Pintura de bellas artes: historia, medios, géneros Traductor traducir

Definición: forma de expresión visual bidimensional

El arte de la pintura consiste en disponer formas, líneas, colores, tonos y texturas sobre una superficie bidimensional, creando así una imagen estética. Además, no puede decirse que la variedad de posibilidades excluya la posibilidad de una definición más precisa. El cuadro acabado puede ser totalmente representativo y naturalista, como el de los fotorrealistas (por ejemplo, Richard Estes), o totalmente abstracto, compuesto sólo de figuras geométricas (como la obra de Piet Mondrian o Bridget Riley) o un término medio. En términos de género, puede ser una historia narrativa, un retrato, una escena de género, un paisaje o una naturaleza muerta. Puede pintarse con pintura, encáustica, témpera, óleo, acrílico, acuarela o cualquiera de los nuevos tintes modernos. Y, como los historiadores del arte y los historiadores pueden atestiguar, existen innumerables teorías contradictorias sobre la función, el diseño, la jerarquía de estilos y la estética de la pintura, por lo que quizá sea más seguro decir que «los artistas plásticos» están preocupados por la tarea de crear obras bidimensionales de expresión visual, independientemente de cómo las aborden.

Composición y diseño

«Disegno» (boceto, esbozo) - el término proviene del arte renacentista, que se traduce como un diseño o dibujo que describe la idea del artista de lo que quiere crear, así como su ejecución - la estructura formal de varios elementos combinados en un todo coherente.

Estos elementos formales incluyen: líneas, forma y masa, color, volumen y espacio, tiempo y movimiento .

(1) La línea lo describe todo, desde los contornos básicos hasta los bordes de tono y color. El trabajo de línea capta la relación entre elementos y áreas adyacentes o distantes de la superficie de coloración, y su relativa actividad o pasividad.

(2) La forma y la masa se enfatizan mediante diferentes áreas de color, tono y textura, así como cualquier detalle específico. Muchos de los cuadros más famosos (por ejemplo, «La Última Cena» de Leonardo da Vinci) están dispuestos ópticamente en torno a figuras geométricas (o una mezcla de ellas). El espacio negativo también puede utilizarse para resaltar determinadas características de una composición.

(3) Dado que el ojo humano puede identificar hasta 10 millones de tonos diferentes, el color tiene muchas aplicaciones diferentes. (Véase Colorito .) Puede utilizarse de forma puramente descriptiva: los egipcios utilizaban distintos colores para distinguir a los dioses o faraones, y para distinguir a los hombres de las mujeres (los hombres se representaban más morenos) o para transmitir mensajes morales o estados de ánimo emocionales o para indicar la perspectiva (colores más débiles para los fondos lejanos). Véase también: Tiziano y la pintura en color veneciana (1500-1576). Principalmente, el color se utiliza para representar los efectos de la luz (véanse las series «Pajares» o «Catedral de Rouen» de Claude Monet), mientras que muchos grandes pintores como Caravaggio y Rembrandt utilizaron el contraste entre colores para conseguir un efecto dramático, especialmente en la técnica del Claroscuro. (véase «Ronda de noche» de Rembrandt). Para más información: El color en la pintura .

(4) Los elementos de volumen y espacio se refieren a cómo el artista crea profundidad y relaciones espaciales en la superficie plana de un cuadro. Los artistas tradicionales utilizan para ello el concepto de perspectiva lineal, desarrollado durante el Renacimiento florentino por Piero della Francesca y otros (cf. Piero della Francesca). También las técnicas ilusionistas de cuadratura y escorzo), mientras que los cubistas como Picasso, Braque, Duchamp y Juan Gry expresaron el espacio y el volumen mostrando una serie de planos «superpuestos» de un mismo objeto como si estuvieran vistos simultáneamente desde perspectivas diferentes. Los tercios, como los primitivistas, muestran los objetos no en relaciones naturalistas entre sí, sino de forma aislada, independientemente del ángulo desde el que emerjan mejor sus rasgos característicos, entre los que se incluyen, por ejemplo, las formas estilísticas aplanadas utilizadas por los antiguos egipcios.

(5) Los elementos tiempo y movimiento se refieren a cómo el ojo del espectador puede experimentar una pintura, en términos de velocidad y dirección, tanto para su desarrollo narrativo (por ejemplo, en frescos históricos a gran escala) como para percibir su potencial.

Interpretación de la pintura

Además de crear un objeto visual, el artista también se esfuerza por infundirle un cierto grado de contenido intelectual, en forma de simbolismo, un mensaje moral o social, o algún otro significado significativo. Así, el famoso crítico estadounidense Clement Greenberg (1909-1994) afirmó en una ocasión que todo gran arte debe esforzarse por crear una tensión entre el atractivo visual y la posibilidad de interpretación . La historia del arte está llena de ejemplos de contenido interpretativo.

