Definición del arte: significado, clasificación de las artes visuales 
Traductor traducir Autor del texto original - Neil Cоllins
No existe una definición universalmente aceptada de arte. Aunque se usa comúnmente para describir algo de belleza o una habilidad que produce un resultado estético , no hay una línea clara en principio entre (digamos) una pieza única de escultura hecha a mano y un artículo producido en masa pero visualmente atractivo. Podríamos decir que el arte requiere pensamiento, algún tipo de impulso creativo, pero esto plantea más preguntas: por ejemplo, ¿cuánto pensamiento se requiere? Si alguien arroja pintura sobre un lienzo, esperando con esta acción crear una obra de arte, ¿el resultado constituye automáticamente arte?
Incluso la noción de "belleza" plantea preguntas obvias. Si creo que la cama sin hacer de mi hermana menor constituye algo ’hermoso’ o estéticamente agradable, ¿eso lo convierte en arte? Si no, ¿cambia su estado si un millón de personas están de acuerdo conmigo, pero mi hermana pequeña piensa que es solo un montón de ropa?
Arte: multiplicidad de formas, tipos y géneros
Antes de intentar definir el arte, lo primero que debe tener en cuenta es su gran alcance.
El arte es una actividad global que abarca una gran cantidad de disciplinas , como lo demuestra la variedad de palabras y frases que se han inventado para describir sus diversas formas. Los ejemplos de dicha fraseología incluyen: "Bellas artes", "Artes liberales", "Artes visuales", "Artes decorativas", "Artes aplicadas", "Diseño", "Artesanía", "Artes escénicas", etc.
Profundizando, muchas categorías específicas se clasifican según los materiales utilizados, tales como: dibujo, pintura, escultura (inc. Escultura de cerámica), "arte en vidrio", "arte en metal", "manuscritos del evangelio iluminados", "arte en aerosol", "fotografía artística", "animación", etc. Las subcategorías incluyen: pintura al óleo, acuarelas, acrílicos; escultura en bronce, piedra, madera, porcelana; por nombrar solo unos pocos. Otras sub-ramas incluyen diferentes categorías de género , como: narrativa, retrato, obras de género, paisaje, naturaleza muerta.
Además, surgieron formas de arte completamente nuevas durante el siglo XX, tales como: montaje conceptualismo collage movimiento de tierras instalación , graffiti y video, así como el amplio movimiento conceptualista que desafía el valor esencial de una "obra de arte" objetiva. Para más, ver: Tipos de arte .
La definición del arte está limitada por la era y la cultura
Otra cosa a tener en cuenta es el hecho de que el arte refleja y pertenece al período y la cultura de la que se genera.
Después de todo, ¿cómo podemos comparar murales prehistóricos (por ejemplo, pintura rupestre de la edad de piedra) o arte tribal o nativo Arte oceánico o primitivo Arte africano , con los frescos del Antiguo Testamento del siglo XVI de Miguel Ángel en las paredes y el techo de la Capilla Sixtina? Los eventos políticos son los factores de era más obvios que influyen en el arte: por ejemplo, los estilos artísticos como el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo fueron producto de la incertidumbre política y los trastornos.
Las diferencias culturales también actúan como fronteras naturales. Después de todo, el dibujo occidental está a años luz de la caligrafía china; y qué forma de arte occidental se compara con el arte de plegado de papel origami ¿de Japon? La religión es una variable cultural importante que altera la forma de la envoltura artística. El estilo barroco fue fuertemente influenciado por la Contrarreforma católica, mientras que arte islámico (como el cristianismo ortodoxo), prohíbe ciertos tipos de iconografía artística.
En otras palabras, cualquiera que sea la definición de arte a la que lleguemos, se limitará a nuestra era y cultura. Incluso entonces, categorías como Arte extraño Hay que tenerlo en cuenta. Ver también: Primitivismo / Arte primitivo .
