Arte griego: historia, características Traductor traducir

El arte egeo de la Antigüedad clásica se remonta a la cultura minoica del tercer milenio a.C., cuando los habitantes de Creta, conocidos como minoicos por el nombre de su rey Minos, empezaron a formar una floreciente cultura hacia el 2100 a.C., basada en sus exitosas actividades de comercio marítimo. Influenciados por el arte sumerio y otras corrientes del arte mesopotámico, construyeron una serie de palacios en Cnosos, Faistos y Akrotiri, y produjeron una amplia gama de pinturas al fresco, tallas en piedra, cerámica antigua y otros artefactos. En el siglo XV a.C., después de que un catastrófico terremoto destruyera la mayoría de los palacios, Creta fue invadida por belicosas tribus micénicas procedentes de la Grecia continental.

La cultura micénica se convirtió en la fuerza dominante del Mediterráneo oriental. Poco después del estallido de la guerra de Troya (c.1194-1184), la ciudad de Micenas, junto con su arquitectura y tesoros culturales, fue destruida por un nuevo grupo de saqueadores conocidos como los dorios. En ese momento, gran parte de la producción de arte antiguo se detuvo durante unos 400 años (1200-800), cuando la región se sumió en una era de reinos en guerra y caos conocida como la «Edad Oscura griega» (o Geométrica u Homérica).

Antecedentes históricos

El arte griego antiguo propiamente dicho «apareció» en el siglo VIII a.C. (700-800), cuando las cosas se habían calmado en el Egeo. (Véase también Arte etrusco). En esta época se empezaron a fabricar armas y herramientas de hierro, la gente empezó a utilizar el alfabeto, se celebraron los primeros Juegos Olímpicos (776), surgió una religión sofisticada y se desarrolló un sentimiento generalizado de identidad cultural bajo la idea «de Hellas» (Grecia). Hacia 700, los reinos empezaron a ser sustituidos por oligarquías y ciudades-estado. Sin embargo, las primeras formas artísticas griegas se limitaban en gran medida a la cerámica, ya que la región seguía sufriendo hambrunas generalizadas, emigración forzosa (muchos griegos abandonaron el continente para colonizar ciudades de Asia Menor e Italia) y malestar social. Esto limitó el desarrollo de la arquitectura y de la mayoría de las demás formas de arte. . No fue hasta alrededor del año 650, cuando se restablecieron los vínculos comerciales marítimos entre Grecia y Egipto y Anatolia, que la prosperidad griega regresó por fin e impulsó el auge de la cultura griega.

Pigmentos y pinturas
Para más información sobre los colores y pigmentos utilizados por los artistas en la antigua Grecia, véase:
La paleta clásica de colores .

Cronología del arte griego

La práctica de las bellas artes en la antigua Grecia se desarrolló en tres etapas o periodos principales:

• Periodo arcaico (c. 650-480 a.C.)
• Período clásico (c. 480-323 a.C.)
• Período helenístico (323-27 a.C.)

La época Arcaica fue un periodo de experimentación gradual. La época clásica fue testigo del florecimiento del poder y el dominio artístico de la Grecia continental. El periodo helenístico, que comenzó tras la muerte de Alejandro Magno, fue testigo de la creación «de un estilo de arte griego» en la región, a medida que se establecían cada vez más centros y colonias de cultura griega en las tierras controladas por Grecia. Este periodo también estuvo marcado por el declive y la caída de Grecia y el ascenso de Roma: de hecho, terminó con la conquista romana de toda la cuenca mediterránea.

Nota: Casi todo el arte original de la antigüedad griega, excepto la cerámica, – es decir, la escultura, los frescos y paneles, los mosaicos, las artes decorativas – se ha perdido, dejándonos casi totalmente dependientes de copias de artistas romanos y de unos pocos relatos escritos. Como resultado, nuestro conocimiento de la cronología, evolución y alcance de la cultura visual griega será inevitablemente muy incompleto y no debe tomarse demasiado en serio. De hecho, salvo contadas excepciones, sabemos muy poco sobre la identidad de los artistas griegos, lo que pintaron o modelaron y cuándo lo hicieron. Sobre artistas posteriores inspirados en la escultura y la arquitectura clásicas de la antigua Grecia, véase: El clasicismo en el arte (a partir del año 800).

