Pintura de bellas artes: historia, medios, géneros Traductor traducir
Definición: Forma de expresión visual 2-D:
El arte de la pintura consiste en la disposición de formas, líneas, colores, tonos y texturas en una superficie bidimensional, creando así una imagen estética. Más de lo que no se puede decir, la gran variedad de posibilidades impide una definición más precisa. La pintura terminada puede ser totalmente figurativo y naturalista, como los de los fotorrealistas (por ejemplo, Richard Estes), o totalmente resumen – que comprende solo formas geométricas (como las de Piet Mondrian o Bridget Riley) – o en cualquier punto intermedio. En términos de género, podría ser un trabajo de historia narrativa, un retrato, una escena de género, un paisaje o una naturaleza muerta. Se puede pintar con pintura encáustica, al temple o al fresco, aceites, acrílicos o acuarelas, o cualquiera de los nuevos medios contemporáneos. Y como críticos de arte y los historiadores pueden testificar, hay innumerables teorías en conflicto sobre la función, el diseño, la jerarquía de estilos y la estética de la pintura, por lo que quizás lo más seguro es decir que, como "artistas visuales", los pintores se dedican a la tarea de crear dos dimensiones obras de expresión visual, de cualquier manera que les atraiga.
Composición y diseño de pintura
Aveces llamado " disegno "- un término derivado de Arte renacentista que se traduce tanto en diseño como en dibujo, lo que incluye la idea del artista de lo que quiere crear y su ejecución: el diseño de la pintura se refiere a la organización formal de varios elementos en un todo coherente.
Estos elementos formales incluyen: Línea , Forma / Masa , Color , Volumen / Espacio , Tiempo / Movimiento .
(1) La línea abarca todo, desde contornos y contornos básicos, hasta bordes de tono y color. El trabajo de línea corrige la relación entre elementos adyacentes o remotos y áreas de la superficie de pintura, y su actividad o pasividad relativa.
(2) Shape and Mass incluye las diferentes áreas de color, tono y textura, junto con cualquier imagen específica que contenga. Muchas de las pinturas más famosas (p. Ej. Última cena por Leonardo Da Vinci) están dispuestos ópticamente alrededor de formas geométricas (o una mezcla de las mismas). El espacio negativo también se puede utilizar para enfatizar ciertas características de la composición.
(3) No es sorprendente, dado que el ojo humano puede identificar hasta 10 millones de tonos diferentes, el color tiene muchos usos diferentes. (Ver colorito .) Se puede usar de una manera puramente descriptiva: los egipcios usaron diferentes colores para distinguir a Dioses o faraones, y para diferenciar a los hombres de las mujeres, o para transmitir mensajes morales o estados de ánimo emocionales, o mejorar la perspectiva (colores más débiles para fondos distantes). Ver también: Tiziano y pintura en color veneciano 1500-76. Sobre todo, el color se usa para representar los efectos de la luz (vea la serie de Pajares o la Catedral de Rouen de Claude Monet), mientras que muchos grandes pintores como Caravaggio y Rembrandt han explotado el contraste entre los colores para lograr un efecto dramático, especialmente en la técnica de claroscuro (Ver Rembrandt’s The Night Watch ). Ver color en pintura .
(4) Los elementos de Volumen y Espacio se refieren a cómo el pintor crea profundidad y relaciones espaciales dentro de la superficie plana de la imagen. Los pintores tradicionales hacen esto desplegando el concepto de perspectiva lineal , tal como se desarrolló durante el Renacimiento Florentino por Piero della Francesca y otros (ver también las técnicas ilusionistas de quadratura y escorzo ), mientras que cubistas como Picasso, Braque, Duchamp y Juan Gris, expresaron el espacio y el volumen al mostrar una serie de "instantáneas" superpuestas del mismo objeto como si se vieran simultáneamente desde diferentes puntos de vista. Aún otros, como los pintores de estilo ingenuo (naif) o primitivo, muestran objetos que no están en su relación naturalista de la vida real entre sí, sino por separado, desde el ángulo que mejor muestre sus rasgos característicos; esto incluye las formas estilísticas aplanadas utilizadas, por ejemplo, por los egipcios.
(5) Los elementos de Tiempo y Movimiento se refieren a cómo se le permite al ojo del espectador experimentar la imagen, en términos de velocidad y dirección, tanto para su desarrollo narrativo (por ejemplo, en murales de historia a gran escala), como trompe l’oeil potencial, o sus oportunidades angulares para el estudio (por ejemplo, pinturas cubistas que representan varias "instantáneas" de los mismos objetos).
Interpretación de pintura
Además de crear un objeto visual, un artista también pretende infundirle un cierto grado de contenido intelectual, en forma de simbolismo, un mensaje moral o social, o algún otro contenido significativo. Así, el famoso crítico estadounidense Clement Greenberg (1909-94) una vez declaró que todo gran arte debería apuntar a crear tensión entre el atractivo visual y la posibilidad interpretativa . La historia del arte está llena de ejemplos de contenido interpretativo.
