La lechera, Jan Vermeer: ​​análisis, interpretación Traductor traducir

La lechera (c.1658)
Por Jan Vermeer.
Considerado como uno de los
Las mejores pinturas de la historia,
y una obra maestra de
Arte de la reforma protestante.

Descripción

Artista Jan Vermeer (1632-75)
Medio : pintura al óleo
Tipo : Pintura de género
Movimiento : Realismo holandés
Museo : Rijksmuseum, Amsterdam.

Para el significado de otras imágenes, ver: Pinturas famosas analizadas .

Educación artística
Para apreciar el realista holandés
artistas como Jan Vermeer,
vea nuestros ensayos educativos:
Evaluación de arte:
Cómo apreciar el arte
y también:
Cómo apreciar las pinturas.

Este trabajo de Jan Vermeer, uno de los grandes ejemplos de Pintura de género realista holandés, y una de las favoritas tanto de artistas como de críticos, fue descrita en la importante venta de Vermeer de 1696 como "una sirvienta que vierte leche, excepcionalmente bien pintada". Ciertamente fue muy admirado ya que solo la Vista más grande de Delft (hacia 1660, Mauritshuis, La Haya) alcanzó un precio más alto (200 florines) que los 175 florines que pagaron por La Lechera. Evidentemente, se atribuyó una virtud especial tanto al contenido como a la ejecución de este pintura al óleo, que permaneció en el ojo público a través de varias ventas durante los siglos XVIII y XIX, a diferencia de la mayoría de los otros Vermeers. Se hizo referencia, por ejemplo, al eminente retratista inglés, Sir Joshua Reynolds, al registrar sus reacciones durante un viaje de 1781 a Flandes y Holanda. Aunque algo confundido sobre el nombre del artista, Reynolds fue bastante claro acerca de la excelente calidad de esta imagen, a la que llamó especial atención. Durante la primera parte del siglo XIX, la obra fue adquirida por Six Collection (la familia del gran siglo XVII). Barroco holandés patrocinador Jan Six), antes de convertirse en parte del Rijksmuseum en 1908. Hoy es visto como uno de los mejores pinturas de género de la Edad de Oro holandesa, y explica por qué Vermeer es considerado como uno de los mejores pintores de género en Pintura holandesa del siglo XVII.

Retrata la virtud hogareña

A diferencia de la mayoría de las pinturas de Vermeer, que representan a personas elegantemente vestidas en un entorno bien equipado, The Milkmaid ) De Melkmeid o Het Melkmeisje) es la tierna representación de Vermeer de una robusta ’criada de cocina’ (vacas ordeñadas de lecheras) que realizan una tarea doméstica simple en una cocina simple ajuste. La gran popularidad de la obra durante el siglo XIX, cuando se percibió como un símbolo de la virtud doméstica, surgió debido a la coincidencia de la moral victoriana y la ética holandesa del siglo XVII. Los críticos del siglo XIX eran esencialmente correctos sobre el significado de esta imagen engañosamente simple que retrata la esencia misma de la virtud hogareña.

Pieza de cocina

La lechera es, de hecho, una "pieza de cocina", un tipo tradicional de arte holandés que combina género y pintura de bodegones. Pioneros hace un siglo por el pintor de Amberes Pieter Aertsen (1509-75) y su sobrino y alumno Joachim Bueckelaer (1535-74), la tradición perdió popularidad en el siglo XVII, excepto en la ciudad natal de Vermeer, Delft, donde perduró en el manos de pintores como Cornelis Delff y Pieter van Rijck. No obstante, la imagen de Vermeer es bastante diferente de la de sus precursores. Su atención se centra en una sola figura robusta, pintada con una técnica robusta, en línea con la imagen general que desea proyectar. La criada está de pie en una habitación llana tipo fregadero cuidadosamente vertiendo leche en un recipiente de barro sentado en una pequeña mesa al lado de un arreglo de bodegones de pan duro y una canasta llena de pan. (El consenso es que está usando sobras para hacer budín de pan.) Se la representa como una niña joven y bien construida con un atuendo tradicional de gorro de lino blanco, túnica amarilla y delantal azul. Las mangas de su túnica están enrolladas, revelando antebrazos gruesos. Un calentador de pies es visible en el piso detrás de ella.

