Arquitectura renacentista: historia, características, diseños Traductor traducir

Para una guía general de la evolución del diseño de edificios.
por favor mira: Arquitectura: historia, estilos (3000 aC – presente).

Introducción

Aunque no pueden liberarse del legado de ingeniería y diseño de ninguno de los dos Arquitectura románica (c.800-1200) o arquitectura gótica (c.1150-1375), los arquitectos de la Renacimiento italiano buscó su principal inspiración de griego y Arquitectura romana – Hacer un uso liberal de las órdenes dóricas, jónicas y corintias, combinando clasicismo con los nuevos principios del humanismo sobre los cuales gran parte de Arte renacentista fue basado. Sobre todo, buscaron establecer las proporciones ideales para un edificio, basadas en las del cuerpo humano idealizado. La arquitectura durante el Renacimiento también estuvo estrechamente asociada con la planificación urbana y la difusión de ideas, gracias a la nueva técnica de impresión. El siglo 15 quattrocento se convirtió en la era del tratado, como lo ejemplifica la De re aedificatoria de Alberti (Diez libros sobre arquitectura) (1485), las traducciones impresas de los escritos de Vitruvio , el arquitecto romano del siglo I, La regla de las cinco órdenes de arquitectura de Vignola y Los siete libros de arquitectura de Sebastiano Serlio. El Renacimiento también fue un evento multimedia: por lo tanto, la arquitectura fue de la mano de escultura tanto como pintura mural . Además, algunos de los mejores escultores (Miguel Ángel) y Viejos maestros (Raphael) se convirtió en excelentes arquitectos.

Principales arquitectos renacentistas

los grandes arquitectos del Renacimiento incluye: Filippo Brunelleschi (1377-1446) Leon Battista Alberti (1404-1472), Giovanni Giocondo (1433-1515), Giuliano da Sangallo (1443-1516), Donato Bramante (1444-1514), el teórico Sebastiano Serlio (1475-1554), Miguel Ángel (1475-1564), Baldessare Peruzzi (1481-1536), Rafael (1483-1520), Antonio da Sangallo el Joven (1484-1546), Michele Sanmicheli (1484-1559), Jacopo Sansovino (1486-1570) Giulio Romano (1499-1546), Giacomo Barozzi ( Vignola ) (1507-1573), Andrea Palladio (1508-80), Pirro Ligorio (1510-83), Galeazzo Alessi (1512-72), Giacomo della Porta (1533-1602), el teórico Vincenzo Scamozzi (1548-1616), Carlo Maderno (1556-1629), Antonio Contini (1566-1600).

Aspectos destacados de la arquitectura renacentista

Aunque la continua demanda de monumental arte religioso significaba que la mayoría de los proyectos arquitectónicos involucraban catedrales, basílicas, iglesias, capillas, sacristías, bautisterios, templos y tumbas, los arquitectos renacentistas también diseñaron una amplia gama de estructuras seculares, como palacios, villas, bibliotecas, hospitales, plazas, fuentes y puentes. Ejemplos celebrados del renacimiento diseño incluyen: la cúpula de la Catedral de Florencia (1420-36) y la Iglesia de San Lorenzo (1420-69) de Brunelleschi; Palazzo Medici Riccardi (1445-1460) de Michelozzo di Bartolommeo; Palazzo Rucellai (1446-51) de Alberti; Iglesia de Santa Maria delle Carceri (1485-1506) de Giuliano da Sangallo; Tempietto di San Pietro in Montorio (1502) de Bramante; Palazzo del Te, Mantua (1525-34) de Giulio Romano; Basílica de san pedro (1506-1626) por el cual muchos famosos Renacimiento y Arquitectos barrocos ideas aportadas, incluyendo Bramante, Rafael, Miguel Ángel, Giacomo della Porta, Carlo Maderno y Bernini (1598-1680) – Villa Farnese en Caprarola (c. 1560) por Vignola; la Iglesia de San Giorgio Maggiore (1562) y la Villa Capra (1566-91) de Palladio. Aspectos destacados de la arquitectura Escultura renacentista incluir David de Miguel Ángel (1501-4), y el Violación de las sabinas (1581-2, Loggia dei Lanzi, Florencia) por Giambologna (1529-1608).

Arquitectura renacentista en Florencia

Los viajeros de los Alpes a mediados del siglo XV encontraron Florencia, entonces el centro de Arte renacentista temprano – Muy diferente en apariencia de las ciudades del norte. En lugar de las torres de las iglesias que perforan el cielo, el horizonte florentino estaba dominado, como lo está todavía hoy, por la enorme masa de la cúpula de la catedral que se eleva sobre las casas bajas, las iglesias más pequeñas y los palacios en bloque de los ricos, todos los cuales tenían un exterior mínimo. decoración. Ver también: Arte renacentista en Florencia .

