Movimientos de arte contemporáneo (1970-presente) Traductor traducir

A continuación enumeramos las principales escuelas y estilos de «Arte Actual» que han surgido desde finales de la década de 1960. Dado que el «Arte Actual» sustituyó al «Art Nouveau», también se denomina Arte Postmoderno . Hay que tener en cuenta, sin embargo, que la transición del modernismo al postmodernismo fue gradual y se produjo durante la década de 1960 . Así pues, los dos estilos coexistieron entre sí durante esta época.

Además, nótese que una de las diferencias más importantes entre el arte moderno y el postmoderno se refiere a la menor importancia «del producto acabado». El objetivo de casi todos los modernistas, por ejemplo, era crear una obra de arte duradera y única, como una pintura, una escultura, un dibujo u otro tipo de objeto. En cambio, los artistas posmodernistas están menos interesados en este tipo de producto y más en las ideas que hay detrás. Esto ayuda a explicar el auge de nuevas formas de arte -como las instalaciones (incluidas las instalaciones de sonido y vídeo), el conceptualismo (una amplia categoría de «arte de las ideas»), Happenings (un tipo de arte performativo), las videoinstalaciones, el mapping de proyección y los earthworks abiertos (construcciones medioambientales)- en las que o bien no hay un producto acabado del que hablar o bien es transitorio y se fija sólo como un «acontecimiento». Cabe destacar que en los últimos 20 años el Premio Turner de Arte Actual se ha concedido a 2 pintores, 0 escultores y 10 instaladores.

MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS ACTUALES

Arte pop (desde los años 60)

El arte pop fue a la vez modernista y actual. Al principio representaba una realidad más moderna, utilizando imágenes de estrellas de cine y otros famosos, así como bienes de consumo masivo. Pero esto fue rápidamente eclipsado por el énfasis posmodernista en el espectáculo y el estilo. Véase, por ejemplo, nuestra breve guía sobre el Pop Art de Andy Warhol de los años sesenta.

Word art y word painting (a partir de los años sesenta)

El Word Art era una forma totalmente nueva de pintura o escultura que utilizaba imágenes textuales. Se asoció con artistas como Robert Indiana (nacido en 1928), Jasper Johns (nacido en 1930), On Kawara (1932-2014), Barbara Kruger (nacida en 1945) y Christopher Wool (nacido en 1955).

Conceptualismo (a partir de los años 60)

El arte conceptual es un movimiento artístico posmodernista basado en el principio de que el arte es un «concepto», no un objeto material. En otras palabras, la «idea» que representa una obra se considera su componente principal, y el «producto acabado», si es que existe, se considera principalmente una forma de documentación más que un artefacto.

Los orígenes del Conceptualismo se remontan a Dadá y al artista vanguardista de principios del siglo XX Marcel Duchamp, pero no fue hasta la década de 1960 cuando se convirtió en un movimiento reconocible y adquirió un nombre. El arte conceptual tiene la capacidad de comunicar ideas con bastante fuerza, por lo que ha servido de popular medio de comentario sociopolítico. Además, al restar importancia a la habilidad pictórica o escultórica, o a la artesanía en general, mantiene una orientación subversiva, desafiando toda la tradición de la obra de arte como objeto único y valioso.

Algunos expertos señalan que la era posmoderna exige algo más que la experiencia pasiva «de contemplar» una obra de arte, y que el conceptualismo proporciona una experiencia más interactiva. Es bastante discutible que este valor añadido de entretenimiento ayude a calificar «una idea» como obra de arte. Para conocer la obra de uno de los primeros artistas conceptuales europeos, véase también: El arte posmoderno de Yves Klein (1956-62).

Una ilustración de este punto es la gran colección de zapatos del Museo del Holocausto de Washington, DC, que pertenecieron a víctimas de los campos de concentración nazis. Se ha sugerido que esto tiene las características de una obra de arte conceptual, ya que caminar junto a la enorme pila de zapatos nos ayuda a comprender la horrible realidad de las cámaras de gas. Esto es cierto, pero francamente no convierte los zapatos en una obra de arte ni en ningún tipo de declaración artística. (Compárese Arte del Holocausto 1933-45). Se trata de una declaración política o histórica. Por lo tanto, la dificultad para el Conceptualismo es mostrar cómo se califica como arte, en contraposición al entretenimiento, el teatro o el comentario político.

Representantes importantes del Conceptualismo son Sol LeWitt, Joseph Beuys, Félix González-Torres, Eva Hesse, Jenny Holzer, Joseph Kosuth, Barbara Kruger, Jean Tinguely y Lawrence Weiner. Otros artistas asociados al movimiento son Mel Bochner, Hanne Darboven, Agnes Denes, Jan Dibbets, Hans Haacke, On Kawara y Les Levine.

Performance (a partir de los años 60)

Surgida en América y Europa a principios de la década de 1960, la Performance es una forma de arte experimental inspirada en el arte conceptual, así como en el dadaísmo, el futurismo, la Bauhaus y (en América) el Black Mountain College. El arte de la performance debe caracterizarse generalmente por su «naturaleza en directo» -el hecho de que el artista se comunica directamente con el público- y su impacto, ya sea divertido o chocante, debe ser memorable. Un buen ejemplo es la serie de máquinas que se autodestruyen -probablemente los ejemplos más famosos de arte cinético - creadas por el artista suizo Jean Tinguely (1925-1991). A pesar de ello, es difícil discernir una distinción precisa entre teatro innovador y arte escénico. Además, su insistencia en ser calificado de arte «» -un acontecimiento tradicionalmente burgués- se yuxtapone torpemente a su ethos antisistema.

Hoy en día, la performance incluye eventos y «Happenings» de artistas visuales, poetas, músicos, cineastas, videoartistas, etcétera. A finales de los años 60 y 70 también surgió el «body art», un tipo de arte escénico en el que la propia carne del artista se convierte en lienzo y posteriormente «se representa» de forma bastante escandalosa y mediática (para más detalles, véase más adelante).

En la década de 1980, el arte de la performance recurrió cada vez más a la tecnología (vídeo, ordenadores) para comunicar su «mensaje artístico». Entre los artistas contemporáneos asociados a este género se encuentran el innovador Allan Kaprow (1927-2006), Yves Klein (1928-1962), Gilbert y George (n. 1943, 1942) y el extraordinario Joseph Beuys (1921-1986), creador del innovador arte de la performance «Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta» (1965). Otro artista innovador es el coreano-estadounidense Nam June Paik (1932-2006), que empezó con el arte de la performance, luego trabajó con la televisión y el vídeo, y más tarde con instalaciones.

