Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
Traductor traducirРенуар начинал не с кисти, а с росписи фарфора — и чуть не остался ремесленником, если бы машины не вытеснили ручной труд. Из мастерской Глейра, где его ругали за «слишком яркий» цвет, вышла компания бунтарей, изменивших живопись навсегда. Через боль, артрит и паралич он писал до последнего дня, 2 декабря 1919 года.
El 25 de febrero de 1841 en la ciudad de Limoges, en el sur de Francia, nació el cuarto hijo de la familia del sastre, un niño llamado Pierre Auguste. Unos años más tarde, toda la familia Renoir se mudó a París. Desde la primera infancia, Auguste se distinguió por sus excelentes habilidades de dibujo, así como por su magnífica voz.
El director del coro de la iglesia, donde cantó el joven Renoir, incluso aconsejó a sus padres que pensaran en la carrera musical de su hijo (por cierto, fue Charles Gounod, quien más tarde escribió la famosa ópera Fausto). Pero la familia del futuro artista no era rica, y su padre vio un futuro diferente para su hijo: el trabajo prestigioso y bien pagado del artista en China.
Entonces, en 1854, a la edad de trece años, Auguste ingresó a la fábrica de porcelana. Al joven le gustó esta profesión, aprendió rápidamente y comenzó a pintar tazas y platillos, y luego servicios completos. Al mismo tiempo, el joven a menudo iba al Louvre, donde pintaba, inspirado en esculturas antiguas y pinturas del artista rococó Francois Boucher, quien escribió escenas de género ligero. Con el tiempo, Renoir comenzó a copiarlos en pinturas de porcelana.
El joven hizo buen dinero para su edad. Para avanzar en su carrera, ingresó a una fábrica de porcelana, donde comenzó a pintar bajo la guía de un escultor y un colega en una fábrica de porcelana, que predijeron un futuro brillante para él en el campo del arte.
Juventud del artista
Desafortunadamente para el joven Renoir, pero afortunadamente para todos los demás, el progreso tecnológico del siglo XIX estuvo marcado por un rechazo casi completo de la producción manual. La pintura de porcelana fue suplantada por dibujos impresos. Los compradores y los propietarios de talleres se sintieron atraídos por el hecho de que los equipos de impresión garantizaban la producción de exactamente los mismos productos. Con el tiempo, la pintura a mano ha dejado de ser valorada.
El joven, desesperado al principio, trató de pintar productos con gran velocidad, lo que no le dio éxito. Como resultado, tuvo que buscar otras ganancias. Ha llegado el momento del trabajo temporal con el desarrollo constante de diversas técnicas. Renoir pintó primero los abanicos y las paredes de los cafés parisinos, y accidentalmente consiguió un trabajo como maestro de cortinas. Por cierto, dominó esta técnica a la perfección y nuevamente comenzó a ganar mucho dinero, pero el artista no quería descansar en sus laureles, ya que esta ocupación definitivamente no era el límite de sus sueños. Renoir dejó de lado todo el dinero que ganó en un nuevo sueño: pintar en una escuela especial de la Academia de las Artes.
A finales de 1862, Auguste Renoir cumplió su preciado deseo y entró en la Escuela de Bellas Artes de París. Allí terminó en el estudio del artista Charles Gleyre, adhiriéndose al estilo académico. El joven ya tenía una experiencia considerable, pero asistió concienzudamente a todas las clases y estudió dibujo académico. Sin embargo, a Glair inmediatamente no le gustó cómo Renoir trabajó con el color: incluso entonces, el artista utilizó colores brillantes y jugosos, lo que no fue bien recibido en el entorno académico. Una vez, el maestro incluso expresó su temor de que su estudiante amante de la libertad no se convirtiera en el segundo Delacroix, el principal representante del romanticismo francés, que trabajó maravillosamente en color y es un verdadero ídolo de Renoir, pero que, a los ojos de los artistas académicos, es un ex "apóstata". Auguste no fue el único artista joven en el taller de Gleur, que intentó rebelarse contra la manera académica y encontrar su propio nuevo camino. Muy pronto se hizo amigo de Claude Pug, Alfred Sisley y Frederick Bazil, quienes tenían puntos de vista muy cercanos sobre la pintura y discutieron acaloradamente las posibilidades de su renacimiento, mediante el cual entendieron la liberación de los grilletes del academismo. Poco después, Camille Pissarro se unió a ellos.
El entrenamiento no duró mucho, solo un año después Renoir se vio obligado a abandonar la escuela de pintura, porque ya no podía pagarlo. Reemplazó las clases en el taller con trabajo al aire libre, junto con sus nuevos amigos, quienes pronto también completaron inesperadamente su educación artística debido al hecho de que el taller estaba cerrado. Todos los camaradas de Renoir eran similares no solo en su deseo de cambiar el mundo del arte, sino también en que difícilmente podían encontrar medios para alimentos y materiales para el trabajo.