Un ejemplo importante de arquitectura prerrenacentista en Florencia fue el imponente Palazzo Vecchio (ayuntamiento), con vista a la Piazza della Signoria , que fue construida entre 1299 y 1314.

Cúpula de la catedral de Brunelleschi en Florencia

El principal proyecto cívico de los primeros años del quattrocento fue la catedral aún sin terminar, que comenzó a finales de trecento y continuó de manera intermitente durante el siglo XIV. Ya en 1367, sus arquitectos habían imaginado una cúpula muy alta para abarcar el enorme espacio interior, pero carecían de los conocimientos de ingeniería para construirlo. Cuando el interés por completar la catedral se revivió alrededor de 1407, la solución técnica fue encontrada por un joven escultor convertido en arquitecto, Filippo Brunelleschi (1377-1446), una de las claves primeros artistas del Renacimiento en Florencia. La carrera prevista de Brunelleschi como escultor había terminado con su fracaso para ganar la competencia 1402 para diseñar nuevas puertas de bronce para el Baptisterio, que se encuentra junto a la Catedral de Florencia. Brunelleschi rechazó un papel como asistente en ese proyecto y viajó a Roma, probablemente con su amigo escultor. Donatello (1386-1466), donde estudió arquitectura y escultura romanas.

Brunelleschi, cuyo padre había estado involucrado en los planos originales de la cúpula en 1367, aconsejó construir primero un tambor alto o base cilíndrica. El tambor se terminó en 1410, y en 1417 Brunelleschi recibió el encargo de diseñar el domo. El trabajo comenzó en 1420 y se completó en 1471. Una cúpula revolucionaria de ingeniería, la cúpula es una doble capa de mampostería que combina elementos góticos y renacentistas. La construcción gótica se basa en el arco apuntado, utilizando ejes de piedra o costillas, para sostener la bóveda o el techo. La cubierta externa octogonal es esencialmente una estructura de este tipo, apoyada en costillas y en un perfil de arco apuntado; sin embargo, al igual que las cúpulas romanas, está cortada en la parte superior con un óculo (abertura) y está coronada por una linterna, una estructura coronada formada por formas arquitectónicas romanas. El diámetro de 138 pies del domo habría hecho que el uso del centrado (soportes de construcción de madera temporales) fuera costoso e incluso peligroso. Por lo tanto, Brunelleschi ideó maquinaria para izar materiales de construcción según sea necesario e inventó un ingenioso sistema mediante el cual cada parte de la estructura reforzaba la siguiente a medida que la cúpula se construía en curso, o capa, por supuesto. Los elementos de refuerzo eran nervios verticales de mármol y anillos horizontales de piedra arenisca conectados con varillas de hierro, con el todo sostenido por duelas de roble y vigas que unían costillas a costillas. Las conchas internas y externas también estaban unidas internamente por un sistema de arcos. Cuando se completó, esta unidad autoportante no requirió soporte externo para mantenerse en pie. Para más información sobre el duomo florentino, el ícono de la arquitectura renacentista, consulte: Catedral de Florencia, Brunelleschi y el Renacimiento (1420-36).

Iglesia de San Lorenzo (Brunelleschi)

La cúpula de la catedral fue un triunfo de la ingeniería y la técnica de construcción para Brunelleschi, quien fue pionero de la arquitectura renacentista. Otras comisiones llegaron rápidamente después del proyecto de la cúpula de la catedral, y los diseños innovadores de Brunelleschi fueron bien recibidos por los clientes florentinos. Desde aproximadamente 1421 hasta su muerte en 1446, Brunelleschi estuvo involucrado en dos proyectos para la Iglesia de San Lorenzo. Primero, el arquitecto diseñó una sacristía (una habitación donde se guardan vestimentas rituales y vasijas), que se completó en 1428 y llamó a la Antigua Sacristía, como capilla y mausoleo para el Familia Medici de Florencia . Luego fue comisionado para reconstruir la iglesia misma. La historia precisa de este segundo proyecto está oscurecida por la construcción intermitente y las modificaciones posteriores. Brunelleschi pudo haber concebido los planes para la nueva iglesia al mismo tiempo que diseñó la sacristía en 1421 o tal vez tan tarde como alrededor de 1425, después de que se establecieron nuevos cimientos para el crucero y el santuario.

San Lorenzo es una iglesia austera de planta basilical con elementos del arte cristiano primitivo. La larga nave, flanqueada por pasillos laterales que se abren en capillas laterales poco profundas, se cruza con un crucero corto con un cruce cuadrado. Más allá del espacio de cruce frente a la nave hay un santuario cuadrado flanqueado por pequeñas capillas que se abren desde el crucero. Proyectando desde el crucero sur está la sacristía de Brunelleschi, hoy llamada la Sacristía Vieja para distinguirla de una construida en el siglo XVI.