Conclusión
Como puede ver en lo anterior, el mundo del arte es una entidad altamente compleja, no solo en términos de su multiplicidad de formas y tipos, sino también en términos de sus raíces históricas y culturales. Por lo tanto, una definición simple, o incluso un amplio consenso sobre lo que se puede etiquetar como arte, es probable que resulte muy difícil de alcanzar.
Historia de la definición de arte
Para una guía de movimientos y períodos, vea también: Historia del Arte .
Significado clásico del arte
La definición clásica original, derivada de la palabra latina "ars" (que significa "habilidad" o "artesanía"), es un punto de partida útil. Este enfoque amplio lleva a que el arte se defina como: "el producto de un conjunto de conocimientos, que a menudo utiliza un conjunto de habilidades". Así, los pintores y escultores del Renacimiento eran vistos simplemente como artesanos altamente calificados (¿decoradores de interiores?). No es de extrañar que Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel se esforzaran por elevar el estatus de los artistas (y, por implicación, el arte mismo) a un plano más intelectual.
Significado del arte post renacentista
El surgimiento de las grandes academias de arte europeas reflejó la mejora gradual del tema. Nuevas e ilustradas ramas de la filosofía también contribuyeron a este cambio de imagen. A mediados del siglo XVIII, la mera demostración de habilidades técnicas era insuficiente para calificar como arte, ahora necesitaba un componente "estético", tenía que ser visto como algo "hermoso".
Al mismo tiempo, el concepto de "utilitarismo" (funcionalidad o utilidad) se utilizó para distinguir las "bellas artes" más nobles (arte por el arte), como la pintura y la escultura, de las formas menores de "arte aplicado", tales como artesanía y comercial diseño trabajo, y las "artes decorativas" ornamentales, como el diseño textil y el diseño de interiores.
Por lo tanto, a fines del siglo XIX, el arte se separó en al menos dos grandes categorías: a saber, las bellas artes y el resto, una situación que reflejaba el esnobismo cultural y los estándares morales del establecimiento europeo. Además, a pesar de cierta erosión de la fe en los estándares estéticos de la ideología renacentista, que siguió siendo una poderosa influencia en todo el mundo del arte, incluso la pintura y la escultura tuvieron que ajustarse a ciertas reglas estéticas para ser consideradas "verdadero arte".
Significado del arte a principios del siglo XX
Luego vino el cubismo (1907-14), que sacudió el establecimiento de bellas artes hasta sus cimientos. No simplemente porque Picasso introdujo una rama no naturalista de la pintura y la escultura, sino porque destruyó el enfoque monoteísta del Renacimiento de cómo el arte se relacionaba con el mundo que lo rodeaba. Por lo tanto, la principal contribución del cubismo fue actuar como una especie de catalizador para una serie de nuevos movimientos que expandieron enormemente la teoría y la práctica del arte, tales como: suprematismo, constructivismo, Dada, neoplasticismo, surrealismo y conceptualismo, así como varios estilos realistas, como el realismo social y socialista. En la práctica, esta proliferación de nuevos estilos y técnicas artísticas condujo a una nueva ampliación del significado y la definición del arte. Al escapar de su "camisa de fuerza renacentista" y de todas las reglas asociadas con respecto a la "objetividad" (por ejemplo, en perspectiva, materiales utilizables, contenido, composición, etc.), las bellas artes ahora se jactaban de un elemento significativo de "subjetividad". Los artistas de repente se encontraron con una libertad mucho mayor para crear pinturas y esculturas de acuerdo con sus propios valores subjetivos. De hecho, se podría decir que desde este punto el "arte" comenzó a volverse "indefinible".
Las artes decorativas y aplicadas experimentaron una transformación similar debido a la disponibilidad de una amplia gama de productos comerciales. Sin embargo, el aumento resultante en el número de disciplinas asociadas de diseño y artesanía no tuvo ningún impacto significativo en la definición y el significado del arte en su conjunto.