En 1866, Renoir escribió uno de sus primeros bodegones, "Bodegón con un gran jarrón de flores" (Vogt Museum of Art, Cambridge), escrito al estilo de bodegones holandeses y dando una impresión alegre con su brillante pero delicado y Al mismo tiempo colores ricos. En el mismo año crea la pintura "Inn of Anthony’s Inn" (1866, Museo Nacional, Estocolmo). A diferencia de los bodegones de floración, el esquema de color de este trabajo es bastante oscuro, con un color negro dominante. La expresividad visual se basa en el contraste: los trajes negros de los visitantes de la taberna enfatizan los manteles blancos como la nieve en la mesa, y también contrastan fuertemente con los puntos brillantes de los trabajadores de cuello blanco, el delantal de la mujer asistente, la luz amplia con sombrero de uno de los héroes y el perro blanco que yace bajo sus pies.
El trabajo demuestra vívidamente la habilidad y los principios de Renoir para construir una composición con la ayuda del color: un mantel blanco como la nieve está encerrado en un anillo que consiste en figuras negras, que se impiden fusionarse en la masa general al intercalar accesorios blancos. La aplicación de puntos blancos literalmente "en un patrón de tablero de ajedrez" da una armonía particular a la distribución de colores. La imagen caracteriza al artista como un maravilloso retratista y un magnífico maestro de la naturaleza muerta: todo el entorno de la mesa se realizó con gran habilidad, los restos de comida y utensilios son inusualmente realistas.
Un año después, el artista pinta un retrato de su amada novia Lisa Treo, a quien Renoir conoció por más de siete años, pero nunca se casó. Al final, Lisa rompió su relación y, solo unos meses después, se casó con un joven arquitecto.
Sin embargo, la pintura "Lisa" (1867, el Museo de Folkwang, Essen) fue aceptada para participar en el Salón de 1868, donde fue apreciada positivamente por el público, que fue un gran éxito para el artista aún desconocido. En la imagen, la niña está representada en pleno crecimiento, lleva un vestido blanco, sombreado por un ancho cinturón negro y un paraguas negro del sol. El vestido ligero de la niña parece estar inundado de sol radiante, y el resplandor de la luz juega en los hombros y la cara de la heroína, cubierto con un paraguas. Este delicado juego en blanco y negro continúa en el tronco de un abedul, que está detrás de la espalda de Lisa y en la hierba a sus pies, donde sombras oscuras bordean bruscamente las áreas iluminadas por el sol.
En 1867, Renoir creó otra pintura, para la cual Lisa Treo posó para "Diana la Cazadora" (Galería Nacional de Arte, Washington). Debido a los principios morales de la época, el artista no podía representar a una mujer moderna desnuda, por lo que puso un arco de caza en sus manos y nombró a la imagen un nombre mitológico, que le dio a su obra el derecho a la existencia oficial, evitando el escándalo. causado por la pintura de 1863 "Desayuno en la hierba"»Eduard Manet.
El artista, que estaba muy interesado en el género del retrato, a menudo escribía a sus amigos impresionistas, describiéndolos en una atmósfera familiar durante las actividades cotidianas, combinando así el retrato con la pintura del género y creando fuentes documentales que nos cuentan sobre la vida de estas personas.
La pintura "Retrato de Frederic Bazil" (1867, Museo d’Orsay, París) nos muestra a un joven Bazil ocupado, por supuesto, pintando. El artista, dirigido al espectador de perfil, se centra en su trabajo. Estilísticamente, el trabajo de sonreír sorprendentemente sin problemas, en parte debido al esquema de color casi monocromo. Se asemeja a una elaborada fotografía en blanco y negro en la que los volúmenes se modelan con claroscuro. Un año después, Renoir crea un par de "Retrato de Alfred Sisley con su esposa" (1868, Museo Wallraf-Richartz, Colonia). En el lienzo vemos cuán enfatizado está Sisley para su joven esposa. Toda su postura expresa su disposición a servir, apoyar y ayudar a una mujer, así como su amor y ternura por ella. La joven pareja de casados representada en el lienzo, como si irradiara la luz de la felicidad y el amor.
La obra de Renoir "Mujer argelina" (1870, National Art Gallery, Washington) fue un homenaje al deleite de Eugene Delacroix. En ella, el artista retrató a su Lisa en la imagen de una odalisca, una mujer oriental brillante y lujosa, recostada lánguidamente sobre almohadas, vestida con magníficos vestidos y haciéndose señas. En este lienzo, Renoir parece deleitarse con el color. La figura de una heroína reclinada ocupa casi todo el espacio del lienzo, parece que la imagen carece de aire.