Movimiento Fluxus (años 60)

Fluxus fue un grupo vanguardista de artistas (su nombre en latín significa «fluido») liderado por el teórico del arte de origen lituano George Maciunas (1931-1978), que surgió primero en Alemania, luego se extendió a otras capitales europeas y más tarde a Nueva York, que se convirtió en el centro de sus actividades. Sus objetivos declarados -una confusa mezcla de formas artísticas «revolucionarias» y «antiartísticas»- continuaban la tradición dadaísta, centrándose en los Happenings (conocidos en Alemania como Aktions) y en diversas formas de arte callejero.

Entre los principales miembros del grupo se encontraban el artista conceptual alemán Joseph Beuys, la conceptualista de origen japonés Yoko Ono y el artista alemán de performance y vídeo Wolf Wostell (nacido en 1932). El objetivo último de Maciunas era deshacerse de todas las artes visuales por considerarlas un despilfarro de recursos y nada más que un capricho burgués. Los artistas de Fluxus colaboraban mezclando distintos medios (visuales, literarios, musicales) en una serie de eventos «», que incluían instalaciones, Happenings, fotografía y cine. En la década de 1960 se celebraron festivales de arte contemporáneo Fluxus en Ámsterdam, Copenhague, Düsseldorf, Londres, París y Nueva York. Véase también Accionismo vienés, en Body Art, más abajo.

Instalación (a partir de los años 60)

El arte de instalación es una nueva forma de arte que cobró importancia en Estados Unidos en la década de 1960, aunque la idea se remonta a las exposiciones surrealistas de Marcel Duchamp y otros, en las que las obras de arte se disponían de tal manera que creaban un entorno complejo y convincente. El artista y diseñador ruso El Lissitzky fue otro pionero, cuya «Proun Room» de 1923 en la estación de Berlín fue uno de los primeros tipos de instalación, al igual que los Merzbilder diseños llenos de habitaciones de Kurt Schwitters (1887-1948).

Otros ejemplos posteriores incluyen «Ambientes espaciales» de Lucio Fontana en la década de 1950 y la exposición de Yves Klein «Le Vide» («Vacío») de 1958, que presentaba una sala de galería vacía. También en la década de 1960 el Groupe Recherche d’Art Visuel creó las primeras instalaciones en forma de entornos de luz cinética. Una instalación suele ocupar todo un espacio, como una sala o una gran superficie, y consta de varios componentes diferentes.

En la década de 1960, el escultor estadounidense Ed Kienholz utilizó coches y mobiliario institucional para presentar una instalación en la que comentaba la muerte y cuestiones sociales. Su colega escultor George Segal utilizó figuras de escayola de tamaño natural representadas en entornos cotidianos (por ejemplo, esperando un tren subterráneo) para comentar lo cotidiano. Otros artistas de instalaciones recientes son Rebecca Horn, Bruce Nauman, Christian Boltanski, Richard Wilson y Tracey Emin. Véanse también las instalaciones de LED -una forma de arte cinético- de Tatsuo Miyajima (1957).

Instalaciones de vídeo (a partir de los años 60)

En la década de 1960, los artistas empezaron a utilizar el vídeo en un intento de redefinir el arte. Varios videoartistas, por ejemplo, desafiaron las nociones preconcebidas del arte como algo intelectual, caro y valorado sólo por la élite de la sociedad. Otros han utilizado el vídeo para subvertir la noción del arte como mercancía -un «producto acabado único»- haciendo de su videoarte «una experiencia» (más que algo propio), o una herramienta para el cambio, un portador de ideas.

El vídeo también permite al artista mostrar el proceso real de creación artística. Normalmente, las videoinstalaciones combinan el vídeo con una banda sonora y/o música, y también pueden incorporar otros dispositivos interactivos, aprovechando al máximo el entorno para estimular al público. Entre los pioneros de la videoinstalación se encuentran Nam June Pike (1932-2006), cuyas instalaciones de los años 60 incorporaban normalmente múltiples monitores de televisión dentro de composiciones escultóricas; así como Andy Warhol (1928-1987), Peter Campus (n.1937), Wolf Vostell (n.1932), Bill Viola (n.1951), Gary Hill y Tony Oursler. En el Reino Unido, entre los videoartistas figuran: Laure Pruvost, Elizabeth Price, Jeremy Deller, Steve McQueen, Gillian Waring, Douglas Gordon, Sam Taylor-Wood, David Hall y Tony Sinden, entre muchos otros.

Minimalismo (a partir de los años 60)

Surgido en América en la segunda mitad de la década de 1960, el Minimalismo, es una forma refinada de arte abstracto, que sustituyó a la abstracción post-pictórica (una forma de expresionismo abstracto tardío) y se convirtió en un estilo influyente en todo el mundo en escultura, pintura y arquitectura. En las artes visuales, el minimalismo se caracteriza por la extrema simplicidad de las formas y la ausencia deliberada de contenido expresivo. Los objetos se presentan en su forma elemental y geométrica, completamente desprovistos de emoción. Las obras minimalistas (escultura y pintura) suelen consistir en elementos homogéneos desnudos que forman una especie de cuadrícula o patrón. La regularidad es casi necesaria para minimizar cualquier atisbo de expresionismo .

El Minimalismo fue la última etapa en el desarrollo lógico del Expresionismo Abstracto, cuyo estilo pasó de lo gestual (action-painting) al trabajo planar ) colour-field painting) a planos y patrones geométricos nítidamente definidos (hard edge painting) hasta el arte minimalista. En este camino se fue deshaciendo gradualmente de todo sentimiento y emoción hasta llegar a la forma estricta e impersonal de la llamada pureza o verdad artística. Lo único que queda es la idea intelectual de la obra: ninguna emoción. Por eso el minimalismo está cerca del conceptualismo: ambos se preocupan por la idea básica o el concepto de la obra que se crea.

