Arte griego: historia, características Traductor traducir
ANÁLISIS DE ESCULTURA
Vea nuestro ensayo educativo:
Cómo apreciar la escultura .
ANÁLISIS DE PINTURA
Para analizar imágenes, ver:
Evaluación de arte y también:
Cómo apreciar las pinturas .
Ver también: Arte de la antigüedad clásica (c.1000 aC – 450 CE).
Orígenes
Arte egeo de la antigüedad clásica se remonta a Cultura minoica del Tercer Milenio a. C., cuando los habitantes de Creta, conocidos como minoicos después de su Rey Minos, comenzaron a establecer una cultura próspera alrededor de 2100 a. C., basada en sus exitosas actividades de comercio marítimo. Influenciado por Arte sumerio y otros hilos de Arte mesopotámico , construyeron una serie de palacios en Knossos, Phaestus y Akrotiri, así como la creación de una amplia gama de pinturas al fresco, esculturas de piedra, cerámica antigua y otros artefactos. Durante el siglo XV a. C., después de un catastrófico terremoto, que destruyó la mayoría de sus palacios, Creta fue invadida por tribus guerreras micénicas del continente griego. Cultura micénica debidamente se convirtió en la fuerza dominante en el Mediterráneo oriental. Luego, poco después de lanzar la Guerra de Troya (c.1194–1184), la ciudad de Micenas, junto con su arquitectura y posesiones culturales, fue destruida por un nuevo conjunto de maurauders, conocidos como dorios. En este punto, la mayoría de la producción de arte antiguo se detuvo durante unos 400 años (1200-800), ya que la región descendió a una era de reinos en guerra y caos, conocida como la "Edad Oscura Griega" (o la Era Geométrica u Homérica).
Antecedentes históricos
El arte griego antiguo "surgió" durante el siglo VIII a. C. (700-800), a medida que las cosas se calmaban alrededor del Egeo. (Ver también Arte etrusco ) Por esta época, el hierro se convirtió en armas / herramientas, la gente comenzó a usar un alfabeto, tuvieron lugar los primeros Juegos Olímpicos (776), surgió una religión compleja y surgió un sentido laxo de identidad cultural en torno a la idea de "Hellas" (Grecia). Alrededor de 700, los reinos comenzaron a ser reemplazados por oligarquías y ciudades-estado. Sin embargo, las primeras formas de arte griego se limitaron en gran medida a la cerámica, ya que la región sufrió continuas perturbaciones debido a la hambruna generalizada, la emigración forzada (muchos griegos abandonaron el continente para colonizar ciudades de Asia Menor e Italia) y disturbios sociales. Esto restringió el desarrollo de la arquitectura y la mayoría de los otros tipos de arte . No fue sino hasta aproximadamente 650, cuando se restablecieron los vínculos comerciales marítimos entre Grecia y Egipto, así como con Anatolia, cuando la prosperidad griega finalmente regresó y facilitó el surgimiento de la cultura griega.
Cronología del arte griego
La practica de arte fino en la antigua Grecia evolucionó en tres etapas o períodos básicos:
La era arcaica fue un período de experimentación gradual. La era clásica fue testigo del florecimiento del poder griego continental y la dominación artística. El período helenístico , que comenzó con la muerte de Alejandro Magno, fue testigo de la creación del "arte de estilo griego" en toda la región, a medida que más y más centros / colonias de la cultura griega se establecieron en tierras controladas por los griegos. El período también vio el declive y la caída de Grecia y el surgimiento de Roma: de hecho, termina con la conquista romana completa de toda la cuenca del Mediterráneo.
NOTA: Es importante tener en cuenta desde el principio, además de la cerámica, casi todo el arte original de la antigüedad griega, es decir, escultura, pinturas murales y de paneles, mosaicos, arte decorativo, se ha perdido, dejándonos depender casi por completo de las copias de Artistas romanos y algunos relatos escritos. Como resultado, nuestro conocimiento de la cronología, la evolución y el alcance de la cultura visual griega está destinado a ser extremadamente incompleto, y no debe tomarse demasiado en serio. La verdad es que, con algunas excepciones, sabemos muy poco acerca de la identidad de los artistas griegos, lo que pintaron o esculpieron, y cuándo lo hicieron. Para artistas posteriores inspirados en la escultura clásica y la arquitectura de la antigua Grecia, ver: Clasicismo en el arte (800 en adelante).