Compromiso con el impresionismo
Auguste Renoir a menudo trabajó junto con otro destacado representante de los jóvenes impresionistas, Claude Monet. Los artistas pintaron de la misma naturaleza, observaron luces y sombras en la naturaleza y estudiaron las posibilidades de la paleta para transmitir estos efectos. Un ejemplo de su unión son las famosas pinturas "Ranas", pinturas pintadas no solo de una naturaleza, sino que también tienen el mismo nombre. La trama de las pinturas es simple: un café flotante con un público divertido en el fondo de barcos de madera esperando a sus pasajeros.
Renoir, optimista por naturaleza, a través de todo su trabajo llevó el amor de mostrar las vacaciones de la vida, bailar o descansar, damas y caballeros. El artista trató de no prestar atención al lado oscuro de la vida, creía sinceramente que el arte debería brindar a las personas maravillosos momentos de placer y no cumplir el papel de la edificación o la enseñanza aburrida.
El Renoir "The Frog" (1869, el Museo Nacional de Estocolmo) a primera vista parece un boceto, pero no un trabajo terminado, el recorte de la escena es como aleatorio. Hasta cierto punto, fue así, la escena se representa exactamente como la vio el artista, sin una composición reflexiva sofisticada, planes equilibrados y perspectivas de construcción.
El artista persiguió un objetivo completamente diferente: capturar y transmitir la atmósfera de diversión y despreocupación en un cálido día de verano, captar el resplandor de la luz en el agua, los reflejos solares en los vestidos de las mujeres (aunque estas mujeres se pueden llamar estiradas: la mayoría de las heroínas de la imagen son damiselas de fácil mando, un habitante de un café con una dudosa reputación). Trabajar con la naturaleza viva requirió pintar en muy poco tiempo, por lo tanto, Renoir y Monet trabajaron en una técnica de escritura especial, con trazos amplios y rápidos, que solo indicaban las figuras de las personas y delineaban los alrededores, pero no perdían el tiempo escribiendo detalles. Este nuevo estilo, por así decirlo, pintura no dicha no fue del agrado del público, y se criticó la forma artística aparentemente descuidada de los jóvenes impresionistas.
Pero fue precisamente en la transmisión de sensaciones fugaces desde el estado de naturaleza que fue la esencia del nuevo movimiento en la pintura. El impresionismo se originó al aire libre. Los cambios constantes en la iluminación fueron muy importantes para aquellos que, en el futuro, al principio serán llamados irónicamente y abusivamente impresionistas. Este deseo inusual de transmitir impresiones de una realidad esquiva y cambiante hizo una clara distinción entre su trabajo y la pintura académica "muerta".
La pintura académica clásica existía solo en el contexto de un espectro reducido de temas mitológicos, religiosos e históricos, sin reconocer las imágenes de la era moderna. Era el arte de la idealización, introduciendo un orden interno artificial y una estructura clara en todo. Los objetos y cosas en bodegones, paisajes y retratos fueron retratados como idealizados, y no como realmente son vistos por el ojo humano. El sueño de los impresionistas era devolver la pintura a la vida real. El joven Renoir, después de que Monet comenzó a escribir al aire libre, ya que solo un método de este tipo permitía la transmisión de la luz solar natural, dando a la imagen esa espontaneidad que se pierde irreversiblemente al trabajar en el taller de memoria. Fue la luz la que se convirtió en el principal "protagonista" de sus pinturas. Sin embargo, a diferencia de Monet, Auguste Renoir estaba más interesado en la figura humana colocada en este entorno mágico de luz-aire que en la naturaleza misma.
En otra obra, The New Bridge (1872, National Gallery of Art, Washington), Renoir se nos presenta como un maestro virtuoso del Vedut (paisaje urbano), listo para escribir cuidadosamente los detalles arquitectónicos y construir una perspectiva minuciosa. Ya existe un estilo de escritura más suave, y la construcción de volúmenes se crea utilizando líneas, un dibujo auxiliar. Sin embargo, el paisaje urbano con su amplio puente y un público paseante es visible como si a través de una neblina, todos los contornos de los elementos arquitectónicos y las figuras de los personajes carecen de contornos claros, todas las líneas son muy suaves. El artista capturó una ciudad bañada por el sol y el aire impregnado de luz.
El retrato de su amigo y colega Monet Reads (1872, Museo Marmotin, París) fue realizado por Renoir en colores oscuros, por lo que es casi monocromo. Sin embargo, la imagen del amigo del artista resultó ser muy animada, le mostró a Monet exactamente como él mismo lo veía todos los días: con un sombrero, un periódico nuevo y una pipa humeante en la boca.
Renoir estudia los efectos de la iluminación, reproduce las áreas resaltadas y sombreadas de la cara de Monet y los periódicos en sus manos. Diluyendo magistralmente el color oscuro general del lienzo con tonos cálidos en las manos, el liceo en el respaldo de la silla, así como el color blanco del periódico. Entonces el artista logra una composición armoniosa, construida en color. La tela del disfraz está casi mezclada con un fondo oscuro, como absorbido por el crepúsculo circundante. Fue este efecto que el pintor buscó transmitir la atmósfera de lectura tardía, con poca luz.