El periodo Arcaico (c. 650-480 a.C.)

La cerámica de la antigua Grecia

La forma artística más desarrollada del periodo prearcaico (c. 900-650) fue sin duda la cerámica griega . Utilizando a menudo grandes vasos y otras vasijas, se decoraba inicialmente con motivos lineales ) estilo protogeométrico), y después con motivos más complejos ) estilo geométrico) de triángulos, zigzags y otras formas similares. La cerámica geométrica es una de las obras más bellas del arte griego, y los jarrones suelen estar hechos según un estricto sistema de proporciones. A partir del 700 d.C., aproximadamente, los nuevos contactos con Anatolia, la cuenca del Mar Negro y Oriente Próximo dieron lugar a una marcada influencia oriental ) Estilo oriental), dominada por los ceramistas corintios. El nuevo lenguaje ofrecía un repertorio más amplio de motivos, como los patrones curvilíneos, y una variedad de criaturas complejas, como esfinges, grifos y quimeras.

Durante la época Arcaica, la joyería se fue haciendo cada vez más figurativa a medida que se añadían animales, zoomorfos y, posteriormente, figuras humanas. Estas representaciones de figuras fueron el primer signo de la perdurable fascinación griega por el cuerpo humano como el tema más noble para el pintor o el escultor: esta fascinación revivió en la pintura de Miguel Ángel y otros artistas del Renacimiento. Otro estilo cerámico representado por Corinto es la cerámica de figuras negras: las figuras se dibujaban primero en silueta negra y luego se les dotaba de detalles tallados. Se añadían toques adicionales en púrpura o blanco. Entre los temas preferidos para las representaciones de figuras negras: las fiestas de Dioniso y las hazañas de Hércules. Con el tiempo, Atenas llegó a dominar el estilo de la cerámica de figuras negras, con su perfeccionamiento del pigmento negro más rico y un nuevo pigmento rojo anaranjado que dio lugar a la cerámica de figuras rojas ; un lenguaje que floreció entre 530 y 480. Entre los ceramistas griegos más destacados de la época arcaica se encuentran Exekias, Cleitias (autor del famoso jarrón François), Andokides, Eutimides, Ergotimus, Lydos, Nearco y Sophilos. Para más información y fechas, véase: Cronología de la cerámica .

Arquitectura griega arcaica

Fue en los siglos VI y VII cuando se utilizó la piedra para la construcción de edificios públicos griegos (revestimiento), especialmente templos. La arquitectura griega se basaba en métodos sencillos de construcción de pilares y dinteles: los arcos no se utilizaron hasta la época romana. Un edificio rectangular típico estaba rodeado por una línea de columnas en los cuatro lados (véase, por ejemplo, el Partenón) o, más raramente, sólo en la parte delantera y trasera (el templo de Atenea Niké). Los tejados estaban construidos con vigas de madera cubiertas con tejas de terracota. Los frontones (forma triangular en cada extremo del edificio) estaban decorados con esculturas en relieve o frisos, al igual que las hileras de dinteles entre el tejado y la parte superior de las columnas (capiteles).

Los arquitectos griegos fueron los primeros en basar su diseño arquitectónico en una norma de proporcionalidad. Para ello, introdujeron su « Orden clásico», un conjunto de reglas de diseño basadas en las proporciones entre partes individuales, como la relación entre la anchura y la altura de una columna. En la arquitectura griega primitiva existían tres órdenes: el dórico, el jónico y el corintio . El estilo dórico se utilizó en la Grecia continental y en los asentamientos griegos posteriores en Italia. El orden jónico se utilizó en los edificios de la costa occidental de Turquía y otras islas del Egeo. Entre los edificios más destacados de la Grecia antigua construidos o iniciados durante el periodo Arcaico se encuentran el Templo de Hera (600 d.C.), el Templo de Atenea en la Acrópolis (550 d.C.) y los Templos de Pestum (a partir del 550). Véase también: Arquitectura egipcia (desde 3000 a.C.) sobre la importancia de arquitectos egipcios como Imhotep y otros.