Período Arcaico (c.650-480 AEC)
Cerámica griega arcaica
La forma de arte más desarrollada del período pre-Arcaico (c.900-650) fue sin duda Cerámica griega . A menudo involucraba jarrones grandes y otros recipientes, originalmente estaba decorada con diseños lineales ( estilo proto-geométrico ), luego patrones más elaborados ( estilo geométrico ) de triángulos, zigzags y otras formas similares. La cerámica geométrica incluye algunas de las mejores obras de arte griegas, con jarrones típicamente hechos de acuerdo con un estricto sistema de proporciones. Desde aproximadamente 700, los contactos renovados con Anatolia, la cuenca del Mar Negro y el Medio Oriente, condujeron a una notable influencia oriental ( estilo oriental ), que fue dominada por los ceramistas de Corinto. El nuevo idioma presentaba un repertorio más amplio de motivos, como diseños curvilíneos, así como una gran cantidad de criaturas compuestas como esfinges, grifos y quimeras. Durante la era arcaica, la decoración se volvió más y más figurativa, ya que se incluyeron más animales, zoomorfos y luego figuras humanas. Esta cerámica pintura de figura fue el primer signo de la fascinante fascinación griega con el cuerpo humano, como el tema más noble para un pintor o escultor: una fascinación reavivada en el Pintura del alto renacimiento de Miguel Ángel y otros. Otro estilo de cerámica introducido por Corinto fue la cerámica de figuras negras : las figuras se dibujaron primero en silueta negra, luego se marcaron con detalles incisos. Se agregaron toques adicionales en púrpura o blanco. Los temas favoritos para las imágenes de figuras negras incluyen: las juergas de Dioniso y los trabajos de Hércules. Con el tiempo, Atenas llegó a dominar la cerámica de estilo de figura negra, con su perfección de un pigmento negro más rico, y un nuevo pigmento naranja-rojo que condujo a la cerámica de figura roja , un idioma que floreció entre 530 y 480. Los famosos artistas de cerámica griegos de la era arcaica incluyeron al genio Exekias, así como a Kleitias (creador del famoso Francois Vase ), Andokides, Euthymides, Ergotimos, Lydos, Nearchos y Sophilos. Para más detalles y fechas, ver: Cronología de la cerámica .
Arquitectura griega arcaica
Fue durante los siglos VI y VII que la piedra se utilizó para los edificios públicos griegos (petrificación), especialmente los templos. Arquitectura griega se basó en técnicas simples de construcción post-dintel: los arcos no se utilizaron hasta la época romana. El típico edificio rectangular estaba rodeado por una línea de columnas en los cuatro lados (ver, por ejemplo, el Partenón) o, con menos frecuencia, solo en la parte delantera y trasera (Templo de Atenea Nike). Los techos se construyeron con vigas de madera superpuestas con tejas de terracota. Los frontones (la forma triangular en cada extremo del frontón) estaban decorados con esculturas en relieve o frisos, al igual que la hilera de dinteles entre el techo y la parte superior de las columnas. Los arquitectos griegos fueron los primeros en basar su diseño arquitectónico en el estándar de proporcionalidad. Para hacer esto, introdujeron sus " Órdenes clásicas ", un conjunto de reglas de diseño basadas en proporciones entre partes individuales, como la relación entre el ancho y la altura de una columna. Había tres órdenes de este tipo en la arquitectura griega temprana: dórica , jónica y corintia . El estilo dórico se utilizó en Grecia continental y más tarde en los asentamientos griegos en Italia. El orden jónico se utilizó en edificios a lo largo de la costa oeste de Turquía y otras islas del Egeo. Los edificios famosos de la antigua Grecia construidos o iniciados durante el período Arcaico incluyen: el Templo de Hera (600), el Templo de Atenea en la Acrópolis (550) y los Templos de Paestum (550 en adelante). Ver también: Arquitectura egipcia (c.3000 aC en adelante) y la importancia de los arquitectos egipcios como Imhotep y otros.