Lo que es completamente nuevo en San Lorenzo es su regularidad matemática y simetría. Para planificar la iglesia, Brunelleschi utilizó un módulo, una unidad básica de medida que podría multiplicarse o dividirse y aplicarse a cada elemento del diseño. El resultado fue una serie de espacios interiores claros y racionales en armonía entre sí y a escala humana.

El sistema modular de Brunelleschi también se llevó a cabo en las proporciones del interior de la iglesia. Los detalles ornamentales fueron tallados en pietra serena , una piedra grisácea que se convirtió en sinónimo de los interiores de Brunelleschi. Debajo del claro triforio (muro de ventanas del piso superior) con sus discretas aberturas, los arcos de la nave se transportan en columnas corintias altas y delgadas, incluso más altas mediante la inserción de un dispositivo Brunelleschian favorito, un bloque de imposición entre el capitel de la columna y El salto de los arcos de medio punto. La arcada se repite en las paredes exteriores de los pasillos laterales en las aberturas arqueadas a las capillas coronadas por lunetas arqueadas. Las formas arquitectónicas aplanadas en pietra serena articulan las superficies de las paredes, y cada bahía está cubierta por su propio techo abovedado. El cruce cuadrado está cubierto por una cúpula hemisférica, la nave y el crucero por techos planos.

San Lorenzo era un edificio experimental que combinaba elementos antiguos y nuevos, pero el enfoque racional de Brunelleschi, el sentido único de orden y la incorporación innovadora de motivos clásicos fueron inspiraciones para los arquitectos renacentistas posteriores, muchos de los cuales aprendieron de su trabajo de primera mano al completar sus proyectos inacabados.

El Palacio de los Medici (Michelozzo di Bartolommeo)

El papel de Brunelleschi en el palacio Medici (ahora el Palazzo Medici-Riccardi) en Florencia, iniciado en 1444, no está claro. Según el pintor, arquitecto y biógrafo del siglo XVI. Giorgio Vasari (1511-74), el modelo de Brunelleschi para el palacio o palacio fue rechazado como demasiado grande por Cosimo de ’Medici el Viejo, quien más tarde contrató a Michelozzo di Bartolommeo (1396-1474), a quien la mayoría de los estudiosos han aceptado como el diseñador del edificio. En cualquier caso, el palacio estableció una tradición para las casas de ciudad italianas que, con variaciones interesantes, siguió siendo la norma durante un siglo. El exterior simple estaba en consonancia con el pensamiento político y religioso en Florencia, que estaba fuertemente influenciado por los ideales cristianos de pobreza y caridad. Al igual que muchas otras ciudades europeas, Florencia tenía leyes suntuarias que prohibían exhibiciones ostentosas de riqueza, pero a menudo se ignoraban. Bajo la ley florentina, por ejemplo, las casas particulares se limitaban a una docena de habitaciones; Cosimo, sin embargo, adquirió y demolió veinte pequeñas casas para proporcionar el sitio para su nueva residencia.

Enorme en escala (cada historia tiene más de 20 pies de altura), con finas proporciones y detalles, el edificio fue construido alrededor de un patio central rodeado por una logia o galería cubierta. Por un lado, la planta baja se abría originalmente a través de grandes arcos redondos hacia la calle. Aunque estos arcos fueron tapiados en el siglo XVI y recibieron ventanas diseñadas por Miguel Ángel, todavía son visibles en la actualidad. La fachada de grandes bloques de piedra oxidada, es decir, con sus caras exteriores ásperas, típicas de los exteriores de las casas florentinas, se derivó de fortificaciones. En la fachada del palacio, las historias se distinguen claramente entre sí por el cambio en las superficies de piedra de muy áspero a nivel del suelo a casi liso en el tercero. El Palacio Medici inauguró una nueva monumentalidad y regularidad de plan en la arquitectura urbana residencial.

Diseño del palacio renacentista

Nobles familias del Renacimiento temprano en Italia construyeron una serie de magníficos palacios urbanos, muchos de los cuales fueron diseñados para parecer imponentes e incluso intimidantes. La cara frontal de un edificio (la fachada) ofrece pistas sobre lo que hay detrás: una gran puerta central, por ejemplo, sugiere poder; la piedra rústica sugiere la fortaleza y las fortificaciones de un castillo; mármoles preciosos y / o escultura en relieve indica riqueza; Un cartucho, acompañado por un escudo de armas familiar, es un símbolo enfático de la nobleza.

La mayoría de los palacios renacentistas usaban diseños derivados de la antigua arquitectura griega o de los antiguos edificios romanos (columnas formadas en las órdenes dóricas, jónicas o corintias, entablamientos decorados y otros elementos similares) en un estilo conocido como clasicismo. El Palazzo Farnese en Roma, por ejemplo, fue construido para los Farneses, uno de los cuales, el cardenal Alessandro Farnese (1468-1549), se convirtió en el papa Pablo III en 1534. Diseñado por Antonio da Sangallo el Joven, Miguel Ángel y Giacomo della Porta, Este inmenso edificio se encuentra a la cabeza y domina una amplia plaza pública abierta, o plaza. Las tres historias del palacio están claramente definidas por dos bandas horizontales de piedra, o cursos de cuerda. Una cornisa de muchas capas se asienta en la fachada como una corona pesada. Las molduras, la cornisa y los entablamentos están decorados con motivos clásicos y con los lirios que forman el escudo de armas de la familia Farnese.

