Cena en Emaús, Caravaggio: análisis, interpretación Traductor traducir

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Descripción

Artista Caravaggio (1571-1610)
Medio : Óleo y temple sobre lienzo.
Género : Pintura de la historia ilustrando una historia bíblica
Movimiento : Caravagismo
Ubicación : National Gallery, Londres.

Significado de las imágenes
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La breve carrera de Miguel Ángel Merisi da Caravaggio ha tomado su lugar como un punto de inflexión en el historia del Arte. Su corta y violenta vida nos proporciona una historia que es sensacional y dramática y, cuatro siglos después, su estilo único de pintura continúa exigiendo nuestra atención. Para más información sobre el estilo de Caravaggio, ver: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII..

La cena en Emaús – un tema popular en Arte cristiano – representa la historia, contada en el Evangelio de San Lucas cuando, después de la Crucifixión, dos de los apóstoles de Cristo invitan a un aparente extraño, a quien acaban de conocer, para compartir su comida con ellos. Cuando él bendice y parte el pan, se dan cuenta de que su invitado es, de hecho, el Cristo resucitado. San Lucas nombra a uno de los apóstoles como Cleofás, pero no identifica al otro. "Y se les abrieron los ojos y lo conocieron y él desapareció de su vista". Detrás de ellos, el posadero mira boquiabierto sin comprender.

Caravaggio ha elegido representar un momento preciso, es decir, esa fracción de segundo después de que los dos apóstoles se hayan dado cuenta de que están presenciando un milagro de poder inimaginable. Congela ese momento, lo hace permanente y nos permite tomarnos nuestro tiempo, considerar el milagro y experimentar por nosotros mismos esa sensación de conmoción y asombro que sintieron los dos apóstoles.

No es seguro para quién Caravaggio pintó su Cena en Emaús, pero sí sabemos que fue hecha en Roma, probablemente en 1602, en el apogeo de la Contrarreforma. El Concilio de Trento, establecido para combatir la continua amenaza del protestantismo, había declarado en 1563 "que a través de las historias de los misterios de nuestra Redención, retratados por pinturas u otras representaciones, las personas son instruidas y confirmadas con la costumbre de recordar y continuamente girando en la mente los artículos de fe… también porque los milagros que Dios ha realizado se ponen ante los ojos de los fieles, para que puedan dar gracias a Dios, y puedan estar entusiasmados de adorar y amar a Dios y de cultivar la piedad. "

Fue un momento en que la iglesia sintió fuertemente la necesidad de comunicar su mensaje directamente a los fieles, a través de una composición cuidadosamente arte religioso, y exigía a los artistas una claridad particular de representación. Por favor mira: Arte católico de contrarreforma (c.1560-1700) para más detalles. Para cumplir con esta directiva, Viejos maestros Tenía que ser, antes que nada, realista. La marca de realismo de Caravaggio fue hecha a medida para el Arte bíblico del tiempo. Era un pintor cuya franqueza e inmediatez contrastaban por completo con la sofisticada elegancia y el artificio de finales del siglo XVI (véase, por ejemplo, el trabajo de su contemporáneo Annibale Carracci 1540-1609), y el estilo de arte conocido como Manierismo. Despojando las pretensiones de la tarde Pintura manierista, que se había vuelto apreciado y entendido solo por una élite educada, dio a la pintura la simplicidad y el impacto instantáneo exigido por las autoridades de la iglesia.

Caravaggio invierte su pinturas religiosas con una sensación de drama poderoso mediante su manejo de la luz y la sombra ) claroscuro ) "Nunca sacó sus figuras a la luz del día", escribió Bellori, un escritor de arte del siglo XVII, "pero las colocó en la atmósfera marrón oscura de una habitación cerrada, utilizando una luz intensa que descendía verticalmente sobre las partes principales de los cuerpos, dejando el resto en la sombra, para dar fuerza a través de un fuerte contraste de luz y oscuridad ". La "habitación cerrada" que Bellori menciona es una característica vista en muchas de las obras de Caravaggio. (Ver también: tenebrismo.) Un siglo más o menos antes, durante la era de Arte renacentista, una de las principales preocupaciones de los artistas era la pintura de distancia o perspectiva lineal. Para los artistas del Renacimiento, la superficie de la imagen, en este caso un lienzo, marcó una barrera entre el mundo pintado y el mundo real. El mundo real, nuestro mundo, existe en este lado del lienzo, mientras que de manera segura detrás del lienzo, los santos y apóstoles del Renacimiento podrían representarse, representando sus historias para que las observemos, pero nunca para entrar.