La arquitectura griega continuó siendo una fuerte influencia en estilos posteriores, incluido el Renacimiento, así como la arquitectura neoclásica e incluso la arquitectura americana de los siglos XIX y XX.

La historia del arte muestra que la creación de reglas estimuló invariablemente el desarrollo de otras formas de bellas artes, como la escultura y la pintura, así como la artesanía y la arquitectura. Los nuevos templos y otros edificios públicos necesitaban grandes cantidades de escultura decorativa, como estatuas, relieves y frisos, así como pintura mural y mosaicos .

Escultura griega arcaica

La escultura griega antigua de este periodo seguía estando muy influida por la escultura egipcia, así como por las técnicas sirias. Los escultores griegos crearon frisos y relieves de piedra, así como estatuas (en piedra, terracota y bronce) y obras en miniatura (en marfil y otros huesos de animales).

En el primer estilo de escultura daédica independiente (650-600), ejemplificado por las obras de Dédalo, Dipoynos y Scyllis, predominaban dos estereotipos humanos: un joven desnudo de pie ) kouros) y una joven de pie vestida ) kouros). De ellos, los desnudos masculinos se consideraban más importantes. Para empezar, tanto los kouros como los kore se moldeaban en un estilo egipcio «frontal» bastante rígido, con hombros anchos, cintura estrecha, brazos colgantes, puños cerrados, ambos pies en el suelo y una sonrisa «arcaica» fija: véase, «Dama de Auxerre» (630, Louvre) y Cleobis y Biton (610-580, Museo Arqueológico de Delfos). Con el tiempo, la elaboración de estas estatuas templadas se hizo menos rígida y más realista. Más tarde aparecieron versiones más avanzadas y arcaicas de kouros y kore: «Peplos Kore» (ca. 530, Museo de la Acrópolis, Atenas) y «El niño Kritios» (Museo de la Acrópolis, Atenas). Otras obras famosas son El Apolo de Stradforth (600-580, Museo Británico); Dipylon Kouros (c.600, Atenas, Museo Kerameikos); Kouros Anavisos (c.525, Museo Arqueológico Nacional, Atenas); y un fascinante friso del Tesoro Sifnio en Delfos (c.525).

Pintura griega antigua

Dado que la mayoría de los vasos y esculturas estaban pintados, el crecimiento de la cerámica y la escultura en el siglo VII supuso automáticamente más trabajo para los pintores griegos. Además, las paredes de muchos templos, edificios municipales y tumbas se decoraban con pinturas al fresco y sus esculturas de mármol o madera se pintaban con pintura al temple o encáustica . La encáustica tenía algo del brillo de la pintura al óleo (un medio desconocido para los griegos) y se convirtió en un método popular para pintar estatuas de piedra y relieves arquitectónicos en el siglo VI. La pintura griega antigua sobre paneles pintados es muy escasa: los únicos ejemplos que tenemos, – son paneles de Pitsa decorados con molduras con pigmentos minerales. Desgraciadamente, debido a la erosión, el vandalismo y la destrucción, pocas pinturas griegas originales han sobrevivido de este periodo. Lo único que queda son algunas losas de terracota pintadas (metopas de terracota del templo de Apolo en Termon, Etolia, hacia 630), algunos paneles de madera (cuatro paneles de Pitsa hallados en una cueva del Peloponeso septentrional) y frescos (como las escenas de batallas del siglo VII del templo de Kalapodi, cerca de Tebas, y las excavadas en tumbas subterráneas de Etruria). A excepción de unos pocos individuos, como Kimón de Cleón, los nombres de los artistas griegos arcaicos nos son generalmente desconocidos.

La forma de arte más común que arroja luz sobre la pintura griega antigua es la cerámica, que al menos nos da una idea general de la estética y la técnica arcaicas. Hay que tener en cuenta, sin embargo, que la pintura en vasos se consideraba una forma de arte inferior y rara vez se menciona en la literatura clásica.

Periodo clásico (c. 480-323 a.C.)

