Edward Hopper:
pintor de género urbano estadounidense Traductor traducir

Para el análisis de obras de pintores de género realistas como Edward Hopper,
por favor mira: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

Realista estadounidense líder

El pintor, ilustrador y artista gráfico nacido en Nueva York, Edward Hopper, es uno de los más reconocidos y pintores famosos de América. Visto como uno de los mejores pintores de género, es considerado por críticos de arte ser el realista estadounidense más importante del siglo XX. Un admirador del impresionista clásico francés. Edouard Manet Hopper fue influenciado por ambos internacionales Realismo y el idioma realista estadounidense de la Escuela Ashcan, aunque desarrolló su propio estilo bastante independiente, generalmente caracterizado como perteneciente a Pintura de escena americana. Observador agudo de la arquitectura urbana vernácula que enmarca sus pinturas, David Riesman lo ha encasillado como un pintor de la soledad, una caracterización que él mismo cuestionó. Quizás sea mejor entendido como un pintor de personas comunes que intentan sacar lo mejor de la vida , una condición que necesariamente implica un grado de soledad y serenidad.

Cualquiera que sea su perspectiva precisa, se mantuvo firme en su enfoque realista, incluso cuando el nuevo movimiento de abstracción estadounidense de la posguerra lo hizo parecer anticuado y fuera de contacto. De hecho, si es cierto que "cada imagen cuenta una historia", uno siente que Hopper es simple pero único pinturas de género continuará siendo significativo mucho después de que el modernismo intelectual de Jackson Pollock, Mark Rothko y artistas contemporáneos posteriores, se haya desvanecido en la historia. Muchas de las pinturas de Hopper están disponibles como impresiones en forma de arte del cartel.

Ver también: Arte americano : 1750-presente. Para otros ejemplos del realismo estadounidense del siglo XX, ver también Grant Wood (1892-1942) y Andrew Wyeth (1917-2009). Vea también uno de los contemporáneos de vida más corta de Hopper Fuelle de George Wesley (1882-1925).

Vida temprana

Nació como el único hijo de una familia establecida de clase media en la ciudad de Nyack, en el estado de Nueva York, un pequeño centro de construcción de yates en el río Hudson, y el lugar de nacimiento unos 20 años después del innovador artista de estilo caligráfico, Joseph Cornell. (1903-72). Al crecer en un hogar estrictamente bautista, Hopper desarrolló un talento temprano para dibujo, y en su adolescencia estaba familiarizado con muchos medios diferentes, incluida la pintura de acuarela, pluma y tinta, carbón y pintura al óleo. Trabajó desde la naturaleza y también en interiores, creando una serie de autorretratos así como dibujos animados políticos. Siendo cultos y leídos, sus padres reconocieron y apoyaron sus esfuerzos artísticos desde una etapa temprana, manteniéndolo provisto de materiales y libros educativos. Aun así, lo guiaron hacia la ilustración comercial en lugar de pintura de bellas artes.

Escuela de arte de Nueva York

En consecuencia, en 1899, después de graduarse de la escuela secundaria, comenzó sus estudios de arte en la Correspondence School of Illustrating en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, al año siguiente se transfirió al prestigioso Instituto de Arte y Diseño de Nueva York en Manhattan (la escuela Chase), donde estudió con dos maestros radicalmente diferentes: William Merritt Chase (1849-1916), discípulo del impresionista John Singer Sargent (1856-1924) que lo instruyó en pintura al óleo, y Robert Henri (1869-1929), uno de los pioneros del realismo estadounidense, y el fundador de The Stark Escuela Ashcan de pintura realista, que enseñó la clase de vida. Según un estudiante contemporáneo: Chase promovió el "arte por el arte", mientras que Henri promovió el "arte por el bien de la vida", aconsejando a los alumnos que "se olviden del arte y pinten lo que les interesa en la vida ". El mismo Hopper respondió con mucha más fuerza a las ideas radicales de Henri, pero mantuvo un enfoque relativamente independiente y distante. En la escuela, sus talentos fueron recompensados ​​con numerosos premios. Su primera pintura al óleo sobreviviente con ecos de sus famosos interiores posteriores fue Figura solitaria en un teatro (c.1904). Durante su tiempo en la escuela, también completó docenas de desnudos, retratos y composiciones figurativas, junto con una gama de naturaleza muerta y imágenes del paisaje.