Fue la decisión de Caravaggio desafiar esta convención y cerrar la noción de distancia en sus pinturas, colocando sus figuras contra una pared que parece no estar a unos pocos metros detrás de la superficie de la imagen. En lugar de organizar sus figuras dentro de un espacio de imágenes lúcido y expansivo, las apiña y las obliga a avanzar. Caravaggio no quiere que sus personajes existan detrás del lienzo; es como si quisiera hacer lo imposible y proyectarlos físicamente a través de ese lienzo y fuera de nuestro propio espacio.

La mano extendida del apóstol a la derecha del espectador parece estar casi tocando el lienzo en sí, desde el interior de la imagen. (Ver también la técnica de escorzo.) El codo del otro apóstol parece como si realmente hubiera rasgado el lienzo, una idea que Caravaggio enfatiza por el dispositivo de rasgar el codo en la chaqueta que usa la figura. Finalmente, la canasta de frutas, equilibrada precariamente en el borde de la mesa, parece necesitar solo un ligero empujón para que se caiga y derrame su contenido en el piso de abajo. Y ese piso ya no es el piso de la imagen; pero el piso real en el mundo real, en nuestro propio espacio. Caravaggio rompe la barrera tradicional entre lo que es real y lo que está pintado y transforma una escena que sucedió en el pasado en algo que está sucediendo ahora, ante nuestros propios ojos.

La nueva atmósfera religiosa en Roma era ideal para responder a la vívida trompe l’oeil ilusionismo de la obra de Caravaggio. Los Ejercicios Espirituales de San Ignacio de Loyola instaron al creyente a comprometer los cinco sentidos al contemplar el mensaje cristiano. Se alentó a los fieles no solo a aprender las historias que se muestran en las pinturas religiosas, sino a imaginarse a sí mismos entrando físicamente en estas historias y experimentando las mismas experiencias que los personajes representados. Al empujar sus figuras y objetos de naturaleza muerta al mundo del espectador, Caravaggio estaba proporcionando exactamente el tipo de Art º buscado por la iglesia en una época de ferviente piedad contrarreforma.

Pero para muchos, el realismo de Caravaggio fue demasiado lejos. En 1602 pintó un San Mateo para la iglesia de San Luigi de ’Francesi en Roma. Mostraba al santo descalzo sentado con las piernas cruzadas de una manera que hacía que un pie pareciera sobresalir de la imagen. La comisión fue rechazada, según Bellori porque los sacerdotes dijeron que "la figura no tenía decoro". Aparentemente, los sacerdotes no querían un pie descalzo sucio, no importa cuán santo, se les impusiera, y Caravaggio tuvo que pintar una segunda versión donde el santo se arrodilla, educadamente manteniendo sus pies para sí.

La Cena en Emaús fue objeto de críticas similares, particularmente de Bellori. "Además del carácter rústico de los dos apóstoles, y del Señor que se muestra joven y sin barba, Caravaggio muestra al posadero que lo sirve con un sombrero en la cabeza. En la mesa hay una canasta de uvas e higos y granadas, fuera de temporada."

La "falta de decoro" fue una crítica a menudo dirigida a Caravaggio. Su tendencia a mostrar a los apóstoles como sucios, harapientos y descuidados siempre fue motivo de ofensa, como lo muestra la historia del rechazado San Mateo. La preocupación de Bellori de que el posadero está sirviendo a Cristo con un sombrero en la cabeza representa una mojigatería similar, y su crítica de que la canasta de frutas se muestra "fuera de temporada" revela un deseo riguroso de precisión total en la representación de las historias del Evangelio. La resurrección, después de todo, se celebra en Pascua, en primavera, y Caravaggio ha elegido frutas de otoño.

La elección de la fruta en la mesa es, sin embargo, seguramente deliberada; para combinarse con los otros elementos en la mesa, tiene un significado simbólico. La manzana, aquí podrida, es, por supuesto, un símbolo de la tentación y de la caída del hombre. La venida de Cristo está simbolizada por el haz de luz reflejado a través del vaso de vidrio sobre el mantel, que puede entenderse como un símbolo del nacimiento virginal: la luz penetra en el vidrio sin romperlo, y el pan es fácilmente reconocible como símbolo de El cuerpo de Cristo, la Encarnación. Finalmente, el sacrificio de Cristo está simbolizado por las uvas que Bellori critica. Las uvas son la fuente del vino, que se convierte, en la Eucaristía Católica Romana, en la Sangre de Cristo. En consecuencia, Caravaggio ha utilizado la canasta de frutas para enfatizar y apuntalar el significado de la historia que pinta.

