Mujer joven con una jarra de agua, Jan Vermeer:
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Mujer joven con un
Jarra De Agua / Jarra
Por Jan Vermeer.
Visto como uno de los
Las mejores pinturas de la historia.

Descripción

Pintura : mujer joven con una jarra de agua / jarra
Fecha : c.1662
Artista Jan Vermeer (1632-75)
Medio : Pintura al óleo
Tipo : Género Gainting
Movimiento : Realismo holandés
Ubicación : Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

Para explicaciones de otras imágenes, vea: Pinturas famosas analizadas .

Educación artística
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Cómo apreciar las pinturas.

Esta exquisita Pintura de género realista holandés es uno de los cinco Vermeers propiedad del Museo Metropolitano de Arte, Nueva York: los otros son Girl Asleep at a Table (c.1657), Woman Playing a Lute near a Window (c.1664), Head of a Girl (c. 1672-4) y Alegoría de la fe (c.1673-4). Una ilustración perfecta del estilo íntimo de Vermeer Arte barroco holandés, muestra el manejo virtuoso del artista de la luz y su reflejo, así como los tonos perlados de su paleta de colores azul y amarillo. Con sus detalles meticulosos, telas ricas y simbolismo complejo, es uno de los mejores pinturas de género del período y, junto con Woman Holding a Balance (1662-63, National Gallery of Art, Washington DC), uno de los dos mejores Vermeers de una colección estadounidense. Estilísticamente, el trabajo presenta su serie de "cuadros de perlas".

Composición

Al igual que varias otras pinturas al óleo de Vermeer, el trabajo muestra a una joven parada en la esquina de una habitación, frente al espectador y abriendo una ventana a su derecha. Al mismo tiempo, sostiene una jarra o jarra de agua de latón / plata con la mano izquierda. La jarra está parada en un recipiente del mismo material metálico, junto a varios otros artículos dispuestos en una mesa, que está cubierta por una exótica alfombra roja. La joven, una ama de casa aparentemente modelo, que por cierto no se parece a la sirvienta terrenal y activa de La lechera (c.1658, Rijksmuseum, Amsterdam) – lleva un tocado de lino blanco y un cofre o collar grande, lo que la hace destacar contra el lavado acuoso de la pared detrás de ella, a la manera del efímero Carel Fabritius (1622 -54). La composición general está marcada por un ambiente de simplicidad y quietud característico de su estilo evolutivo a mitad de carrera.

Procedencia

Teniendo en cuenta el dominio aparente en este trabajo, parece apropiado que Vermeer fuera elegido jefe del Gremio de Artistas de Delft durante el año en que probablemente lo produjo. Aun así, a pesar de su estilo característico y calidad técnica, esta imagen engañosamente simple no siempre ha sido reconocida como una obra del gran pintor de Delft. De hecho, se exhibió por primera vez en Londres en 1838 bajo el nombre de Gabriel Metsu. No fue sino hasta cuarenta años después, después del renacimiento de Vermeer en la década de 1860, que se identificó en la Royal Academy Winter Exhibition en Londres como el trabajo de Jan van der Meer de Delft. Sin embargo, por alguna razón, esta atribución no se mantuvo, y después de pasar por las manos de otro comerciante de arte de Londres, Thomas Agnew, y el comerciante de arte de París Pillet, fue adquirida en 1887 por Henry G. Marquand por solo $ 800, como trabajo. de Pieter de Hooch, un contemporáneo de Delft. Al año siguiente, Marquand lo presentó al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, convirtiéndose en el primer Vermeer en ingresar a una colección pública estadounidense.

Similitudes de estilo

Estilísticamente, este trabajo representa un punto crítico en el desarrollo de Vermeer pintura de bellas artes. Puede datarse aproximadamente al mismo tiempo que A Woman and Two Men (c.1661, Herzog Anton Ulrich-Museum, Brunswick), y probablemente justo después de The Man and Woman with a Wine Glass (c.1661, Gemaldegalerie, Berlin). De hecho, es la última de las imágenes de "ventana abierta" del artista, que comparte la misma configuración de parteluces de vidrio que se encuentran en las obras de Berlín y Brunswick. Significativamente, la figura reveladora de la templanza que se encuentra en el cristal de las otras dos obras se reemplaza aquí con un reflejo del cielo.

Prioridades de Vermeer

Claramente en esta imagen, Vermeer ha estado más interesado en capturar la calidad de la luz que ingresa a través de la ventana parcialmente abierta y su reflejo en la superficie de metal magníficamente renderizada que en describir la acción física exacta de la mujer. De hecho, se podría decir que el modelo ha sido completamente inmovilizado por la ventana, la mesa y el mapa. Los elementos secundarios, como la pared sombreada de la ventana y la silla, también ayudan a fijarla firmemente en el espacio, o, alternativamente, se podría decir que su figura es un elemento vital, incluso dinámico, ya que une ventana, mesa y pared posterior. En cualquier caso, sus movimientos, si ese término puede usarse en relación con su inmovilidad, nunca se explican con claridad. Ni la jarra y el cuenco magníficamente representados, ni el joyero que contiene un collar de perlas apenas visible con una cinta azul, sugieren de inmediato una acción unificada. Quizás, sin embargo, hubo alguna conexión temática o iconográfica entre este lienzo y una imagen ahora perdida que se describió en la venta de Vermeer en 1696 como la representación de "un caballero que se lava las manos en una habitación".

Simbolismo

Esta escena de género doméstico es un ejemplo típico de Pintura holandesa del siglo XVII, y se refiere al valor moral de la buena limpieza, un tema totalmente acorde con la nueva estética de Arte de la reforma protestante del siglo 17 La ropa limpia y almidonada simboliza la pureza y la virtud, al igual que una jarra y un lavabo. Además, tanto el acto de lavar como los utensilios asociados con él, tienen una larga asociación con la pureza espiritual y física. Varios Artistas realistas holandeses Gerrit Dou, por ejemplo, utilizó estos mismos objetos con este significado preciso, y Vermeer pudo haber querido que estos elementos llevaran la misma asociación moral. Esta lectura es apoyada por el modesto vestido de la mujer y el reflejo bellamente capturado del cielo en la ventana. Además, le da la espalda al mapa mundano, que no la toca. Nota: Para otros trabajos que ensalzan la pureza, vea Chica con un arete de perla (1664-6, Mauritshuis, La Haya) y La encajera (c.1669, Louvre).

Tanto el joyero como el collar de perlas se convierten en motivos importantes, aunque, junto con el trabajo en su conjunto, su significado no siempre es claro para el espectador moderno. Las imágenes de perlas, sin embargo, se ganan su nombre no solo por la presencia de esta joya sino también, como aquí, por la tonalidad fría, luminosa y perlada que domina.

Jan Vermeer

Después de una corta carrera de pintura (se cree que produjo solo unas 45 pinturas durante sus 43 años) en la que logró un éxito razonable, Vermeer cayó en la oscuridad durante dos siglos antes de ser redescubierto y reincorporado como uno de los mejores pintores de género en el norte de Europa y uno de los mejores pintores holandeses del siglo XVII.

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