La arquitectura griega continuó siendo muy influyente en los estilos posteriores, incluidos el Renacimiento y Arquitectura neoclásica e incluso Arquitectura americana del siglo 19 y 20.
los historia del Arte muestra que los programas de construcción siempre estimulaban el desarrollo de otras formas de bellas artes, como escultura y pintura , tanto como arte decorativa , y la arquitectura griega arcaica no fue la excepción. Los nuevos templos y otros edificios públicos necesitaban muchas esculturas decorativas, incluidas estatuas, relieves y frisos, así como pintura mural y arte mosaico .
Escultura Griega Arcaica
Escultura griega arcaica durante este período todavía estuvo fuertemente influenciado por Escultura egipcia , así como las técnicas sirias. Los escultores griegos crearon frisos y relieves de piedra, así como estatuas (en piedra, terracota y bronce), y obras en miniatura (en marfil y hueso). El estilo temprano de independiente Escultura Daedalic (650-600), como lo demuestran los trabajos de Dédalo , Dipoinos y Skyllis, estuvo dominado por dos estereotipos humanos: el joven desnudo de pie ( kouros ) y la niña drapeada de pie ( kore ). De estos, el desnudos masculinos fueron vistos como más importantes. Para empezar, tanto el kouros como el kore fueron esculpidos en un estilo egipcio "frontal", bastante rígido, con hombros anchos, cinturas estrechas, brazos colgando, puños cerrados, ambos pies en el suelo y un "arcaico fijo" sonrisa ": véase, por ejemplo, la Dama de Auxerre (630, Louvre) y Kleobis y Biton (610-580, Museo Arqueológico de Delfos). Con el paso del tiempo, la representación de estas estatuas formuladas se volvió menos rígida y más realista. Más tarde, las versiones arcaicas más avanzadas de kouroi y korai incluyen el " Peplos Kore " (c.530, Museo de la Acrópolis, Atenas) y el " Niño Kritios " (Museo de la Acrópolis, Atenas). Otras obras famosas incluyen: el Apollo Strangford (600-580, Museo Británico); Dipylon Kouros (c.600, Atenas, Museo Kerameikos); el Anavysos Kouros (c.525, Museo Arqueológico Nacional de Atenas); y el fascinante friso de la Tesorería de Siphn , Delphi (c.525).
Pintura griega arcaica
Como la mayoría de los jarrones y esculturas fueron pintadas, el crecimiento de la cerámica y la escultura durante el siglo VII condujo automáticamente a más trabajo para los pintores griegos. Además, las paredes de muchos templos, edificios municipales y tumbas estaban decoradas con pinturas al fresco, mientras que sus esculturas de mármol o madera estaban coloreadas con pintura al temple o encáustico pintar. Encaustic tenía algo del brillo de la pintura al óleo, un medio desconocido para los griegos, y se convirtió en un método de pintura popular para estatuas de piedra y relieves arquitectónicos durante el siglo VI. Pintura griega arcaica cuenta con muy pocos paneles pintados: los únicos ejemplos que tenemos son los paneles Pitsa decorados en estuco coloreado con pigmentos minerales. Desafortunadamente, debido a la erosión, el vandalismo y la destrucción, pocas pinturas griegas originales han sobrevivido de este período. Todo lo que queda son unas pocas losas pintadas de terracota (las metopas de terracota del templo de Apolo en Thermon en Aitolia c.630), algunos paneles de madera (los cuatro paneles Pitsa encontrados en una cueva en el norte del Peloponeso) y murales (como como la escena de batalla del siglo VII tomada de un templo en Kalapodi, cerca de Tebas, y las excavadas en tumbas subterráneas en Etruria). Además de ciertos individuos, como Cimón de Cleonae, los nombres de los pintores griegos arcaicos son generalmente desconocidos para nosotros. La forma de arte más frecuente para arrojar luz sobre la pintura griega antigua es la cerámica, que al menos nos da una idea aproximada de lo arcaico. estética y tecnicas. Sin embargo, tenga en cuenta que la pintura en florero se consideraba una forma de arte baja y rara vez se menciona en la literatura clásica.
Período clásico (c.480-323 a. C.)