La enorme puerta central está enfatizada por elaborados trabajos en piedra rústica (como son las esquinas del edificio, donde las piedras con forma se conocen como quoins), y está coronada por un balcón adecuado para apariciones ceremoniales del propietario, sobre el cual se coloca el cartucho con el Farnese brazos. Las ventanas se tratan de manera diferente en cada piso: en la planta baja, las doce ventanas se asientan en soportes robustos y las cabezas de las ventanas están rematadas con arquitrabes. La historia directamente arriba se conoce en Italia como el piano nobile , o primer piso (los estadounidenses lo llamarían la segunda historia), que contiene las habitaciones más grandes o "nobles". Sus doce ventanas están decoradas con frontones triangulares y arqueados alternos, sostenidos por pares de medias columnas enganchadas en el orden corintio. El segundo piso (o tercer piso estadounidense) tiene trece ventanas, todas con frontones triangulares cuyas medias columnas jónicas de soporte se colocan en soportes que hacen eco de los que están debajo de las ventanas en la planta baja.

Los palacios renacentistas generalmente estaban orientados hacia adentro, lejos de las ruidosas calles. Muchos contenían patios abiertos. Aquí también prevalecieron elementos clásicos. El patio del Palazzo Farnese tiene una galería frente a una galería en la planta baja. Sus columnas ocupadas clásicas presentan todas las partes habituales: pedestal, base, eje y capitel. La progresión de las órdenes de la historia más baja a la más alta refleja la aparición de las órdenes en la antigua Grecia: dórica, jónica y corintia.

Teorías de Leon Battista Alberti

A mediados del siglo XV, más artistas se habían convertido en estudiantes del pasado, y algunos humanistas se habían aventurado en el campo de la teoría y el diseño del arte. Leon Battista Alberti (1404-1472), un humanista convertido en arquitecto, escribió sobre sus teorías clásicas sobre Art º antes de que él diseñara un edificio. Alberti estudió en las universidades de Padua y Bolonia, luego trabajó como escriba latino para el papa Eugenio IV. Esta posición, que involucraba viajes diplomáticos y por lo tanto ponía a Alberti en contacto con los mejores patrocinadores potenciales en Italia, fue crítica para su carrera posterior como arquitecto. Los diversos escritos de Alberti presentan la primera exposición coherente del renacimiento italiano temprano estética , incluido el sistema de perspectiva matemática italiana acreditado a Brunelleschi y las proporciones ideales del cuerpo humano derivadas de Arte griego . Con Alberti comenzó el cambio gradual en el estado del arquitecto de un constructor práctico, y por lo tanto un trabajador manual, a un intelectual que se espera que conozca la filosofía, la historia y los clásicos, así como las matemáticas y la ingeniería.

El Palazzo Rucellai (Alberti)

La relación de la fachada con el cuerpo del edificio detrás de ella fue un desafío continuo para los arquitectos del Renacimiento italiano. Al principio de su carrera arquitectónica, Alberti ideó una fachada, comenzada en 1455 pero nunca terminada, para ser el frente unificador de una fusión planificada de ocho casas adyacentes en Florencia adquiridas por Giovanni Rucellai. El diseño de Alberti, influenciado en su enfoque básico por el Palazzo Medici, era un simple frente rectangular que sugería un edificio coherente y cúbico de tres pisos con una cornisa sobresaliente, una moldura horizontal pesada y proyectada en la parte superior de la pared. Las ventanas dobles debajo de arcos redondos eran una característica del Palazzo Medici de Michelozzo, pero otros aspectos de la fachada eran completamente nuevos. Inspirado por el antiguo Coliseo de Roma, Alberti articuló la superficie de la pared ligeramente oxidada con un patrón horizontal-vertical de pilastras y arquitrabes que superpusieron los órdenes clásicos: dórico en la planta baja, jónico en el segundo y corintio en el tercero. El Palazzo Rucellai proporcionó una lección visual para los arquitectos locales sobre el uso de elementos clásicos y proporciones matemáticas, y el entusiasmo de Alberti por el clasicismo y sus proyectos arquitectónicos en otras ciudades fueron catalizadores para la difusión del movimiento renacentista.