La victoria sobre los persas en 490 a.C. y 479 a.C. convirtió a Atenas en la más fuerte de las ciudades-estado griegas. A pesar de las amenazas externas, mantuvo su liderazgo cultural durante los siglos siguientes. En el siglo V a.C., Atenas fue testigo de un auge creativo que no sólo dominaría el futuro arte romano, sino que, al ser redescubierto por la Europa del Renacimiento 2.000 años más tarde, se convertiría en la referencia artística absoluta durante otros cuatro siglos. Todo ello a pesar de que la mayoría de las pinturas y esculturas griegas fueron destruidas.

La principal aportación del Clasicismo griego a las artes visuales fue sin duda su escultura: en particular, el «Canon de las Proporciones» con su realización del «cuerpo humano ideal» – un concepto que resonó con tanta fuerza en el arte del Alto Renacimiento mil años después.

Cerámica griega clásica

En esta época , el arte de la cerámica y, en consecuencia, la pintura de vasos estaban en declive. No sabemos por qué, pero a juzgar por la falta de innovación y el creciente sentimentalismo del diseño, el género parece haber quedado obsoleto. El último desarrollo creativo fue la técnica « Tierra Blanca», que se introdujo en torno al año 500. A diferencia de los estilos de la figura negra y la figura roja, que se basaban en placas de arcilla para crear imágenes, la técnica «Tierra Blanca» utilizaba pintura y dorado sobre un fondo de arcilla blanca y su mejor ejemplo son las jarras funerarias de finales del siglo V. Aparte de esta única innovación, la cerámica griega clásica decayó considerablemente tanto en calidad como en mérito artístico y acabó dependiendo de las escuelas helenísticas locales.

Arquitectura griega clásica

Como la mayoría de las bellas artes griegas, el diseño de edificios alcanzó su apogeo durante el periodo clásico, cuando los dos principales estilos (u «órdenes») de la arquitectura griega, el dórico y el jónico, empezaron a definir un estándar de belleza arquitectónica atemporal, armonioso y universal. El estilo dórico era más formal y austero – un estilo que prevaleció durante los siglos IV y V, mientras que el jónico era más relajado y algo decorativo – un estilo que se hizo más popular en la época helenística, más tranquila. (Nota: El orden jónico dio lugar más tarde al estilo corintio, más refinado).

La culminación de la arquitectura griega antigua fue la Acrópolis, una colina sagrada de cima plana en las afueras de Atenas. Los primeros templos construidos aquí en la época arcaica fueron destruidos por los persas en 480, pero cuando la ciudad-estado entró en su edad de oro (c. 460-430), su gobernante Pericles designó al escultor Fidias para supervisar la construcción de un nuevo complejo de templos.

La mayoría de los nuevos edificios (Partenón, Propileos) se diseñaron según las proporciones dóricas, aunque algunos contenían elementos jónicos (Templo de Atenea Niké, Erecteum). La Acrópolis se completó varias veces durante las épocas helenística y romana. El Partenón (447-432) sigue siendo el ejemplo supremo del arte religioso griego clásico. En su época habría estado adornado con numerosas pinturas murales y esculturas, pero incluso relativamente desprovisto de ornamentación es un monumento inconfundible de la cultura griega. Es el templo más grande de la colina de la Acrópolis. Fue diseñado por Ictino y Calícrates y dedicado a la diosa Atenea. Originalmente albergaba una colosal estatua multicolor llamada Atenea Theotokos ) Atenea Partenos), cuya piel fue tallada por Fidias en marfil y cuya vestimenta – de tela de oro. Como todos los templos, el Partenón estaba totalmente decorado con esculturas arquitectónicas, como relieves y frisos, así como estatuas exentas de mármol, bronce y criselefantina. En 1801, el coleccionista de arte y anticuario Lord Elgin (1766-1841) envió una gran cantidad de mármoles del Partenón (« Mármoles de Elgin») al Museo Británico de Londres.

Otros ejemplos famosos de la arquitectura griega clásica son el Templo de Zeus en Olimpia (468-456), el Templo de Hefesto (ca. 449 a.C.), el Templo de Bassae, Arcadia (ca. 430.), que albergó el primer capitel corintio, el Teatro de Delfos (ca. 400), el Templo de Tholos de Atenea Pronaea (380-360), el Mausoleo de Harnikarnas, Bodrum (353), el Monumento a Lisícrates en Atenas (335) y el Templo de Apolo en Delfos (330).