Por ejemplo, el arte egipcio es famoso por su imaginería iconográfica, al igual que los paneles bizantinos y los frescos prerrenacentistas. Las pinturas renacentistas, como las obras de los Maestros Antiguos, como Botticelli, Leonardo y Rafael, adoptaron a menudo la forma de obras alegóricas de gran complejidad, una tradición que persistió a lo largo de las posteriores épocas barroca y neoclásica de los siglos XVII y XVIII. Incluso las naturalezas muertas, especialmente el género de la Vanitas, estaban impregnadas de alegoría moralizante. Sin embargo, la tradición decayó un poco durante el siglo XIX, bajo la influencia del Romanticismo, el Impresionismo y, en menor medida, el Expresionismo, antes de reaparecer en el siglo XX, cuando el Cubismo y el Surrealismo la utilizaron plenamente. Para más detalles, véase: Análisis de la pintura moderna (1800-2000).

Portadores

Encáustica

Uno de los principales medios de pintura en la antigüedad, la pintura encáustica, utiliza cera de abeja caliente como medio aglutinante para retener los pigmentos coloreados y permitir su aplicación a una superficie, normalmente paneles de madera o paredes. Fue muy utilizada en el arte egipcio, griego, romano y bizantino.

Fresco

Fresco en italiano significa «fresco». Es un método de pintura en el que los pigmentos se mezclan exclusivamente con agua (sin aglutinante) y luego se aplican directamente sobre yeso recién preparado, normalmente en una pared o techo enlucidos. El yeso absorbe la pintura líquida y, al secarse, retiene los pigmentos sobre y en la pared. Se obtenían efectos adicionales mediante técnicas como el esgrafiado . Los mayores ejemplos de pintura al fresco son probablemente los frescos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel - «Génesis» y «Juicio Final», y las pinturas de las salas de Rafael como «Escuela de Atenas».

Témpera

En lugar de cera de abejas, la pintura al temple utiliza una emulsión de agua y yema de huevo (a veces mezclada con cola, miel o leche) para aglutinar los pigmentos. La pintura al temple acabó siendo sustituida por el óleo, aunque persistió durante siglos como método de pintura sobre tabla. También se utilizó ampliamente en la pintura medieval en la creación de manuscritos iluminados. Para más información sobre este género, véase Manuscritos góticos iluminados (1150-1350).

Óleo

El medio dominante a partir de 1500. La pintura al óleo utiliza aceites como el de linaza, el de nuez o el de adormidera como aglutinante y secante. La popularidad de la pintura al óleo se debe a la mayor saturación y luminosidad que el aceite confiere a los pigmentos coloreados . También facilita el dibujo de detalles finos mediante técnicas como el sfumato, así como los colores espesos producidos con capas gruesas ) impasto). Importantes pioneros de la técnica del óleo fueron (en Holanda) los pintores flamencos Hubert y Jan Van Eyck, y (en Italia) Antonello da Messina, Leonardo da Vinci y, sobre todo, miembros de la escuela de pintura veneciana, entre ellos Giovanni Bellini y Tiziano.

Acuarela y gouache

La pintura a la acuarela -un medio bastante dinámico, desarrollado en Inglaterra- utiliza pigmentos hidrosolubles precocidos con un aglutinante, normalmente gummiarabico. Cuando la acuarela se espesa, se vuelve opaca y se mezcla con el blanco, se denomina gouache . Los primeros pioneros de la acuarela fueron Thomas Girtin y J. M. Turner. El gouache fue un medio importante para muchos de los mejores miniaturistas dedicados a la pintura de retratos en miniatura , antes del uso de los esmaltes.

Acrílico

El más moderno de todos los medios, la pintura acrílica es una pintura artificial que contiene una resina derivada del ácido acrílico, que combina algunas de las propiedades de la acuarela y el óleo. Es un colorante muy versátil que puede aplicarse a casi cualquier superficie en cantidades variables, desde finas aguadas hasta gruesas capas con masilla. Puede dar un acabado mate o brillante y se seca muy rápidamente. Popular entre muchos artistas famosos, incluido David Hockney, la pintura acrílica puede seguir sustituyendo al óleo en el siglo XXI.

Formas de pintura

Murales

Relacionados con el arte rupestre paleolítico, los frescos están ampliamente representados en tumbas, templos, santuarios y catacumbas de todo el mundo occidental antiguo, incluyendo Etruria, Egipto, Creta y Grecia. Originalmente carentes de «profundidad», se desarrollaron plenamente como medio pictórico para el arte bíblico durante el Renacimiento temprano, por artistas del fresco como Giotto (véase: Frescos de la Capilla de Scrovegni), y más tarde por Masaccio, Fra Angelico, Rafael y Miguel Ángel. A medida que la decoración de interiores fue dominada cada vez más por las vidrieras y los tapices, la pintura al fresco fue perdiendo popularidad, aunque en los siglos XIX y XX surgieron nuevos formatos para utilizar esta técnica.