La imagen de 1872 "Retrato de la esposa de Claude Monet en el sofá" (colección privada, Lisboa) se volvió extraordinariamente vívida e impresionante. La joven Camilla Monet (nee Donsier) está sentada en el sofá con un hermoso vestido azul, posa desnuda para el artista, como si se permitiera dibujar favorablemente. Aquí, Renoir no trata de describir cuidadosamente los alrededores, solo transmite una sensación de calma y libertad de la joven ama de casa, que encontró tiempo para descansar por la tarde.
Como verdadera conocedora de la belleza femenina, la artista admira abiertamente la juventud y la frescura de la heroína del lienzo. Como en un boceto, Renoir solo describe los reposabrazos del sofá, uno de los cuales descansa sobre Camille, y una mesa de té con una taza en el borde. Debido a la falta de un patrón geométrico en el sofá y las líneas claras que delimitan su diseño, el sofá parece inusualmente suave. Los contornos de los objetos son borrosos, lo que le da a la atmósfera de la habitación un efecto de extraordinaria ligereza y ligereza, como si Renoir mostrara una especie de ambiente intangible de luz solar que une todos los objetos de la habitación. Y solo el cabello negro, las cejas y los ojos de Camilla se destacan contra el fondo claro general, atrayendo la atención del espectador.
A principios de los años 70, Renoir pasó mucho tiempo cerca de París, en Argenteuil, donde Monet vivió durante este período, sus amigos a menudo trabajaban juntos, uno de sus temas favoritos era navegar en barcos por el Sena. Este trabajo está dedicado a la obra "Regata cerca de Argenteuil" (1874, Galería Nacional de Arte, Washington). En la pintura, el artista volvió a utilizar el estilo de escritura del esquema con la ayuda de trazos rápidos y amplios. Solo ese estilo nos permitió capturar el paisaje, capturar el estado momentáneo de la naturaleza variable.
El cielo en la imagen está pintado inusualmente dinámico, con nubes rosadas desgarradas, como si absorbiera toda la luz solar. Parece como si se estuviera volcando hacia el Sena, reflejando el patrón de las nubes y las velas blancas de los barcos, que a su vez absorben los reflejos de la iluminación celestial y se tornan rosáceos. Renoir pinta una imagen no con líneas, sino con manchas de color.
La composición de la pintura "Camino en la hierba alta" (1874, Museos d’Orsay, París) es muy similar al paisaje "Campo de amapolas en Argenteuil" (1873, Museo d’Orsay, París) de Claude Monet. Auguste Renoir representa a personas que caminan por un sendero ahogado en la hierba de campo alto. Al igual que Monet, para crear una sensación de movimiento, el artista repite las figuras de personas en la cima de la colina y en su base.
Teatro y desnudo
Como muchos artistas, Renoir se sintió atraído por el teatro. Aquí puede encontrar una variedad de escenas para pinturas, ver a miles de personas con sus personajes y destinos, notar cosas curiosas y escenas inusuales. El pintor está interesado tanto en la audiencia, ubicada en el auditorio, como en los actores, cuya vida vibrante pasa al otro lado de la rampa.
Una de las obras de Renoir en la escena teatral: The Lodge (1874, Galería del Instituto Curto, Londres) fue presentada por el artista en la primera exposición impresionista, sensacionalista y fallida, que se organizó en el mismo año 84 en el estudio del fotógrafo Nadar. La imagen era un doble retrato de una dama y un caballero que estaban sentados en una caja, esperando el inicio de la actuación. Una mujer mira directa y tranquilamente al espectador, su compañera, por el contrario, se sienta recostada y busca a alguien a través de los binoculares entre la multitud. La dama está un poco triste, y el caballero, al parecer, se olvidó por completo de su presencia. La figura de la heroína se muestra más cerca del primer plano de la imagen, su rostro está brillantemente iluminado y, como si buscara un diálogo con el espectador, el El héroe se elimina tanto del espectador como de su compañero en el crepúsculo de la caja. El artista fue capaz de sorprender simplemente poner acentos semánticos en la composición usando el juego de luces y sombras.
A la exposición de la misma exposición impresionista asistieron dos obras más del artista: "Dancer" (1874, National Gallery of Art, Washington) y "Parisian" (1874, National Wells Museum, Cardiff).
La pintura "Bailarina" nos muestra a una joven bailarina con un vestido azul celeste. Ella se encuentra en la cuarta posición libre, recordándonos un poco del trabajo de Edgar Degas, quien creó muchas pinturas sobre el tema favorito del teatro. Sin embargo, todas las heroínas de Degas son capturadas en un baile o arco, nunca posaron para él. Degas los pintó, como los paparazzi están disparando ahora, capturados en un momento inesperado en una perspectiva aparentemente aleatoria, sin centrarse en la psicología.