Arquitectura renacentista italiana fuera de Florencia

Iglesia de San Francesco, Rimini (Alberti)

La difusión de los diseños arquitectónicos del Renacimiento más allá de Florencia se debió en gran medida a Leon Battista Alberti, quien viajó ampliamente y expuso sus puntos de vista a posibles clientes. Como resultado, emprendió un proyecto inusual en Rimini, apropiado para un artista impregnado de conocimientos clásicos: transformar una iglesia medieval existente, la Iglesia de San Francisco, en un "templo" renacentista en honor al gobernante local, Sigismondo Malatesta, y su amante. Isotta degli Atti. Aunque el proyecto, diseñado en 1450, nunca se completó, la carcasa exterior parcialmente alterada proporciona una enciclopedia de ideas arquitectónicas albertianas. La fachada, ubicada frente al muro original de la iglesia, combina formas derivadas de un frente de templo clásico y un arco triunfal romano como el cercano Arco de Augusto. El alto podio con el orden corintio de columnas adjuntas y el entablamento que sostiene un frontón triangular constituyen el frente del templo. Los arcos triples, las columnas adjuntas, los redondeles y la cornisa sobresaliente llevan el motivo del arco triunfal. Esta estratificación y combinación de motivos y referencias es típica del pensamiento humanista y tiene un concepto similar al tratamiento de las mitologías, ideado por Botticelli (1445-1510).

Iglesia de Sant’Andrea, Mantua (Alberti)

Otro patrón, el gobernante de Mantua, en 1470 le encargó a Alberti que ampliara la pequeña Iglesia de Sant’Andrea, que albergaba una reliquia sagrada que se cree que es la sangre real de Jesús. Para satisfacer el deseo de su patrón de un edificio considerable para manejar las multitudes que vienen a ver la reliquia, Alberti propuso construir un "templo etrusco". (Ver también: Arte etrusco .) El trabajo comenzó en la nueva iglesia en 1472, pero Alberti murió ese verano. La construcción avanzó lentamente, al principio según su plan original, pero finalmente se completó solo a fines del siglo XVIII. Por lo tanto, no siempre está claro qué elementos pertenecen al diseño original de Alberti.

El plano de cruz latina: una nave de más de 55 pies de ancho intersectada por un crucero de igual ancho; un cruce cuadrado con cúpula; y un santuario rectangular en eje con la nave, sin duda está en consonancia con las ideas de Alberti. Alberti también fue responsable de las capillas con bóveda de cañón de la misma altura que la nave y los nichos bajos de la capilla tallados en los enormes pilares que sostienen la bóveda de cañón de la nave. Sin embargo, su cúpula no habría sido perforada y no habría sido levantada sobre un tambor, como este finalmente lo fue.

El diseño de Alberti para la fachada de Sant’Andrea se hace eco del del Tempio Malatesta en Rimini en su fusión del frente del templo y el arco triunfal, pero la fachada ahora tiene un volumen claro propio, que lo destaca visualmente desde el edificio detrás. Dos conjuntos de pilastras corintias colosales articulan la cara del pórtico. Los que flanquean la entrada del arco triunfal con bóveda de cañón tienen dos pisos de altura, mientras que los otros, levantados sobre pedestales, recorren tres pisos para sostener el entablamento y el frontón de la forma del templo. El arco en sí tiene espacios laterales con bóveda de cañón que se abren a través de arcos de dos pisos a izquierda y derecha.

Ni la simplicidad del plan ni la complejidad de la fachada insinúan la grandeza del interior de Sant’Andrea. Su inmensa nave con bóveda de cañón extendida a cada lado por capillas altas se inspiró en los interiores monumentales de ruinas tan antiguas como la Basílica de Constantino y Majencio en el Foro Romano. En esta clara referencia al arte imperial romano, Alberti creó un edificio de tan colosal escala y unidad espacial que afectó el diseño arquitectónico durante siglos.

Palacio Ducal, Urbino (Luciano Laurana)

La corte de Urbino fue un destacado centro artístico bajo el patrocinio de Federico da Montefeltro, que buscó activamente a los mejores artistas del día para venir a Urbino. En 1468, después de no encontrar un toscano que se hiciera cargo de la construcción de un nuevo palacio ducal (palazzo ducale) que comenzó alrededor de 1450, Federico contrató a uno de los asistentes ya involucrados en el proyecto, Luciano Laurana, para dirigir el trabajo. Entre las principales contribuciones de Laurana se encontraba el cierre del patio con un cuarto ala y el rediseño de las fachadas del patio. El resultado es una solución extraordinariamente racional a los problemas del diseño de la elevación del patio. El pórtico a nivel del suelo en cada lado tiene arcos sostenidos por columnas; Los ángulos de las esquinas están unidos con pilares que tienen columnas enganchadas en los lados de la galería y pilastras que dan al patio. Esta disposición evitó el incómodo efecto visual de dos arcos que brotan de una sola columna y le dio a la esquina una mayor sensación de estabilidad. La capital compuesta (corintio con volutas jónicas añadidas) se usó, quizás por primera vez, en el nivel del suelo. Las pilastras corintias flanquean las ventanas en la historia de arriba, formando divisiones que repiten las bahías del pórtico. (Las dos historias superiores cortas se agregaron más tarde.) Las caras de arquitrabe lisas estaban grabadas con inscripciones que identificaban a Federico y alababan sus muchas virtudes humanísticas. No se ve en la ilustración una característica innovadora que se convirtió en estándar en el diseño del patio del palacio: la escalera monumental desde el patio hasta el piso principal.