Pintura sobre paneles de madera

La primera forma de pintura portátil, los paneles, se utilizó ampliamente (por ejemplo, en el arte egipcio y griego, aunque se conservan pocos objetos de esa época) y después por los artistas bizantinos a partir del 400 d.C.. Al igual que los frescos, los paneles experimentaron un segundo nacimiento durante el Gótico tardío y el Renacimiento temprano, principalmente como forma de arte decorativo religioso, por ejemplo en obras maestras como el Retablo de Gante (1432) de Hubert y Jan van Eyck y la Rasyaptie (1440) de Rogier van der Weyden. Para más información sobre la pintura sobre tabla renacentista en la Venecia del siglo XVI, un género y un periodo que ejemplifican el colorido veneciano, véase: Retablos venecianos (1500-1600); Retratos venecianos (1400-1600); El legado de la pintura veneciana .

La pintura sobre tabla fue especialmente popular en la pintura flamenca y otras escuelas septentrionales debido al clima, que no era favorable a los frescos. Esta popularidad se mantuvo hasta finales del siglo XVII.

El caballete

Al igual que la pintura sobre tabla, era una forma de arte de estudio, pero utilizaba como base el lienzo en lugar de paneles de madera. El lienzo era más ligero y barato que el panel y no requería una imprimación especial con yeso y otros materiales. A partir del Barroco (1600), el lienzo y el óleo se convirtieron en la forma de pintura preferida en toda Europa. Se hizo especialmente popular entre los nuevos mecenas burgueses de la pintura holandesa del siglo XVII (1600-1680), sobre todo en forma de retratos, bodegones y obras de género.

Manuscritos iluminados

Este tipo de pintura, que se remonta a famosos ejemplos del antiguo Egipto como el «Libro de los Muertos», alcanzó su apogeo en la Edad Media (c. 500-1000 d.C.) en forma de manuscritos iluminados irlandeses y europeos. Entre los primeros ejemplos de este tipo de pintura de libros se encuentran La Catacha de San Columba (principios del siglo VII c.610-620), El Libro de Darrow (c.670), El Evangelio de Lindisfarne (c.698-700), El Evangelio de Echternach (o Evangelio de Willibrord) (c. 700), Evangelio de Lichfield (730), Evangelio de Godescalk (781-83), Salterio de Oro (783-89), Evangelio de Lorsch (778-820), Libro de Kells (c.800), Evangelio de San Medardo de Soissons (810), Salterio de Utrecht (830), Evangelio de Ebo (835), Gran Biblia (840), Biblia de Vivian (845).

Ejemplos posteriores de manuscritos medievales iluminados incluyen obras románicas como: El Salterio de Egberto, El Salterio de St Albans, La Biblia de Winchester, Codex Vigilano y El Manuscrito Moralia ; obras góticas como: Salterio de San Luis, Moralicio Bíblico, Salterio de Amesbury, Manuscrito de Minnesanger, Salterio de la Reina María ; y otras obras góticas como: Misal del canciller Jan Stredski (1360, Praga, Biblioteca del Museo Nacional); Magnífico libro de horas del duque de Berry (1416, Musée de Condé Chantilly), ejecutado por los hermanos Limburg; Anunciación de Jacquemart de Hesdin (1400, Bibliothèque Nationale, París); «Los tiempos de Bruselas» (Bruselas, Biblioteca Nacional de Bélgica); Los tiempos del Mariscal de Boucicault (Museo Jacques-Mart-André, París); El libro del corazón envuelto en amor (1457, Bibliothèque Nationale Bibliothèque Osterreischische, Viena).

Estos manuscritos coloreados, normalmente realizados en temple de clara de huevo sobre vitela y cartón, se caracterizaban por un diseño gráfico extremadamente rico y elaborado, decorado con ornamentación de estilo celta, nudos, espirales y zoomorfos, así como imágenes de santos y apóstoles. Desgraciadamente, la llegada de la imprenta a Alemania en el siglo XV acabó con esta forma de arte. A partir de entonces, sólo sobrevivió en Oriente, sobre todo en forma de pintura caligráfica islámica y textos ilustrados, así como miniaturas de la India.

Pergaminos

Los rollos de mano son una forma de arte asiático, que data de alrededor del 350 d.C., común a la pintura china y el arte japonés. Compuestos de papel o seda de longitud variable, representaban una amplia gama de temas pintados a tinta, que incluían paisajes, temas budistas, escenas históricas y mitológicas, entre otros. Para una guía de los principios estéticos de las artes decorativas orientales, véase Arte tradicional chino: características .