Escultura griega clásica

En la historia de la escultura no hay periodo más productivo que los 150 años comprendidos entre 480 y 330 a.C.. En cuanto al arte plástico, puede dividirse en: escultura griega clásica temprana (480-450), escultura griega clásica alta (450-400), y escultura griega clásica tardía (400-323).

A lo largo de la época se produjo una notable mejora en la capacidad técnica de los escultores griegos para representar el cuerpo humano en una pose naturalista en lugar de rígida. La anatomía se hizo más precisa y las estatuas empezaron a parecer más realistas. El bronce también se convirtió en el medio principal para las obras exentas por su capacidad para conservar la forma, lo que permitía poses aún más naturalistas. Los temas se ampliaron para abarcar todo el arsenal de dioses y diosas, así como deidades menores, una amplia gama de narraciones mitológicas y un conjunto diverso de atletas. Otros avances: la introducción del Canon de las proporciones de Platón «para crear una figura humana idealizada y la invención del contraposto . En el clasicismo tardío aparecen los primeros desnudos respetables .

Entre los escultores más famosos de la época estaban: Mirón (480-444), Policleto (450-430), Calímaco (432-408), Scopas (395-350), Lisipo (ca. 395-305), Praxíteles (375-335) y Leochar (340-320). Estos artistas trabajaron principalmente con mármol, bronce a veces con madera, hueso y marfil. La escultura de piedra se tallaba a mano a partir de una pieza de mármol o piedra caliza de gran calidad utilizando herramientas metálicas. Estas esculturas podían ser estatuas independientes, relieves o frisos, es decir, sólo parcialmente talladas a partir de un bloque de piedra. Las esculturas de bronce se consideraban las mejores, entre otras cosas porque el bronce era caro y solían fundirse con el método de la cera fundida. Aún más cara era la escultura criselefantina, destinada a grandes estatuas de culto. La talla en marfil era otro género especializado para obras pequeñas y personales, al igual que la talla en madera .

Como ya se ha mencionado, el Partenón era un ejemplo típico de cómo los griegos utilizaban la escultura para decorar y realzar sus edificios religiosos. Originalmente, las esculturas del Partenón se dividían en tres grupos. (1) En los frontones triangulares de los extremos había grandes grupos exentos con numerosas figuras de dioses y escenas mitológicas. (2) A lo largo de ambos lados había cerca de 100 relieves que representaban figuras en lucha, incluyendo dioses, humanos, centauros y otros. (3) Alrededor de todo el edificio había otro relieve de unos 150 metros de largo, que representaba la Gran Panateneia – una fiesta religiosa cuatrienal en honor de Atenea. Aunque muy dañadas, las esculturas del Partenón revelan la suprema habilidad artística de sus creadores. Sobre todo, al igual que muchas otras esculturas griegas clásicas, muestran un maravilloso sentido del movimiento, así como un marcado realismo del cuerpo humano.

Entre las más grandes esculturas de la época clásica están Leónidas, rey de Esparta (ca. 480), auriga délfico (ca. 475); «Discóbolo» (ca. 450.) de Mirón; Heracles Farnesio (s. V); Atenea Partenos (ca. 447-545) – Fidias; Doríforo (440.) de Policleto; Juventud de Anticitera (siglo IV); Afrodita de Cnido (350-40) de Praxíteles; y Apolo de Belvedere (c. 330) de Leochar.

Compárese: Arte romano primitivo (c. 510 a.C. – 27 a.C.).

Pintura griega clásica

La pintura griega clásica revela una comprensión de la perspectiva lineal y de la representación naturalista que no tuvo rival hasta el Alto Renacimiento italiano. En la época clásica, aparte de la pintura de vasos, florecieron todos los tipos de pintura. Según autores como Plinio (23-79 d.C.) o Pausanias (periodo activo 143-176 d.C.), la forma más elevada era la pintura sobre tabla, ejecutada en encáustica o temple. Los objetos incluían escenas figurativas, retratos y naturalezas muertas, y las exposiciones, por ejemplo en Atenas y Delfos, eran relativamente frecuentes. Desgraciadamente, debido a la corta vida de estos paneles y a siglos de saqueos y vandalismo, no se conserva ningún panel clásico griego de calidad, ni ninguna copia romana.