Por ejemplo, el arte egipcio se destaca por sus imágenes iconográficas, al igual que las pinturas de paneles bizantinos y los frescos prerrenacentistas. Cuadros renacentistas, como los de Viejos maestros como Botticelli, Leonardo y Raphael, a menudo tomaron la forma de obras alegóricas muy complejas, una tradición que se mantuvo a lo largo de las eras barrocas y neoclásicas posteriores de los siglos XVII y XVIII. Incluso bodegones, especialmente el género de Pintura Vanitas , fueron infundidos con alegoría moralista. Sin embargo, la tradición disminuyó un poco durante el siglo XIX, bajo las influencias dominantes del romanticismo, el impresionismo y, en menor medida, el expresionismo, antes de resurgir en el siglo XX, cuando el cubismo y el surrealismo lo explotaron al máximo. Para más, ver: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).
Medios de pintura
Encáustico
Uno de los principales medios de pintura del mundo antiguo, pintura encáustica emplea cera de abejas caliente como medio aglutinante para contener pigmentos de colores y permitir su aplicación a una superficie, generalmente paneles o paredes de madera. Fue ampliamente utilizado en el arte egipcio, griego, romano y bizantino.
Fresco
Fresco (en italiano, "fresco") se refiere al método de pintura en el que los pigmentos se mezclan únicamente con agua (no se usa agente aglutinante) y luego se aplican directamente sobre suelo de yeso recién colocado, generalmente en una pared o techo enlucidos. El yeso absorbe la pintura líquida y, a medida que se seca, retiene los pigmentos en la pared. Se obtuvieron efectos adicionales mediante técnicas de rascado como el esgrafiado . Los mejores ejemplos de pintura al fresco son probablemente "Génesis" y "Juicio Final" de Miguel Ángel Frescos de la Capilla Sixtina , y las pinturas en las habitaciones de Rafael, como "La escuela de Atenas".
Pintura al temple
En lugar de cera de abejas, el temple medio de pintura emplea una emulsión de agua y yema de huevo (ocasionalmente mezclada con pegamento, miel o leche) para unir los pigmentos. Pintura al temple finalmente fue reemplazado por óleos, aunque como método para pintar en paneles, duró siglos. También fue ampliamente utilizado en pintura medieval en la creación de manuscritos iluminados. Para más detalles sobre este género, vea: Manuscritos Góticos Iluminados (1150-1350).
Aceites
El medio dominante desde 1500, pintura al óleo utiliza aceites como semillas de lino, nueces o semillas de amapola, como aglutinante y agente secante. Su popularidad proviene del aumento de la riqueza y el brillo que el aceite le da al pigmentos de color . También facilitó detalles sutiles, utilizando técnicas como sfumato , así como la pintura audaz obtenida a través de capas gruesas ( pasta ) Los pioneros importantes de las técnicas de pintura al óleo incluyeron (en Holanda) a los pintores flamencos Hubert y Jan Van Eyck, y (en Italia) Antonello da Messina, Leonardo Da Vinci, y especialmente miembros de la escuela de Pintura veneciana , incluidos Giovanni Bellini y Tiziano.
Acuarelas y Gouache
Pintura de acuarela – un medio implacable – desarrollado en Inglaterra – utiliza pigmentos solubles en agua preformulados con un aglutinante, típicamente goma arábiga. Cuando las acuarelas se espesan, se vuelven opacas y se mezclan con blanco, se llama gouache . Los primeros pioneros de la acuarela incluyen a Thomas Girtin y JMW Turner. Gouache fue un medio importante para muchos de los mejores miniaturistas involucrados en los primeros tiempos. pintura de retrato en miniatura , antes del uso del esmalte.
Acrílicos
El más moderno de todos los medios, Pintura acrílica es una pintura artificial que contiene una resina derivada del ácido acrílico que combina algunas de las propiedades de la acuarela y los aceites. Altamente versátil, se puede aplicar a casi cualquier superficie en cantidades variables, desde lavados finos hasta capas gruesas empaquetadas. Puede dar un acabado mate o brillante y es de secado extremadamente rápido. Popular entre muchos pintores famosos , incluyendo a David Hockney, la pintura acrílica aún puede reemplazar los óleos durante el siglo XXI.
Formas de pintura
Murales
Se remonta al paleolítico pintura rupestre , los murales fueron pintados en tumbas, templos, santuarios y catacumbas en todo el mundo occidental antiguo, incluyendo Etruria, Egipto, Creta y Grecia. Inicialmente desprovistos de "profundidad", se desarrollaron completamente como un medio para Arte bíblico durante el Renacimiento temprano, por artistas de frescos como Giotto (ver: Frescos de la capilla Scrovegni ), y luego por Masaccio, Fra Angelico, Raphael y Michelangelo. A medida que la decoración interior se hizo cada vez más dominada por las vidrieras y el arte de tapices, pintura mural disminuyó, aunque se encargaron una serie de obras específicas del sitio durante los siglos XIX y XX.