Significado del arte después de la Segunda Guerra Mundial
El cataclismo de la Segunda Guerra Mundial llevó a la desaparición de París como la capital del arte mundial, y su reemplazo por Nueva York. Esta nueva orientación estadounidense alentó al arte a convertirse en un producto más comercial y aflojó su conexión con las tradiciones estéticas existentes, una tendencia impulsada por la aparición del expresionismo abstracto, el arte pop y las actividades de la nueva generación de artistas famosos como Andy. Warhol De repente, incluso los elementos y conceptos más mundanos se elevaron al estado de "arte". Bajo la influencia de este enfoque populista, los conceptualistas introdujeron nuevas formas de arte, como ensamblaje, instalación, video y rendimiento. A su debido tiempo, el graffiti agregó su propia marca, al igual que numerosos estilos de reinterpretación, como Neo-Dada , Neoexpresionismo y Neo-Pop, por nombrar solo tres. Escuelas y colegios de arte de todo el mundo predicaron obedientemente el nuevo politeísmo, agregando más combustible a la hoguera de Arte renacentista tradiciones
La posmodernidad y el significado del arte
La redefinición del arte durante las últimas tres décadas del siglo XX ha recibido mayor peso intelectual por parte de los teóricos del movimiento posmodernista. Según los posmodernos, el enfoque ha cambiado de habilidad artística al "significado" del trabajo producido. Además, "cómo" una obra es "experimentada" por los espectadores se ha convertido en un componente crítico en su valor estético. El éxito fenomenal de artistas contemporáneos como Damien Hirst, así como Gilbert y George, es una clara evidencia en apoyo de esta opinión. Para más información sobre artistas experimentales, ver: arte de vanguardia .
Una definición funcional del arte
A la luz de este desarrollo histórico en el significado de "arte", quizás se puede hacer un intento burdo de una definición "funcional" del tema, en las siguientes líneas:
El arte se crea cuando un artista crea un objeto bello o produce una experiencia estimulante que su audiencia considera que tiene mérito artístico.
Esta es simplemente una definición "funcional": lo suficientemente amplia como para abarcar la mayoría de las formas de arte contemporáneo, pero lo suficientemente estrecha como para excluir "eventos" cuyo contenido "artístico" cae por debajo de los niveles aceptados. Además, tenga en cuenta que la palabra "artista" se incluye para permitir el contexto del trabajo; la palabra "bello" se incluye para reflejar la necesidad de algún valor "estético"; mientras que la frase "que su audiencia considera que tiene mérito artístico" se incluye para reflejar la necesidad de una aceptación básica de los esfuerzos del artista.
Teoría y filosofía del arte: temas de discusión
P. Si apreciamos su impacto positivo, ¿necesitamos definir el arte?
Durante siglos, si no milenios, las personas se han visto emocionalmente afectadas, a veces abrumadas, por obras de arte: desde Escultura griega , a la arquitectura bizantina, la impresionante creatividad del Renacimiento y el Barroco Viejos maestros como Donatello, Raphael y Rembrandt, y pintores famosos de la era moderna, como Van Gogh, Picasso y Auguste Rodin. La poesía, el ballet y las películas pueden ser igualmente edificantes. Entonces, si bien es posible que no podamos explicar con precisión qué es el arte, no podemos negar el impacto que tiene en nuestras vidas, una de las razones por las cuales arte publico Vale la pena apoyarlo.
P. ¿Cómo nos ayuda una definición del significado del arte?
La esencia misma de la creatividad significa que no puede definirse ni encasillarse. Cualquier intento de hacerlo, rápidamente quedará desactualizado y, por lo tanto, no tendrá sentido, incluso será contraproducente. ¿Qué sucede, por ejemplo, si un artista produce algo que por consenso popular es "arte", pero no es aceptado como tal por el establecimiento de artes? Vale la pena recordar que todavía no podemos definir una "mesa" o un "elefante", ¡pero no nos causa mucha dificultad!