Caravaggio nació en el norte de Italia y llegó a Roma en 1592, a los 21 años. Sus primeros años allí los pasó en la pobreza, y sus primeras pinturas conocidas son de figuras individuales con bodegones. En algún momento de la década de 1590, fue llevado por el cardenal Francesco del Monte, en cuya casa vivía. El cardenal y sus amigos proporcionaron un mercado listo para estas pinturas, un buen ejemplo del cual también se encuentra en la Galería Nacional, Londres, el niño mordido por un lagarto.

En 1602, la fecha aproximada de la Cena en Emaús, se había establecido una reputación como un realista poderoso y dramático, pero su estilo de vida estaba causando la misma atención y no poca controversia. En octubre de 1600, había sido arrestado en una pelea callejera; En febrero de 1601 había atacado y herido gravemente a un soldado. Aparece regularmente en los registros policiales, por peleas y asaltos, por dañar la propiedad de su casera y el impago de la renta, y por varias disputas que terminaron en violencia. En mayo de 1605 fue arrestado por poseer una daga y una espada sin licencia. Eventos similares ocurren hasta que huyó de Roma en la primavera de 1606, después de haber asesinado a un oponente en otra pelea callejera. El estilo de vida de Caravaggio no es del tipo que asociamos con un pintor de cuadros religiosos, y muchos de sus amigos y conocidos parecen haber sido extraídos de las tabernas de la baja vida romana. Fueron estos personajes los que probablemente utilizó como modelos en su pintura. Rechazando las nociones tradicionales de preliminar dibujar y estudios de composición, Caravaggio trabajó directamente en el lienzo, preparando la escena ante él, casi como una especie de cuadro vivo, y comportándose, uno se imagina, como un director en un teatro, instruyendo a sus modelos cómo sentarse y qué actitudes tienen. fueron a sostener.

Para el siglo XX, es una historia compulsiva, de un hombre que vive en dos mundos, que comparte el refinamiento sofisticado del Cardenal del Monte y su círculo, y que sin embargo se siente atraído por una especie de mundo inferior romano del siglo XVII, un mundo de miseria y violencia. No es sorprendente que sus pinturas, aunque aparentemente obedecen las demandas del realismo de la Contrarreforma, a menudo causen ofensa. En una pintura que representa la Muerte de la Virgen, tiene fama de haber utilizado como modelo para la Virgen María el cadáver hinchado de una prostituta muerta. Sin embargo, su trabajo es indudablemente llamativo y su efecto en la próxima generación de artistas fue inmediato, desde Rubens (1577-1640) y Rembrandt (1606-1669) en el norte de Europa, a Velázquez (1599-1660) y Zurburan (1598-1664) en España.

Para Bellori, había razones perfectamente buenas que explicaban por qué tantos artistas italianos adoptaron su estilo. "Muchos artistas se enamoraron de sus modales y lo aceptaron voluntariamente, ya que sin estudio ni esfuerzo, les permitió hacer copias fáciles según la naturaleza e imitar formas que eran vulgares y carentes de belleza".

Como gran parte del mejor arte moderno de cualquier período histórico, el de Caravaggio Pintura barroca atrajo críticas por no ser algo que nunca se propuso ser. Su falta de idealismo, a pesar de ser llamado por la iglesia, se sentía vulgar. Se creía que su imitación de la naturaleza carecía de esas cualidades intelectuales que para muchas personas eran necesarias para evitar que el arte se convirtiera simplemente en una imitación sin sentido. Para detalles de los contemporáneos de Caravaggio, ver: Artistas barrocos italianos.

A pesar de estas críticas, Caravaggio siguió teniendo mucha demanda. Recibió importantes comisiones en Malta, Sicilia y Nápoles, lugares que le proporcionaron refugio durante su período como fugitivo. Murió en 1610 de fiebre, en Porto Ercole, poco después de que el Papa le concediera la absolución especial de su crimen y pudiera regresar a Roma como un hombre libre. Recibir un perdón gratuito por asesinato indica cuán valoradas fueron sus pinturas por la Iglesia. Ciertos sentimientos refinados del siglo XVII bien pueden haber sido alterados por los ataques directos de Caravaggio a los sentidos, pero en su poder para comunicar sus narrativas de manera inmediata y contundente, sus pinturas son tan válidas ahora como lo fueron para su audiencia original.

NOTA: Caravaggio produjo una segunda versión más moderada de esta pintura, cinco años después.