Pintura del panel
La primera forma de pintura portátil, los paneles fueron ampliamente utilizados (por ejemplo) en el arte egipcio y griego (aunque solo unos pocos han sobrevivido), y más tarde por artistas bizantinos a partir del 400 CE en adelante. Al igual que con los murales, pinturas de paneles fueron rejuvenecidos durante el gótico tardío y el renacimiento temprano, principalmente como un tipo de arte devocional decorativo, por ejemplo. " El Retablo de Gante "(1432) de Hubert y Jan Van Eyck, y" The Deposition "(1440) de Roger van der Weyden. Para detalles de pintura de paneles renacentistas en la Venecia del siglo XVI, un género y período que ilustra el enfoque colorito de la ciudad, por favor ver: Retablos venecianos (1500-1600) y Retrato veneciano pintura (1400-1600). Ver también: Legado de la pintura veneciana sobre el arte europeo.
La pintura de paneles de madera fue especialmente popular en Pintura flamenca y otras escuelas del norte, debido al clima que no era favorable para los murales al fresco, y se mantuvo así hasta finales del siglo XVII.
Pintura de caballete
Esta forma, como la pintura de paneles, era una forma de arte de estudio, pero utilizaba el lienzo como soporte en lugar de paneles de madera. El lienzo era más liviano y menos costoso que los paneles, y no requería imprimación especial con yeso y otros materiales. Desde la época barroca en adelante (1600), el óleo sobre lienzo se convirtió en la forma preferida de pintura en toda Europa. Fue particularmente popular entre los nuevos mecenas burgueses en Pintura holandesa del siglo XVII (1600-80), especialmente en forma de retratos, bodegones y obras de género.
Iluminación de manuscritos
Se remonta a ejemplos famosos del antiguo Egipto, como el "Libro de los muertos", este tipo de pintura alcanzó su apogeo durante la Edad Media (c.500-1000 CE) en forma de irlandés y europeo manuscritos iluminados . Los primeros ejemplos de este tipo de pintura de libros incluyen: Cathach of St. Columba (principios del siglo VII c.610-620), Libro de Durrow (c.670), Evangelios de Lindisfarne (c.698-700), Evangelios de Echternach (c. 700), Lichfield Gospels (730), Godescalc Evangelistary (781-83), The Golden Psalter (783-89), Lorsch Gospels (778-820), Book of Kells (c.800), Gospel of St Medard of Soissons (810), Utrecht Psalter (830), Ebo Gospels (835), Grandval Bible (840), Vivian Bible (845).
Ejemplos posteriores de Iluminación de manuscritos medievales incluyen obras románicas como: el salterio Egbert , el salterio de San Albans , la Biblia de Winchester , el Codex Vigilano y el manuscrito Moralia ; Obras góticas como: el Salterio de San Luis , la Biblia Moralisee , el Salterio Amesbury , el Manuscrito Minnesanger , el Salterio de la Reina María ; y obras góticas internacionales como: Misal para el canciller Jan de Streda (1360, Praga, Biblioteca del Museo Nacional, MS); la Tres Riches Heures du Duc de Berry (1416, Musee Conde Chantilly) de los hermanos Limbourg; la Anunciación de Jacquemart de Hesdin (1400, Bibliotheque Nationale, Paris); el Horario de Bruselas (Bruselas, Biblioteca Nacional de Bélgica, MS. 11060-1); Horas del Marechal de Boucicaut (Museo Jacque-mart-Andre, París); Le Livre du coeur d’Amours Espris (1465, Osterreichische Nationalbibliothek, Viena).
Típicamente ejecutados en temple de clara de huevo en vitela y cartulina, estos manuscritos pintados presentaban diseños gráficos extremadamente ricos y complejos de entrelazado, nudos, espirales y zoomorfos de estilo celta, así como retratos figurativos de santos y apóstoles. Lamentablemente, el advenimiento de la imprenta en la Alemania del siglo XV hizo que esta forma de arte cerrara en Europa. A partir de entonces, sobrevivió solo en Oriente, especialmente en forma de pintura caligráfica islámica y textos decorados, y miniaturas de la India.
Pintura de desplazamiento
Los rollos de mano son una forma de Arte asiático que data de c.350 CE, común a ambos pintura china y arte japonés. Compuestos de diferentes longitudes de papel o seda, presentaban una amplia variedad de pinturas de tinta y lavado cuyos temas incluyeron paisajes, temas budistas, escenas históricas o mitológicas, entre otros. Para obtener una guía de los principios estéticos detrás de las artes y artesanías orientales, consulte: Arte tradicional chino: características .