Auguste Renoir trabajó de manera diferente. En su lienzo, la bailarina no está representada en danza ni en una imagen escénica, sino como en el papel de ella misma. Los ojos tristes y el atractivo de una niña juegan un papel importante en el retrato, su inquietud y ternura. La imagen se distingue por los tonos pastel y los contornos suaves, en contraste con los trabajos bien definidos de Degas, que siempre utilizó la línea como la principal herramienta expresiva.
Cuando se trata de la próxima pintura del maestro - "parisino", muchos historiadores del arte citan las líneas de Alexander Blok, que escribió más de treinta años después de la creación del lienzo:
"Y todas las tardes, a la hora señalada,
(¿O solo estoy soñando?)
El campamento de una niña, capturado por sedas,
En una ventana brumosa se mueve.
Y lentamente, pasando entre los borrachos,
Siempre sin satélites, solo,
Respirar perfumes y nieblas.
Ella se sienta junto a la ventana… "
La parte superior del cuerpo de la joven está delineada con bastante claridad, mientras que la falda ligera de su vestido parece estar cosida de tela aireada. Entonces, el artista logra el efecto favorito de la existencia de la figura en un entorno especial de luz-aire, gracias al cual la heroína parece salir de la bruma. El atractivo de la imagen se logra por el hecho de que esta esquiva Mademoiselle brumosa está completamente abierta al diálogo con el espectador.
Al año siguiente, Renoir crea su famosa pintura "Desnudo a la luz del sol" (1875, Musée d’Orsay, París). La idea innovadora de la artista era escribir desnudos en la naturaleza, mostrando cómo el resplandor del sol y los reflejos de las hojas de un árbol juegan en su delicada piel. La idea no era mala y, además, verdaderamente impresionista. Sin embargo, el resultado provocó un fuerte rechazo tanto de los críticos como del público. De acuerdo con los cánones de la pintura tradicional, un cuerpo femenino desnudo tenía que escribirse idealmente, después de haber presentado una pose espectacular "escenificada" de la modelo, y su piel debería ser perfectamente lisa y exclusivamente en tonos cálidos. Renoir, en lugar de una piel suave, mostró reflejos y reflejos, que los revisores llamaron manchas cadavéricas en el cuerpo en descomposición.
En 1876, el pintor crea otro lienzo sobre este tema. En la pintura "Desnudo" (Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin, Moscú), Renoir se mostró como un verdadero conocedor de la belleza femenina. Literalmente admira a su modelo, como si acariciara su cuerpo con un cepillo. Esta vez, él pinta su piel delgada y joven perfectamente suave y exclusivamente con tonos de rosa. Composicionalmente, la obra se asemeja a la pintura "El bañista" de Jean Auguste Dominique Ingres (1807). El artista más tarde regresará a Ingres (quien, por cierto, fue un ejemplo para Edgar Degas) durante el replanteamiento de su propio camino creativo.
El maestro participó regularmente en exposiciones posteriores de los impresionistas. En el tercero de ellos, en 1877, entre otras obras, presentó The Ball en el Moulin de la Galette y Swing.
El motivo del swing era inusual para la pintura francesa del siglo XVIII; de hecho, estuvo ausente. No se sabe qué provocó exactamente a Renoir a esta trama, pero hay evidencia de que estaba familiarizado con la pintura del mismo nombre de Fragonard, quien la escribió como una "escena galante", que tiene un significado oculto, encerrado en perspectivas atractivas que abierto al caballero sentado en el suelo bajo las faldas meciéndose en el viento, balanceándose en el viento señoritas. Los "columpios" (Museum d’Orsay, París) de Renoir, escritos en 1876, son esencialmente la misma "escena galante", tomada de la era rococó, pero escrita en una trama moderna y sin una connotación frívola.
En el lienzo vemos a un joven parado de espaldas al espectador (que es inaceptable en el arte tradicional en sí mismo), sacude ligeramente a una niña pensativa que se para en un columpio de madera. Cerca hay un hombre y una niña que miran a una dama cariñosamente y con confianza. Por cierto, las imágenes de los niños ocupan una página separada en todo el trabajo del artista, pero más sobre eso más adelante.
La pintura general "Bola en el Moulin le la Galette" (1876, Museo l’Orsay, París) fue pintada en la colina de Montmartre en París, en la que todavía había tres molinos de madera conservados. En uno de ellos se encontraba el restaurante "Moulin de la Galette", famoso por sus deliciosas chuletas (moulin - mill, galette - chuleta). El restaurante celebraba bailes regularmente, que reunían a la audiencia parisina más diversa, entre los que se encontraban jóvenes artistas.