Algunos escultores minimalistas importantes son Carl Andre (nacido en 1935), Don Judd (1928-1994), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (nacido en 1931), Richard Serra (nacido en 1939) y Tony Smith (1912-1980). Entre los artistas minimalistas figuran Agnes Martin (1912-2004), Ad Reinhardt (1913-1967), Ellsworth Kelly (n. 1923), Kenneth Noland (n. 1924), Robert Ryman (n. 1930) y Frank Stella (n. 1936).

Arte fotorrealista (hiperrealismo) (años 60, 70)

El fotorrealismo es un estilo de pintura que surgió a finales de la década de 1960 en el que los objetos (personas o escenas urbanas) se pintan con un gran nivel de detalle que recuerda a las fotografías. La mayoría de los artistas que lo practican trabajan directamente a partir de fotografías o imágenes digitales de ordenador, y los temas son más bien banales y de escaso interés.

En cambio, la atención se centra en la precisión y el detalle logrados por el artista y su efecto en el espectador. El realismo fotográfico se inspiró en gran medida en el Pop Art: los temas banales eran característicos de ambos, y algunos artistas (por ejemplo, Malcolm Morley y Mel Ramos) utilizaron ambos estilos. Sin embargo, el fotorrealismo carece del humor extravagante o irónico del Pop Art, e incluso puede resultar ligeramente perturbador.

Además, paradójicamente, su detalle microscópico e indiscriminado puede crear un efecto de «irrealidad». Entre los principales representantes del movimiento superrealista figuran Richard Estes, especializado en escenas callejeras con complejos reflejos en vidrio, y Chuck Close, especializado en representaciones monumentales de rostros inexpresivos. Otros artistas hiperrealistas son Robert Bechtle, Audrey Flack, Ralph Goings y John Doherty . Entre los escultores hiperrealistas figuran Duane Hanson (1925-1996), John de Andrea (nacido en 1941), Carol Feuerman (nacida en 1945), Ron Mueck y Robert Gober.

Earthworks (arte medioambiental) (años 60, 70)

El land art, que surgió principalmente en Estados Unidos en la década de 1960, utiliza o interactúa con el paisaje para crear formas artísticas o «eventos». Con distintos nombres, suele reelaborar formas naturales o mejorarlas con materiales artificiales. Los pioneros de esta forma de arte son Robert Smithson, Richard Long y Andy Goldsworthy, y los intervencionistas Christo y Jeanne-Claude .

Obsérvese que el land art difiere significativamente de monumentos artificiales como Stonehenge. Este último se erigió por su significado ceremonial o religioso y no se considera un elemento terrestre. Incluso los famosos retratos presidenciales del Monte Rushmore, aunque son obras de arte, no pueden considerarse land art porque no tratan de la tierra sino de las imágenes hechas en ella. Para estilos similares, véase Movimientos artísticos, periodos, escuelas (desde aproximadamente el año 100 a.C.).

Fotografía moderna (desde la década de 1960)

Hasta principios de la década de 1960 , la fotografía estuvo condicionada por el pictorialismo y el retrato. Desde entonces, la fotografía documental, la cada vez más sofisticada fotografía de moda y el creciente género de la fotografía callejera han sido las principales fuerzas impulsoras. También son populares los retratos contemporáneos de famosos. Entre los fotógrafos fotoperiodísticos contemporáneos se encuentran Don McCullin (nacido en 1935) y Steve McCurry (nacido en 1950); y entre los fotógrafos de moda se encuentran Helmut Newton (1920-2004), David Bailey (nacido en 1938), Nick Knight (nacido en 1958) y David LaChapelle (nacido en 1963). La fotografía de calle está ilustrada por Garry Winogrand (1928-1984) y Nan Goldin (nacida en 1953), y el retrato posmoderno por Diane Arbus (1923-1971) y Annie Leibovitz (nacida en 1949).

Arte Povera (1966-71)

Denominado «arte pobre» por el crítico italiano Germano Celant (que también escribió un influyente libro titulado «Arte Povera: arte conceptual, actual o imposible»), Arte Povera era un estilo de arte anticomercial que se preocupaba principalmente por las cualidades físicas de los materiales utilizados. Estos últimos solían consistir en cosas corrientes o sin valor, como trozos de periódico, ropa vieja, tierra, fragmentos de metal, etc., aunque en la práctica a veces se utilizaban materiales bastante sofisticados y caros.

El arte povera fue iniciado por un grupo de artistas vanguardistas italianos entre los que se encontraban Piero Manzoni (1933-1963), Mario Merz (1925-2003), Michelangelo Pistoletto (1933), Pino Pascali (1935-1968), Yannis Kounellis (1936), Luciano Fabro (1936), Gilberto Zorio (1944) y Giuseppe Penone (1947). Otra figura importante fue el marchante y promotor turinés Enzo Sperone.

Soportes-Superficies (c.1966-72)

Supports-Surfaces fue un grupo conceptualista de jóvenes artistas franceses de izquierdas que expusieron juntos entre 1966 y 1972. (El título se eligió bastante tarde para su exposición «Animation, Recherche, Controntation» en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris).

El grupo incluía a André-Pierre Aarnal, Vincent Bioulès, Louis Kahn, Marc Devade, Daniel Deleuze, Noëlle Dolla, Tony Grand, Bernard Pagès, Jean-Pierre Pinsman, Patrick Saytour, André Valenci y Claude Viallat. El grupo pretendía despojar al arte de sus cualidades simbólicas y románticas -liberarlo de la tiranía del gusto, la banalidad del Expresionismo, el sentimentalismo del Surrealismo tardío y la pureza de lo concreto artístico, como ellos decían- y por ello deconstruyeron el acto de pintar hasta sus propiedades físicas básicas -lienzo y bastidores (marcos).

Conocido por sus exposiciones itinerantes al aire libre, el grupo utilizaba en sus obras una variedad de materiales inusuales como piedras, tela encerada, cartón y cuerda, y las propias obras a menudo se doblaban, arrugaban, quemaban o pintaban y se exponían en el suelo o se colgaban sin enmarcar. Publicaron numerosos tratados explicativos y carteles en un intento de explicar sus acciones, y publicaron regularmente una revista «Peinture/Cahiers Theoretiques». En general, su obra puede interpretarse como una variante del conceptualismo.

Realismo contemporáneo

Término utilizado en sentido estricto para referirse a un estilo de pintura estadounidense que surgió a finales de los años sesenta y principios de los setenta en la obra de varios artistas como Philip Pearlstein, Neil Welliver y William Bailey. Se caracterizaba por obras figurativas ejecutadas con un estilo crudo y objetivo, sin las distorsiones de la interpretación cubista o expresionista. Los realistas modernos abandonaron deliberadamente el arte abstracto y prefirieron representar temas realistas de forma naturalista.