Pintura de pantalla / ventilador
Hay dos tipos básicos de pantalla pintada: pantallas plegables tradicionales chinas y japonesas, pintadas con tinta o gouache sobre papel o seda, que datan del siglo XII, una forma que luego incluyó pantallas de laca; y la pantalla de iconostasio, que se encuentra en las iglesias ortodoxas bizantinas, griegas y rusas, que separa el santuario de la nave. Esta pantalla está decorada tradicionalmente con motivos religiosos. íconos y otras imágenes, utilizando pinturas encáusticas o de temple. Los abanicos pintados, típicamente decorados con tinta y pigmentos de colores sobre papel, cartulina o seda, a veces colocados con hojas de oro o plata, se originaron en China y Japón, aunque curiosamente muchos en realidad fueron pintados en la India. En Europa, la pintura de abanicos no se practicó hasta el siglo XVII, y solo se desarrolló adecuadamente en Francia e Italia desde aproximadamente 1750 en adelante.
Formas modernas de pintura
Los pintores del siglo XX han experimentado con una gran variedad de soportes y materiales, incluidos acero, hormigón, poliéster, luces de neón, así como con una infinita variedad de objetos "encontrados" (grupos de objetos). Esto último se ejemplifica en las obras de Yves Klein (1928-62), quien decoró los cuerpos desnudos de las mujeres con pintura azul y luego las imprimió en el lienzo; y Robert Rauschenberg (1925-2008) cuyo trabajo Bed (1955) consistió en la colcha de su propia cama, pintada con pasta de dientes, lápiz labial y esmalte de uñas.
Géneros de pintura
Hay cinco tradicionales géneros de pintura . Estos se clasifican de la siguiente manera:
(1) pintura de historia – que incluye pintura mitológica – (2) retrato , (3) pintura de género , (4) paisaje y (5) naturaleza muerta . Este sistema de clasificación corresponde al " Jerarquía de los géneros "Anunciado por las academias europeas de bellas artes, que valoraban las imágenes de acuerdo con su mensaje o contenido moral. Por lo tanto, las bodegones, al carecer de presencia humana, supuestamente contenían la menor narrativa moral. En comparación, pinturas de historia – que representan escenas de lucha emocional – tenía el mayor contenido narrativo y, por lo tanto, se consideraba la forma preeminente de hacer fotografías.
Historia y estilos de pintura
Orígenes
los historia del Arte ha sido testigo de una amplia gama de estilos de pintura. Comenzando con la pintura rupestre prehistórica (por ejemplo, en las cuevas de Altamira, Chauvet y Lascaux), abarca los murales y pinturas de paneles de las civilizaciones egipcia, minoica, micénica y etrusca, así como el estilo antiguo clásico de la pintura griega y el arte romano.. Un excelente ejemplo de Antiguedad clasica es la serie de Retratos de momias de Fayum , que se encuentra principalmente en la cuenca de Faiyum, cerca de El Cairo.
El colapso de Roma (c.450 CE) condujo a la ascendencia del arte bizantino, con sede en Constantinopla. Mientras tanto, Europa occidental sufrió cuatro siglos de estancamiento, La Edad Media, antes de que el Papa León III coronara a Carlomagno, el Sacro Emperador Romano. La corte de Carlomagno patrocinó un renacimiento mini-cultural conocido como arte carolingio (750-900). Este renacimiento fue mantenido por Otto I, II y III, la era del arte ottoniano, antes de que una revitalizada Iglesia romana lanzara los sucesivos estilos culturales del románico (1000-1200) y el gótico (1150-1375). Las principales actividades de pintura realizadas como parte de estos cinco movimientos fueron pinturas de paneles de iconos, murales de frescos religiosos e iluminaciones de libros.
Proto-Renacimiento
La pintura occidental medieval estaba fuertemente regulada por la convención. No solo el tema se limitó casi exclusivamente a la representación de figuras bíblicas, sino que también hubo un canon fijo de reglas que establecía qué figuras del Antiguo y Nuevo Testamento podrían incluirse, y cómo deberían ser reconocidas. La estructura de la imagen se adhirió a la "perspectiva del significado", mediante la cual los temas importantes se mostraban grandes y los menos importantes a menor escala. Los pintores también estaban obligados a seguir un conjunto de convenciones formuladas en sus composiciones, en relación con (por ejemplo) el color, el espacio y el fondo. Así, el naturalismo no estaba generalmente permitido. El mundo divino de Dios, Jesús, La Virgen María, los Profetas, los Santos y los Apóstoles, que era el tema predominante, fue visto como un mundo trascendental, cuya magnificencia y gloria generalmente se simbolizaban en un terreno dorado brillante.
