de Miguel Ángel en 1564 sólo se habían completado tres vanos de la nueva fachada, sus elementos verticales recurrentes continuaron en la fachada de los Conservatori y en el llamado Palazzo Nuovo, que se alzaba frente a ella al otro lado de la plaza.

El armazón de la fachada está formado por colosales pilastras de orden compuesto, que se elevan sobre altos pedestales y sostienen un amplio arquitrabe bajo una pesada cornisa. Cada crujía del primer nivel se abre a un profundo pórtico mediante columnas jónicas que sostienen sus propios arquitrabes. En el nivel superior, aunque la amplia ventana central se añadió más tarde, el diseño original preveía crujías idénticas, cada una con una estrecha ventana central y un balcón flanqueado por columnas adosadas que sostienen frontones segmentarios. La orientación horizontal del edificio se acentúa con un sencillo plafón bajo la balaustrada del tejado y se retoma más abajo en el plafón quebrado sobre el pórtico.

Basílica de San Pedro

Desde el momento en que Julio II colocó la primera piedra de la nueva basílica de San Pedro en 1506, Miguel Ángel conocía bien los esfuerzos de arquitectos que iban desde Bramante hasta Rafael (1483-1520) y Antonio da Sangallo. Cuando Pablo III le ofreció el puesto en 1546, Miguel Ángel aceptó encantado. Para entonces, el escultor de setenta y un años no sólo confiaba en sus conocimientos arquitectónicos, sino que exigía el derecho a tratar directamente con el Papa en lugar de hacerlo a través de un comité de diputados constructores.

Miguel Ángel sorprendió aún más a los diputados -pero no al Papa- al derribar o anular partes del diseño de Sangallo que consideraba indignas. Al final, Miguel Ángel transformó la iglesia de planta central en una enorme estructura orgánica en la que los elementos arquitectónicos funcionan con la misma coherencia que los músculos del torso. Las adiciones y reconstrucciones del siglo XVII alteraron radicalmente la planta original de la iglesia y el aspecto de su interior, pero «la catedral de San Pedro de Miguel Ángel» aún puede apreciarse en las formas contrastadas de los muros planos y angulares y los tres hemiciclos (estructuras semicirculares) cuyas colosales pilastras, ventanas ciegas (que no tienen aberturas) y hornacinas forman el santuario de la iglesia.

En el nivel superior al pesado entablamento, aparecieron más tarde ventanas de forma diferente. Se desconoce cómo Miguel Ángel habría construido la gran cúpula; la mayoría de los estudiosos creen que la habría hecho semiesférica. La cúpula, que en realidad fue erigida por Giacomo della Porta entre 1588 y 1590, conserva el diseño básico de Miguel Ángel: una cúpula segmentada con aberturas regularmente espaciadas, que descansa sobre un alto tambor con ventanas con frontón entre columnas pareadas y rematada por una alta linterna que recuerda a «Tempietto» Bramante . Los principales cambios introducidos por Della Porta consistieron en aumentar la altura de la cúpula, estrechar sus bandas segmentarias y cambiar la forma de las aberturas.

Giacomo Barozzi (Vignola)

Miguel Ángel diseñó los edificios más prestigiosos de la Roma del siglo XVI, pero el dinero, la ambición y la demanda de habilidad arquitectónica eran demasiado grandes para que pudiera monopolizar el campo. Uno de los jóvenes artistas que ayudó a satisfacer esta demanda fue Giacomo Barozzi (1507-1573), llamado Vignola por su ciudad natal, que se convirtió en el arquitecto más importante del movimiento manierista en Roma.

A finales de la década de 1530 trabajó en la ciudad, investigando monumentos romanos antiguos y realizando ilustraciones para una edición de Vitruvio, y después, de 1541 a 1543, trabajó en Francia con Francesco Primaticcio (1504-1570) en la Escuela de Fontainebleau (1530-1570). A su regreso, Vignola consiguió el mecenazgo de la familia Farnesio, para la que diseñó y supervisó la construcción de la villa Farnesio en Caprarola desde 1558 hasta su muerte en 1573.