Viajes a europa

Hopper dejó la escuela de arte después de seis años y pasó la mayor parte de las próximas dos décadas involucrado en el trabajo rutinario del arte comercial, haciendo diseños de portadas para revistas comerciales, ilustraciones, anuncios y otros tipos de gráficos. Entre 1906 y 1910 realizó tres viajes a Europa, cada uno centrado en París, para estudiar Viejos maestros, así como los nuevos estilos emergentes de Expresionismo y Cubismo. Pero, de hecho, permaneció casi completamente intacto por la escena del arte contemporáneo y sus pintores de moda, como Picasso. Uno de los pocos artistas que admiraba era Rembrandt, el realista holandés, sobre todo por su tratamiento único de la luz. Una de las imágenes favoritas de Hopper de Rembrandt fue su retrato grupal seminal The Night Watch, que describió como "lo más maravilloso que he visto".

Después de su segundo viaje, pintó Summer Interior (1909), una obra melancólica e íntima posiblemente derivada del interior más atrevido, de Edgar Degas, presenta el primer uso de un dispositivo de composición que emplearía muchas veces en el futuro: un parche de luz entrando en el mundo humano de una habitación. Otros trabajos que contienen este dispositivo incluyen Excursion into Philosophy, A Woman in the Sun y Rooms by the Sea. El tratamiento de la luz y color, en particular su efecto en el estado de ánimo de la pintura, se convertiría en un foco de por vida para Hopper.

En general, sin embargo, el nuevo arte abstracto lo dejó frío. El único artista europeo de la era moderna para el que tuvo tiempo fue el malvado grabador francés Charles Meryon (1821-68), cuyos grabados malhumorados de los edificios medievales de París se convirtieron en una influencia importante en el joven estadounidense.

Década de lucha

Después de su tercer y último viaje a Europa, Hopper alquiló un estudio en la ciudad de Nueva York y reanudó la rutina diaria de un artista gráfico, solicitando negocios de revistas y editoriales lo mejor que pudo. Mientras tanto, a pesar del estallido ocasional de actividad, como un viaje de 1912 a Massachusetts durante el cual pintó su primer faro ) Squam Light), su pintura al óleo generalmente languidecido, por falta de inspiración. Además, después de la rica diversidad cultural de París, continuó encontrando Manhattan algo tosco y poco sofisticado.

En 1913, en la famosa Exposición Internacional de Arte Moderno (más conocida como la Show de armería, para su sede en la 69ª Armería del Regimiento en Nueva York) Hopper, de 31 años, vendió su primera pintura, Sailing (1911). Sería una década antes de su próximo éxito real. Mientras tanto, continuó trabajando en una variedad de proyectos comerciales, incluidos carteles para una compañía cinematográfica, el esfuerzo de guerra estadounidense y otras ilustraciones. Aunque Hopper consideraba estas actividades como una experiencia depresiva y una distracción inoportuna de su verdadero arte, muchos de ellos contribuyeron de manera importante a la formación del estilo Hopper, un estilo cargado de narrativa, que en muchos aspectos se convertiría en la "ilustración" definitiva de partes de América en los años 1920, 30 y 40. Hay un paralelo aquí con Jack B Yeats, uno de los más famosos artistas irlandeses, cuya temprana carrera como ilustrador fue una gran influencia en sus pinturas, muchas de las cuales estaban imbuidas de una "historia" clara. Poco después del Armory Show, Hopper se mudó a Greenwich Village , donde vivió el resto de su vida.

En 1915, Hopper cambió de pintura al óleo a aguafuerte, produciendo paisajes urbanos de París y Nueva York. Este medio difícil, que muchos pintores (incluidos Rembrandt, Hogarth, Goya, Whistler y Hockney) han intentado dominar, le dio a Hopper la oportunidad de mostrar sus excelentes habilidades de dibujo y su visión personal. Es en sus huellas que vemos por primera vez las características figuras solitarias, escenas desoladas de la ciudad y Arquitectura victoriana que pueblan sus pinturas al óleo maduras. También presentan los típicos contrastes de luces y sombras al estilo Hopper en una versión moderna de Rembrandt claroscuro . Además, dado que tenían que producirse en un ambiente de estudio, obligaron a Hopper a trabajar desde su imaginación en lugar de la observación directa, y así ayudaron a mejorar su inventiva y sus habilidades de composición. Una comparación de sus bocetos grabados con sus últimos aceites, American Landscape, por ejemplo, con su famosa House by the Railroad (1925), o Night Shadows con su obra maestra Nighthawks (1942), revela la importancia de su temprana época. grabado.