La victoria sobre los persas en 490 a. C. y 479 a. C. estableció a Atenas como la ciudad más fuerte de los estados griegos. A pesar de las amenazas externas, mantendría su papel cultural líder durante los próximos siglos. De hecho, durante el siglo V a. C., Atenas fue testigo de un resurgimiento creativo que no solo dominaría el futuro Arte romano , pero cuando fue redescubierto por la Europa del Renacimiento 2.000 años después, constituiría un estándar artístico absoluto durante otros cuatro siglos. Todo esto a pesar del hecho de que la mayoría de las pinturas y esculturas griegas han sido destruidas.
La principal contribución del clasicismo griego a las bellas artes fue, sin duda, su escultura: en particular, el "Canon de las proporciones" con su realización del "cuerpo humano ideal", un concepto que resonó tan fuertemente con Arte del alto renacimiento mil años después
Cerámica Griega Clásica
Durante esta era Arte de la cerámica y así la pintura en florero experimentó un declive progresivo. No sabemos exactamente por qué, pero, a juzgar por la falta de innovaciones y el creciente sentimentalismo de los diseños, el género parece haberse desgastado. El desarrollo creativo final fue la técnica White Ground , que se había introducido alrededor de 500. A diferencia de los estilos de figura negra y figura roja, que se basaban en resbalones de arcilla para crear imágenes, la técnica White Ground empleaba pintura y dorado sobre un fondo de arcilla blanca., y se ilustra mejor con el lekythoi funerario de finales del siglo V Además de esta innovación única, la cerámica griega clásica disminuyó significativamente tanto en calidad como en mérito artístico, y eventualmente se volvió dependiente de las escuelas helenísticas locales.
Arquitectura griega clásica
Como la mayoría de los griegos arte visual , el diseño del edificio alcanzó su apogeo durante el período clásico, ya que los dos estilos principales (u "órdenes") de la arquitectura griega, el dórico y el jónico, llegaron a definir un estándar intemporal, armonioso y universal de belleza arquitectónica. El estilo dórico fue el más formal y austero, un estilo que predominó durante los siglos IV y V, mientras que el jónico fue más relajado y algo decorativo, un estilo que se hizo más popular durante la era helenística más tranquila. (Nota: La Orden Jónica más tarde dio lugar al estilo corintio más ornamentado).
El punto culminante de la arquitectura griega antigua era posiblemente la Acrópolis , la colina sagrada de cima plana en las afueras de Atenas. Los primeros templos, erigidos aquí durante el período Arcaico, fueron destruidos por los persas en 480, pero cuando la ciudad-estado entró en su edad de oro (c.460-430), su gobernante Pericles designó al escultor. Fidias para supervisar la construcción de un nuevo complejo. La mayoría de los nuevos edificios (el Partenón, los Propileos) se diseñaron de acuerdo con las proporciones dóricas, aunque algunos incluían elementos jónicos (Templo de Atenea Nike, el Erecteión). La Acrópolis se añadió varias veces durante las épocas helenística y romana. los Partenón (447-432), sigue siendo el ejemplo supremo del arte religioso griego clásico. En su día, habría sido adornado con numerosas pinturas murales y esculturas, pero incluso relativamente carente de adornos, se erige como un monumento inconfundible a la cultura griega. El templo más grande en la colina de la Acrópolis, fue diseñado por Ictinus y Callicrates , y dedicado a la Diosa Atenea. Originalmente albergaba una colosal estatua multicolor titulada Atenea la Virgen ( Atenea Parthenos ), cuya piel fue esculpida por Fidias de marfil y cuyas ropas fueron creadas con tela dorada. Como todos los templos, el Partenón estaba decorado con esculturas arquitectónicas como relieves y frisos, así como estatuas independientes, en mármol, bronce y criselefantina. En 1801, el coleccionista de arte y anticuario Lord Elgin (1766-1841) envió controversialmente una gran cantidad del Partenón escultura de mármol (los " mármoles de Elgin ") a la Museo Británico en Londres.
Otros ejemplos famosos de la arquitectura griega clásica incluyen: el Templo de Zeus en Olimpia (468-456), el Templo de Hephaistos (c.449 aC), el Templo de Bassae, Arcadia (c.430), que contenía la primera capital corintia, el Teatro de Delfos (c. 400), el Templo Tholos de Atenea Pronaia (380-360), el Mausoleo de Harnicarnaso, Bodrum (353), el Monumento a los Lisicratos en Atenas (335) y el Templo de Apolo en Delfos (330).