Significado de la lechera

Estudiando la iconografía de la pintura, parece ser la forma en que Vermeer rinde homenaje a las virtudes de la templanza, la pureza y el trabajo duro. (Para un trabajo de temática similar, vea La encajera c.1669, Louvre.) La templanza se indica a través de la imagen simbólica tradicional de una figura femenina que vierte un líquido de un recipiente a otro. Seguidores de Caravaggio en la Escuela de Utrecht, como Dirck van Baburen (1595-1624) y Hendrick Terbrugghen (1588-1629), a menudo incluían advertencias de "templanza" disfrazadas de figuras de género en sus pinturas. La pureza está indicada por la impresionante interpretación de Vermeer de la olla de cobre altamente pulida que cuelga en la pared, que recuerda a contenedores de metal brillantes similares en las primeras imágenes de la Anunciación holandesa, ya que un recipiente súper limpio era un símbolo tradicional de pureza. El trabajo duro se expresa en toda la composición, que, a diferencia de otras pinturas de Vermeer, no otorga absolutamente ninguna concesión a la apariencia o la comodidad. En cambio, se nos presenta un entorno de trabajo con paredes rugosas, pan de textura rugosa, madera desnuda, cestas gruesas y una criada con rasgos contundentes, manos y antebrazos ásperos, centrados diligentemente en la tarea de reciclar los alimentos rancios para hacer un plato apetitoso para el hogar. (Para un trabajo que promueve la castidad, ver Chica con un arete de perla ) Cabeza de una niña con turbante) (1664-6, Mauritshuis, La Haya).

Contrarrestando la tendencia

Desde el comienzo de la Renacimiento holandés, alrededor de 1400, el significado iconográfico tradicional de las sirvientas y sirvientas de cocina se basaba en su reputación como individuos amorosos, un significado que a menudo se expresa en imágenes de escenas de la cocina y el mercado de pintores de Amberes como Bueckelaer, Aertsen y Frans Snyders (1579–1657), el pintor de Utrecht Joachim Uytewael (1566–1638) y su hijo, Peter Uytewael (1596–1660). Otros pintores que contribuyeron a este enfoque incluyeron al artista de Leiden, Gerrit Dou (1613–1675), que pintó criadas atractivas junto con varios símbolos eróticos como las cebollas (con fama de tener propiedades afrodisíacas), jarras de boca ancha (que sugieren la anatomía femenina), o involucrado en varias acciones eróticas como insertar salsas de cocina en pollos. Un ejemplo de ello es la composición de Dou Girl Chopping Onions (1646, British Royal Collection). Así, en ambos arte fino y literatura del siglo XVII, las sirvientas fueron retratadas como una amenaza para la seguridad doméstica, aunque algunos pintores holandeses, como Pieter de Hooch (1629-84) y Michael Sweerts (1618-64) – comenzaban a representarlos de una manera menos inflamatoria.

Elogio de la virtud doméstica

La pintura de Vermeer de The Milkmaid contrarresta esta tendencia negativa general y es un raro ejemplo de una criada tratada con aprecio y dignidad. De hecho, algunos historiadores del arte asocian algunos aspectos de la obra (especialmente la canasta de pan) con su primer Cristo en la Casa de María y Marta (c.1654, Galería Nacional de Escocia, Edimburgo): piensan que la criada viciosa y obediente de Vermeer puede representar el papel, si no la persona de Martha, la ama de llaves (y mecenas de las amas de casa). La colocación aparentemente casual del calientapiés en el suelo también se puede tomar como una muestra de la virtud femenina. El popular libro de emblemas de Roemer Visscher presentó este sencillo dispositivo como el favorito de las mujeres holandesas, más valorado que un hombre. Además, dado que los calentadores de pies eran utilizados comúnmente por las mujeres cuando estaban sentados, su aspecto descartado puede simbolizar la naturaleza laboriosa de la criada permanente. Se puede encontrar más apoyo para esta lectura moral de Vermeer en el uso relacionado de objetos domésticos simples en el frontispicio del libro Emblemas de la lucha cristiana (1619) de Jacob Cats.