Tales lugares eran ideales para Renoir, a quien le encanta escribir un resplandor de luz jugoso y brillante, bailando sobre los vestidos de las damas y los trajes de sus caballeros. Al artista le encantaba trasladarse a las escenas de lienzo de tales festivales de la vida y la juventud despreocupada, caracterizada por un ambiente inusualmente alegre y brillante. Sus lienzos que representan al público local son una especie de documento de la época: capturaron para siempre este rincón de París, donde se entretenía a la clase media de la época. El artista dedicó un gran lienzo a una trama tan cotidiana que era extremadamente inusual para esa época.
Durante mucho tiempo, las pinturas del artista no estuvieron a la venta, ya que el público se negó a reconocer el impresionismo como arte. Sin embargo, las exposiciones permitieron hacer contactos útiles. A través de ellos, Renoir recibió varias buenas órdenes de retratos que ayudaron al pintor a llegar a fin de mes. Agradable y rentable para el artista fue una reunión con los cónyuges de Charpentier. El hecho es que Madame Charpentier tenía su propio salón en París, en el que se reunía una audiencia interesante: escritores, artistas, poetas y artistas. Fue aquí donde Renoir conoció a la actriz Jeanne Samari, a quien le dedicó tres retratos.
Talento retratista
El "Retrato de Jeanne Samari" (1877, Museo de Bellas Artes de Pushkin, Moscú), increíblemente escrito, animado y lírico, demuestra el enfoque poco convencional del artista para construir la composición. La joven actriz se apoya en la barbilla con la mano, como si en una conversación confidencial, su mirada abierta y directa se convirtiera directamente en los ojos del observador, así como la máxima aproximación de la figura al borde, crea el efecto de un contacto cercano. de la heroína y el espectador. Gracias a esta pose, el retrato tiene un encanto inexpresable y provoca muchas emociones positivas.
Un año después, el artista crea otro lienzo con el mismo nombre (1878, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo). En él, Renoir vuelve a escribir a Jeanne de Samaria, pero ahora en pleno crecimiento. La mujer está vestida con un impresionante vestido blanco como la nieve con un tren, que se ajusta extremadamente a su delgada figura. Pero incluso aquí, en un retrato ceremonial, la heroína entabla un diálogo con el espectador: su pose se dirige nuevamente hacia adelante, se inclina ligeramente, sacrificando una postura orgullosa y hombros rectos, en aras de este contacto. Su mirada directa y abierta no deja ir al observador, pero sus labios ligeramente abiertos lo atraen.
En el mismo año, Renoir escribió "Retrato de Madame Charpentier con niños" (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). La imagen se hizo en la forma estándar de "salón", claramente para complacer a la anfitriona. Dos lindas figuras infantiles, representadas en poses directas, transmiten perfectamente el plástico único para niños, complementado con atributos angelicales: la hinchazón de los brazos y las piernas, los delicados rizos del cabello, le dan al lienzo un encanto especial. La composición general de la obra se construye nuevamente con colores: la decoración se representa en tonos rojo-marrón, y la figura de Madame Charpentier se destaca sobre su fondo. La anfitriona está vestida con un vestido negro con un recuadro blanco en contraste en el pecho, una enagua blanca se asoma por debajo del dobladillo, y a sus pies hay un enorme San Bernardo en blanco y negro. Y en este marco en blanco y negro representa a los niños con vestidos cortos de color azul pálido.
Renoir durante su vida fue considerado un destacado maestro del retrato. Se las arregló para atrapar y transmitir el estado de ánimo fugaz de los héroes del lienzo. Un ejemplo notable de su trabajo en este género es "La niña con un ventilador" (1881, Museo del Hermitage del Estado, San Petersburgo). La tierna cara pensativa de una niña con mechones oscuros que caen sobre su frente está escrita con cuidado y suavidad, y los detalles del inodoro, los ventiladores, las manos y el fondo son más suaves, con contornos borrosos. El fondo de la imagen, que se deja sin detalles, solo sirve para enmarcar la hermosa apariencia de la niña, sin distraer la atención del espectador de los brillantes ojos oscuros, la delicada piel y los labios entreabiertos. El lienzo tiene un efecto favorito de contrastes, alternando manchas en blanco y negro, que el maestro usaba con tanta frecuencia: secciones blancas del abanico - tela oscura del vestido, cuello blanco - cabello oscuro de la modelo. Este orden de ajedrez centra perfectamente la atención del espectador sobre la delicada tez del modelo.
Contrario a la opinión de sus amigos impresionistas, Renoir decidió participar en el Salón anual. Era la única forma para que él ganara fama y contactos útiles. Gracias a los esfuerzos de Madame Charpentier, el Salón de 1879 aceptó dos pinturas del artista: "Retrato de Samari" y "Retrato de Madame Charpentier con niños". Entonces Renoir finalmente se declaró. La audiencia se reunió favorablemente con el pintor, y comenzó a recibir regularmente nuevos pedidos. Desde entonces hasta 1882, el artista no participó en las exposiciones de los impresionistas. La situación financiera de Renoir mejoró tanto que en 1881 pudo hacer un largo viaje a Argelia, Venecia, Roma y Pompeya.