Los primeros artistas que desafiaron la rigidez de estas reglas de pintura fueron Cimabue y su alumno Giotto (1270-1337) cuyo ciclo de frescos en la Capella Scrovegni (Capilla de la Arena) en Padua introdujo un nuevo realismo, usando un lenguaje mucho más naturalista. Como resultado, Giorgio Vasari (1511-74) describe a Giotto en sus " Vidas de los pintores " ("Vite de ’piu eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani") (1550) como "el padre de la pintura". Otro innovador del proto-renacimiento. trecento período (1300-1400) fue Ambrogio Lorenzetti (activo 1319-48), de la Escuela de pintura de Siena .
Renacimiento temprano
Mientras que los estilos anticuados del arte bizantino, y Gótico internacional poco a poco se desarrollaron en Siena (Italia) y en las cortes reales feudales de toda Europa, las ideas creativas de Giotto fueron examinadas y desarrolladas en Florencia durante el Renacimiento temprano (1400-90). Este movimiento vio cuatro desarrollos principales: (1) un renacimiento de las formas y estilos de arte clásico griego / romano; (2) Mayor creencia en la nobleza del Hombre (Humanismo); (3) Dominio de la perspectiva lineal (profundidad en una pintura); y (4) Mayor realismo en la pintura figurativa. Los pintores supremos del Renacimiento temprano incluyeron: Tommaso Masaccio (ca. 1401-28) que pintó una serie de pinturas al fresco en la capilla de la familia Brancacci, en Florencia; y Piero della Francesca (1420-92) cuyo apasionado interés por las matemáticas lo llevó a ser pionero en la perspectiva lineal, con espacios geométricamente exactos y espacios estrictamente proporcionados (ver su Flagelación de Cristo , 1450). El realismo, la perspectiva lineal y las nuevas formas de composición fueron refinadas por los artistas del quattrocento que siguieron, como los florentinos Antonio del Pollaiuolo (1432-98) y Alessandro Botticelli (1445-1510), y el italiano del norte Andrea Mantegna (1431-1506)
Renacimiento alto / tardío
Pintura del alto renacimiento (c.1490-1530), centrado en Roma y conducido por el papa Julio II (reinó 1503-13) y el papa León X (reinó 1513-21), fue testigo del cenit de la ideología del Renacimiento italiano y el idealismo estético, así como algunos de la mejores pinturas renacentistas . Todo esto está bien ejemplificado en el trabajo de Leonardo Da Vinci (1452-1519) ( La Última Cena , Mona Lisa ), Rafael (1483-1520) ( La escuela de Atenas ) y Miguel Ángel (1475-1564) (el Génesis fresco en la Capilla Sixtina del Vaticano). Esta Alto renacimiento El trío contó con el apoyo de otros grandes pintores de Venecia, incluidos Jacopo (1400-1470), Gentile Bellini (1429-1507) y Giovanni Bellini (1430-1516), Giorgione (1447-1510), Tiziano (Tiziano Vecellio) (c.1487-1576), Paolo Veronese (1528-88) y Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-94).
Renacimiento del norte
Mientras tanto, en el norte de Europa (Flandes, Holanda, Inglaterra y Alemania), el Renacimiento del Norte evolucionó de una manera ligeramente diferente, sobre todo en su preferencia por la pintura al óleo (el fresco es menos adecuado para el clima más húmedo) y su apuesta por el grabado. Grandes artistas de la época fueron: Jan Van Eyck (1390-1441), Roger van der Weyden (1400-1464), Hieronymus Bosch (1450-1516), Albrecht Durer (1471-1528) y Hans Holbein (1497-1543).
Manierismo
El arte en el cinquecento turbulento o siglo XVI, se caracterizó por un estilo de pintura menos armonizado y más forzado, llamado Manierismo . El segundo fresco sixtino de Miguel Ángel, El Juicio Final fresco es un ejemplo, como es el Entierro del conde Orgaz por El Greco (c.1541-1614).
Barroco
A fines del siglo XVI, en respuesta al movimiento de Reforma Protestante de Martín Lutero (hacia 1520 en adelante), la Iglesia Católica Romana lanzó su Contrarreforma, utilizando todos los medios a su alcance para revivir su reputación, incluido el arte. Esto coincidió con la aparición de un nuevo estilo europeo de pintura conocido como Pintura barroca , que floreció durante el siglo XVII. En algunas formas, Arte barroco fue el apogeo del manierismo, que se caracteriza por una teatralidad extravagante a gran escala tanto en forma como en materia. Rubens (1577-1640) fue el pintor barroco católico de la Contrarreforma por excelencia . En España, otro bastión del catolicismo, los pintores principales fueron Diego Velázquez (1599-1660) y Francisco Zurbarán (1598-1664). En Italia, Caravaggio (1571-1610) se convirtió en el pintor líder de la Contrarreforma, famoso por su naturalismo e imaginería realista. Fue un pionero importante de Tenebrismo y claroscuro , el uso pictórico de la sombra popularizado bajo el nombre de Caravagismo . Un centro clave tanto del arte barroco italiano como de la pintura caravaggesca fue Nápoles, en ese momento la segunda ciudad más grande de Europa, después de París. Para más información, consulte: Pintar en Nápoles (1600-1700).