Escultura Griega Clásica
En el historia de la escultura , ningún período fue más productivo que los 150 años entre 480 y 330 a. C. En lo que respecta al arte plástico, puede subdividirse en: Escultura Griega Clásica Temprana (480-450), Alta escultura griega clásica (450-400), y Escultura griega clásica tardía (400-323).
Durante la era en general, hubo una gran mejora en la capacidad técnica de los escultores griegos para representar el cuerpo humano en una postura naturalista en lugar de rígida. La anatomía se volvió más precisa y, como resultado, las estatuas comenzaron a parecer mucho más realistas. Además, el bronce se convirtió en el medio principal para trabajos independientes debido a su capacidad para mantener su forma, lo que permitió esculpir poses aún más naturales. Los temas se ampliaron para incluir la panoplia completa de dioses y diosas, junto con divinidades menores, una amplia gama de narraciones mitológicas y una selección diversa de atletas. Otros desarrollos específicos incluyeron: la introducción de un "Canon de proporciones" platónico, para crear una figura humana idealizada, y la invención del contrapposto . Durante la era clásica tardía, el primer respetable desnudos femeninos apareció.
Entre los escultores más conocidos de la época, se encontraban: Myron (fl.480-444), Polykleitos (fl.450-430), Callimachus (fl.432-408), Skopas (fl.395-350), Lisipo (c.395-305), Praxiteles (fl.375-335), y Leochares (fl.340-320). Estos artistas trabajaron principalmente en mármol, bronce, ocasionalmente madera, hueso y marfil. Escultura de piedra fue tallado a mano en un bloque de mármol o piedra caliza de alta calidad, utilizando herramientas de metal. Estas esculturas pueden ser estatuas independientes o relieves / frisos, es decir, solo parcialmente tallados en un bloque. Escultura de bronce se consideraba superior, sobre todo por el costo adicional del bronce, y generalmente se fundían utilizando el método de cera perdida. Aún más caro fue escultura criselefantina que estaba reservado para las principales estatuas de culto. Talla de marfil era otro género especializado, para trabajos personales a pequeña escala, como era tallado en madera .
Como se mencionó anteriormente, el Partenón fue un ejemplo típico de cómo los griegos usaban la escultura para decorar y mejorar sus edificios religiosos. Originalmente, las esculturas del Partenón se dividieron en tres grupos. (1) En los frontones triangulares en cada extremo había grupos independientes a gran escala que contenían numerosas figuras de dioses y escenas mitológicas. (2) A lo largo de ambos lados había casi 100 relieves de figuras en lucha, incluidos dioses, humanos, centauros y otros. (3) Alrededor de todo el edificio corría otro relieve, de unos 150 metros de longitud, que retrataba la Gran Panathenia, un festival religioso de 4 años en alabanza a Atenea. A pesar de estar gravemente dañadas, las esculturas del Partenón revelan la habilidad artística suprema de sus creadores. Sobre todo, ellos, como muchas otras esculturas griegas clásicas, revelan una sorprendente sensación de movimiento, así como un notable realismo del cuerpo humano.
los grandes esculturas de la era clásica incluyen: Leonidas, rey de Esparta (c.480), el auriga de Delfos (c.475); Discobolus (c.450) por Myron; El Farnese Heracles (siglo V); Atenea Parthenos (c.447-5) por Fidias; Doryphorus (440) de Polykleitos; Juventud de Anticitera (siglo IV); Afrodita de Knidos (350-40) por Praxiteles; y Apollo Belvedere (c.330) de Leochares.
Comparar: Arte romano temprano (C.510 a. C. a 27 a. C.).
Pintura griega clásica
Pintura griega clásica revela una comprensión de perspectiva lineal y representación naturalista que permanecería sin igual hasta el Alto Renacimiento italiano. Además de la pintura en florero, todos los tipos de pintura florecieron durante el período clásico. Según autores como Plinio (23-79 CE) o Pausanias (activo 143-176 CE), la forma más alta fue pintura de panel , hecho en encáustica o temple. Los temas incluyeron escenas figurativas, retratos y bodegones, y las exposiciones, por ejemplo en Atenas y Delfos, fueron relativamente comunes. Por desgracia, debido a la naturaleza perecedera de estos paneles, junto con siglos de saqueo y vandalismo, no ha sobrevivido ni una sola pintura de panel griego clásico de ninguna calidad, ni ninguna copia romana.