En términos más generales, el término «realismo moderno» engloba a todos los pintores y escultores posteriores a 1970 que se centran en las bellas artes, donde el objetivo es representar lo «real» en lugar de lo ideal. Por lo tanto, las pinturas de género o las obras figurativas cuyos temas se representan (por ejemplo) bajo una luz romántica o nostálgica quedan excluidas de este género. No existe una escuela general de realismo moderno como tal, y muchos artistas, incluidos los abstraccionistas, han experimentado con este enfoque más tradicional. Quizá el representante más interesante del realismo moderno sea el maestro de la pintura figurativa Lucian Freud (1922-2011), cuyos poderosos estudios del cuerpo humano consiguen transmitir tanto aspereza como amor. Para estilos anteriores de pintura realista, véase Movimiento del Arte Moderno (1870-1970).

Postminimalismo (1971 en adelante)

Palabra utilizada por primera vez por el crítico de arte estadounidense Robert Pincus-Witten cuando calificó las obras de Eva Hesse «de postminimalismo» en la revista Artforum en 1971. Hesse, junto con otros artistas, reaccionó contra el formalismo rígido e impersonal del arte minimalista centrándose en los procesos físicos y creativos. Este nuevo estilo, conocido como « Process Art», era muy transitorio y utilizaba materiales inestables que se condensaban, evaporaban o colapsaban sin ningún control por parte del artista. Se convirtió en tendencia a raíz de dos exposiciones celebradas en 1969: «When Attitude Becomes Form» en la Kunsthalle Bern y «Procedures/Materials» en el Whitney Museum of American Art de Nueva York. Entre los artistas posminimalistas destacados, como Hesse, se encuentran el escultor estadounidense Richard Serra y el artista conceptual de origen alemán Hans Haacke.

Sin embargo, en términos más generales, el postminimalismo (como el postimpresionismo) engloba una serie de estilos diferentes, así como tipos de pintura, escultura y otras formas de arte contemporáneo que sustituyeron al minimalismo a finales de los años sesenta y setenta, y que lo utilizan como punto de partida estético o conceptual a partir del cual desarrollarse. En pocas palabras, cuando los artistas minimalistas empezaron a adoptar un enfoque más conceptual de su arte y se centraron en comunicar una única verdad, pasaron gradualmente al postminimalismo.

Muchos artistas conceptualistas suelen denominarse postminimalistas. Si esto te parece demasiado complicado, no te preocupes: ahora nos adentramos en un serio terreno teórico que implica cuestiones epistemológicas y ontológicas cuya comprensión requiere un máster. Baste decir que el postminimalismo (a diferencia del postmodernismo) desplaza el centro de atención del arte de la forma a la imagen. Cómo se hace y se comunica algo pasa a ser tan importante como lo que se crea.

Arte feminista (de mediados a finales de los 60 en adelante)

El arte feminista -arte creado por mujeres para tratar temas femeninos- surgió a finales de los años 60 y exploraba lo que significaba ser mujer y artista en un mundo dominado por los hombres. Apareció por primera vez en Estados Unidos y el Reino Unido, donde varios grupos artísticos feministas se inspiraron en el movimiento de liberación de la mujer, y luego se extendió por Europa.

Frente a los elitistas temas formales e impersonales de los artistas de vanguardia masculinos, la obra de las mujeres artistas ofrecía emoción y experiencia de la vida real. Las artistas feministas británicas y estadounidenses utilizaron formas simbólicas inherentemente femeninas, elevando el estatus de los materiales y prácticas denominados «femeninos». Abordaron cuestiones de género fundamentales como el parto, la maternidad y la seducción forzada, así como temas más amplios como el racismo y las condiciones de trabajo.

Un estilo particular de arte femenino, el movimiento «Patrón y Decoración», surgió en California en la década de 1970 y estaba formado principalmente por mujeres artistas. Respondieron a la austeridad del minimalismo yuxtaponiendo motivos idénticos o similares y creando intensas fusiones de color y textura mediante técnicas artesanales tradicionales como el tejido, el recorte de papel y el patchwork. Su hermoso uso del color se inspiraba en el movimiento fauve francés del siglo XX en París, mientras que los motivos geométricos y florales estaban tomados del arte islámico, del Lejano Oriente, celta y persa.

Entre las artistas feministas más destacadas se encuentran las estadounidenses Nancy Spero (1926-2009), Eleanor Entine (nacida en 1935), Joan Jonas (nacida en 1936), Judy Chicago (nacida en 1939). Mary Kelly (n.1941), Barbara Kruger (n.1945) y Miriam Shapiro (1923-2015), la artista sueca Monica Sue, la artista inglesa Margaret Harrison (n.1940), y muchas otras. En el campo de las artes plásticas, una de las grandes escultoras feministas fue Louise Bourgeois (1911-2010).

Nueva subjetividad (años 70)

«Nueva subjetividad «fue el título de la exposición internacional celebrada en 1976 en el Museo Nacional de Arte Moderno del Centro Pompidou de París por el comisario e historiador del arte francés Jean Clair. La exposición presentaba obras de artistas contemporáneos estadounidenses, británicos y europeos que rechazaban la abstracción y el conceptualismo que dominaban el arte moderno en favor de un retorno a la representación de la realidad de las cosas, aunque de una manera contemporánea. En sus pinturas, buscaban una observación minuciosa del mundo real.

Los representantes de la nueva subjetividad utilizaron lienzos de todos los formatos, desde monumentales a pequeños, y trabajaron con acrílicos, óleos, acuarelas, así como con lápices de colores y pasteles. Volviendo a la figuración y a la representación de la naturaleza, representaron vistas de jardines, campos, estanques, retratos y naturalezas muertas. Por lo general, eran hábiles dibujantes y artistas de formación académica, y construían sus cuadros según las reglas tradicionales renacentistas de la perspectiva lineal y arial.

Entre los artistas más destacados asociados al Nuevo Subjetivismo se encuentran el artista inglés David Hockney, el artista estadounidense (que trabajó en Inglaterra) R. B. Kitaj, el artista suizo Samuel Bury y los artistas franceses Olivier Olivier, Christian Zeimert, Michel Parré y Sam Safran.

