Jean-Baptiste-Camille Corot, pintor paisajista francés Traductor traducir

Jean-Baptiste-Camille Corot fue uno de los grandes representantes de la pintura de paisaje francesa del siglo XIX . Aunque realizó una serie de retratos, pinturas de figuras y grabados de gran calidad -todos los cuales han pasado desapercibidos-, es más conocido por la luminosa claridad de sus pinturas al aire libre . Corot, que ejerció una gran influencia en sus contemporáneos y en artistas posteriores, como el gran pintor suizo Ferdinand Hodler (1853-1918), tendió un puente entre la tradición romántica arcádica del arte neoclásico y la pureza del plein air del impresionismo francés con su estilo poético de naturalismo no afectado . Sigue siendo uno de los artistas más populares y famosos del mundo .

Cuadros de Jean-Baptiste-Camille Corot

Un día en la vida de Jean-Baptiste-Camille Corot

Las tres de la mañana. Aún no ha salido el sol. El artista está sentado bajo un árbol. Es bajito, delgado y despierto, con un rostro fuerte y arrugado, un brillo juguetón en los ojos, el labio inferior hinchado, las muñecas y los músculos de acero y el corazón de un niño. Se asoma a la sábana gris del amanecer y canta. Sencillo, sin afectación, regocijándose con la sola idea de estar vivo, canta como los pájaros en honor del día que se acerca.

Canta y espera. En la bruma gris apenas se distinguen los contornos de los objetos. Una tenue fragancia flota en el aire. Pequeñas briznas de hierba se agitan con la brisa. Y entonces, ¡los primeros rayos de sol! Las flores se despiertan, cada una con su gota de rocío temblorosa. Los pájaros, aún invisibles en su catedral del bosque, entonan su himno matutino. La niebla se levanta como un telón sobre una nueva obra, revelando el río plateado, los árboles, las cabañas y el cielo suavemente teñido. La escena se despliega ante los ojos del artista.

Y ahora ha salido el sol. El cielo está en llamas. Pero la luz sobre la tierra sigue siendo pálida y tierna. Al final del campo hay un campesino con un carro y bueyes. Suena la campana de una oveja. Un viajero montado en un caballo herrado sube por la ladera y desaparece en una hondonada. Abedules blancos, hierba verde, aire azul: fresco, tierno, vivo. Y el artista, sin dejar de cantar, pinta todo esto.

Es mediodía. El sol ha iluminado el mundo. El aire está pesado, somnoliento, quieto. Las flores inclinan la cabeza. Los pájaros han enmudecido. Sólo se oye un sonido: el martillo del herrero del pueblo. ¡Ding! ¡Ding! ¡Qué rítmicamente golpea el yunque! Y luego el martillo se calla. Una hora de descanso. El pintor va a la granja a comer. Un grueso trozo de pan con mantequilla, queso, huevos, jamón. ¡Qué delicioso! Y después de tan copioso almuerzo, una breve siesta. Sueña con sus cuadros. Más tarde pintará sus sueños.

El sol se mueve hacia el horizonte. El aire vibra como agitado por lejanos tom-toms. Otra vez a trabajar. El mismo paisaje con otro humor, con otra luz. Cómo cambian los rasgos, los contornos, las sombras, las armonías, los pensamientos. Al fin y al cabo, bajo el pincel de este mago, el paisaje habla y piensa.

Y ahora el sol se hunde hacia el oeste. Desciende en salpicaduras de amarillo, naranja, escarlata, cereza, púrpura. Un despliegue extravagante y vulgar. No para este artista. Prefiere la naturaleza en calma. Así que se sienta bajo un álamo y espera.

El último rayo de sol ya se hunde en el horizonte. Una franja de oro y púrpura bordea la nube. Ah, ¡esto es! Crepúsculo, dulzura, paz. El sol se ha ido. El cielo está cubierto de una pálida bruma amarilla, el último destello del sol. Y ahora, cuando el resplandor se funde con la noche, el cielo es una delicada textura de verdes, turquesas, grises y marrones. Las aguas del río reflejan los suaves tonos del cielo. Todo está borroso, confuso, ese trasfondo en el que lo visible se funde con lo invisible. La naturaleza duerme. Atardecer, silencio, noche. Una estrella se sumerge desde el cielo en el estanque. Y el agua refleja la luz en ondas de sonrisas plateadas. Todo se sumerge en la oscuridad excepto las estrellas y el estanque, un enjambre de abejas doradas reflejándose en el agua. Noche, ilusión, sueños. Planes para el día siguiente. Nuevos paisajes, nuevos matices de color, nuevos misterios de la naturaleza que plasmar e interpretar en el lienzo. Pero por hoy el trabajo está hecho.