Pintura de biombos y abanicos

Existen dos tipos principales de biombos pintados: los biombos tradicionales chinos y japoneses pintados con tinta o tinta sobre papel o seda a partir del siglo XII, una forma que más tarde incluyó los biombos lacados; y los biombos iconostasio que se encuentran en las iglesias ortodoxas bizantinas, griegas y rusas. Los biombos se utilizaban como pantalla que separa el santuario de la nave. Tradicionalmente, estos biombos se decoraban con iconos religiosos y otras imágenes, utilizando colores a la encáustica o al temple. Los abanicos pintados -generalmente decorados con tinta y pigmentos de colores sobre papel, cartón o seda, a veces con pan de oro o plata- son originarios de China y Japón, aunque, curiosamente, muchos se fabricaban en la India. En Europa, la pintura de abanicos no se practicó hasta el siglo XVII, apareciendo en Francia e Italia a partir de 1750 aproximadamente.

Formas modernas de pintura

Los artistas del siglo XX experimentaron con una enorme variedad de bases y materiales, como el acero, el hormigón, el poliéster, las luces de neón y una infinita variedad «de objetos encontrados». Esto último queda ilustrado en las obras de Yves Klein (1928-1962), que pintaba desnudos femeninos con pintura azul y luego los plasmaba en lienzos; y Robert Rauschenberg (1925-2008), cuya obra Bed (1955) consistía en una colcha de su propia cama, pintada con pasta de dientes, pintalabios y esmalte de uñas.

Géneros pictóricos

Existen cinco géneros tradicionales de pintura . Se clasifican del siguiente modo:
(1) pintura histórica -que incluye pintura mitológica - (2) pintura de retrato, (3) pintura de género, (4) paisaje y (5) naturaleza muerta . Este sistema de clasificación se corresponde con la «Jerarquía de géneros» anunciada por las Academias Europeas de Bellas Artes, que evalúan los cuadros según su contenido o significado moral. Así, las naturalezas muertas desprovistas de cualquier presencia humana contenían presumiblemente la narrativa menos significativa. En comparación, las pinturas históricas que representaban escenas de lucha emocional tenían el mayor contenido narrativo y, por tanto, se consideraban la principal forma de pintura.

Historia y estilos de la pintura

Origen

La historia del arte ha sido testigo de una amplia gama de estilos pictóricos. Empezando por las pinturas rupestres prehistóricas (por ejemplo, en las cuevas de Altamira, Chauvet y Lascaux), incluye los frescos y paneles de las civilizaciones egipcia, minoica, micénica y etrusca, así como el estilo clásico antiguo de la pintura griega y el arte romano. Un excelente ejemplo de Antigüedad clásica es la serie de Retratos de Fayum, que se encuentran sobre todo en la zona del oasis de Fayum, cerca de El Cairo.

El colapso del Imperio Romano (c. 450 d.C.) condujo al dominio del arte bizantino, con sede en Constantinopla. Mientras tanto, Europa Occidental vivió cuatro siglos de estancamiento -la Edad Oscura- antes de que el Papa León III coronara a Carlomagno, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. La corte de Carlomagno patrocinó un pequeño renacimiento cultural conocido como arte carolingio (750-900). Este renacimiento fue apoyado por Otón I, II y III, la época del arte ottoniano, antes de que la renacida Iglesia romana desarrollara sucesivamente los estilos culturales del arte románico (1000-1200) y gótico (1150-1375). Los principales tipos de pintura comunes durante estos cinco periodos fueron los paneles de iconos, los frescos religiosos y la iluminación de libros.

Proto-Renacimiento

La pintura medieval occidental se regía estrictamente por las convenciones. No sólo la temática estaba restringida casi exclusivamente a la representación de figuras bíblicas, sino que existían cánones que establecían qué capítulos del Antiguo y del Nuevo Testamento podían incluirse y cómo debían interpretarse. La estructura de la pintura seguía «la perspectiva del significado», con el resultado de que los temas importantes se mostraban en grande y los menos importantes a menor escala. Los artistas también estaban obligados a seguir una serie de convenciones formales en sus composiciones relativas, por ejemplo, al color, el espacio y el fondo. Así, el naturalismo no estaba permitido en absoluto. El mundo divino de Dios, Jesús, la Virgen María, los Profetas, los Santos y los Apóstoles -que era el tema dominante- se veía como un mundo trascendente, cuyo esplendor y gloria solían simbolizarse con una tierra dorada y luminosa.