Iglesia de Santa Maria delle Carceri, Prato (Giuliano da Sangallo)

Un arquitecto florentino del siglo XV cuyo trabajo fue más importante para los desarrollos en el siglo XVI fue Giuliano da Sangallo (c.1443-1516). De 1464 a 1472, trabajó en Roma, donde realizó una serie de dibujos meticulosos después de los antiguos monumentos de la ciudad, muchos de los cuales ahora se pierden y hoy en día solo se conocen por su trabajo. De vuelta en Florencia, se convirtió en el favorito de Lorenzo el Magnífico, un gran humanista y mecenas de las artes. Poco después de completar una villa rural para Lorenzo a principios de la década de 1480, Giuliano presentó un modelo para una nueva iglesia en Prato, cerca de Florencia, en la que comenzó a trabajar en 1485. En 1484, un niño afirmó que una pintura de la Virgen en el El muro de la prisión de la ciudad había cobrado vida, y pronto se hicieron planes para eliminar la imagen y preservarla en una iglesia votiva (una iglesia construida como una ofrenda especial a un santo), que se llamaría Santa Maria delle Carceri (Santa María de las cárceles).

Aunque la necesidad de acomodar procesiones y la reunión de congregaciones hizo que la larga nave de una basílica fuera casi una necesidad para las iglesias locales, la iglesia votiva se convirtió en un tema natural para la experimentación renacentista con el plan central. La tradición existente de las iglesias de planta central se remonta al martirio cristiano primitivo (un santuario redondo para un santo mártir) y quizás en última instancia al tholos clásico o templo redondo. Alberti en su tratado sobre arquitectura había hablado del plan central como un ideal, derivado de la creencia humanista de que el círculo era un símbolo de perfección divina y que tanto el círculo inscrito en un cuadrado como la cruz inscrita en un círculo eran símbolos del cosmos. Por lo tanto, la Iglesia de Santa María delle Carceri de Giuliano, construida sobre un plano de cruz griega, es uno de los mejores ejemplos renacentistas del simbolismo humanista en el diseño arquitectónico. También es la primera iglesia renacentista con un verdadero plan central; El experimento anterior de Brunelleschi en la Antigua Sacristía de San Lorenzo, por ejemplo, fue para una estructura adjunta, y el plan de la cruz griega de Alberti nunca se construyó. Basándose en su conocimiento de las obras de Brunelleschi, Giuliano creó un espacio central cuadrado cubierto de cúpula extendido en cada dirección por brazos cuya longitud era la mitad del ancho del espacio central. Los brazos están cubiertos por bóvedas de cañón que se extienden desde los arcos redondos que sostienen la cúpula. Giuliano levantó su cúpula sobre un tambor corto y redondo que aumentó la cantidad de luz natural que ingresaba a la iglesia. También articuló las paredes interiores y la cúpula y tambor de doce nervaduras con pietra serena. El exterior de la cúpula está rematado con un techo cónico y una linterna alta de estilo brunelleschiano.

El exterior de la iglesia es una maravilla de la claridad y el orden del Renacimiento. El sistema de la planta baja de delgadas pilastras dóricas agrupadas en las esquinas se repite en el orden jónico en el nivel superior más corto, como si el entablamento de un pequeño templo hubiera sido coronado con un segundo más pequeño. La iglesia se terminó por completo en 1494, excepto por la instalación de la fina chapa de mármol verde y blanco sobre el primer piso. En la década de 1880, una sección del nivel superior estaba chapeada; Sin embargo, la filosofía de la conservación del siglo XX requiere que el resto del edificio se deje en piedra en bruto, como lo es hoy.

Arquitectura renacentista en Roma y sus alrededores

Beneficiándose de los logros de los diseñadores del siglo XV e inspirados en el estudio de los monumentos de la antigüedad, los arquitectos renacentistas que trabajaron en Roma desarrollaron ideales comparables a los de los pintores y escultores contemporáneos. El trabajo de diez volúmenes del arquitecto e ingeniero romano del primer siglo Vitruvio sobre arquitectura clásica continuó siendo una fuente importante para los arquitectos durante el Alto renacimiento en Italia. Inspiró varias enciclopedias de diseño renacentista y manuales prácticos sobre estilo clásico, como lo hizo Giacomo da Vignola (1507-1573). Mientras que el arte religioso y la arquitectura eran una fuente importante de comisiones, algunas de las mejores oportunidades para la innovación eran los palacios urbanos y las grandes villas de campo. Para más información sobre el arte en la ciudad, ver: Renacimiento en Roma (c.1480-1550).