Reconocimiento y éxito comercial

La década de 1920 finalmente le dio a Hopper el avance que buscaba. Sus grabados comenzaron a recibir un grado de reconocimiento público, y su pintura al óleo (como en New York Interior, 1921; New York Restaurant, 1922), si aún no era apreciada por los curadores y los jurados de exposiciones, se estaba inspirando más. También comenzó a pintar acuarelas al aire libre durante el verano en Gloucester, un pequeño pueblo en la costa de Massachusetts, excepto que mientras otros pintores estaban completamente absortos pintando paisajes marinos y vistas panorámicas, Hopper estaba fascinado por las grandes casas victorianas construidas por ricos capitanes de mar durante el siglo anterior.

En 1923, Hopper comenzó a salir con Josephine Nivison , una compañera artista de sus días de estudiante, con quien se casó un año después. Su vivacidad, dedicación y fuerza de personalidad demostraron ser el factor clave en la configuración del futuro de Hopper como artista. Uno de sus primeros actos fue presentar seis de las acuarelas de Hopper en Massachusetts a una exposición en el Museo de Brooklyn, una de las cuales ) The Mansard Roof), fue comprada por el museo por $ 100. Aún mejor, sus obras recibieron críticas entusiastas de los críticos. Una exposición individual con entradas agotadas siguió en 1924 en la Galería Rehn de Nueva York, y Hopper tomó la decisión de convertirse en pintor a tiempo completo.

En 1925, Hopper produjo y vendió The House by the Railroad , su primera pintura al óleo destacada. El edificio aislado de estilo Segundo Imperio se encuentra junto a la vía del ferrocarril, pero permanece en un espléndido aislamiento, sus sombras cuidadosamente dibujadas se suman a una sensación de irrealidad de ensueño, no muy diferente de las inquietantes imágenes del artista italiano. Giorgio de Chirico (1888-1978). Solo una especie de terca fuerza puritana como la frontera le da el sello único de Hopper.

Desde este punto, la carrera de Hopper despegó. Pintó obras como Two on the Aisle (1927) – que se vendió por la friolera de $ 1, 500 – The Automat (1927), Chop Suey (1929), Faro a las dos luces (1929) y Railroad Sunset (1929). Su obra House by the Railroad (1925) fue donada por su millonario propietario al Museo de Arte Moderno, mientras que Early Sunday Morning (1930) fue comprada por otra gran suma por el Museo Whitney de Arte Americano. Su reputación aumentó aún más en 1931 cuando los principales museos como el Museo Metropolitano de Arte comenzaron a coleccionar sus obras. Ese año vendió más de treinta pinturas, incluidas trece acuarelas. En 1932, participó en la bienal en el Museo Whitney de Arte Americano, donde exhibió continuamente durante el resto de su vida. En 1933, el Museo de Arte Moderno le dio al artista de 51 años su primera retrospectiva a gran escala. Era rico y famoso, viajaba en un automóvil y era dueño de una nueva casa de verano, pero a pesar de este éxito, no pudo evitar un sentimiento de resentimiento por sus días de lucha. Tampoco fue el hombre más fácil con el que convivir, siendo conocido por su naturaleza gruñona e inflexible, y por mantener un estilo de vida inquebrantable y espartano durante los próximos 30 años.

Su producción a fines de la década de 1930 y principios de la década de 1940 fue prolífica e incluyó una serie de obras importantes como Room in New York (1932), New York Movie (1939), Cape Cod Evening (1939), Office at Night (1940), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Lobby del hotel (1943), Morning in a City (1944) y Seven AM. (1948) Disfrutó de una gran retrospectiva en el Museo Whitney de Arte Americano en 1950, y apareció en la portada de la revista Time en 1956. Sus obras de los años 50 y 60 incluyen pinturas como First Row Orchestra (1951), las habitaciones surrealistas Rooms by the Sea (1951), Morning Sun (1952) y Hotel by a Railroad (1952), Excursion into Philosophy (1959), Intermission (1963), su gran Sol en una habitación vacía (1963) y sus dos cómicos autobiográficos (1966).