Escuela de Londres

Término utilizado por el artista estadounidense R. B. Kitai en el catálogo de una exposición que organizó en la Hayward Gallery de Londres en 1976, cuando el minimalismo y el conceptualismo estaban de moda. La exposición, titulada «Human Clay», estaba dedicada exclusivamente a obras figurativas de dibujo y pintura, y en el folleto R. B. Kitaj acuñó la expresión « London School» para referirse a los artistas individuales cuyas obras figuraban en la exposición. Desde entonces, el término «London School» se ha utilizado para referirse a un grupo de artistas vinculados a la ciudad en aquella época que siguieron practicando formas figurativas de trabajo frente al establishment vanguardista.

Entre los principales artistas que participaron en esta Escuela de Londres se encontraban Michael Andrews, Francis Bacon, Lucian Freud, David Hockney (aunque en realidad vivía en América), Howard Hodgkin, Frank Auerbach y Leon Kossoff. A finales de la década de 1970, cuando el arte minimalista y conceptual empezó a declinar, surgió una nueva generación de pintores y escultores figurativos con un renovado interés por la obra de esta escuela. (Para una breve guía de los artistas británicos contemporáneos, véase: Pintura británica contemporánea .)

Arte del graffiti (desde la década de 1970)

También conocido como «street art», «can art», y «spray art», graffiti art es un estilo de pintura asociado al hip hop, un movimiento cultural que surgió en varias ciudades estadounidenses, especialmente en los trenes subterráneos de Nueva York, en las décadas de 1970 y 1980. Los B-boys, la primera generación del hip-hop, expresaron las frustraciones de las minorías urbanas en un intento de crear su propia forma de arte, no comercial, que no buscaba agradar al gran público.

Utilizaban plantillas, rotuladores, botes de aerosol y pintaban con pinturas industriales y acrílicos sobre todo tipo de soportes: piedra, yeso, metal, madera y plástico. Sus lienzos «» eran trenes subterráneos, muros de zonas urbanas y baldíos industriales, metros, tejados y vallas publicitarias. En la década de 1970, el arte del graffiti se extendió a Europa y Japón y acabó trasladándose de la calle a la galería. (Véase la biografía de Banksy, el grafitero más famoso de Gran Bretaña). Sin embargo, el corazón del movimiento fue Nueva York.

En Nueva York, uno de los primeros pioneros, conocido por la etiqueta TAKI 183, fue un joven de Washington Heights. Las primeras mujeres grafiteras fueron Barbara 62 y Eva 62. A partir de 1971, las artistas empezaron a utilizar estilos caligráficos característicos para distinguir sus obras, y empezaron a infiltrarse en las cocheras de los trenes subterráneos para aplicar sus marcas en los laterales de los trenes -un proceso denominado « bombardeo»- con el máximo efecto. El tren se convertía así en su «galería», donde exponían sus obras por toda la ciudad. El tamaño y la escala de las marcas también aumentaron, lo que llevó en 1972 a la creación de las llamadas « obras maestras» o « piezas» del grafitero conocido como Super Kool 223.

La inclusión de diseños como lunares, damas y cruces de tres en raya siguió desarrollándose, y pronto hubo «» obras de arriba abajo que ocupaban toda la altura de un vagón de metro, así como paisajes y personajes de dibujos animados. Poco a poco, el mundo del arte empezó a fijarse en ellas.

El grupo United Graffiti Artists (UGA), fundado en 1972 por Hugo Martínez, amplió el número de sus miembros hasta incluir a muchos de los principales grafiteros, con el objetivo de mostrar obras en lugares oficiales como la Razor Gallery. A mediados de la década de 1970, la mayoría de los estándares creativos del graffiti ya se habían establecido, y el género empezó a estancarse. Además, la Autoridad de Tránsito de Nueva York lanzó una doble campaña para proteger las cocheras y borrar permanentemente los graffiti. Como resultado, los grafiteros abandonaron el metro y salieron a la calle, donde su arte estático recibió mucha menos atención.

A finales de los 80 y en los 90, cada vez más artistas empezaron a exponer sus obras en galerías y a alquilar estudios de arte. Esta práctica ya había comenzado unos años antes con grafiteros como Jean-Michel Basquiat -actualmente uno de los artistas contemporáneos más importantes del mundo-, que abandonó su característico estilo SAMO (Same Old Shit) en favor de las posibilidades del mainstream.

Otros grafiteros famosos son Keith Haring (1958-1990), Banksy (n. 1973-4) y David Wojnarowicz (1954-1992). El graffiti es una forma de un movimiento más amplio «, el arte callejero», un estilo de arte outsider creado fuera de los espacios artísticos tradicionales. Incluye el graffiti de plantilla, el arte de carteles o pegatinas, el arte pop y las instalaciones callejeras, incluidas las últimas proyecciones de vídeo, el bombardeo de hilos y las esculturas Lock-On. El arte callejero se conoce a veces como «arte urbano», «arte de guerrilla», «post-graffiti», o «neo-graffiti».

Para una lista de las 30 mejores exposiciones, bienales y ferias de arte posmoderno, véase: Mejores festivales de arte contemporáneo .

Neoexpresionismo (A partir de finales de los 70)

Uno de los diversos estilos del posmodernismo, el neoexpresionismo es un amplio movimiento pictórico que surgió en torno a 1980 como respuesta al estancamiento del minimalismo y el arte conceptual, cuyo intelectualismo y autodenominada «pureza» habían dominado la década de 1970, pero que ahora empezaba a poner de los nervios a muchos artistas. Los neoexpresionistas defendieron la práctica tan pasada de moda de las bellas artes (condenada por los posmodernos como «muerta») y defendieron todo lo que los modernistas habían intentado desacreditar: la figuración, la emoción, el simbolismo y la narrativa. Utilizaban colores sensuales e incorporaban temas asociados a numerosos estilos y movimientos históricos como el Renacimiento, el Manierismo, el Cubismo, el Fauvismo, el Surrealismo, el Expresionismo Abstracto y el Pop Art. No es sorprendente que, en Alemania, el Neoexpresionismo estuviera fuertemente influido por grupos expresionistas alemanes anteriores como Der Blaue Reiter y Die Brucke .