P. ¿Es el arte simplemente un reflejo de nuestros valores personales?
Es justo decir que alguien educado en los valores del arte renacentista y que, por lo tanto, tiene una comprensión razonable de la pintura tradicional, es menos probable que considere las instalaciones posmodernas como arte, que una persona sin tal comprensión. Del mismo modo, una persona que ama la televisión y cree que los museos son lugares aburridos y poco emocionantes, es más probable que se sienta impresionada con el videoarte contemporáneo que otra persona que se sienta cómoda con las exhibiciones tradicionales del museo. Debido a esto, se podría decir que la actitud de una persona hacia el arte dice más sobre sus valores personales que sobre el arte mismo.
P. ¿Quién tiene derecho a definir el arte?
Como no hay consenso entre críticos de arte En cuanto al significado del arte, es probable que surja pronto, ¿qué conjunto de "expertos" debería hacerse cargo: artistas, sociólogos, historiadores, abogados, filósofos, arqueólogos, antropólogos o psicólogos? Después de todo, el mundo está lleno de los llamados "expertos": estructuralistas, procesionistas, funcionalistas, así como la cosecha habitual de teóricos políticos como los marxistas y demás, que no pueden ponerse de acuerdo sobre lo que cuenta como arte. Entonces, ¿a quién le damos el trabajo?
¿Cómo se clasifica el arte?
El arte tradicional y contemporáneo abarca actividades tan diversas como:
Arquitectura, música, ópera, teatro, danza, pintura, escultura, ilustración, dibujo, caricaturas, grabado, cerámica, vidrieras, fotografía, instalación, video, cine y cinematografía, por nombrar solo algunos.
Todas estas actividades se conocen comúnmente como "las Artes" y son comúnmente. clasificado en varias categorías superpuestas, tales como: fino , visual , plástico , decorativo , aplicado y de ejecución .
El desacuerdo persiste en cuanto a la composición precisa de estas categorías, pero aquí hay una clasificación generalmente aceptada.
1. Bellas artes
Esta categoría incluye aquellas obras de arte que se crean principalmente por razones estéticas (’arte por el arte’) más que para uso comercial o funcional. Diseñado por sus cualidades edificantes y que mejoran la vida, arte fino típicamente denota las tradicionales "artes superiores" de Europa occidental, como:
Otro tipo de bellas artes occidentales, que se originó en China, es caligrafía : la forma altamente compleja de escritura estilizada.
La evolución de las bellas artes
Después de formas primitivas de pintura rupestre, esculturas de figuras y otros tipos de arte antiguo , ocurrió la época dorada del arte griego y otras escuelas de la antigüedad clásica. El saqueo de Roma (c.400-450) introdujo el período muerto de la Edad Media (c.450-1000), iluminado solo por Arte celta y los diseños celtas Ultimate La Tene, después de los cuales la historia del arte en Occidente está repleta de una amplia variedad de ’estilos’ o ’movimientos’ artísticos, como: gótico (c.1100-1300), renacimiento (c.1300- 1600), barroco (siglo XVII), neoclasicismo (siglo XVIII), romanticismo (siglos XVIII-XIX), realismo e impresionismo (siglo XIX), cubismo, expresionismo, surrealismo, expresionismo abstracto y arte pop (siglo XX).
Para una breve reseña del modernismo (c. 1860-1965), ver Movimientos de arte moderno ; Para una guía sobre la posmodernidad, (c.1965-presente) vea nuestra lista de los principales Movimientos de arte contemporáneo .
La tradición
Las bellas artes eran el tipo tradicional de Arte académico enseñó en las grandes escuelas, como la Accademia dell’Arte del Disegno en Florencia, la Accademia di San Luca en Roma, la Académie des Beaux-Arts en París y la Royal Academy en Londres. Uno de los legados clave de las academias fue su teoría de perspectiva lineal y su clasificación de la géneros de pintura , que clasificó todas las obras en 5 tipos: historia, retrato, escenas de género, paisaje o naturaleza muerta.