La pintura al fresco era un método común para pintar templos, edificios públicos, casas y tumbas, pero estas obras de arte de mayor tamaño solían tener menos reputación que los paneles. El ejemplo más famoso de pintura mural griega que se conserva es la famosa tumba del buzo de Pestum (c. 480), una de las muchas tumbas decoradas en las colonias griegas de Italia. Otra obra famosa fue la realizada para la Gran Tumba de Verfina (326 a.C.), cuya fachada se decoró con un gran mural que representaba la caza de un león real. El fondo se dejó blanco y el paisaje está marcado por un solo árbol y una línea de tierra. Aparte del estilo del fondo y los temas, el mural destaca por su sutil representación de la luz y la sombra, y por el uso de una técnica llamada Síntesis Óptica (yuxtaposición de líneas de diferentes colores) – un precursor bastante curioso del puntillismo de Seurat del siglo XIX .

La pintura sobre piedra, terracota y esculturas de madera era otra técnica especializada que dominaban los artistas griegos. Las esculturas de piedra solían pintarse con colores vivos; no completamente -por lo general sólo se pintaban las partes de la estatua que representaban la ropa o el pelo, mientras que la piel permanecía del color de la piedra natural-, pero a veces se pintaba toda la escultura. La pintura escultórica se consideraba un arte distintivo – un tipo temprano de técnica mixta – más que una mera mejora escultórica. Además de con colores, las estatuas podían decorarse con materiales preciosos.

Entre los artistas griegos clásicos más famosos del siglo V se encontraban: Apolodoro (famoso por su Skiagrafia – un tipo primitivo de luminosidad); su alumno, el gran Zeuxis de Heraclea (famoso por sus pinturas de caballete y engaños); y Agatharkos (el primero en utilizar la perspectiva gráfica a gran escala); Parrasio (más conocido por sus dibujos y la representación de Teseo en el Capitolio de Roma); y Timarete (una de las más grandes artistas griegas, famosa por un panel en Éfeso que representa a la diosa Diana).

Durante el periodo clásico tardío (400-323 a.C.), cuando el Imperio macedonio floreció bajo Filipo II y su hijo Alejandro Magno, Atenas siguió siendo el centro cultural dominante de la Grecia continental. Fue el apogeo de la pintura griega antigua, cuando artistas como el talentoso e influyente Apeles de Cos, pintor oficial de Filipo II de Macedonia y su hijo Alejandro Magno, incorporaron nuevas técnicas de resaltado, sombreado y colorido. Otros artistas notables del siglo IV fueron los rivales de Apeles, Antifilo (especialista en luces y sombras, pintura de género y caricatura) y Protógenes (conocido por su meticulosa atención al detalle); Eufranoro de Corinto (el único pintor clásico que destacó tanto en pintura como en escultura); Eupompo (fundador de la escuela de Sikyon); y el pintor histórico Androcides de Cízico (conocido por su pintura histórica que representa la batalla de Platea).

Helenismo (c. 323-27 a.C.)

El periodo del arte helenístico se abre con la muerte de Alejandro Magno (356-323) y el acceso del Imperio persa al mundo griego. Para entonces, el helenismo se había extendido por todo el mundo civilizado y la lista de centros de arte y cultura griegos incluía ciudades como Alejandría, Antioquía, Pérgamo, Mileto, así como ciudades y otros asentamientos en Asia Menor, Anatolia, Egipto, Italia, Creta, Chipre, Rodas y otras islas del Egeo. De este modo, la cultura griega era dominante. Pero la repentina muerte de Alejandro provocó un rápido declive del poder imperial griego, ya que su vasto imperio se dividió entre sus tres generales – Antígono I, que recibió Grecia y Macedonia; Seleuco I Nicator, que se hizo con el control de Anatolia, Mesopotamia y Persia y Ptolomeo I, que gobernó Egipto. Paradójicamente, este periodo se caracteriza por una enorme influencia cultural griega, pero un debilitamiento del poder militar griego. Hacia el 27 a.C. Grecia y su imperio serían gobernados desde la antigua Roma, pero incluso entonces los romanos seguirían respetando y emulando el arte griego durante siglos.