El movimiento englobó la nueva pintura alemana de artistas como Georg Baselitz (n.1938), Jörg Immendorf, Anselm Kiefer, AR Penck, Sigmar Polke y Gerhard Richter, así como la obra de los « Ugly Realists», como Markus Lüpertz. También englobó al grupo Neue Wilden («Nuevos salvajes», una referencia al estilo fauvista de la década de 1900 o «Bestias salvajes»), que incluía a Rainer Vetting. Tras las exposiciones internacionales «New Spirit in Painting» (Royal Academy de Londres, 1981) y «Zeitgeist» (Berlín, 1982), el término neoexpresionismo empezó a aplicarse a otros grupos, como Figuration Libre en Francia, Transavanguardia en Italia, « New Image Painters» y los llamados « Bad Painters».

En América este estilo, a pesar de su popularidad, no ha producido obras del mismo calibre, con la excepción de artistas como Philip Guston (1913-1980), Julian Schnabel, David Salle y otros. En el Reino Unido, algunos ejemplos de este estilo son los desnudos rubensianos de Jenny Saville, que desafían las convenciones sobre el tamaño y la forma del cuerpo humano. La aparición de este movimiento ha llevado a la rehabilitación de varios artistas que trabajan en una línea similar.

Entre ellos se encuentran los estadounidenses Louise Bourgeois, Leon Golub y Cy Twombly, así como el británico Lucian Freud, cuyas obras han sido calificadas de neoexpresionistas. El término también se ha aplicado a la escultura. Obras de escultores como el estadounidense Charles Simonds, los británicos Anish Kapoor y Rachel Whiteread, la checa Magdalena Zetelova, la alemana Iza Genzken y la escultora polaca Magdalena Abakanowicz contienen rasgos expresionistas. En arquitectura, el término «expresionista» se aplica a edificios como la Ópera de Sídney y el Museo Guggenheim de Bilbao. Para más información, véanse Historia de la pintura expresionista (1880-1930) y Movimiento expresionista (a partir de la década de 1880).

Transavanguardia (Transavantgarde) (a partir de 1979)

El crítico de arte italiano Achille Bonito Oliva utilizó el término «Transavanguardia» (más allá de la vanguardia) en la revista Flash Art en octubre de 1979, refiriéndose al neoexpresionismo internacional. Pero desde entonces sólo se ha utilizado para describir la obra de artistas italianos que trabajaron en este estilo en las décadas de 1980 y 1990. Entre ellos figuran Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi y Mimmo Paladino.

Los artistas de la Transvanguardia utilizaron un estilo pictórico suelto y figurativo, con referencias nostálgicas al Renacimiento y su iconografía. Pintaron obras al óleo a gran escala, incluidos retratos realistas e imaginarios, cuadros históricos religiosos y alegóricos, y se inspiraron en el Simbolismo, así como en la paleta de colores del Fauvismo . Chia incorporó el manierismo italiano, el cubismo, el futurismo y el fauvismo a sus obras religiosas narrativas; Paladino creó grandes cuadros mitológicos con motivos geométricos y figurativos; Cucchi creó escenas románticas de gigantes y montañas inspiradas en Surrealismo, e incorporó a sus cuadros el uso de objetos adicionales de metal o arcilla; Clemente destacó por sus autorretratos y obras figurativas intimistas. Su inclusión en grandes exposiciones en la Kuntshalle de Basilea y en la Bienal de Venecia en 1980, y en la Royal Academy de Londres en 1981, dio lugar a exposiciones individuales en Europa y América, así como a un rápido aumento de la importancia de la escuela.

Britart: Jóvenes artistas británicos (años 80)

Los Jóvenes Artistas Británicos (YBAs) aparecieron por primera vez en escena en la década de 1980 y fueron reconocidos oficialmente en la exposición de 1997 « Sensation». En gran parte debido a estilos de principios del siglo XX como el dadaísmo y el surrealismo, su obra suele denominarse «britart». El grupo estaba formado por varios pintores, escultores y artistas conceptuales y de instalaciones que trabajaban en el Reino Unido, muchos de los cuales habían estudiado en el Goldsmiths College de Londres. Sus miembros recibieron una considerable cobertura mediática por su atroz trabajo y dominaron el arte británico en la década de 1990. Entre sus miembros destacan Damien Hirst (conocido por su obra «The Physical Impossibility of Death in the Mind of the Living» , que representa un tiburón tigre muerto marinado en formol, y más recientemente por su calavera con diamantes For the Love of God), y Tracey Emin (conocida por My Bed, una cama doble desordenada con algunos objetos muy personales).

Es posible que muchos YBA nunca hubieran triunfado de no haber sido por el mecenazgo y la promoción de su obra por parte del coleccionista de arte contemporáneo Charles Saatchi, que conoció a Damien Hirst en la exposición estudiantil «Freeze» en el Goldsmiths College en 1988, donde se expusieron 16 YBA. Saatchi compró muchas de las obras expuestas. Dos años más tarde, Hirst comisarió otras dos influyentes exposiciones de YBA, «Modern Medicine» y «Player». Saatchi visitó ambas exposiciones y compró más obras.

En 1992, Saatchi no sólo era el principal mecenas de Hirst, sino también el mayor patrocinador de otros Young British Artists: había surgido un segundo grupo que incluía exposiciones como «New Contemporaries», «New British Summertime» y «Minky Manky», además de artistas como Tracey Emin. Mientras tanto, la recesión económica en el Reino Unido se agravó, provocando el colapso del mercado del arte contemporáneo en Londres. En respuesta, Saatchi organizó una serie de exposiciones en su galería Saatchi Gallery, promoviendo el título «Young British Art», del que el movimiento derivó retrospectivamente su identidad. En la primera se presentaron obras de Sarah Lucas, Mark Wallinger, Rachel Whiteread y, por supuesto, Damien Hirst, cuyo tiburón muerto se convirtió rápidamente en un símbolo icónico de Gran Bretaña en todo el mundo.

En 1993, la joven artista británica Rachel Whiteread ganó el Premio Turner, seguida de Damien Hirst en 1995. En 1997, «Young British Artists» se convirtió en la corriente dominante cuando la Royal Academy de Londres, en asociación con Saatchi, organizó «Sensation», la exposición definitiva de arte YBA, en medio de no poca controversia. Posteriormente viajó al Brooklyn Museum of Art de Nueva York. En 1999, «My Bed», de Tracey Emin, fue nominada al Premio Turner, y en 2000 la exposición de YBA se incluyó en la nueva Tate Modern, lo que confirmó la sólida reputación del grupo.