Tal es un día típico de Corot, un pintor-poeta que consiguió transmitir no sólo la forma sino también la psicología de la naturaleza. Al igual que Bonsels, Corot dota a cada árbol, a cada flor, a cada brizna de hierba de individualidad y de alma viva.

Los primeros años

La vida misma de Corot fue un tierno poema de generosidad y genio. Su vida, sin embargo, comenzó durante un periodo tumultuoso de la historia del mundo. Pues 1796, el año de su nacimiento, fue un periodo de transición entre la tormenta de la Revolución Francesa y la tormenta de las guerras napoleónicas. Creció en una generación de sangre y truenos, ambición e intolerancia, odio, mezquindad y venganza. Pero su carácter permaneció impoluto ante la estupidez salvaje de su época. Tuvo la suerte de que en su casa reinaba un ambiente sano y amistoso. Su padre era barbero y su madre modista, artistas por derecho propio y personas de alma noble. Adoraban a su hijo, y aunque desaprobaban que «jugueteara con el pincel», eran tolerantes y le dejaban hacer lo que quería.

Poco antes del nacimiento de Corot, su padre abandonó su negocio de pelucas y se hizo cargo de la sastrería de su mujer en la rue du Bac, en uno de los barrios más de moda de París. El negocio iba viento en popa y el padre esperaba que su hijo se convirtiera también en hombre de negocios. Le envió a la escuela y a la universidad y luego le consiguió un empleo como vendedor de cortinas. Corot desempeñó este trabajo durante seis años y luego lo abandonó por la pintura.

Su padre hizo otro intento para que el joven artista se convirtiera en comerciante. Le propone crear su propio negocio con un capital de cien mil francos (unos veinte mil dólares). Corot rechazó esta práctica oferta. Quería pintar. Su madre intenta hacerle entrar en razón. «Mon Dieu, Camille», exclamó, “¡quién iba a pensar que mi hijo se volvería tan vulgar!”. Pero Corot persiste en su deseo de pintar. Sus padres le enviaron entonces a una «loca aventura», con un encogimiento de hombros bonachón y una generosa renta de mil doscientos francos anuales.

En estos primeros años (década de 1820), la pintura de paisaje se dividía en dos escuelas o estilos: la escuela neoclásica italiana del sur de Europa, que promovía vistas imaginarias idealizadas, a menudo pobladas por figuras mitológicas o bíblicas; y la escuela más realista, derivada de la tradición realista holandesa -más popular en Inglaterra y el norte de Europa-, que se mantenía fiel a la naturaleza real en lugar de una versión idílica. En ambos casos, los artistas solían comenzar con algunos bocetos y estudios preliminares al aire libre, que luego completaban en el estudio. La escuela inglesa de paisajismo, liderada por John Constable y William Turner, fue especialmente influyente por su preferencia por el realismo frente al neoclasicismo.

Corot estudió brevemente (1821-1822) con el pintor y maestro Achille-Etne Michalion (1796-1822) y con Jean-Victor Bertin (1767-1842), alumnos de Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819), seguidor de Nicolas Poussin, Claude Lorrain y de la tradición clásica. Trabajando en plein air en los bosques de Fontainebleau y en pueblos como Ville d’Avray, al oeste de la capital francesa, así como en su estudio, Corot absorbió fácilmente este estilo clásico en su dibujo, esbozo y composición, pero añadió a su pintura su propia poesía y su naturalidad sin afectación. Pero esta poesía está impregnada de realismo: en sus cuadernos se encuentran numerosos esbozos de árboles, rocas y formas vegetales, que muestran su atención a la realidad del campo.

Estudioso de la naturaleza

Durante el periodo de formación de su arte, visitó Italia en dos ocasiones para estudiar las técnicas utilizadas en el arte renacentista (c. 1400-1530), pero -a pesar de su veneración por Leonardo da Vinci - se encontró mucho más absorto por los jardines del Farnesio, la campiña italiana y la belleza del cielo italiano. Su primera estancia en Italia (1825-1828) fue muy productiva, durante la cual aprendió a utilizar la luz y la sombra para representar el volumen y la masividad necesarios de los edificios, produciendo 200 dibujos y 150 óleos .