La arquitectura helenística

La división del Imperio griego en entidades separadas, cada una con su propio gobernante y dinastía, abrió nuevas oportunidades para el engrandecimiento propio. En Asia Menor, los atlantes construyeron una nueva capital en Pérgamo; en Persia, los seléucidas desarrollaron el diseño de los edificios barrocos; en Egipto, la dinastía ptolemaica construyó un faro y una biblioteca en Alejandría. Se recuperó la arquitectura palaciega y se construyeron numerosos complejos municipales para aumentar la influencia de los gobernantes locales.

Sin embargo, la arquitectura de templos experimentó un grave declive. A partir del año 300 a.C., el templo periférico griego (una sola hilera de columnas en todos los lados) perdió gran parte de su importancia; salvo cierta actividad en la mitad occidental de Asia Menor, la construcción de templos prácticamente cesó en el siglo III, tanto en la Grecia continental como en las colonias griegas vecinas. Incluso proyectos monumentales como el de «Artemisa» en Sardis y el templo de Apolo en Didyma, cerca de Mileto, progresaron poco. Todo esto cambió en el siglo II, cuando se produjo un cierto renacimiento en la construcción de templos, en parte debido al aumento de la prosperidad, en parte debido a las mejoras introducidas por el arquitecto Hermógenes de Prienea en el estilo arquitectónico jónico, y en parte debido a la guerra de propaganda cultural (para aumentar la influencia) que se había desatado entre los diversos reinos helenísticos y entre éstos y Roma.

En el proceso, la arquitectura de templos se reavivó y aparecieron un gran número de templos griegos, así como pequeños edificios ) pseudoperipteros) y santuarios ) nayskoi) en el sur de Asia Menor, Egipto y el norte de África. En cuanto a los estilos, el sobrio estilo dórico de la arquitectura de templos pasó completamente de moda a medida que el helenismo demandaba las formas más llamativas de los órdenes jónico y corintio. Admirados por el arquitecto romano Vitruvio (c. 78-10 a.C.), entre los ejemplos famosos de arquitectura helenística figuran el Gran Teatro de Éfeso (siglos III a I); la Stoa de Atalo (159-138); la Torre de los Vientos de Atenas.

Escultura helenística

La escultura griega helenística continuó la tendencia clásica hacia un naturalismo cada vez mayor. Tanto los animales como la gente corriente de todas las edades se convirtieron en temas aceptables para la escultura, a menudo encargados por personas o familias adineradas para decorar sus casas y jardines. Los escultores ya no se sentían obligados a representar a hombres y mujeres como ideales de belleza. De hecho, la serenidad clásica idealizada de los siglos V y IV dio paso a una mayor emotividad, un realismo intenso y una dramatización casi barroca del tema. El estilo típico de esta forma de arte plástico se describe en el artículo sobre La escuela de escultura helenística de Pérgamo (241-133 a.C.).

La difusión de la cultura griega (helenización) dio lugar a una demanda mucho mayor de estatuas y relieves de dioses, diosas y figuras heroicas griegas para sus templos y espacios públicos por parte de los centros culturales griegos de ultramar recién establecidos en Egipto, Siria y Turquía. Así surgió un gran mercado para la producción y exportación de escultura griega, lo que inevitablemente condujo a un declive de la artesanía y la creatividad. Además, en su búsqueda de un mayor expresionismo, los escultores griegos recurrieron a obras más monumentales, práctica que encontró su expresión final en el Coloso de Rodas (ca. 220 a.C.).

Entre las esculturas griegas más destacadas de la época se incluyen «El toro de Farnesio» (siglo II a.C.); «La Galia moribunda» (232) Epigono; «La Victoria alada de Samotracia» (siglo II a.C.); El altar de Pérgamo (c.180-150 a.C.); «La Victoria alada de Samotracia» (siglo II a.C.); El altar de Pérgamo (c.180-150 a.C.).); «Venus de Médicis» (150-100); «Tres Gracias» (siglo II); « Venus de Milos» (c.100.) Andros de Antioquía; « Laocoonte y sus hijos» (c. 42-20 a.C.) Hagesandra, Atenodoro y Polidoro. Para más información, véase: Estatuas y relieves helenísticos .