Los primeros artistas que desafiaron la rigidez de estas reglas del dibujo fueron Cimabue y su discípulo Giotto (1270-1337), cuyo ciclo de frescos en la Capella Scrovegni (Capilla de la Arena) de Padua introdujo un nuevo realismo utilizando un lenguaje mucho más naturalista. Por ello, Giorgio Vasari (1511-1574) describe a Giotto en « Vidas de los artistas» («Vite de ’piu eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani») (1550) como «el padre de la pintura». Otro innovador del periodo proto-renacentista (1300-1400) fue Ambrogio Lorenzetti (activo 1319-48), de la escuela sienesa de pintura .

Renacimiento temprano

Mientras los estilos anticuados del arte bizantino y del gótico internacional se extendían gradualmente en Siena, Italia, y en las cortes reales feudales de toda Europa, las ideas creativas de Giotto se exploraban y desarrollaban en Florencia durante el Renacimiento temprano (1400-1490). En este periodo se produjeron cuatro grandes acontecimientos: (1) un renacimiento de las formas y estilos del arte clásico griego y romano; (2) una gran creencia en la nobleza del hombre (humanismo); (3) el dominio de la perspectiva lineal (profundidad en la pintura); y (4) un gran realismo en la pintura religiosa. Entre los principales artistas del Renacimiento temprano se encuentran Tommaso Mazaccio (c. 1401-1428), que pintó una serie de frescos en la capilla de la familia Brancacci de Florencia, y Piero della Francesca (1420-1492), cuyo apasionado interés por la geometría le llevó a ser pionero de la perspectiva lineal, con espacios geométricamente precisos y proporciones estrictas (véase su «La Llama de Cristo», década de 1450). El realismo, la perspectiva lineal y las nuevas formas de composición fueron perfeccionados por artistas del quatrocento como los florentinos Antonio del Pollaiuolo (1432-1498), Alessandro Botticelli (1445-1510) y el italiano del norte Andrea Mantegna (1431-1506).

Renacimiento alto/tardío

Pintura del Alto Renacimiento (c. 1490-1530), centrado en Roma y gobernado por los papas Julio II (reinó 1503-13) y León X (reinó 1513-21), fue testigo del apogeo de la ideología y el idealismo estético del Renacimiento italiano, y de algunas de las mejores pinturas del Renacimiento . Todo ello queda bien ilustrado por las obras de Leonardo da Vinci (1452-1519) ) La Última Cena, Mona Lisa), Rafael (1483-1520) ) Escuela de Atenas) y Miguel Ángel (1475-1564) ) Fresco del Génesis en la Capilla Sixtina del Vaticano). Este trío del Renacimiento contó con el apoyo de otros grandes artistas de Venecia, como Jacopo (1400-1470), Gentile Bellini (c.1429-1507) y Giovanni Bellini (c.1430-1516), Giorgione (c.1476-1510), Tiziano Vecellio (c.1487-1576), Paolo Veronese (1528-1588) y Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-1594).

Renacimiento septentrional

Mientras tanto, en el norte de Europa (Flandes, Holanda, Inglaterra y Alemania) el Renacimiento septentrional se desarrolló de forma algo diferente, sobre todo en su preferencia por la pintura al óleo (el fresco era menos adecuado para el clima más húmedo) y su interés por el grabado. Los grandes artistas de la época fueron Jan van Eyck (1390-1441), Rogier van der Weyden (1400-1464), Hieronymus Bosch (1450-1516), Albrecht Dürer (1471-1528) y Hans Holbein (1497-1543).

Manierismo

El arte del turbulento Cinquento (siglo XVI) se caracterizó por un estilo de pintura menos armonioso y más forzado llamado manierismo . El segundo fresco de la Sixtina de Miguel Ángel, «El Juicio Final», es un ejemplo de este enfoque, al igual que «El Entierro del Conde Orgaz» de El Greco (c.1541-1614).

Barroco

A finales del siglo XVI, en respuesta al movimiento de la Reforma protestante de Martín Lutero (a partir de 1520), la Iglesia católica romana lanzó una contrarreforma, utilizando todos los medios a su alcance para restaurar su reputación, incluidas las artes. Esto coincidió con la aparición de un nuevo estilo pictórico europeo conocido como pintura barroca, que floreció en el siglo XVII. En cierto sentido, el arte barroco fue el apogeo del manierismo, caracterizado por una teatralidad extravagante a gran escala, tanto en la forma como en el significado. Rubens (1577-1640) fue el pintor barroco católico de la Contrarreforma. En España, otro bastión del catolicismo, los artistas más destacados fueron Diego Velázquez (1599-1660) y Francisco Zurbarán (1598-1664). En Italia, Caravaggio (1571-1610) se convirtió en el principal pintor de la Contrarreforma, conocido por su naturalismo y sus imágenes prácticas. Fue un importante pionero del tenebrismo y del claroscuro, un uso pictórico de la sombra popularizado con el nombre de Caravaggismo . Un centro clave del arte barroco italiano y de la pintura de Caravaggio fue Nápoles, en aquella época la segunda ciudad más grande de Europa después de París. Para más información, véase: Pintura en Nápoles (1600-1700).