En el mismo período fértil, Renoir conoce a Alina Sherigo, quien encarnaba el ideal de la belleza femenina de la pintora. Alina comenzó a aparecer en muchas pinturas del pintor, comenzando con "Desayuno de los remeros" (1881, Colección Phillips, Galería Nacional, Washington). Algún tiempo después, ella incluso se convirtió en su esposa.
La composición ligera del lienzo "Rowing Breakfast" fue pintada por Renoir con luz natural. La trama de la imagen es otra fiesta de la vida tan querida por el artista, con el cortejo de caballeros, jóvenes despreocupados, sonrisas de damas y la complejidad de las relaciones. La obra participó en la séptima exposición de los impresionistas en 1882, junto con varios paisajes venecianos creados por el artista durante su viaje a Italia. Y solo un año después, en 1883, tuvo lugar la primera exposición personal de Renoir.
Propio reconocimiento de estilo y frustración
La fama del artista en la década de 1880 ya ha ido más allá de Francia. El respetado y respetable Auguste Renoir comenzó a viajar a menudo. En 1885, su primer hijo, el hijo de Pierre, nació del maestro y Alina. Pronto la familia se mudó a la tierra natal de Alina en Champaña. En 1886, Renoir crea un retrato de su esposa y su hijo pequeño.
El lienzo "Maternidad" (Museo de Bellas Artes, San Petersburgo, Florida) ya está celebrando otras alegrías. Las diversiones despreocupadas del público parisino pasaron a un segundo plano y toda la atención del artista se centró en las delicias de la vida familiar y la felicidad de la maternidad. La imagen es sentimental: una joven y gorda Alina amamantando a un bebé gordito contra un idilio rural. Las proporciones de la mujer sentada en la silla se ven un poco acortadas debido al hecho de que el artista la pintó de pie, y su punto de vista era más alto que el modelo.
Con el tiempo, Auguste Renoir, un maestro del impresionismo anteriormente reconocido, se desilusionó con la forma de escritura que desarrolló. Su insatisfacción con el trabajo llevó al maestro incluso a la destrucción de algunos lienzos creados. Si desde el comienzo de su carrera creativa el pintor buscó inspiración y respuestas a las preguntas que lo atormentaron en las pinturas de Eugene Delacroix, Jean Honore Fragonard y Francois Boucher, que contribuyeron a la formación de su personalidad creativa, ahora recurrió al trabajo de Jean Auguste Dominique Ingres, un brillante académico y neoclásico, línea maestra, escribiendo bellezas desnudas seductoras y retratos femeninos inusualmente gentiles. Además, Renoir comenzó a utilizar la experiencia de los maestros del Renacimiento, cuyas obras lo conquistaron en Italia.
A pesar del cambio de estilo, el artista se mantuvo fiel al mundo de la alegría, la belleza y la brillante felicidad. Nunca creó obras tristes, filosóficas o edificantes. Las obras combinadas "Danza en el pueblo (1882, Museo d’Orsay, París)," Danza en Bougival "(1883, Museo de Arte, Boston), así como" Danza en la ciudad "(1883, Museo d’Orsay, París) se convirtió en una continuación lógica de los temas planteados por el pintor en las obras de años anteriores. Las tres pinturas nos muestran parejas de baile que se deleitan en el movimiento, la música y como una continuación del tema de la felicidad sin nubes y la juventud del lienzo "Ball at the Moulin de la Galette".
La pintura "Dance in the Village" trae recuerdos de la pintura temprana "Retrato de Alfred Sisley con su esposa". En el nuevo trabajo podemos ver la misma ternura, cuidado y atención por cortesía del caballero que abraza a su dama. La pose de la pareja de baile cautiva con plasticidad directa y demuestra claramente la naturaleza de su relación: el hombre está tiernamente enamorado de su pareja, está listo para hacer lo mejor de todas las formas posibles, ella se baña en su amor y cuidado, como en la música, absorto en la danza y subordinando sus movimientos a la fuerza principal de la pareja.
"Dance in Bougival" demuestra la desviación del estilo impresionista de la escritura. Todavía es visible en el follaje de los árboles y en el fondo de la imagen, pero el vestido de la niña y el traje de su caballero están pintados con bastante firmeza y suavidad. El ambiente del trabajo es cercano al anterior, reina la misma inmediatez, pero con un toque de sentimientos ocultos: la niña aparta la mirada de su compañero, que intenta llamar su atención por todos los medios.
Los socios de la película "Dance in the City" están mucho más restringidos en sus movimientos y expresión de sentimientos. Disfraces exquisitos hablan de su alto estatus social. La niña se mantiene muy recta, sin apoyarse en el hombro de su compañero con una credulidad popular. Su postura es estricta y cumple con todos los estándares de etiqueta. La cara de la heroína es tranquila, no expresa la felicidad y la alegría con la que brilla la heroína de "Dance in the Village". El rostro de un joven está completamente oculto para nosotros.