Escuela Realista Holandesa
No católico Arte barroco holandés , y algo Arte barroco flamenco , se vio obligado a desarrollarse de manera diferente, ya que las autoridades de la iglesia protestante tenían poco interés en comisionar obras religiosas. Sin embargo, la creciente prosperidad entre las clases mercantes y profesionales condujo a la aparición de un nuevo tipo de coleccionista de arte, cuyo orgullo por la casa y el hogar desencadenó una nueva demanda de arte de caballete: en particular, obras de género, paisajes y bodegones. Así surgió el gran Escuelas realistas holandesas de pintura de género en Delft, Utrecht, Haarlem y Leiden, entre cuyos miembros encontramos genios como Rembrandt (1606-1669) y Jan Vermeer (1632-1675).
Rococó
Alrededor de 1700, el pesado lenguaje barroco se convirtió en un estilo más ligero y menos serio, que finalmente tomó forma independiente en un movimiento conocido como Rococó . Exclusivamente francés, para empezar, este estilo decorativo caprichoso finalmente se extendió por toda Europa durante el siglo XVIII. Sus máximos exponentes fueron los pintores franceses Jean-Antoine Watteau (1684-1721), Jean-Honore Fragonard (1732-1806), Francois Boucher (1703-70) y el veneciano Giambattista Tiepolo (1696-1770): este último conocido por su fantásticas pinturas al fresco de paredes y techos. Rococó se asoció estrechamente con los antiguos regímenes decadente de Europa, en particular el del rey francés Luis XV y su amante Madame de Pompadour.
Neoclasicismo y Romanticismo (Florecido c.1789-1830)
La Revolución Francesa de 1789 coincidió con la aparición de dos estilos artísticos diferentes: Arte neoclásico y Romanticismo . Exponentes de pintura neoclásica buscó inspiración en la Antigüedad clásica; sus imágenes se caracterizan por heroicismo, deber oneroso y un sentido tangible de gravedad. Su principal exponente fue el artista político francés Jacques-Louis David (1748-1825). Otros artistas neoclásicos de renombre incluyeron al retratista y pintor histórico alemán Anton Raphael Mengs (1728-79), y el maestro francés del estilo de arte académico, Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Sin embargo, la mayor contribución del movimiento fue su arquitectura, que todavía es visible en todo el mundo.
En contraste con la seriedad y los valores universales promovidos por el neoclasicismo, los pintores románticos buscaron volver a la naturaleza, ejemplificados por su actitud espontánea. pintura al aire libre (por ejemplo, en el Barbizon , Pont-Aven, y Norwich escuelas de pintura), y depositaron su confianza en los sentidos y las emociones en lugar de la razón y el intelecto. Los artistas románticos tendieron a expresar una respuesta personal emocional a la vida. Los románticos celebrados incluyeron a John Constable (1776-1837) y JMW Turner (1775-1851), importantes representantes del siglo XIX. Pintura inglesa del paisaje – Caspar David Friedrich (1774-1840) y Camille Corot (1796-1875); así como los pintores y retratistas de historia Francisco Goya (1746-1828) Henry Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Theodore Gericault (1791-1824) y Eugene Delacroix (1798-63). Ver también Pintura figurativa inglesa (1700-1900).
El arte romántico posterior incluyó Levante Pintura orientalista , Paisajes fronterizos americanos de la Escuela del río Hudson , las obras místicas de la Simbolismo Movimiento y el Hermandad prerrafaelita , así como las imágenes de ensueño de fantasía de la escuela de Realismo Mágico.
Realismo
Hasta el siglo XIX, con la excepción del arte holandés del siglo XVII, la pintura se centraba principalmente en temas "importantes", tal como lo definen la tradición en las academias de bellas artes y el Salón de París. Incluso cuando los pintores recurrían a sujetos menos exaltados (por ejemplo, niños mendigos), generalmente los representaban de una manera idealizada. Pero de acuerdo con las nuevas ideas de "Libertad, Fraternidad e Igualdad", desatadas por la Revolución Francesa, los artistas comenzaron a dar la misma prioridad a los temas cotidianos, que se representaban en la vida naturalista de la vida real. Este nuevo estilo, conocido como Pintura realista Surgió principalmente en Francia y atrajo a pintores de todos los géneros, especialmente Gustave Courbet (1819-77), Jean-Francois Millet (1814-75), Honore Daumier (1808-79), Ilya Repin (1844-1930) y Thomas Eakins (1844-1916). La influencia del francés del siglo XIX. Realismo continuó en el siglo XX, tiempo durante el cual generó numerosos submovimientos como Escuela Ashcan (Nueva York), Realismo social (asistido por Federal Arts Project) Precisión (escenas industriales), realismo socialista, realismo contemporáneo y otros, y continúa hasta nuestros días.