La escuela realista holandesa

El arte no católico del Barroco neerlandés y algunas obras del Barroco flamenco debieron desarrollarse de forma diferente, ya que las autoridades eclesiásticas protestantes tenían poco interés en encargar obras religiosas. Sin embargo, la creciente riqueza de las clases mercantiles y profesionales dio lugar a un nuevo tipo de coleccionista de arte, cuyo orgullo por su hogar creó una nueva demanda de arte de caballete: en particular, obras de género, paisajes y naturalezas muertas. Así surgieron las grandes escuelas realistas holandesas de pintura de género en Delft, Utrecht, Haarlem y Leiden, entre cuyos miembros encontramos a genios como Rembrandt (1606-1669) y Jan Vermeer (1632-1675).

Rococó

Hacia 1700, el pesado lenguaje barroco había evolucionado hacia un estilo más ligero y menos serio que finalmente encontró forma independiente en un movimiento conocido como Rococó . Este estilo decorativo de fantasía era exclusivamente francés, pero acabó extendiéndose por toda Europa en el siglo XVIII. Sus máximos representantes fueron los pintores franceses Jean-Antoine Watteau (1684-1721), Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), François Boucher (1703-1770) y el maestro veneciano Giambattista Tiepolo (1696-1770), famoso por sus magníficos frescos en paredes y techos. El rococó se asoció estrechamente con los antiguos regímenes decadentes de Europa, en particular con el rey francés Luis XV y su amante Madame de Pompadour.

Neoclasicismo y Romanticismo (florecimiento 1789-1830)

La Revolución Francesa de 1789 coincidió con la aparición de dos estilos artísticos distintos: el arte neoclásico y el Romanticismo . Los partidarios de la pintura neoclásica buscaron inspiración en la Antigüedad clásica; sus cuadros se caracterizan por el heroísmo, el deber oneroso y un palpable sentido de la seriedad. Su máximo exponente fue el político francés Jacques-Louis David (1748-1825). Otros artistas neoclásicos notables fueron el retratista y pintor histórico alemán Anton Raphael Mengs (1728-1779) y el maestro francés del estilo de arte académico, Jean-Auguste-Dominique Engr (1780-1867). Sin embargo, la mayor contribución del movimiento fue su arquitectura, que aún hoy ocupa un lugar de honor.

En contraste con la seriedad y los valores universales promovidos por el Neoclasicismo, los pintores románticos buscaban un retorno a la naturaleza, ejemplificado por su apoyo a la espontánea pintura plein air (por ejemplo, en las escuelas de pintura Barbizon, Pont-Aven y Norwich). Se basaban más en los sentimientos y las emociones que en la razón y el intelecto. Los artistas románticos tendían a expresar reacciones personales emocionales ante la vida. Entre los románticos famosos se encuentran John Constable (1776-1837) y J. H. W. Turner (1776-1837). Turner (1775-1851), importantes representantes del paisajismo inglés del siglo XIX, Caspar David Friedrich (1774-1840) y Camille Corot (1796-1875); y los pintores de historia y retratos Francisco Goya (1746-1828), Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Theodore Gericault (1791-1824) y Eugène Delacroix (1798-1763). Véase también Pintura figurativa inglesa (1700-1900).

El arte romántico posterior incluyó: la pintura de los orientalistas levantinos, la escuela paisajista americana del río Hudson, las obras místicas del simbolismo y de la Hermandad Prerrafaelita, y las pinturas de cuentos fantásticos de la escuela del realismo mágico.

Realismo

Hasta el siglo XIX, con la excepción del arte neerlandés del siglo XVII, la pintura se centraba principalmente en «temas» importantes, definidos por las tradiciones de las academias de bellas artes y el salón parisino . Incluso cuando los artistas se interesaban por temas menos sublimes (como los niños), solían representarlos de forma idealizada. Pero de acuerdo con las nuevas ideas de «Libertad, Fraternidad e Igualdad», proclamadas por la Revolución Francesa, los artistas empezaron a prestar la misma atención a los temas cotidianos que se representaban en la vida real, de forma naturalista. Este nuevo estilo, conocido como pintura realista, surgió principalmente en Francia y atrajo a artistas de todos los géneros, entre los que destacan Gustave Courbet (1819-1877), Jean-François Millet (1814-1875), Honoré Daumier (1808-1879), Ilya Repin (1844-1930) y Thomas Eakins (1844-1916). La influencia del realismo francés del siglo XIX continuó en el siglo XX, cuando dio lugar a numerosos subestilos como la Escuela Ashcan (Nueva York), el Realismo Socialista (apoyado por el Proyecto Federal de las Artes), el Precisionismo (escenas industriales), el Realismo Socialista y el Modernismo. Todos ellos continúan en la actualidad.