Véanse también: artistas irlandeses contemporáneos y Artistas irlandeses del siglo XX .

Algunos YBA notables son: James Rielly (retratos), Keith Coventry (pintor abstracto), Simon Callery (vistas urbanas), Martin Maloney (pintor expresionista), Gary Hume (minimalista), Richard Patterson (superabstracto), Fiona Rae (abstracción, arte pop), Marcus Harvey (obras figurativas expresionistas), Ian Davenport (abstracción geométrica), Glenn Brown (escultor y pintura expresionista) y Jenny Saville (cuerpos femeninos expresionistas), algunos de los cuales son ganadores del Premio Turner (1984-2014).

Diseño deconstructivista (1985-2010)

El deconstructivismo es una forma «antigeométrica» de arquitectura del siglo XX que surgió a finales de la década de 1980 en California y Europa. En gran parte debido a los programas informáticos desarrollados por la industria aeroespacial, la arquitectura deconstructivista promueve un enfoque lineal indirecto del diseño que a menudo distorsiona la apariencia de una estructura.

El pionero del deconstructivismo fue el canadiense-estadounidense Frank O. Gehry (nacido en 1929), uno de los arquitectos estadounidenses más innovadores de la era posmodernista. También destacan Peter Eisenman, la empresa Coop Himmelb(l)au, Rem Koolhaas y Daniel Libeskind. Los edificios deconstructivistas más famosos son el Museo Guggenheim (Bilbao), el edificio de la Iglesia Nacional Holandesa (Praga) y The Experience Music Project (Seattle), diseñados por Frank Gehry; el UFA-Palast (Dresde), diseñado por la empresa Coop Himmelblau; y la Biblioteca de Seattle, diseñada por Rem Koolhaas. Véase también: El arte del diseño c. 1850-1970

Arte corporal (años 90)

A finales de los años 60 surgió un tipo de arte escénico llamado Arte corporal en el que el propio cuerpo del artista se convierte, por así decirlo, «en el lienzo» de una obra de arte pasiva, o que luego «se representa» de forma impactante. Las formas más típicas de arte corporal pasivo son arte corporal, tatuajes, arte de uñas, piercings, arte facial, marcas o implantes. Los tipos más activos de arte corporal relacionado con el espectáculo, en los que los artistas se burlan de sus propios cuerpos para transmitir su «mensaje artístico» particular, pueden implicar mutilación, consumo de drogas, esfuerzo físico extremo o tolerancia extrema al dolor.

Uno de los grupos de performance más controvertidos fue el Vienna Action Group, fundado en 1965 por Günter Brus, Otto Mühl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler. Otros artistas corporales conocidos son Michel Journiac (1935-1995), Ketty La Rocca (1938-1976), Vito Acconci (n.1940), Ulay (Frank Uwe Laisipen) (n.1943) y la extraordinaria artista serbia Marina Abramovic (n.1946).

Una de las principales pintoras corporales es la neozelandesa Joanne Gair (1958). Conocida por sus dibujos corporales en trampantojo y su arte del maquillaje, es sobre todo conocida por uno de sus artísticos desnudos femeninos titulado «Demi Moore’s Birthday Suit», que apareció en la portada de la revista Vanity Fair en agosto de 1992. Fue tomada por la fotógrafa contemporánea Annie Leibovitz (nacida en 1949).

Realismo cínico chino (años 90)

El Realismo Cínico -término acuñado por primera vez por el influyente crítico de arte y comisario Li Xianting (nacido en 1949) como un juego deliberado con el estilo oficialmente aprobado del Realismo Socialista - describe el estilo pictórico adoptado por varios artistas de Pekín durante el periodo de pesimismo que siguió a la represión de la manifestación de la plaza de Tiananmen de 1989. Su crítica irónica, a veces muy satírica, de la sociedad china contemporánea causó una gran impresión entre los coleccionistas occidentales, aunque los críticos de arte chinos fueron y siguen siendo ambivalentes con respecto a él, al sentirse incómodos con su prominencia en Occidente.

Entre los artistas asociados al realismo cínico se incluyen: Yue Mingjun (nacido en 1962), Fang Lijun (nacido en 1963) y Zhang Xiaogang (nacido en 1958), todos los cuales han vendido cuadros por más de un millón de dólares. Este movimiento se asocia con «el Pop Art político», un tipo de Pop Art chino de finales de la década de 1980.

Arte neopop (finales de los 80 en adelante)

Los términos «neo-pop» o «post-pop» denotan un resurgimiento del interés estadounidense por los temas y métodos del movimiento Pop Art de los años cincuenta y sesenta. Esto es especialmente cierto en el caso de artistas como Ashley Bickerton, Jeff Koons, Alan McCollum y Haim Steinbach. Utilizando objetos reconocibles, imágenes de famosos (por ejemplo, Michael Jackson, Madonna, Britney Spears) e iconos y símbolos de la cultura popular de las décadas de 1980 y 1990, esta forma actualizada de arte pop también se inspiró en el dadaísmo (en el uso de readymades y objetos encontrados), así como en el arte conceptual contemporáneo. Ejemplos clásicos del neopop art son «Rat King» (1993) de Katharina Fritsch y «Michael Jackson and Bubbles» (1988) de Jeff Koons.

Al igual que su estilo matriz, el neopop se burlaba de la celebridad y cuestionaba abiertamente algunas de las nociones más valoradas de la sociedad. El propio Koons alcanzó una fama considerable por elevar lo kitsch a la categoría de arte elevado. Su «Balloon Dog» (1994-2000) es una brillante escultura de acero rojo (3 metros de altura) cuya detallada forma monumental contrasta absurdamente con la naturaleza trivial de su tema. Otros artistas neopop conocidos son los estadounidenses Jenny Holzer, Cady Noland y Daniel Edwards; los jóvenes británicos Damien Hirst, Gary Hume y Gavin Turk, así como Michael Craig-Martin, Julian Opie y Lisa Milroy; los rusos Vitaly Komar y Alexander Melamid; y el artista belga Leo Koper.