Durante el período de posguerra y la década de 1950 su estilo se destacó como un faro de arte representativo en medio de la ola de abstracción que se extendió por el mundo del arte estadounidense. La "pintura de acción" de Jackson Pollock y Willem de Kooning, al estar desprovisto de referencias naturalistas, fue visto como una forma de arte más moderna y superior, y fue paralelo a una forma aún más pura de Expresionismo abstracto en el trabajo de Mark Rothko y otros. Los partidarios de este nuevo estilo, como el crítico importante Clement Greenberg, ridiculizó la pintura de Hopper como de segunda mano, en mal estado e impersonal. Pero Hopper no prestó más atención a las nuevas mandarinas de arte Moderno de lo que tuvo con Picasso en París, a principios de siglo.

Durante las últimas dos décadas de su vida, fue perseguido por problemas de salud. Murió en su estudio de Nueva York en 1967, seguido diez meses después por su esposa Jo. Legaron su colección de más de tres mil obras al Museo Whitney.

Exposiciones posteriores

En 1980, el Museo Whitney de Arte Americano organizó una importante retrospectiva titulada "Edward Hopper: El arte y el artista", que posteriormente recorrió Londres, Dusseldorf y Amsterdam, así como San Francisco y Chicago. Además de presentar las principales pinturas al óleo de Hopper, también incluyó sus estudios preparatorios para esas obras y aumentó su reputación mundial como un artista importante.

En 2004, una gran colección de sus fotos recorrió Europa, visitando museos en Colonia, Alemania y el Galería de arte Tate en Londres. El espectáculo Tate Modern atrajo a 420, 000 visitantes masivos durante tres meses, la segunda exposición más popular en la historia del museo.

En 2007, una exposición de cincuenta pinturas al óleo, treinta acuarelas y doce impresiones de Hopper, incluidas varias de sus más grandes obras maestras, pintadas durante su período más productivo entre 1925 y 1950, se inauguró en el Museo de Bellas Artes de Boston, y también estuvo de gira. a la Galería Nacional de Arte en Washington DC.

Pinturas significativas de Hopper cuelgan en el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro de Arte Des Moines, el Instituto de Arte de Chicago, y en colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

Una guía para el arte de Hopper

No muy diferente de un director de escena o cine, Hopper empleó una amplia gama de escenarios. Cuando la gente (en efecto, sus "personajes") estaban involucrados, los organizaba con sumo cuidado.

Sujetos (conjuntos)

El tema pictórico de Hopper proviene de dos fuentes principales. Para sus pinturas de género, se centró en situaciones cotidianas en la vida estadounidense, como escenas de hoteles, moteles, automóviles, teatros, restaurantes y restaurantes, así como en las estaciones de servicio, ferrocarriles y calles. Muchos incorporan ejemplos de arquitectura americana mestiza, incluidos estilos tan variados como mansiones victorianas pseudo-góticas, Mansard francés, Segundo Imperio, Coloniales y ornamentadas. En segundo lugar, por sus paisajes (en su mayoría completados entre 1915 y 1920), paisajes marinos y obras de género rural, se centró en los paisajes costeros, así como en veleros, faros y granjas. La arquitectura siguió siendo un elemento importante en varias de estas obras.

Personas (personajes)

Las personas aparecen en las pinturas de Hopper como figuras solistas, parejas o grupos, y su presencia alude invariablemente a una serie de posibilidades narrativas. Como John Updike comentó: "Hopper siempre está a punto de contar una historia". Sin embargo, a diferencia del anterior Winslow Homer, o el ilustrador y pintor contemporáneo Norman Rockwell (1894-1978) que se destacó por sus descripciones anecdóticas detalladas de la vida cotidiana en Estados Unidos, Hopper no era ni sentimental ni didáctico. No fue más allá del borde de una historia. Casi como si viera su papel como presentar una naturaleza muerta, que solo los pensamientos del espectador podrían animar. Una excelente ilustración de su renuencia única a comprometerse con una historia, fue la respuesta que le dio a su esposa cuando ella interpretó a la mujer en Cape Cod Morning como "mirando para ver si el clima es lo suficientemente bueno como para pasar el rato". Hopper respondió "Lo estás convirtiendo en un Norman Rockwell imagen. Desde mi punto de vista, ella solo mira por la ventana ".