Tempietto di San Pietro in Montorio (Donato Bramante)

Nacido cerca de Urbino y formado como pintor, Donato Bramante (1444-1514) se dedicó al diseño arquitectónico al principio de su carrera. Poco se sabe de sus actividades hasta aproximadamente 1481, cuando se unió a la corte Sforza en Milán, donde habría sabido Leonardo da Vinci (1452-1519). En 1499, Bramante se instaló en Roma, pero el trabajo llegó lentamente. El arquitecto estaba cerca de los sesenta años cuando fue comisionado en 1502 para diseñar un pequeño santuario sobre el lugar donde se creía que el apóstol Pedro había sido crucificado. El Tempietto Iseo ("pequeño templo"), conocido como Tempietto di San Pietro in Montorio, ha sido admirado desde que fue construido como una interpretación renacentista perfecta de los principios de Vitruvio. Sin copiar ningún monumento antiguo específico, pero tal vez inspirado por los restos de un pequeño templo redondo en Roma, Bramante diseñó el santuario, de solo 15 pies de diámetro, con una base escalonada y un peristilo dórico (fila continua de columnas). Vitruvio había aconsejado que la orden dórica se usara para templos a dioses de carácter particularmente contundente. La primera historia del santuario está coronada por un tambor alto, o pared circular, que sostiene una cúpula hemisférica (ya no original) que recuerda antiguas tumbas romanas redondas. Especialmente notable es el efecto escultórico del exterior del edificio, con sus profundos nichos de pared que crean contrastes de luces y sombras, su friso dórico de emblemas papales tallados y su elegante barandilla (barandilla tallada).

Poco después de la elección de Julio II como Papa en 1503, le encargó a Bramante que renovara el Palacio del Vaticano, y en 1506 Julio lo nombró arquitecto jefe de un proyecto para reemplazar la Basílica de San Pedro en el Vaticano, el sitio de la tumba de Pedro. La construcción apenas había comenzado cuando Julius murió en 1513; El propio Bramante murió en 1514 sin dejar un plan o modelo integral que un sucesor pudiera completar. Después de una serie de papas y arquitectos y varias revisiones, el nuevo San Pedro aún no se había completado cuando Miguel Ángel se hizo cargo del proyecto en 1546.

Renovación de la Piazza del Campidoglio (Miguel Ángel)

Después de que Miguel Ángel se estableció en Roma en 1534, un noble romano rico y mundano fue elegido como Papa Pablo III (reinó entre 1534 y 1549). Sorprendió a sus electores por su vigorosa búsqueda de reformas dentro de la Iglesia, incluido en 1545 el Concilio de Trento, que reunió a facciones conservadoras y reformistas. También comenzó la renovación de varios sitios importantes en Roma y la mejora de las propiedades papales. Entre los proyectos en los que participó, Miguel Ángel estaba remodelando el Campidoglio (Capitolio), una plaza pública en lo alto de la Colina Capitolina, una vez la ciudadela de la Roma republicana. Los edificios que cubrían el sitio irregular habían caído en mal estado, y el Papa vio su renovación como un símbolo tanto de su poder espiritual como secular.

Los académicos aún debaten el papel de Miguel Ángel en el proyecto Capitolino, aunque algunos le han relacionado la concesión de la ciudadanía romana en 1537 con su toma de cargo del trabajo. Sin embargo, las cuentas preservadas mencionan al artista por su nombre solo en dos ocasiones. En 1539 su consejo fue tomado para remodelar la base de la antigua estatua romana de Marco Aurelio. En 1563 se hizo el pago "para ejecutar las órdenes del maestro Michelangelo Buonarroti en el edificio del Campidoglio". El plan integral de Miguel Ángel para lo que seguramente se encuentra entre los proyectos de renovación urbana más bellos de todos los tiempos está documentado en impresiones identificadas como realizadas a partir del plan y modelo de Miguel Ángel para el nuevo Campidoglio. La Piazza del Campidoglio hoy se parece mucho a la concepción registrada en estos grabados solo unos años después de la muerte de Miguel Ángel, aunque la plaza y los edificios no se terminaron hasta el siglo XVII, y el exquisito diseño de estrella de Miguel Ángel en el pavimento no se instaló hasta el siglo XX.

Renovación del Palazzo dei Conservatori (Miguel Ángel)

En 1537, el ayuntamiento ( Conservatori ) asignó fondos para renovar el Palazzo dei Conservatori, que contenía sus oficinas y salas de reuniones. Aunque solo tres bahías de la nueva fachada se terminaron en el momento de la muerte de Miguel Ángel en 1564, sus elementos verticales repetitivos continuaron en la fachada Conservatori y en el llamado Palazzo Nuovo frente a la plaza. El marco de la fachada está formado por colosales pilastras de orden compuesto levantadas sobre altos pedestales y que soportan un amplio arquitrabe debajo de la pesada cornisa. Cada bahía a nivel del suelo se abre en el pórtico profundo a través de columnas jónicas que sostienen sus propios arquitrabes. En el nivel principal anterior, aunque luego se agregó una amplia ventana central, el diseño original requería bahías idénticas, cada una con una ventana central estrecha y un balcón flanqueado por columnas enganchadas que soportan frontones segmentarios. La orientación horizontal del edificio es enfatizada por el arquitrabe simple debajo de la barandilla del techo y luego se recoge debajo del arquitrabe roto sobre el pórtico.