Uno de los aspectos más confusos del neopop es el hecho de que algunos de los creadores del arte pop original de los años sesenta y setenta siguieran produciendo obras interesantes en los noventa. El mejor ejemplo es el escultor Claes Oldenburg (n. 1929), cuyas esculturas pop de proporciones gigantescas incluyen Free Brand (1985-91, Willard Park, Cleveland) y Apple Core (1992, Museo de Israel, Jerusalén).

Stuckismo (1999 en adelante)

Polémico grupo artístico británico fundado en 1999 por Charles Thomson y Billy Childish junto con otros once artistas. El nombre proviene de un insulto a Childish por parte de la artista británica Tracey Emin, quien le dijo que su arte «estaba atascado».

Rechazando la naturaleza estéril del arte conceptual y la performance e instalación de YBAs como Emin, que consideran carentes de valor artístico, los artistas estaxistas abogan por un retorno a las cualidades más pictóricas ejemplificadas por la pintura figurativa y otras artes visuales.

A principios de la década de 2000, el grupo organizó numerosas exposiciones en el Reino Unido, entre ellas «The First Art Show of the New Millennium» (1 de enero de 2000) y «The Retirement of Sir Nicholas Serota» (marzo de 2000), así como varias exposiciones anuales tituladas «The Real Turner Prize Show» y otros eventos. El grupo también ha viajado a París, Hamburgo, Colonia, Leipzig, Nueva Jersey, New Haven EE.UU. y Melbourne Australia. Stuckism también ha aparecido en dos libros recientes: «Styles, Schools and Movements: an encyclopaedic guide to contemporary art», de Amy Dempsey; y «Tastemakers: UK Art Today», de Rosie Millard. También se ha inaugurado una galería «Stookist» en el centro de Londres.

El grupo «Stuckist» incluía, entre otros, a Charles Thomson, Billy Childish, Bill Lewis, Philip Absolon, Sanchia Lewis, Sheila Clark, Ella Guru y Joe Machin.

Nueva Escuela de Leipzig (c. 2000 en adelante)

La Nueva Escuela de Leipzig (en alemán, «Neue Leipziger Schule «), también llamada « Jóvenes Artistas Alemanes» (YGAs), es un movimiento libre de pintores y escultores, que recibieron su educación en la Hochschule für Grafik und Buchkunst (Academia de Bellas Artes) de Leipzig, Alemania Oriental, donde se aisló en gran medida de las tendencias artísticas contemporáneas de Occidente.

Los métodos de enseñanza eran en gran medida tradicionales y se centraban en los fundamentos de las bellas artes tradicionales, con un fuerte énfasis en el dibujo, el dibujo de figuras, el dibujo del natural, el uso de la cuadrícula, la teoría del color y las leyes de la perspectiva. Tras la reunificación alemana en 1989, estudiantes de todo el país empezaron a asistir a la escuela, y sus graduados buscaron oportunidades para vender sus obras en Occidente.

El primer artista de éxito fue Neo Rauch, a quien se ofreció una exposición individual en la galería David Zwirner de Nueva York en 2000. Su éxito abrió las puertas a otros artistas de Leipzig con el mismo talento, cuyas obras se han expuesto en Europa y Estados Unidos. Su estilo tiende a ser figurativo, con un fuerte énfasis en la narrativa, y se caracteriza por colores apagados.

El realismo clásico y el movimiento del atelier posmoderno

La Nueva Escuela de Leipzig es uno de los diversos centros modernos de artesanía tradicional. En Estados Unidos, la pintura representativa tradicional revivió en la década de 1980 «con el Realismo clásico», un movimiento moderno fundado por Richard Lack (1928-2009), antiguo alumno del pintor de Boston R. H. Ives Gammell (1893-1981) a principios de la década de 1950. En 1967 fundó el Atelier Lack, un taller de formación inspirado en los ateliers del París del siglo XIX.

Arte de proyección (siglo XXI)

El arte de proyección -también conocido como Projection mapping, o video mapping, o realidad aumentada espacial- es la cumbre del arte posmoderno. Utiliza tecnología de proyección por ordenador y sólo necesita una superficie (como un edificio, la fachada de una iglesia, un árbol, etc.) sobre la que proyectar el producto final.

Cualquier imagen puede mostrarse en la superficie receptora, y los efectos pueden ser espectaculares: puede transformar literalmente un espacio exterior o interior, contando una historia y creando un espectáculo óptico al mismo tiempo. Entre los artistas proyeccionistas más destacados se encuentran Paolo Buroni, Clement Brind, Ross Ashton, Jennifer Steinkamp, Andy McKeown, Felice Varini y otros.

Arte informático («digital») (siglo XXI)

El término «Arte informático» designa cualquier arte en el que los ordenadores desempeñan un papel significativo. Esta amplia definición también abarca formas de arte más tradicionales que utilizan ordenadores, como: la animación controlada por ordenador o el arte cinético, o la pintura generada por ordenador, así como aquellas formas basadas en programas informáticos, como la arquitectura deconstructivista.

El arte informático también puede denominarse «arte digital», «arte digital», «arte de Internet», «arte de software», o «infografía».

Entre los pioneros de esta forma de arte se encuentran Harold Cohen, Ronald Davis, George Gry, Jean-Pierre Hebert, Bela Yulesh, Olga Kiseleva, John Lansdowne, Maugan Mason, Manfred Mohr y Joseph Nechvatal. Entre los artistas digitales más recientes se encuentran Charles Xury, Leslie Mezey, Frieder Naquet, Georg Nees, A. Michael Noll, Nam June Paik y John Whitney. Otros importantes pioneros de la investigación fueron el profesor Harold Cohen, de la UCSD, y Ken Goldberg, de la UC Berkeley.

Las primeras exposiciones de arte por ordenador incluyeron: «Generative Computergrafik» (1965) en la Hochschule für Technik de Stuttgart, Alemania; «Computer-Generated Pictures» (1965) en la Howard Wise Gallery de Nueva York; «Computer Imagery» (1965) en la Galerie Wendelin Niedlich de Stuttgart, Alemania; «Cybernetic Serendipity» (1968) en el Institute of Contemporary Art de Londres.

En el siglo XXI, el arte informático se ha convertido en el ámbito más novedoso del arte contemporáneo, una especie de posmodernismo definitivo. De hecho, el arte generado por ordenador es sumamente revolucionario, sobre todo porque es capaz (a medida que se desarrolla la inteligencia artificial) de alcanzar una independencia artística total. No se pierda este espacio.