La pintura "Paraguas" (1881 -, National Gallery, Londres) se convirtió en una de las obras más famosas de Renoir. Comenzó durante el apogeo de su pasión por el impresionismo y terminó cinco años después, después de que el artista se familiarizó con el trabajo de los maestros del Renacimiento y repensó su propio camino en el arte. Las figuras femeninas en el lado izquierdo del lienzo se escriben con más suavidad, mientras que en el lado derecho aparece una línea de contorno clara. La imagen densamente cargada de personajes parece carecer de construcción compositiva, pero esto es solo a primera vista. Entre las figuras de transeúntes inundadas al azar, se puede distinguir la construcción diagonal del lienzo: la primera diagonal comienza desde la cabeza de la niña en la esquina derecha del lienzo,luego es enfatizado por el bastón del paraguas inclinado y finalmente termina con las cabezas de la niña y el hombre parado detrás de ella a la izquierda. La línea del bastón del paraguas en las manos de la mujer que acompaña a las niñas indica la segunda diagonal.
"Paraguas" se convirtió en el último gran cuadro del artista, dedicado a la vida de su ciudad moderna. El arte renacentista influyó en la posterior selección de temas, que dejó su huella en la forma pictórica de Renoir. El maestro hasta el final de su vida siguió siendo un cantante y conocedor de la belleza femenina, formas deliciosas, piel delicada y ojos brillantes. El lienzo "The Big Bathers" (1887, Museo de Arte, Filadelfia) es una clara evidencia de la influencia de los grandes maestros del pasado. La presencia de un dibujo de contorno, cortinas clásicas, cuerpos desnudos delicadamente pintados de niñas con piel delicada y el diseño de sus figuras en el espacio representan una composición piramidal clara en forma de triángulo.
Es cierto que en la pintura "After Bathing" (1888, una colección privada), el cuerpo desnudo de una niña sentada, pintado con suavidad, todavía tiene un toque del antiguo estilo del artista. Las sombras en el lienzo siguen siendo impresionistas, de colores, y su fondo está hecho con trazos anchos. Y la imagen misma del cuerpo de la heroína es más suave que en el trabajo anterior.
Últimos años
El artista todavía viajó mucho. En 1894, un segundo hijo apareció en la familia Renoir, el hijo de Jean. Y en 1897 ocurrió un pequeño incidente. No presagió en sí ningún problema. El artista se cayó sin éxito de su bicicleta y se rompió el brazo derecho. Durante la recuperación, el maestro aprendió a escribir con la mano izquierda. Pero incluso después de una curación completa de la fractura, Renoir no dejó un dolor intenso constante. Entonces comenzó la artritis severa, que no dejó al artista durante los siguientes veinte años de su vida, gradualmente encadenando movimientos y expresiones faciales, torciendo los dedos y luego causando parálisis por completo. Alina hizo todo lo posible para salvar a su amado cónyuge, sin embargo, después de cada mejora a corto plazo en su condición, las recaídas ocurrían invariablemente. Los amigos a menudo visitaban al pintor,Renoir mismo no dejó de trabajar hasta el último día de su vida. En 1901, nació su tercer hijo Claude, quien se convirtió en el modelo más querido de un artista envejecido.
Las pinturas de Renoir se exhibieron en muchas exposiciones en París, Nueva York y Londres. Le trajeron la merecida fama. Y en 1900, el artista se convirtió en titular de la Legión de Honor, y diez años después, en un oficial de la orden.
En 1909, el pintor crea dos obras emparejadas más: "Dancer with Castanets" y "Dancer with Tambourine" (ambas - National Gallery, Londres), en las que se revela una clara influencia del arte renacentista. Los cuerpos de plástico, la expresión tranquilamente contemplativa, las cortinas y el fondo abstracto los acercan con estilo a los frescos de los grandes maestros del pasado. Las obras son muy decorativas, las figuras de los bailarines como si descendieran de un viejo friso.
La obra "Gabriel con la rosa" (1911, Musee d’Orsay, París) es muy diferente de los retratos "clásicos" del maestro. La paleta de lienzo se oscureció, el modelo no deslumbra con un brillo de ojos y una sonrisa radiante. Pero claramente es más evidente el estudio plástico de los volúmenes. Pero todo es temprano, es obvio que el artista anciano admira la suavidad y la ternura de la piel de su heroína (Gabrielle era pariente de su esposa y la ayudó a criar hijos).
Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, los hijos mayores de los Renoirs fueron al frente, ambos regresaron, pero heridos. Alina hizo todo lo posible para ayudar a sus hijos, pero, al no soportar las emociones, murió. Renoir continuó escribiendo en una silla de ruedas, superando el dolor severo en todo su cuerpo, hasta su muerte el 2 de diciembre de 1919.
Zhuravleva Tatyana