Realistas famosos del siglo XX son, por ejemplo, el pintor estadounidense Norman Rockwell (1894-1978) y el retratista inglés Lucian Freud (n.1922). El último estilo moderno de realismo es el fotorrealismo, también conocido como hiperrealismo y superrealismo .

Pintura impresionista

En la segunda mitad del siglo XIX, París se había convertido en el centro indiscutible del arte mundial. Consolidó su posición, dando lugar a uno de los mayores movimientos de arte moderno de todos los tiempos - Impresionismo, cuyos principales adeptos fueron: Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Pierre Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Édouard Manet (1832-1883), Paul Cézanne (1839-1906) y Bertha Morisot (1841-1895). Otros artistas asociados al estilo impresionista fueron Georges Seurat (1859-1891), Paul Gauguin (1848-1903), John Singer Sargent (1856-1925), James McNeil Whistler (1834-1903) y Walter Sickert (1860-1942), Véase también: Los mejores cuadros impresionistas .

Aunque los impresionistas se disolvieron como grupo «» a principios de la década de 1880, el estilo dio lugar a una serie de estilos pictóricos afines, que se conocen bajo los nombres de Neoimpresionismo y Postimpresionismo . También incluyen el Puntillismo, una rama del Divisionismo, el Intimismo y estilos de paisajes terrestres y marinos americanos, así como grupos de artistas, como los ingleses Newlyn School y Camden Town Group, los estilos pictóricos decorativos franceses del Sintetismo (Gauguin) y Cloisonismo (Bernard, Anquetin) que inspiraron el Nabi y el grupo alemán Worpswede.

Pintura de principios del siglo XX

Entre 1882 y 1925 surgieron en el mundo del arte muchos estilos nuevos de pintura. Los dos movimientos principales de esta explosión del arte moderno fueron:

(1) Expresionismo - un estilo colorista (coincidente con el efímero movimiento fauvista parisino liderado por Henri Matisse) en el que participaron grupos Expresionismo alemán, como Der Blaue Reiter, Die Brucke y Neue Sachlichkeit e ilustrado con cuadros de Wassily Kandinsky (1844-1944), Edvard Munch (1863-1944), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Georges Rouault (1871-1958), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Franz Marc (1880-1916) y Egon Schiele (1890-1918). Véase también: Historia de la pintura expresionista (c. 1880-1930).

(2) Cubismo Estilo más intelectual de pintura cubista analítica que sintética, promovido por Georges Braque (1882-1963) y Pablo Picasso (1881-1973). Los experimentos del cubismo con el plano pictórico bidimensional dieron lugar a estilos como el futurismo, movimiento artístico italiano fundado en 1909 por Filippo Marinetti (1876-1944); el cubismo órfico (simultanismo) de Robert Delaunay (1885-1941); y el luchismo, desarrollado por los artistas rusos Mijaíl Lariónov (1881-1964) y Natalia Goncharova (1881-1962); el movimiento artístico abstracto ruso de 1913-15 conocido como Suprematismo, liderado por Kazimir Malevich (1878-1935); y el movimiento holandés de Stijl, fundado en 1917 por Theo van Doesburg (1883-1931) y Piet Mondrian (1872-1944), que más tarde evolucionó hacia el Neoplasticismo. Para más información, véase: Pintura abstracta .

La pintura de principios del siglo XX también se vio influida por elementos decorativos del Art Nouveau ) Jugendstil en Alemania) y el Art Déco.

La pintura de vanguardia europea se mostró por primera vez en América en el Armory Show (1913) de Nueva York.

La pintura después de la Primera Guerra Mundial: el Surrealismo

Tras las payasadas antiartísticas de Dadá, el primer movimiento pictórico internacional de los años de entreguerras fue el Surrealismo, cuyo irreverente estilo populista ejerció una gran influencia en el posterior Pop Art. Tras la pionera pintura metafísica de Giorgio de Chirico, principal precursor del arte surrealista, entre los principales artistas surrealistas se encuentran Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1976), Jean Arp (1887-1966), Juan Miró (1893- 1983), René Magritte (1898-1967) y Salvador Dalí (1904-1989).

Arte de posguerra: expresionismo abstracto (1945-65)

En 1940, con Europa sumida en el caos, el centro del mundo del arte se había trasladado a Nueva York, donde un número creciente de artistas autóctonos se mezclaba con artistas emigrados de Francia, España y Alemania, que encontraban el mecenazgo y el apoyo, entre otros, de la familia Guggenheim. El ambiente era pesado a causa de la guerra, de la que muchos artistas huyeron al otro lado del océano, buscando consuelo y sentido en la abstracción más que en el arte figurativo, que de hecho decayó tras el declive de la pintura de género americana y su variante llamada Regionalismo .