Villa Farnese en Caprarola (Vignola)

En Caprarola, Vignola utilizó la fortaleza construida allí por Antonio da Sangallo el Joven como base (podio) para su edificio de cinco lados. A diferencia de los constructores de castillos medievales, que utilizaban los contornos naturales del terreno en sus defensas, los arquitectos renacentistas impusieron formas geométricas al terreno. La nueva artillería disponible convirtió los altos muros de los castillos medievales en un blanco fácil, por lo que los ingenieros renacentistas construyeron estructuras horizontales en lugar de verticales para defenderse del fuego de largo alcance. Los anchos bastiones de los lados exteriores de estas fortalezas servían como plataformas de tiro para los cañones de los defensores.

El edificio de Vignola se eleva tres pisos alrededor de un patio circular. Decoró los lados exteriores con círculos, óvalos y rectángulos, como aconseja en su libro «La regla de los cinco órdenes de la arquitectura», publicado en 1562. El edificio era abovedado y el interior estaba iluminado por ventanas espaciadas uniformemente. El patio parece tener dos plantas, pero la tercera, destinada a pequeñas oficinas, está separada por una terraza abierta con balaustrada.

La planta baja y el primer piso están rodeados de galerías y, como en el palacio Medici Riccardi de Florencia, la planta baja está decorada con rústicos. En el segundo nivel, las semicolumnas jónicas forman un motivo de arco triunfal, y los nichos rectangulares rematados con arcos ciegos repiten los nichos arqueados de la arcada de la planta baja. Detrás del palacio, más allá del foso, se extendían jardines formales.

Arquitectura renacentista en Venecia

El saqueo de Roma en 1527 benefició a otras ciudades italianas cuando un gran número de artistas del Alto Renacimiento huyeron para salvar sus medios de subsistencia, si no sus vidas. Venecia había sido durante mucho tiempo un centro arquitectónico renacentista vital con sus propias tradiciones, pero el campo estaba vacío cuando el escultor florentino Jacopo Sansovino (1486-1570) llegó allí desde Roma.

Como resultado, Sansovino se convirtió en el arquitecto más importante de la Venecia de mediados del siglo XVI. La segunda mitad del siglo estuvo dominada por Andrea Palladio (1508-1580), un brillante artista del Véneto, la región continental gobernada por Venecia. Con sus villas, palacios e iglesias, Palladio llevó la arquitectura renacentista veneciana a una grandiosa conclusión. Véase también Renacimiento en Venecia (1400-1600) y Pintura veneciana (1450-1800).

Plaza de San Marcos (Sansovino)

Poco después de instalarse en Venecia, Sansovino recibió el encargo de reconstruir la plaza de San Marcos. En 1536 modeló una nueva biblioteca en el lado sur de la piazza, o plaza abierta, inspirada en estructuras clásicas como el Coliseo de Roma, que se caracterizaba por bahías regulares de órdenes superpuestos.

La flexibilidad de este diseño, con módulos idénticos que pueden repetirse infinitas veces, se refleja en la historia de la Biblioteca de San Marcos. Se inauguró tras la finalización de los siete primeros vanos a finales de 1546. Luego, entre 1551 y 1554, se añadieron siete vanos más, y en 1589, casi dos décadas después de la muerte del arquitecto, se añadieron más vanos para proporcionar espacio de oficinas.

Aprovechando su experiencia previa como escultor, Sansovino enriqueció la fachada con elaboradas figuras en el quiosco de música y un friso con putti y guirnaldas. La balaustrada del tejado, rematada a intervalos regulares con estatuas, subraya con elegancia la orientación horizontal del edificio. Aunque Miguel Ángel nunca vio la biblioteca, reinterpretó los mismos elementos clásicos a su manera en la nueva fachada del Palacio de los Conservadores de Roma. La biblioteca también ejerció una gran influencia sobre el joven arquitecto de Vicenza Andrea Palladio, que la proclamó «el edificio más rico y ornamentado» desde la Antigüedad.