Comparación general: Escultura romana, Escultura romana en relieve . Un magnífico ejemplo del arte romano helenístico en el cambio de milenio puede verse en las extraordinarias esculturas en relieve de mármol del Ara Pacis Augusta (Altar de la Paz, c. 13-9 a.C.).

Sobre la influencia de la escultura griega en los estilos posteriores, véase: Escultura renacentista (c. 1400-1530), y Escultura neoclásica (1750-1850).

Pintura helenística

La creciente demanda de esculturas de estilo griego se vio reflejada en un aumento similar de la popularidad de la pintura griega helenística, que se enseñaba y difundía en varias escuelas distintas, tanto en el continente como en las islas. En cuanto a la temática, los temas clásicos como la mitología y los acontecimientos contemporáneos fueron sustituidos por pinturas de género, observaciones de animales, naturalezas muertas, paisajes y otros temas similares, en gran medida en consonancia con los estilos decorativos encontrados en Herculano y Pompeya (siglo I a.C. y posteriores), muchos de los cuales se cree que son copias de originales griegos.

Quizá la mayor contribución de los artistas helenísticos fue en el arte del retrato, especialmente los retratos de momias del oasis de Fayum , que datan del siglo I a.C.. Estos paneles del periodo copto, magníficamente conservados – con un total de unas 900 obras – son las únicas obras de arte significativas que han sobrevivido de la Antigüedad griega. Estos retratos realistas, hallados principalmente en la cuenca del Fayum (Fayyum), en Egipto, se fijaban al propio paño funerario para cubrir los rostros de los cuerpos momificados. Desde un punto de vista artístico, las imágenes pertenecen más al estilo griego de pintura de retratos que a cualquier tradición egipcia. Véase también: La herencia de los frescos y paneles griegos .

La tragedia griega

La verdadera tragedia del arte griego es que gran parte de él ha desaparecido. Sólo un número muy reducido de templos ha sobrevivido – por ejemplo, el Partenón y el templo de Hefesto. Grecia construyó cinco maravillas del mundo ) el Coloso de Rodas, el Templo de Artemisa en Éfeso, la Estatua de Zeus en Olimpia, el Mausoleo de Halicarnaso, y el Faro de Alejandría), pero de ellas sólo han sobrevivido fragmentos destruidos. Del mismo modo, la gran mayoría de la escultura fue destruida. El bronce griego y otras obras de metal griegas se fundieron en su mayor parte y se convirtieron en herramientas o armas, mientras que las estatuas de piedra fueron saqueadas o destrozadas para utilizarlas como material de construcción. También desapareció aproximadamente el 99% de todas las pinturas griegas.

Los artistas griegos mantuvieron viva la tradición

Pero aunque esta parte del patrimonio haya desaparecido, las tradiciones que la produjeron siguen vivas. He aquí por qué. Cuando Grecia dio paso a Roma, en el siglo I a.C., ya había muchos escultores y pintores griegos de talento trabajando en Italia, atraídos por lucrativos encargos. Estos artistas y sus descendientes florecieron en Roma durante cinco siglos antes de abandonar la ciudad poco antes de que los bárbaros la saquearan en el siglo V d.C. para crear nuevas formas de arte en Constantinopla, capital del cristianismo oriental. Florecieron aquí, el principal centro del arte bizantino, durante casi mil años antes de abandonar la ciudad (que pronto sería invadida por los turcos) rumbo a Venecia para iniciar el Renacimiento italiano .

Durante todo este periodo, los artistas griegos emigrados mantuvieron sus tradiciones (aunque adaptadas por el camino), que transmitieron a las épocas renacentista, barroca, neoclásica y moderna. Véase, por ejemplo, El renacimiento clásico en el arte moderno (1900-30). En el siglo XVIII, la arquitectura griega fue una importante atracción para los intrépidos viajeros del Grand Tour, que cruzaban el mar Jónico desde Nápoles. En resumen: las obras de arte griegas pueden haber desaparecido, pero el arte griego sigue vivo en las tradiciones de nuestras academias y en las obras de nuestros más grandes artistas.

Véase también: Arte de la Antigüedad Clásica (ca. 1000 AEC – 450 EC).