De los influyentes emigrados europeos, como: Max Ernst (que se casó con Peggy Guggenheim), el antiguo artista del grupo Bauhaus, Josef Albers (1888-1976) y el armenio Arshil Gorki (1904-1948) - además de artistas estadounidenses únicos como Mark Rothko (1903-1970), Jackson Pollock (1912-1956). A través de esta estrecha relación surgieron el Expresionismo Abstracto con sus variantes Action Painting (Pollock y Lee Krasner), Colour Field Painting (Rothko, Still, Newman, Frankenthaler, Kenneth Noland), Hard Edge Painting (Frank Stella), y Post-Howard Abstraction (Ellsworth Kelly).

En Europa, la pintura expresionista abstracta se desarrolló bajo el estandarte general del informalismo (Alfred Otto, Wolfgang Schulze, Wols), cuyos subestilos incluían la Abstracción lírica (por ejemplo, Nicholas de Stael), el Tachismo (Sam Francis), la Pintura matérica (Anthony Tapies) y el Grupo Cobra (por ejemplo, Asger Jorn, Karel Appel).

Un movimiento muy influyente, el Expresionismo Abstracto, acabó desembocando en el Minimalismo -uno de los primeros movimientos del arte moderno- a través de subestilos como el Op Art, defendido por Bridget Riley (n.1931).

Pop Art (años 60)

A medida que el estilo abstracto se volvía cada vez más intelectual, otros artistas estadounidenses buscaron alternativas, si no en la ficción, al menos en la realidad cotidiana. A finales de la década de 1950, Jasper Johns (1930) y Robert Rauschenberg (1925-2008) empezaron a explorar el uso de la cultura popular como fuente de inspiración. Esto desembocó rápidamente en el movimiento antiintelectual Pop Art, ejemplificado por la obra de Roy Lichtenstein (1923-1997), Andy Warhol (1928-1987) y David Hockney (n. 1937), entre muchos otros. Tras un declive a principios de la década de 1970, resurgió como arte neopop en la década de 1980.

Pintura contemporánea

Arte actual Representación desde 1970 ha sido testigo de la pintura figurativa, que incluye obras de Francis Bacon (1909-1992) y Fernando Botero (n.1932), el neoexpresionismo de artistas chinos como Zhang Xiaogang (n.1958) y Yue Mingyun (n.1962), los paisajes de Peter Doig (n.1959) y el artista ucraniano Dmytro Koluyny, las pinturas de Alexander Vlasenko, y numerosos retratos de artistas jóvenes, como los irlandeses David Nolan (n.1966) y Conor Walton (n.1970), entre muchos otros. A pesar de ello, la pintura figurativa aún no ha encontrado su hueco en el arte contemporáneo. Lo mismo puede decirse de la pintura representativa, que sigue atrayendo a muchos jóvenes artistas abstraccionistas y ha engendrado numerosos minimovimientos sin llegar a grandes resultados.

Es muy posible que todo esto sea más imaginario que real. Por ejemplo, la ausencia de movimientos internacionales puede crear la ilusión de que el progreso observado es insignificante, a pesar de los vibrantes avances locales. Además, los artistas posmodernistas siguen siendo capaces de producir buenos ejemplos de abstracción; por ejemplo, el característico arte-palabra creado por Christopher Wool (nacido en 1955) en sus pinturas esmaltadas en blanco y negro.

En resumen, por decirlo crudamente, el arte de la pintura posterior a la década de 1970, a pesar de su brillantez individual, no parece haber producido las obras maestras esperadas. En su lugar, podría decirse que los artistas posmodernos han luchado por encontrar respuestas a estas tres preguntas: (1) ¿Qué sentido tiene la pintura figurativa en una época dominada por el periodismo fotográfico y las películas de vídeo? (2) ¿Qué más puede ofrecer la pintura abstracta en términos de originalidad estética? (3) ¿Hasta qué punto puede la pintura competir con formas de arte más «contemporáneas», como la instalación, por la atención de la gente corriente, en museos de arte u otros espacios públicos?

Quizá las técnicas tradicionales de dibujo y pintura, que ya no reciben la atención que antes les prestaban las escuelas y academias de arte, estén en declive, aunque, al menos en Rusia, Europa del Este y China, las modernas tecnologías de vídeo y fotografía influyen menos en el arte. Por otro lado, las nuevas tecnologías, como las tabletas gráficas con lápiz óptico y los gráficos digitales, han abierto el dibujo a un abanico más amplio de practicantes, lo que sólo puede ser una evolución positiva.