Palladio

Andrea Palladio nació probablemente en Padua y comenzó su carrera como cantero. Tras trasladarse a Vicenza, fue contratado por el noble erudito humanista y arquitecto aficionado Giangiorgio Trissino (1478-1550). Trissino lo convirtió en su protegido y le dio el apodo de Palladio, nombre derivado de Palas, la diosa griega de la sabiduría, y del escritor romano del siglo IV Paladio.

Palladio estudió latín en la pequeña academia de Trissino y acompañó a su benefactor en tres viajes a Roma, donde Palladio realizó dibujos de monumentos romanos. Con el tiempo, se involucró en varias empresas editoriales, incluida una guía de antigüedades romanas, una edición ilustrada de Vitruvio y libros de arquitectura que han sido valiosas fuentes para el diseño arquitectónico durante siglos.

La iglesia monástica de San Giorgio Maggiore (Palladio)

En 1559, cuando se instaló en Venecia, Palladio era uno de los arquitectos más destacados de Italia. Hacia 1566 recibió un importante encargo arquitectónico: la iglesia del monasterio de San Giorgio Maggiore, en el islote veneciano de San Giorgio. Su diseño de la fachada renacentista de una basílica tradicional -un amplio nivel inferior orientado hacia la nave y las naves laterales, sobre el que se eleva un frontón más estrecho para el claristorio de la nave- es el colmo del ingenio. Inspirándose en la solución de Leon Battista Alberti para Sant’Andrea en Mantua, Palladio creó la ilusión de dos fachadas de templo de diferentes alturas y anchuras, una dentro de la otra.

En el centro, columnas colosales sobre altos pedestales, o basas, sostienen el entablamento y el frontón, que miran hacia el nivel más estrecho del claristorio de la iglesia. El frente inferior «de la iglesia», que abarca la anchura de tres naves y los tejados laterales inclinados, está formado por pilastras que sostienen el entablamento y el frontón que siguen las columnas del frente superior del claristorio. Palladio conservó el motivo de la entrada en arco triunfal de Alberti. Aunque la fachada no se construyó hasta después de la muerte del arquitecto, se ha respetado su diseño original.

El interior de San Giorgio es un buen ejemplo de la geometría armoniosamente equilibrada de Palladio, expresada aquí en fuertes verticales y poderosos arcos. Las altas columnas adosadas y los pares de pilastras más cortos de la arcada de la nave repiten los dos niveles de órdenes de la fachada, uniendo así el exterior y el interior del edificio.

Villa Capra (La Rotonda) (Palladio)

La versatilidad de Palladio queda patente en las numerosas villas que construyó al principio de su carrera. En 1550 comenzó la construcción de su villa más famosa, situada cerca de Vicenza. Aunque la mayoría de las villas rurales eran granjas en funcionamiento, Palladio diseñó esta villa como un refugio aislado. Para abrir las vistas al campo, colocó un pórtico de orden jónico a cada lado del edificio, al que se accedía por una amplia escalinata.

La vivienda principal se encuentra en el segundo nivel, mientras que el nivel inferior está reservado para la cocina y otras dependencias. Una vez terminada en 1569, la villa recibió el nombre de Villa Rotonda porque se inspiró en otra rotonda, el Panteón romano. Tras su compra en 1591 por la familia Capra, pasó a llamarse Villa Capra.

La planta de la villa demuestra la claridad geométrica del concepto de Palladio: un círculo inscrito en un cuadrado pequeño dentro de un cuadrado grande, con compartimentos rectangulares simétricos y salientes rectangulares idénticos en cada uno de sus lados. El uso de una cúpula central en un edificio doméstico fue una innovación audaz que secularizó efectivamente la cúpula. La Villa Rotunda fue la primera de una larga tradición de casas de campo con cúpula, sobre todo en Inglaterra y Estados Unidos. Por ejemplo, la obra del mayor alumno inglés de Palladio, el arquitecto Inigo Jones (1573-1652).