Pintura al fresco Era un método común de decoración mural en templos, edificios públicos, casas y tumbas, pero estas obras de arte más grandes generalmente tenían una reputación más baja que las pinturas de paneles. El ejemplo más famoso de pintura mural griega es la famosa Tumba del buzo en Paestum (c. 480), una de las muchas decoraciones de tumbas en las colonias griegas en Italia. Otra obra famosa fue creada para la Gran Tumba de Verfina (c. 326 a. C.), cuya fachada estaba decorada con una gran pintura mural de una cacería de leones reales. El fondo se dejó blanco, con el paisaje indicado por un solo árbol y la línea de tierra. Además del estilo de su fondo y temas, el mural destaca por sus sutiles representaciones de luces y sombras, así como por el uso de una técnica llamada Fusión Óptica (la yuxtaposición de líneas de diferentes colores), un precursor bastante curioso de Seurat Siglo 19 Puntillismo .
La pintura de piedra, terracota y escultura en madera fue otra técnica especializada dominada por artistas griegos. Las esculturas de piedra se pintaban típicamente en colores vivos; aunque por lo general, solo aquellas partes de la estatua que representaban la ropa o el cabello estaban coloreadas, mientras que la piel se dejaba en el color de la piedra natural, pero en ocasiones se pintaba toda la escultura. Escultura-pintura fue visto un distintivo Art º – un tipo temprano de técnica mixta, en lugar de simplemente una mejora escultórica. Además de pintar, la estatua también podría estar adornada con materiales preciosos.
Los pintores griegos clásicos más famosos del siglo V incluyeron: Apolodoro (conocido por su Skiagraphia , un tipo primitivo de claroscuro ); su alumno, el gran Zeuxis de Heraclea (conocido por sus pinturas de caballete y trompe l’oeil ); así como Agatharchos (el primero en haber utilizado la perspectiva gráfica a gran escala); Parrhasius (mejor conocido por su dibujo , y su imagen de Teseo en el Capitolio de Roma); y Timarete (una de las mejores pintoras griegas, destacada por una pintura de panel en Éfeso de la diosa Diana).
Durante el período clásico tardío (400-323 a. C.), que vio el florecimiento del Imperio de Macedonia bajo Felipe II y su hijo Alejandro Magno, Atenas continuó siendo el centro cultural dominante de la Grecia continental. Este fue el punto culminante de la pintura griega antigua, con artistas como el talentoso e influyente Apelles de Kos, pintor oficial de Felipe II de Macedonia y su hijo Alejandro Magno, que agregaron nuevas técnicas de resaltado, sombreado y coloración. Otros artistas famosos del siglo IV incluyeron a los rivales de Apelles, Antiphilus (especialista en luces y sombras, pintura de género y caricatura) y Protogenes (conocido por su acabado meticuloso); Euphranor of Corinth (el único artista clásico que se destaca tanto en pintura como en escultura); Eupompus (fundador de la escuela Sicyon); y el pintor de historia Androkydes de Cyzicus (conocido por su controversia pintura de historia representando la batalla de Platea).
El helenismo (c.323-27 a. C.)
El periodo de Arte helenístico comienza con la muerte de Alejandro Magno (356-323) y la incorporación del imperio persa al mundo griego. En este punto, el helenismo se había extendido por todo el mundo civilizado, y los centros de arte y cultura griegos incluían ciudades como Alejandría, Antioquía, Pérgamo, Mileto, así como pueblos y otros asentamientos en Asia Menor, Anatolia, Egipto, Italia, Creta, Chipre, Rodas y las otras islas del Egeo. La cultura griega era, por lo tanto, completamente dominante. Pero la repentina desaparición de Alejandro provocó un rápido declive del poder imperial griego, ya que su imperio masivo se dividió entre tres de sus generales: Antígono I, que recibió a Grecia y Macedonia; Seleuco I, quien se hizo cargo del control de Anatolia, Mesopotamia y Persia; y Ptolomeo I, que gobernó Egipto. Paradójicamente, por lo tanto, este período está marcado por la influencia cultural griega masiva, pero debilitando el poder griego. Para el año 27 a. C., Grecia y su imperio se regirían desde la antigua Roma, pero incluso entonces, los romanos continuarían venerando y emulando el arte griego durante siglos.