Las figuras individuales de Hopper son en su mayoría femeninas, y aparecen vestidas, semidesnudas o desnudas, generalmente en el lugar de trabajo, mirando por la ventana o leyendo. Hopper también utilizó parejas, por ejemplo en Room in New York (1932), Cape Cod Evening (1939) y Office at Night (1940), para presentar cuadros más complejos de las relaciones humanas. En Office at Night (1940), un jefe atiende su papeleo mientras su atractiva secretaria saca un archivo. El espectador se queda con varias interpretaciones posibles de la escena, que Hopper había planeado con gran precisión. De hecho, los bocetos preparatorios detallados eran una parte regular de su método de pintura. Para su película New York Movie (1939), realizó más de cincuenta bocetos del interior del teatro y la figura del usherette, y él y Josephine mantuvieron un registro detallado de sus obras en las que se señalaban elementos tales como expresiones faciales, así como fuentes y direcciones. de luz.

Probablemente la más famosa de las pinturas de Hopper – Nighthawks (1942) – presenta a cuatro personas en el mostrador de un restaurante nocturno: tres clientes (una pareja y un hombre separado) y un miembro del personal. Como de costumbre, cada elemento de la pintura se coloca cuidadosamente, desde las sombras y las formas de la calle, hasta la disposición interior de las personas, los objetos y la luz. Nuevamente, hay numerosas historias posibles.

Las escenas rurales de Hopper son igualmente evocadoras. The House by the Railroad (1925) presenta el espectáculo de una extravagante casa aislada (podría ser un hotel) que se alza contra un cielo despejado al atardecer, junto a la vía del tren que corre de izquierda a derecha. Se destaca como un anacronismo triste, como si la vida lo estuviera pasando. Su famosa pintura Gas (1940) alude al aislamiento de los viajeros nocturnos con su figura solitaria y su camino solitario.

¿Cuál es el significado del arte de Hopper?

Profesor de arte de Hopper, Robert Henri le aconsejó "olvidarse del arte y pintar lo que le interesa en la vida". Y durante más de 60 años, esto es exactamente lo que hizo. Esencialmente un hombre del siglo XIX, Hopper no tenía interés en las imágenes icónicas de la América corporativa del siglo XX, con su imponente arquitectura de rascacielos y maquinaria moderna. En cambio, se sintió atraído por la condición humana. Era un hombre de pocas expectativas e incluso menos lujos. Por lo tanto, típicamente pintaba a la gente común, con esperanzas y miedos comunes, en el proceso de tratar de "sobrevivir". No hay un gran drama en una película de Hopper, pero tampoco hay salvación. La vida simplemente es. Si el arte resultante parece representar un grado de soledad, una caracterización que el propio Hopper se esforzó por minimizar, es simplemente porque la vida es esencialmente un negocio solitario: no solo la vida de la gran ciudad, toda la vida.

Los edificios robustos a la antigua, que atrajeron su interés y que utilizó como fondo para sus escenas humanas, pueden representar símbolos importantes, en la medida en que ilustran el desmoronamiento del mundo victoriano de su infancia bajo la presión de la era moderna.

En resumen, la vida pasa y nos afecta a nosotros y a nuestro entorno para bien y para mal. Nuestra única opción es tratarlo lo mejor que podamos. Hopper se sintió irresistiblemente atraído por este aspecto de la condición humana, y lo pintó asiduamente toda su vida. Más críticos intelectuales pueden dotar a sus esfuerzos de superposiciones de existencialismo, alienación urbana y similares, pero Hopper mismo desconfiaba de hacer declaraciones sobre la sociedad. A lo sumo, como reiteró varias veces, se pintaba a sí mismo, esa es su visión personal de la vida.

Métodos de pintura de la tolva

Como se mencionó, Hopper fue un artista meticuloso que se esforzó mucho para planificar sus composiciones con considerable detalle, al igual que un director de cine organiza su set antes de llamar "acción". Su experiencia previa en publicidad e ilustración le había enseñado la importancia de una historia y, por lo tanto, sus pinturas generalmente incluían suficientes detalles como para permitir a los espectadores diseñar su propia narrativa. Su capacidad primordial era exprimir el máximo impacto de relativamente pocos elementos pictóricos, especialmente mediante el uso inteligente de la luz y la sombra para aumentar el valor emotivo de la escena. Como resultado, produjo algunos de los mejores pinturas de género de la primera mitad del siglo 20. El paralelo más cercano aquí es con su contemporáneo Giorgio de Chirico , cuyas inquietantes imágenes de cuadrados italianos deben la mayor parte de su atmósfera de cine negro a los fuertes contrastes entre la luz y la sombra. (Para un artista contemporáneo que trabaja en un idioma similar, vea el pintor de género escocés Jack Vettriano.)

Ahora considerado como uno de los grandes Pintores del siglo XX, Edward Hopper está representado en el mejores museos de arte En América.