Los realistas notables del siglo XX incluyen al pintor estadounidense Norman Rockwell (1894-1978) y al retratista inglés Lucian Freud (nacido en 1922). El último estilo contemporáneo de realismo es Fotorrealismo , también conocido como hiperrealismo y superrealismo.
Pintura impresionista
Para la segunda mitad del siglo XIX, París se había convertido en el centro indiscutible del arte mundial. Consolidó su posición al dar a luz a uno de los mayores movimientos de arte moderno de todos los tiempos: Impresionismo , cuyos principales adherentes incluyeron: Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917), Edouard Manet (1832-83), Paul Cezanne (1839-1906) y Berthe Morisot (1841-95). Otros pintores asociados con el estilo impresionista, incluidos Georges Seurat (1859-1891), Paul Gauguin (1848-1903), John Singer Sargent (1856-1925), James McNeil Whistler (1834-1903) y Walter Sickert (1860-1942). Ver también: Las mejores pinturas impresionistas .
Aunque los impresionistas se disolvieron como un ’grupo’ a principios de la década de 1880, el estilo generó una serie de estilos de pintura relacionados, referidos libremente en los títulos Neoimpresionismo y Post impresionismo . Estos incluidos Puntillismo , una rama de Divisionismo , Intimismo y el americano Luminismo estilo de paisajes y paisajes marinos, así como grupos de artistas como los ingleses Escuela Newlyn y Grupo Camden Town , los estilos decorativos de pintura francesa de Sintetismo (Gauguin) y Cloisonnismo (Bernard, Anquetin) que inspiró el Nabis y el grupo alemán Worpswede.
Fin de Siecle y pintura de principios del siglo XX
Entre 1882 y 1925, el mundo del arte fue testigo de una oleada de nuevos estilos de pintura. Los dos movimientos principales de esta explosión de arte Moderno fueron:
(1) Expresionismo – un estilo colorista (que coincide con el movimiento fauvista parisino de corta duración, dirigido por Henri Matisse) con Expresionismo alemán grupos como Der Blaue Reiter , Die Brucke y Neue Sachlichkeit , y ejemplificados en las pinturas de Wassily Kandinsky (1844-1944), Edvard Munch (1863-1944), Alexei von Jawlensky (1864-1941), Georges Rouault (1871-1958), Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Franz Marc (1880-1916) y Egon Schiele (1890-1918). Ver también: Historia de la pintura expresionista (c.1880-1930).
(2) Cubismo – un estilo más intelectual que presentaba una pintura cubista analítica y luego sintética, iniciada por Georges Braque (1882-1963) y Pablo Picasso (1881-1973). La experimentación cubista con el plano de imagen bidimensional condujo a estilos de ramificación como Futurismo , el movimiento artístico italiano fundado en 1909 por Filippo Marinetti (1876-1944); el cubismo órfico (simultanismo) de Robert Delaunay (1885-1941); Rayonnismo desarrollado por el Artistas rusos Mikhail Larionov (1881-1964) y Natalia Goncharova (1881-1962); El movimiento de arte abstracto ruso de 1913-15, conocido como Suprematismo, dirigido por Kasimir Malevich (1878-1935), y el holandés De Stijl movimiento fundado en 1917 por Theo van Doesburg (1883-1931) y Piet Mondrian (1872-1944), que más tarde se convirtió en neoplasticismo. Para más, ver: Pinturas Abstractas .
La pintura de principios del siglo XX también estuvo influenciada por los diseños decorativos de ambos Art Nouveau ( Jugendstil en Alemania) y Art Deco.
La pintura de vanguardia europea se exhibió por primera vez en América en el Show de armería (1913) en Nueva York.
Pintura posterior a la Primera Guerra Mundial: surrealismo
Después de las payasadas antiarte de Dada, el primer movimiento internacional de pintura de los años de entreguerras fue Surrealismo , cuyo estilo irreverente y populista se convirtió en una influencia importante en el Pop-Art posterior. Después de ser pioneros pintura metafísica de Giorgio de Chirico, uno de los principales precursores del arte surrealista, los artistas surrealistas más destacados incluyeron a Max Ernst (1891-1976), Man Ray (1890-1976), Jean Arp (1887-1966), Joan Miro (1893-1983), Rene Magritte (1898-1967) y Salvador Dali (1904-89).
Post-Segunda Guerra Mundial: Expresionismo abstracto (c. 1945-65)
En 1940, con Europa en el caos, el centro de arte del mundo se había trasladado a Nueva York, donde un número creciente de pintores indígenas se mezclaron con artistas emigrantes de Francia, España y Alemania, buscando el patrocinio y el apoyo de la familia Guggenheim, entre otros. La atmósfera estaba cargada de guerra, de la cual muchos artistas retrocedieron, buscando consuelo y significado en la abstracción en lugar del arte figurativo, que efectivamente había entrado en declive tras la desaparición de Pintura de escena americana y su variante del medio oeste Regionalismo .