Mecenas
Desde la llegada del cristianismo, el patrocinador más grande y significativo de las bellas artes ha sido la Iglesia Cristiana. Por lo tanto, no es sorprendente que el mayor cuerpo de pintura y / o escultura haya sido arte religioso , al igual que otras formas específicas como íconos y arte de retablo .
2. Artes visuales
Arte visual incluye todas las bellas artes, así como nuevos medios y formas de expresión contemporáneas como Assemblage, Collage, Conceptual , Instalación y performance art, así como Fotografía , (ver también: ¿La fotografía es arte? ) y formas basadas en películas como Video Art y Animación , o cualquier combinación de los mismos. Otro tipo, a menudo creado a escala monumental es el nuevo arte ambiental de la tierra .
3. Artes plásticas
El termino arte plástico típicamente denota trabajos tridimensionales que emplean materiales que pueden moldearse, moldearse o manipularse (plastificarse) de alguna manera: como arcilla, yeso, piedra, metales, madera (escultura), papel (origami), etc. Para obras de arte tridimensionales hechas de materiales cotidianos y " objetos encontrados ", incluido el de Marcel Duchamp" readymades "(1913-21), ver: Arte basura .
4. Artes decorativas
Esta categoría tradicionalmente denota formas de arte funcionales pero ornamentales, como trabajos en vidrio, arcilla, madera, metal o tela textil. Esto incluye todas las formas de joyería y arte mosaico , tanto como cerámica , (ejemplificado por estilos bellamente decorados de cerámica antigua notablemente chino y Cerámica griega ) muebles, muebles, Vitral y arte de tapiz . Estilos notables de arte decorativa incluir: Arte rococó (1700-1800), Hermandad prerrafaelita (Fl. 1848-55), Japonismo (c.1854-1900), Art Nouveau (c.1890-1914), Art Deco (c.1925-40), eduardiano y retro.
Podría decirse que el período más grande de arte decorativo o aplicado en Europa ocurrió durante los siglos XVII / XVIII en la Corte Real Francesa. Para más, ver: Artes decorativas francesas (c.1640-1792); Diseñadores franceses (c.1640-1792); y Muebles franceses (c.1640-1792).
5. Artes escénicas
Este tipo se refiere a eventos de rendimiento público. Las variedades tradicionales incluyen teatro, ópera, música y ballet. Contemporáneo arte de performance También incluye cualquier actividad en la que la presencia física del artista actúa como el medio. Por lo tanto, abarca mimo, pintura facial o corporal, y similares. Un tipo de arte de performance hipermoderno se conoce como Acontecimientos .
6. Artes aplicadas
Esta categoría abarca todas las actividades que implican la aplicación de diseños estéticos a objetos funcionales cotidianos. Si bien las bellas artes brindan estimulación intelectual al espectador, arte aplicado crea artículos utilitarios (una taza, un sofá o un sofá, un reloj, una silla o una mesa) utilizando principios estéticos en su diseño. Arte popular está predominantemente involucrado con este tipo de actividad creativa. El arte aplicado incluye arquitectura, arte de la computadora , fotografía, diseño industrial, diseño gráfico, diseño de moda, diseño de interiores, así como todas las artes decorativas. Los estilos destacados incluyen, Escuela de diseño Bauhaus , tanto como Art Nouveau y Arte deco . Una de las formas más importantes del vigésimo arte aplicado es arquitectura , notablemente supertall arquitectura de rascacielos , que domina el entorno urbano de Nueva York, Chicago, Hong Kong y muchas otras ciudades del mundo. Para una revisión de este tipo de arte público, ver: Arquitectura americana (1600-presente).