Pero, como a lo largo de toda su vida, no reconoció más maestros que la naturaleza. Nunca copió. Siempre pintaba directamente de la naturaleza. «No sigas a los demás», solía decir. «El que sigue siempre se queda atrás….. Debes interpretar la naturaleza con total sencillez y según tus sentimientos personales, desprendiéndote por completo de lo que sabes de los maestros antiguos o de tus contemporáneos. Sólo así podrás hacer la obra con verdadero sentimiento».

Exposiciones en el Salón de París

A finales de la década de 1820 y principios de la de 1830, Corot se concentra en la creación de grandes paisajes para exponerlos en el Salón de París, que sigue favoreciendo la pintura realista de estilo académico clásico. Comenzó reelaborando y ampliando sus bocetos al óleo italianos para incluir elementos neoclásicos, como en su primera obra, «Vista de Narni» (1827). Se basa en un rápido esbozo al natural de un acueducto romano en ruinas bajo un sol brillante y polvoriento, que reelabora en un idílico escenario pastoral.

Aunque el Salón aceptó esta obra y otras suyas de 1831 y 1833 (un retrato y varios paisajes), en general fueron recibidas con frialdad por la crítica, por lo que Corot realizó dos visitas más a Italia para seguir desarrollando su estilo. El resultado fue su cuadro bíblico «Agar en el desierto» (1835), que representa a Agar y al niño Ismael rescatados por un ángel de la deshidratación en el desierto. Aunque el cuadro estaba basado en otro boceto italiano, la audacia de la composición y el método pictórico impresionaron a los críticos.

Proporcionó ayuda financiera a otros artistas

A pesar de todos estos altibajos, Corot siguió su propio camino, sin escuchar a nadie y siendo amigo de todo el mundo. Su padre aumentó sus ingresos a dos mil francos. Pero Corot se lo gastaba todo… en los demás. Era un hermano extravagante para todos los jóvenes artistas necesitados de París. Los alimentaba, los vestía y, más tarde, incluso le compró una casa a uno de ellos. Para satisfacer estas necesidades caritativas -él nunca las llamaba caridad, sino sólo muestras de su amistad- se veía obligado a pedir prestadas a su padre grandes sumas de dinero además de su salario. Algún día», solía decir, “venderé mis cuadros y te lo devolveré”.

Pero el padre sólo abría la cartera y sonreía. ¿Quién había oído que un artista pudiera pagar dinero a un hombre de negocios? ¿Y para qué servían los artistas? Estaba convencido de que Camille seguiría siendo un niño estúpido, poco práctico e improvisado el resto de su vida.

Práctico e improvisado, sí, hasta cierto punto. ¿Pero estúpido? Coro no. Era sabio con la sabiduría de un gran corazón. Frugal hasta la templanza, Corot podía ser, en palabras de su biógrafo Everard Meynell, «una sultana en una barra de pan». Porque su pan estaba sazonado con la especia de la alegría al pensar que algún otro pobre «diablo de artista» estaba en ese mismo momento disfrutando de un suculento almuerzo a su costa. Lo que más le gustaba era prestar sin ninguna esperanza de devolución.

Amigos y contemporáneos del artista

Los cuadros de Corot eran grandes porque estaban creados con la bondad de su corazón. Y poco a poco el público empezó a darse cuenta de la grandeza de sus cuadros, así como de la bondad de su corazón. Sus lienzos empezaron a comprarse, y los beneficios los regalaba a sus amigos. ¡Y qué amigos! Entre ellos estaba Charles-François Daubigny (1817-1878), uno de los primeros exponentes de la pintura plein air, que pintó, jugó y bromeó con él toda su vida y que en su lecho de muerte le susurró: «Adieu. Voy al cielo a ver si el amigo de Koro ha encontrado temas para paisajes».

Estaba Henri Rousseau, Le Douanier (1844-1910) con su cabeza maciza y su espesa barba, un artista cuyo rostro alegre aún mostraba las marcas de un hambre precoz - un hambre que la generosidad de Corot ayudó a acabar. Estaba Díaz, Narcisse Virgil Díaz de la Pella (1807-1876), cuyas ricas pinturas hacían juego con la riqueza colorista de su nombre, un hombre con una pierna destrozada y un corazón vigoroso, un español que parecía un pirata y pintaba como un dios, un John Silver de pelo negro que había mendigado en las calles, ahora disfrutaba de la copa del éxito hasta el borde, y en un día trágico iba a morir de mordedura de serpiente. Estaba Baudelaire, el apóstol del Romanticismo, cuyo genio rozaba la locura o, como dirían algunos de sus críticos más virulentos, cuya locura rozaba el genio. Y luego estaba Gustave Courbet, cuya vanidad era aún mayor que su genio.