Arquitectura helenística
La división del Imperio griego en entidades separadas, cada una con su propia regla y dinastía, creó nuevas y enormes oportunidades para el engrandecimiento personal. En Asia Menor, los atálidos construyeron una nueva ciudad capital en Pérgamo (Pérgamo); en Persia, los seléucidas desarrollaron una forma de diseño de edificios de estilo barroco; En Egipto, la dinastía ptolemaica construyó el faro y la biblioteca en Alejandría. La arquitectura palaciega se revitalizó y se construyeron numerosas estructuras municipales para aumentar la influencia de los gobernantes locales.
La arquitectura del templo, sin embargo, experimentó una gran depresión. A partir del 300 a. C. en adelante, el templo periférico griego (una sola fila de pilares en todos los lados) perdió gran parte de su importancia: de hecho, excepto por alguna actividad en la mitad occidental de la construcción del templo de Asia Menor, se detuvo virtualmente durante el siglo III, ambos en Grecia continental y en las colonias griegas cercanas. Incluso los proyectos monumentales, como Artemision en Sardis y el templo de Apolo en Didyma cerca de Mileto, hicieron pocos progresos. Todo esto cambió durante el siglo II, cuando el edificio del templo experimentó una especie de renacimiento debido en parte a una mayor prosperidad, en parte a las mejoras realizadas por el arquitecto Hermógenes de Priene al estilo de arquitectura jónica, y en parte a la guerra de propaganda cultural que se libró (por un aumento influencia) entre los diversos reinos helenísticos, y entre ellos y Roma. En el proceso, se revivió la arquitectura del templo, y se erigieron una gran cantidad de templos griegos, así como estructuras a pequeña escala ( pseudoperipteros ) y santuarios ( naiskoi ) en el sur de Asia Menor, Egipto y el norte de África. En lo que respecta a los estilos, el estilo dórico sobrio de la arquitectura del templo cayó completamente de moda, ya que el helenismo exigía las formas más extravagantes de las órdenes jónicas y corintias. Admirado por el arquitecto romano Vitruvio (c.78-10 BCE), ejemplos famosos de arquitectura helenística incluyen: el Gran Teatro de Éfeso (siglo III-I); la Stoa de Attalus (159-138); y la casa del reloj Torre de los vientos en Atenas.
Escultura helenística
Escultura griega helenística Continuó la tendencia clásica hacia un naturalismo cada vez mayor. Los animales, al igual que la gente común de todas las edades, se convirtieron en sujetos aceptables para la escultura, que con frecuencia fue encargada por individuos o familias adineradas para decorar sus hogares y jardines. Escultores ya no se sintió obligado a retratar a hombres y mujeres como ideales de belleza. De hecho, la serenidad clásica idealizada de los siglos quinto y cuarto dio paso a un mayor emocionalismo, un realismo intenso y una dramatización de la materia casi barroca. Para un estilo típico de esta forma de arte plástico, vea Escuela de escultura helenística de Pergamene (241-133 a. C.).
Como resultado de la difusión de la cultura griega (helenización), también hubo una demanda mucho mayor por parte de los recién establecidos centros culturales griegos en el extranjero en Egipto, Siria y Turquía de estatuas y relieves de dioses, diosas y figuras heroicas griegas para sus templos y áreas públicas. Así se desarrolló un gran mercado en la producción y exportación de Escultura griega , lo que lleva a una caída en la mano de obra y la creatividad. Además, en su búsqueda de un mayor expresionismo, los escultores griegos recurrieron a obras más monumentales, una práctica que encontró su máxima expresión en el Coloso de Rodas (c. 220 a. C.).
Las esculturas griegas famosas de la época incluyen: " El toro Farnese " (siglo II); la " Galia moribunda " (232) de Epigonus; la " Victoria alada de Samotracia " (c.1st / 2nd century BCE); los Altar de Pérgamo (c.180-150); " La Venus de los Medici " (150-100); Las tres gracias (siglo II); Venus de Milo (c.100) por Andros de Antioquía; Laocoon y sus hijos (c.42-20 aC) por Hagesander, Athenodoros y Polydorus. Para más información, consulte: Estatuas helenísticas y relieves .