Lista de edificios famosos del Renacimiento italiano

Filippo Brunelleschi
* Catedral del Duomo de Florencia (1420-36)
* Basílica de San Lorenzo, Florencia (1420-1469)
* Ospedale degli Innocenti, Florencia (1424-45)
* Capella Pazzi, San Croce, Florencia (1429-1461)
Michelozzo di Bartolommeo
* Palazzo Medici Riccardi, Florencia (1445-1460)
Leon Battista Alberti
* Palazzo Rucellai, Florencia (1446-51)
* Tempio Maltestiano, Rímini (1450-68)
* Iglesia de Santa Maria Novella, Florencia (1458-71)
Fray Giovanni Giocondo
* Palacio del Consiglio, Verona (c.1470)
. 1470)
Giuliano da Sangallo
* Iglesia de Santa Maria delle Carceri, Prato (1485-1506)
* Palacio Gondi, Florencia (1490-94)
* Palacio della Rovere, Savona (1496)
Donato Bramante
* Iglesia de Santa María delle Grazie, Milán (1492-98)
* Tempietto di San Pietro in Montorio, Roma (1502)
Rafael
* Iglesia de Santa María, Capilla de Chigi, Roma (1513)
* Palazzo Pandolfini (fachada), Florencia (1517)
* Villa Madama, Roma (principios de 1518)
Jacopo Sansovino
* Biblioteca de San Marcos, Venecia (1536-1588)
* Lodetta di San Marco, Venecia (1537-40)
* Palazzo Cornaro della Ca Grande, Venecia (1542-61)
Giulio Romano
* Villa Lante, Roma (1520-4)
* Palazzo del Te, Mantua (1525-34)
* Casa Romano, Mantua (1540)
Miguel Ángel
* Tumba del Papa Julio, Roma (principios de 1505)
* Biblioteca Laurentia, Florencia (1524-1571)
* Cúpula para la Basílica de San Pedro (1546-64)
* Iglesia de Santa María de los Ángeles y de los Mártires, Roma (1563-66)

Baldessare Peruzzi
* Villa Farnesina, Roma (1508-11)
* Palazzo Massimo alle Colone, Roma (1532-6)
Michele Sanmicheli
* Capella Petrucci in San Domenico, Orvieto (1516-24)
* Villa Soranza, Padua (1520)
* Palazzo Bevilacqua, Verona (1534)
* Palazzo Grimani, Venecia (1540-62)
* Giacomo Barozzi (Vignola)
* Villa Giulia, Roma (1550-53)
* Iglesia de San Andrés, Via Flaminia, Roma (1552)
* Villa Farnese, Caprarola, cerca de Roma (ca. 1560)
* Iglesia del Gesù (Jesuitas) Roma (1568-73)

Andrea Palladio
* Villa Polana, Vicenza (1545-50)
* Villa Cornaro, Treviso (1552-54)
* Iglesia de San Giorgio Maggiore, Venecia (1562)
* Villa Capra (La Rotonda), Vicenza (1566-91)
* Basílica (ayuntamiento medieval), Vicenza (1617)

Pirro Ligorio
* Casina Pio IV (Villa Pia) Ciudad del Vaticano (1559-1562)
* Villa D’Este, Tívoli (1572)
Antonio Contini
* Puente de los Suspiros, Venecia (1600)
Giacomo della Porta
* Iglesia del Gesù (Jesuitas) Roma (bóveda de crucería, cúpula, ábside) (1568-84)
* Palacio Senatorio, Capitolio, Roma (1573-1602)
* Fuente de Neptuno, Roma (1574)
* Basílica de San Pedro, Roma (finalización de la cúpula) (1588-90)

Para una guía general de la evolución del diseño de edificios. Véase: Arquitectura: Historia, Estilos (3000 a.C. hasta la actualidad).

Agradecemos el uso de material del libro «Historia del Arte» (Stockstad; Harry N. Abrams. 1995 Nueva York).

HISTORIA
Más sobre movimientos y estilos artísticos: Historia del Arte . Cronología y fechas clave: Cronología de la Historia del Arte . Para información sobre términos: Glosario de Arquitectura .

FUENTES DEL ARTE
Sobre los grandes historiadores del arte del Renacimiento: Jacob Burckhardt (1818-1897), Bernard Berenson (1865-1959), Kenneth Clark (1903-1983), Leo Steinberg (1920-2011).

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