El debate "Artes versus manualidades"
Según la teoría tradicional del arte, existe una diferencia básica entre un "arte" y un "oficio". En pocas palabras, aunque ambas actividades involucran habilidades creativas, la primera implica un mayor grado de participación intelectual. Bajo este análisis, un tejedor de cestas (digamos) sería considerado un artesano, mientras que un diseñador de bolsos sería considerado un artista. En esta distinción bastante artificial entre artes y artesanía , la funcionalidad es un factor clave. Por lo tanto, un joyero que diseña y fabrica artículos no funcionales como anillos o collares sería considerado un artista, mientras que un relojero sería un artesano; alguien que hace vidrio puede ser un artesano, pero una persona que hace vidrieras es un artista. La idea es que los artistas son de alguna manera superiores porque ’crean’ cosas bellas, mientras que los artesanos realizan acciones repetitivas o puramente funcionales. Puede haber algo de verdad detrás de esta teoría, pero muchos tipos de artesanía no parecen ser diferentes al arte genuino. Un ejemplo quizás, es un dibujante-animador, explorado para dibujar miles de imágenes similares de un personaje de dibujos animados como ’Charlie Brown’. Es cierto que su "arte" es puramente funcional y altamente comercial, pero nadie podría negar que era un artista. Nota: ver también: Movimiento de Artes y Oficios (1862-1914).
El impacto del renacimiento en el concepto occidental del arte
En general, hasta principios del Renacimiento del siglo XV, todos los artistas eran considerados comerciantes / artesanos. Incluso los más grandes pintores como Giotto, Botticelli, Leonardo da Vinci y Rafael fueron vistos como no más que trabajadores calificados, mientras que los escultores maestros como Donatello fueron vistos como meros especialistas en corte de piedra y metalúrgicos de bronce. De hecho, el objetivo declarado de Leonardo y Miguel Ángel era elevar el nivel del artista al de una profesión, una ambición que se realizó debidamente en 1561 con la fundación de la primera Academia de Arte en Florencia, que se creó para capacitar a personas en el profesión de dibujo ( disegno )
Sin embargo, aunque los artistas del Renacimiento lograron elevar su oficio al nivel de una profesión, definieron el arte como una actividad esencialmente intelectual. Esta idea renacentista fija de que el arte es principalmente una disciplina intelectual se transmitió a lo largo de los siglos y todavía influye en las concepciones actuales del significado del arte. A pesar de algunas modificaciones, como lo demuestran los cambios en los planes de estudio de las escuelas de arte, las bellas artes aún mantienen su superioridad teórica sobre las artesanías como las artes aplicadas y decorativas.
Preguntas sobre arte
Es posible que no podamos definir el arte, pero podemos explorarlo aún más haciendo preguntas sobre su naturaleza y alcance. Estas son algunas de las preguntas clave junto con un breve comentario. (Ver también: Glosario de arte en color )
¿Cuál es el punto del arte?
Los escépticos dicen que el arte es una pérdida de tiempo. Incluso el famoso poeta WH Auden confesó que ningún poema salvó a una sola persona de las cámaras de gas nazis. Y si bien esto puede parecer una afirmación bastante sin sentido, destaca la noción de que el arte tiene un uso limitado en nuestra vida cotidiana, excepto en el caso de edificios, teteras, automóviles o ropa de aspecto atractivo.
Hay dos respuestas amplias: primero, el arte aplicado es una rama importante del arte que no se puede separar fácilmente de las bellas artes, porque la raíz de todo diseño (que es la base del arte aplicado) es el arte fino. En segundo lugar, desde que el Homo Sapiens desarrolló la facilidad de la contemplación, ha expresado sus pensamientos en forma pictórica. Al mismo tiempo, ha seguido apreciando la belleza, ya sea en forma de rostros o cuerpos humanos, puestas de sol, colores de piel de animales, catedrales o esculturas. En pocas palabras, crear y apreciar el arte es ser humano. Ese es el punto.
¿Cómo distinguir el buen arte del mal arte?
No poder definir el arte no significa que todas las obras de arte sean buenas. El problema es, ¿quién decide dónde termina el buen arte y dónde comienza el mal?