Para una comparación general, ver: Escultura romana . Para un género particular, ver: Escultura romana en relieve . Para un excelente ejemplo de Arte romano helenístico del cambio de milenio, por favor vea las extraordinarias esculturas en relieve de mármol del Ara Pacis Augustae (c.13-9 a. C.)
Para el efecto de la escultura griega en estilos posteriores, ver: Escultura renacentista (c.1400-1530) y también Escultura neoclásica (1750-1850).
Pintura helenística
La mayor demanda de esculturas de estilo griego se reflejó en un aumento similar en la popularidad de Pintura griega helenística , que se enseñó y propagó en varias escuelas separadas, tanto en el continente como en las islas. Con respecto al tema, los favoritos clásicos como la mitología y los eventos contemporáneos fueron reemplazados por pinturas de género, estudios de animales, bodegones, paisajes y otros temas similares, en gran medida en línea con los estilos decorativos descubiertos en Herculano y Pompeya (siglo I a. C. y más adelante), muchos de los cuales se cree que son copias de originales griegos.
Quizás la mayor contribución de los pintores helenistas fue en arte de retrato , notablemente el Retratos de momias de Fayum , que data del siglo I a. C. en adelante. Estas pinturas de paneles bellamente conservadas, del período copto, en total, unas 900 obras, son el único cuerpo de arte significativo que ha sobrevivido intacto de la antigüedad griega. Encontrados principalmente alrededor de la cuenca de Fayum (Faiyum) en Egipto, estos retratos faciales realistas se unieron a la tela funeraria en sí, para cubrir las caras de los cuerpos momificados. Artísticamente hablando, las imágenes pertenecen al estilo griego del retrato, más que a cualquier tradición egipcia. Ver también Legado griego de pintura mural y paneles .
Tragedia griega
La verdadera tragedia del arte griego es el hecho de que gran parte de él ha desaparecido. Solo un número muy pequeño de templos, como el Partenón y el Templo de Hefesto, han sobrevivido. Grecia construyó cinco maravillas del mundo (el coloso de Rodas , el templo de Artemisa en Éfeso , la estatua de Zeus en Olimpia , el mausoleo de Halicarnaso y el faro de Alejandría ), aunque solo han sobrevivido fragmentos en ruinas. Del mismo modo, la gran mayoría de todas las esculturas han sido destruidas. Bronces griegos y otras obras de Carpintería griega se derritieron en su mayoría y se convirtieron en herramientas o armas, mientras que las estatuas de piedra fueron saqueadas o descompuestas para su uso como material de construcción. Aproximadamente el 99 por ciento de todas las pinturas griegas también han desaparecido.
Artistas griegos han mantenido vivas las tradiciones
Pero a pesar de que esta parte de nuestra herencia ha desaparecido, las tradiciones que la dieron origen continúan. Este es el por qué. Cuando Roma fue reemplazada por Roma, durante el siglo I a. C., una gran cantidad de talentosos escultores y pintores griegos ya trabajaban en Italia, atraídos por la cantidad de lucrativas comisiones. Estos artistas y sus descendientes artísticos prosperaron en Roma durante cinco siglos, antes de huir de la ciudad justo antes de que los bárbaros la saquearan en el siglo V d. C., para crear nuevas formas de arte en Constantinopla, la capital del cristianismo oriental. Prosperaban aquí, en la sede de Arte bizantino , durante casi mil años antes de abandonar la ciudad (que pronto será capturada por los turcos) para Venecia, para ayudar a iniciar el Renacimiento italiano . A lo largo de todo este período, estos artistas griegos migratorios conservaron sus tradiciones (aunque adaptadas en el camino), que legaron a las épocas de las épocas renacentista, barroca, neoclásica y moderna. Ver, por ejemplo, el Renacimiento clásico en el arte moderno (c.1900-30). Durante el siglo 18, la arquitectura griega fue una atracción importante para los viajeros intrépidos en el Grand Tour , que cruzó el mar Jónico desde Nápoles. En resumen: las obras de arte griegas pueden haber desaparecido, pero el arte griego todavía está muy vivo en las tradiciones de nuestras academias y en las obras de nuestros mejores artistas.
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