Se ha prestado bastante atención a la llamada sonrisa tipo Mona Lisa de la criada. Excepto que con la mitad de su rostro en la sombra, es casi imposible estar seguro de si está soñando despierta, o simplemente concentrándose en no derramar la leche.

Para otras figuras de Vermeer con forma de esfinge, ver: Mujer sosteniendo un equilibrio (c.1662, National Gallery, Washington DC), y Mujer con collar de perlas (c.1662), Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz, Gemaldegalerie, Berlín).

Técnica pictórica

La paleta de Vermeer presenta un esquema de color atenuado de blanco, amarillo y azul, consistente con la ropa gastada de su sujeto, cuya silueta se destaca contra una pared de cocina blanca iluminada por la luz que entra por la ventana de la izquierda. Las vasijas, el pan en la canasta y los pedazos de pan en la mesa están salpicados de brillantes puntos de luz que ejemplifican la magistral técnica de pintura puntillista de Vermeer. La pintura en sí es gruesa y granular, aplicada con mucho pasta.

Aunque los aspectos superficiales del tema de este lienzo pueden relacionarse con las obras de varios de sus contemporáneos, está claro que la técnica de pintura de Vermeer es única en el siglo XVII. Los pequeños puntos de color, o puntillas, que aparecieron por primera vez en el Soldado y una niña riendo (c.1657-8, Colección Frick), aquí han adquirido una importancia adicional. En sus primeros experimentos con la cámara oscura, Vermeer se contentó con usar estas puntillas solo para ayudar a describir lo que vio a través de la lente del dispositivo óptico. Con su creciente confianza en su nueva técnica, como en este lienzo, estos puntos brillantes de luz, o al menos la pintura que los describe, comienzan a tomar una vida casi independiente de los objetos que describen, contribuyendo así al impacto moderno que se produce por esta imagen y muchas de sus obras maduras.

Composición

The Milkmaid tiene varias características de composición que vale la pena destacar. En general, la imagen tiene una gran calidad táctil: puede sentir la humedad de la habitación y casi tocar los hombros redondeados y resistentes de la criada. No es una belleza delicada, ni una abstracción idealizada, sino una persona real que está totalmente centrada en su trabajo doméstico. Compare, por ejemplo, la joven ama de casa en Mujer joven con una jarra de agua / jarra (c.1662). Vermeer utilizó varias técnicas para crear esta impresión general. Primero, eligió un punto de vista relativamente bajo para enfatizar la naturaleza monumental y la solidez de su tema. En segundo lugar, estructuró la imagen a lo largo de dos líneas diagonales: desde la cesta de pan en el primer plano izquierdo hasta la cabeza de la criada, y desde el fondo izquierdo hasta la parte inferior de la pata derecha de la mesa. Ambas líneas se cruzan en la muñeca derecha de la niña, que concentra la atención del espectador en la jarra de leche, conectando así (1) la naturaleza dinámica del vertido de leche con (2) la naturaleza estática de la habitación y la naturaleza muerta presentada en la mesa. Tercero, Vermeer eliminó implacablemente cualquier cosa que pudiera desviar la atención de su sirviente esculpido. Según la investigación de rayos X, la pintura originalmente contenía dos objetos, un gran mapa de pared y una canasta de ropa, ambos ubicados detrás de la criada, que posteriormente se borraron.