Esta pregunta popular puede provenir de nuestro deseo natural de evitar ser engañados por vendedores de aceite de serpiente disfrazados de ’artistas’, pero cualquiera que sea su origen, no es un tema particularmente importante. En la práctica, los artistas profesionales necesitan la aceptación del público. Por lo tanto, si bien las modas artísticas temporales pueden ocasionalmente promover obras de valor aparentemente dudoso, es poco probable que el público en general (así como la comunidad artística) se quede al margen y permita que el mal arte se convierta en un lugar común.
¿Por qué los expertos en arte hacen que todo suene tan complicado?
Un ejemplo de esto podría ser los artículos infestados de jerga que se encuentran comúnmente en las revistas de arte, donde ya nadie parece usar un lenguaje sencillo. Otros culpables incluyen catálogos de exposiciones y libros de arte.
Los escritores de este material podrían decir que tal jerga no es más que la taquigrafía necesaria, y que está escrita principalmente para otros ’expertos’. ¿Pero es esto realmente cierto? Por ejemplo, es casi imposible encontrar un libro con una explicación simple del cubismo. Entonces, ¿cómo puede un joven estudiante entender por qué el movimiento revolucionario de Picasso y Braque es tan importante? Lo mismo podría decirse de docenas de cosas en el mundo del arte. Y algunas obras de arte abstracto suenan tan complicadas que casi necesitamos un doctorado para ’comprenderlo’ adecuadamente. (Consulte la siguiente pregunta para ver ejemplos)
Ejemplos de reseñas de arte sin sentido: ¿Por qué usar esta jerga?
Los críticos, críticos y artistas modernos recurren con frecuencia a tonterías sin sentido cuando intentan describir una obra de arte. Aquí hay algunos ejemplos que se han mantenido en el anonimato para evitar la vergüenza de sus autores. Todos fueron tomados de comunicados de prensa o sitios web de organismos ’respetables’:
¡Cómo no escribir una crítica de arte!
"El título resume la intención de la exposición: ubicar la pintura en el ámbito de la posibilidad y considerar la necesidad de interrogar y experimentar si la pintura debe continuar evolucionando hacia un lugar de potencial ilimitado".
"… es la primera exposición que profundiza en temas tan diversos como el juego y el anhelo, la intensidad del espacio personal, el color obsesivo orgánico, abstracto, la construcción interior, el espacio arquitectónico y el tiempo y la trascendencia".
"[nombre del artista] realizó una serie de obras impecables que interrogaban a los componentes básicos de los materiales de la pintura, titulada según el tratado de Alberti Della Pittura . Cada pieza persiguió meticulosamente una línea de investigación relacionada pero distinta con gran ingenio".
"Los postestructuralistas que comenzaron con Jacques Derrida, quien acuñó el término, argumentaron que la existencia de deconstrucciones implicaba que no había una esencia intrínseca en un texto, simplemente el contraste de la diferencia. Esto es análogo a la idea de que la diferencia de percepción entre blanco y negro es el contexto ".
"El trabajo de [nombre del artista] trata de posibilidades; un intento de manifestación de la importancia de la libertad. Al examinar los múltiples significados de los objetos aparentemente ordinarios, se involucra en la trascendencia de la función"
¿Cuál es el significado del arte abstracto? Se ve raro!
Hasta finales del siglo XIX, la mayoría de la pintura y la escultura se adhirieron a los principios tradicionales. Por lo general, era figurativo y naturalista Luego, el impresionismo cambió todo al introducir esquemas de color no naturales: un proceso continuado por los fauves y los expresionistas. Entonces el cubismo rechazó la noción de profundidad o perspectiva en la pintura, y abrió la puerta a más arte abstracto , incluidos movimientos como el futurismo, De Stijl, Dada, constructivismo, surrealismo, neoplasticismo, expresionismo abstracto y Op-Art, por nombrar solo algunos. En Irlanda, pintores como Mary Swanzy, Mainie Jellet y Evie Hone fueron los primeros pioneros de este arte moderno.