De una combinación de influyentes europeos emigrantes, como Max Ernst (que se casó con Peggy Guggenheim), el ex pintor de la Bauhaus Josef Albers (1888-1976) y el armenio Arshile Gorky (1904-48), además de pintores estadounidenses únicos como Mark Rothko (1903-70), Jackson Pollock (1912-56) y otros – vinieron Expresionismo abstracto , con sus variantes de " pintura de acción "(Pollock y Lee Krasner), Pintura de campo de color (Rothko, Still, Newman, Frankenthaler, Kenneth Noland), Pintura de borde duro (Frank Stella) y Abstracción post-pictórica (Ellsworth Kelly).
En Europa, pintura expresionista abstracta evolucionado bajo el estandarte general de Art Informel (Alfred Otto Wolfgang Schulze: Wols), cuyos subestilos incluyen Abstracción lírica (por ejemplo, Nicolas de Stael) Taquismo (Sam Francis), Matter Painting (Antoni Tapies), y Grupo cobra (por ejemplo, Asger Jorn, Karel Appel).
Un movimiento muy influyente, el expresionismo abstracto eventualmente condujo a Minimalismo – uno de los primeros movimientos de arte contemporáneo – a través de subestilos como Arte abstracto , defendido por Bridget Riley (n. 1931).
Pop-Art (años 60)
A medida que el estilo abstracto se volvió cada vez más intelectual, otros pintores estadounidenses buscaron alternativas arraigadas, si no figuración, al menos la realidad cotidiana. A finales de la década de 1950, Jasper Johns (nacido en 1930) y Robert Rauschenberg (1925-2008) comenzaron a explorar el uso de la cultura popular como fuente de inspiración. Esto condujo rápidamente a la anti-intelectual Arte pop movimiento, ejemplificado en obras de Roy Lichtenstein (1923-97), Andy Warhol (1928-87) y David Hockney (nacido en 1937), entre muchos otros. Después de declinar a principios de la década de 1970, reapareció como Neo-Pop durante la década de 1980.
Pintura contemporánea
Figurativo
Arte contemporáneo Desde 1970 ha sido testigo de una gran pintura figurativa, que incluye obras de Francis Bacon (1909-92) y Fernando Botero (nacido en 1932). Más recientemente, tenemos el arresto neoexpresionismo de pintores chinos como Zhang Xiaogang (n. 1958) y Yue Minjun (n. 1962), paisajes de Peter Doig (n. 1959) y el artista ucraniano Dmitry Kolujny, las extraordinarias imágenes de "huevo" de Alexander Vlasenko, así como numerosas retratos de una gama de jóvenes pintores, incluidos los irlandeses David Nolan (n. 1966) y Conor Walton (n. 1970), entre muchos otros. Aún así, pintura de figura aún tiene que encontrar su lugar apropiado en el arte contemporáneo.
Resumen
Lo mismo se aplica a la pintura no representativa que sigue atrayendo a una gran cantidad de jóvenes. pintores abstractos , y generan numerosos mini-movimientos, sin producir los resultados concomitantes que uno podría esperar.
Es bastante concebible que todo esto sea más aparente que real. Por ejemplo, la falta de movimientos "internacionales" podría estar creando la ilusión de que se están haciendo pocos progresos, a pesar de los importantes desarrollos locales. Además, los artistas posmodernos todavía tienen la capacidad de producir maravillosos ejemplos de abstracción, por ejemplo, el sello artístico creado por Christopher Wool (n. 1955) en sus pinturas de esmalte en blanco y negro.
Así que, en términos generales, la toma de imágenes desde la década de 1970, a pesar de la brillantez individual, no parece haber producido una buena cantidad de obras maestras. En cambio, uno podría argumentar que los pintores posmodernos han tenido las manos ocupadas tratando de encontrar respuestas a estas tres preguntas: (1) ¿Qué tan significativa es la pintura figurativa en una época dominada por el periodismo fotográfico y la película de video? (2) ¿Qué más puede ofrecer la pintura abstracta en cuanto a originalidad estética? (3) ¿En qué medida la pintura puede competir con formas de arte más "modernas" como la instalación, para la atención de la gente común, en museos de arte u otros lugares públicos?
Tal vez las habilidades tradicionales de dibujo y pintura, que ya no reciben la atención que antes les habían otorgado las facultades y academias de arte, están en declive, aunque no, al menos en la misma medida, parece que en Rusia, Europa del Este y China, donde quizás sea moderno. La tecnología de video / fotografía tiene menos impacto. Por otro lado, la nueva tecnología de pintura, así como los gráficos de software, han abierto la pintura a una gama más amplia de profesionales, lo que solo puede ser un desarrollo positivo.
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