Fama y reconocimiento

A lo largo de la década de 1840, Corot se esfuerza por superar las críticas y ocultar su decepción cuando su obra es rechazada por el Salón . Pero en 1845 Baudelaire declara a Corot el máximo representante «de la escuela moderna de paisajismo». En 1846, el gobierno francés le concedió la cruz de la Legión de Honor .

«¡Increíble!» - exclamó su padre al enterarse. El propio Corot permaneció tan indiferente a este reconocimiento como a sus fracasos anteriores. Sólo le permitió vender sus cuadros a voluntad y reponer su bolsa en favor de los amigos. Recibió una medalla de segunda clase en el Salón de 1848, pero cada vez más contemporáneos suyos, entre ellos Eugène Delacroix (1798-1863), empezaron a reconocer su categoría artística. En 1848, Corot fue elegido miembro del Salón, y el reconocimiento público no tardó en llegar, aumentando considerablemente su posición económica.

A veces exigía precios bastante elevados a los mecenas y compradores de arte: mil francos, tres mil francos, diez mil francos. Pero en general valoraba sus cuadros en función de sus necesidades del momento, más que de su mérito intrínseco. En general, subestimaba sus méritos. Se habría sorprendido mucho si hubiera podido adivinar que cuando vendió su cuadro «Lac de Garde» por ochocientos francos, ¡treinta años más tarde ese cuadro valdría doscientos treinta y un mil francos!

Los últimos años

Durante la tormenta de la guerra franco-prusiana, mantuvo la calma, dedicándose a crear belleza, amistad y cordialidad. Hasta el final, continuó apoyando a sus colegas artistas, a menudo interviniendo para proporcionarles encargos. En 1871 donó 10.000 dólares a los pobres de París, entonces bloqueada por el ejército prusiano. Dio 10.000 francos a la viuda del gran Jean-François Millet (1814-1875), antiguo líder de la escuela de paisajismo de Barbizon, y compró una casa de campo para el pobre y casi ciego caricaturista, pintor y escultor Honoré Daumier . Incluso el habitualmente ácido Edgar Degas llamó a Corot «el ángel que fuma en pipa».

El propio Corot se negaba a envejecer. Decía que esperaba vivir hasta los ciento cuatro años. Tenía un apetito insaciable por el trabajo. A los 77 años, seguía subiendo los cuatro tramos de escalera que conducían a su taller de la rue Paradis Poissonnière . En el invierno del año siguiente murió uno de sus amigos más queridos, d’Aligny. Durante el funeral, una tormenta de nieve hizo de las suyas en el cementerio de Montparnasse. Pero el viejo artista, con la nieve azotando su blanca cabellera, se negó a marcharse hasta el final de la ceremonia.

Finalmente, su salud empezó a flaquear. Seguía yendo regularmente a su estudio, pero no para escribir, sino para estar entre sus cuadros favoritos. «¡Si ahora tuviera fuerzas!» - le decía a su amigo Robaut. «No tienes ni idea de lo que podría escribir….. Veo cosas que nunca había visto antes. Nuevos matices, nuevos cielos, nuevos horizontes….. Ah, ¡si pudiera mostrarte estos inmensos horizontes!». Tres semanas más tarde, el 22 de febrero de 1875, pasó a estos nuevos horizontes. «Sigo esperando», dijo poco antes de morir, “que haya pintura en el cielo”. Fue enterrado en el cementerio del Père-Lachaise de París.

Reputación

Creador de varios famosos cuadros de paisajes, Corot gozó de una popularidad duradera como paisajista, testimonio de su capacidad creativa única para representar la naturaleza en toda su belleza. Importante contribución a la pintura francesa moderna, buen observador de la luz y las nubes, y uno de los más grandes maestros del óleo al aire libre, también realizó varios encantadores cuadros de figuras y retratos (por ejemplo, la obra maestra «Mujer con perla», 1869). Ejerció una gran influencia en el paisajismo de mediados del siglo XIX, incluidos los paisajes impresionistas, y en artistas como Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Eugène Boudin (1824-1898) y Berthe Morisot (1841-1895). La última palabra la tiene Claude Monet (1840-1926), que dijo una vez: «Aquí sólo hay un maestro, Corot. No somos nada comparados con él, nada».

Las obras de Corot cuelgan en muchos de los mejores museos de arte del mundo .