Basílica de san pedro

Desde la colocación de la piedra angular para el nuevo San Pedro por Julio II en 1506, Miguel Ángel había sido muy consciente de los esfuerzos de sus arquitectos, desde Bramante hasta Rafael (1483-1520) hasta Antonio da Sangallo. Cuando Pablo III le ofreció el puesto a Miguel Ángel en 1546, aceptó con gusto. Para entonces, el escultor de setenta y un años no solo confiaba en su experiencia arquitectónica; exigió el derecho de tratar directamente con el papa en lugar de hacerlo a través del comité de diputados de la construcción. Miguel Ángel sorprendió aún más a los diputados, pero no al Papa, al derribar o cancelar aquellas partes del diseño de Sangallo que encontró sin mérito. Finalmente, Miguel Ángel transformó la iglesia de planta central en una vasta estructura orgánica, en la cual los elementos arquitectónicos trabajan juntos de manera cohesiva como los músculos de un torso.Las adiciones y renovaciones del siglo XVII cambiaron drásticamente el plan original de la iglesia y la apariencia de su interior, pero San Pedro de Miguel Ángel todavía se puede ver en las formas contrastantes de las paredes planas y en ángulo y los tres hemiciclos (estructuras semicirculares), cuyo colosal pilastras, ventanas ciegas (sin aberturas) y nichos forman el santuario de la iglesia. El nivel sobre el pesado entablamento recibió más tarde ventanas de una forma diferente. Se desconoce cómo Miguel Ángel habría construido la gran cúpula; La mayoría de los estudiosos creen que lo habría hecho hemisférico. La cúpula que en realidad fue erigida por Giacomo della Porta en 1588-1590, conserva el diseño básico de Miguel Ángel: una cúpula segmentada con aberturas espaciadas regularmente, que descansa sobre un tambor alto con ventanas pedimentadas entre columnas emparejadas, y coronado por una linterna alta que recuerda a la de Bramante Tempietto . Los principales cambios de Della Porta fueron elevar la altura del domo, reducir sus bandas segmentarias y cambiar la forma de sus aberturas.

Giacomo Barozzi / Vignola

Miguel Ángel diseñó los edificios más prestigiosos de la Roma del siglo XVI, pero había demasiado dinero, ambición y demanda de habilidades arquitectónicas para que él pudiera monopolizar el campo. Un joven artista que ayudó a satisfacer esa demanda fue Giacomo Barozzi (1507-1573), llamado Vignola en honor a su ciudad natal, quien se convirtió en el arquitecto más importante del Manierismo movimiento en Roma. Trabajó en la ciudad a fines de la década de 1530 inspeccionando antiguos monumentos romanos y proporcionando ilustraciones para una edición de Vitruvio, luego trabajó de 1541 a 1543 en Francia con Francesco Primaticcio (1504-1570) en el Escuela Fontainebleau (1530-70). Después de que Vignola regresó, se aseguró el patrocinio de la familia Farnese, para quien diseñó y supervisó la construcción de la Villa Farnese en Caprarola desde 1558 hasta su muerte en 1573.

Villa Farnese en Caprarola (Vignola)

En Caprarola, Vignola utilizó la fortaleza construida allí por Antonio da Sangallo el Joven como base (podio) para su edificio de cinco lados. A diferencia de los constructores de castillos medievales, que habían aprovechado los contornos naturales de la tierra en sus defensas, los arquitectos renacentistas impusieron formas geométricas en la tierra. La artillería recientemente desarrollada hizo que los altos muros de los castillos medievales fueran objetivos fáciles, por lo que los ingenieros del Renacimiento construyeron estructuras horizontales en lugar de verticales contra la potencia de fuego a larga distancia. Amplios bastiones en los puntos exteriores de tales fortalezas proporcionaron plataformas de disparo para los cañones de los defensores.

El edificio de Vignola se eleva en tres pisos alrededor de un patio circular. Decoró las caras externas con una disposición de círculos, óvalos y rectángulos, tal como lo había aconsejado en su libro La Regla de las Cinco Órdenes de la Arquitectura , publicado en 1562. El edificio estaba abovedado y el interior estaba iluminado de manera uniforme. Ventanas espaciadas. El patio parece tener solo dos pisos, pero un tercer piso de pequeñas salas de servicio está protegido por una terraza abierta y con barandillas.