Debido a que el arte abstracto tiene pocos o ningún elemento naturalista, no es tan instantáneamente apreciable como (digamos) un retrato o paisaje clásico. Y si prefiere una obra de arte para retratar personas y alrededores reconocibles, entonces es probable que el arte abstracto no sea para usted. Pero, seamos honestos, ¿es tan diferente de retroceder ante la idea de usar un color o estilo de ropa en particular? A diferentes personas les gustan las cosas diferentes, y esto se aplica tanto al arte como a los trabajos, automóviles, casas, muebles, vacaciones y todo lo que se te ocurra.
Las pinturas abstractas o no naturalistas tienden a contener un mensaje implícito o seguir una teoría particular del arte. Esto puede hacerlos menos agradables y menos hermosos para algunas personas, pero no significa que no puedan ser obras de arte sobresalientes.
¿Debería el arte ser subsidiado?
Es extremadamente difícil para la mayoría de los artistas a tiempo completo ganarse la vida con (digamos) su pintura o escultura. A esto, los escépticos replican: "bueno, si nadie quiere comprar sus cosas, ¿por qué el contribuyente debe pagarlas?"
No se debe descartar esta preocupación demasiado a la ligera. Después de todo, estos escépticos no dicen que los artistas no deberían practicar su arte, simplemente que un artista debería buscar patrocinio privado.
Una respuesta a la pregunta es esta. Primero, en realidad, la mayoría de las universidades de arte capacitan a los estudiantes en una variedad de actividades altamente comerciales, especialmente en el área de arte aplicado y diseño. Por lo tanto, para estos individuos no se trata de subsidio. Además, aquellos estudiantes que optan por una carrera a tiempo completo como pintor o escultor, eligen un tipo de vida muy arduo y materialmente poco gratificante. No menos importante porque el patrocinio (en forma de comisiones públicas, becas, residencias de artistas y otras subvenciones) es en realidad muy escaso. El nivel de subsidio público de las artes en los países occidentales sigue siendo bastante bajo, en comparación con otras áreas equivalentes. Entonces, incluso aquí, la cantidad de dinero público que se gasta en obras de arte no es especialmente significativa.
No obstante, se está gastando dinero público, y aquí hay una razón para ello. La belleza, ya sea en la forma de un automóvil atractivo, un edificio público bien diseñado o una plaza, un vestido colorido o una escultura inspiradora, es uno de los pocos fenómenos que levanta el ánimo y nos recuerda que hay más en la vida que El precio de los huevos. Pero sin arte, esta gama de experiencias estéticas disminuirá gradualmente, a medida que la belleza se degrada progresivamente como un objetivo que vale la pena. La literatura (si no la historia) está llena de ejemplos de este tipo de sociedad, donde la funcionalidad lo es todo y los ciudadanos visten la misma ropa monótona, viven en los mismos apartamentos monótonos y llevan la misma vida monótona.
Colecciones en línea de pintura y escultura
Hay toneladas de pinturas y esculturas en línea. (Este sitio web solo muestra miles de imágenes diferentes). Busque el mejores museos de arte como la Galería Uffizi (Florencia), el Louvre (París), el Museo del Prado (Madrid), la Galería Pinakothek (Múnich), la Galería Tate (Gran Bretaña, Modern, Liverpool y St Ives), la Galería Nacional (Londres), la Gemaldegalerie (Berlín), el Museo del Hermitage (San Petersburgo), los Museos Metropolitano y Guggenheim (Nueva York) y la Galería Nacional (Washington DC), por nombrar solo algunos.
Desafortunadamente, las galerías de arte irlandesas (con la notable excepción de la Galería Crawford en Cork) no son tan visibles en Internet como deberían ser, pero hay muchas galerías de arte privadas en Irlanda que tienen maravillosas exhibiciones disponibles para navegar. Ver también: Titulares de noticias de arte .
Para más información sobre la clasificación del arte, ver: Enciclopedia de artes visuales .
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