Arte colonial americano: pintura del siglo XVIII, arquitectura Traductor traducir
América colonial: historia de fondo
América del Norte, con el clima templado de los Estados orientales tan similar al de Europa, a los primeros colonos les pareció un hogar virgen y sin desarrollar, o incluso más, un posible nuevo Jardín del Edén. Atrajo a refugiados e idealistas desde el comienzo de la colonización, que tenían la esperanza de fundar una nueva vida en un nuevo país.
En los Estados de Nueva Inglaterra, los fanáticos protestantes holandeses y luego ingleses intentaron establecer una comunidad bajo las leyes religiosas y el gobierno de los pastores puritanos, una teocracia. Más al sur, en Virginia y Carolina sucedió lo contrario. Aquí fueron los refugiados caballeros y realistas quienes intentaron reconstruir un estilo de vida aristocrático en fincas y plantaciones, donde imitaron el estilo de vida de los caballeros ingleses. Tanto los puritanos como los caballeros verían a sus ideales fundar bajo el impacto de la realidad, pero cada forma de idealismo produjo su propio tipos de arte , arquitectura, música y literatura. El idealismo conflictivo también inspiró y dividió la política de la nueva República, lo que eventualmente condujo a la Guerra entre los Estados (1861-5) y a una posterior nueva migración hacia el oeste. Mientras la cultura norteamericana se centrara en los Estados del Este, sus practicantes mirarían hacia Europa. Fue el oeste americano, y el contacto con la naturaleza y los habitantes de allí, particularmente los antiguos colonos españoles, lo que finalmente liberó Arte americano de provincia. Era como si una ola de energía llegara a la costa oeste, luego se rompiera y rodara para rejuvenecer el este.
Arte colonial versus arte nativo
En general, el término "arte colonial estadounidense" describe el arte y la arquitectura de los colonos de los siglos XVII y XVIII que llegaron a América desde Europa. Era tan eurocéntrico que no tenía contacto con el arte tribal tradiciones de Arte indio americano , ya sea en la costa este, las llanuras o la costa oeste. Para obtener más información sobre el arte de otras colonias británicas, consulte: Pintura colonial australiana (1780-1880).
Arte colonial americano del siglo XVII
El siglo XVII vio los primeros intentos concertados y exitosos por parte de los europeos de establecerse en los Estados Unidos, pero los problemas y las arduas dificultades de crear nuevas comunidades en un mundo nuevo no dejaron a los colonos mucho tiempo libre o energía para dedicar a las artes visuales.. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XVII, una tradición de nativos americanos pintura fue desarrollado por los artistas artesanos prácticos que se reunieron en los centros metropolitanos de Nueva York y Boston, una tradición basada en arte de retrato y composiciones figurativas. El Autorretrato del Capitán Thomas Smith (1690, Museo de Arte de Worcester, Massachusetts) y el Retrato de Margaret Gibbs de (1670, Museo de Bellas Artes de Boston) muestran la mezcla de estilos de Europa que sería fundamental para el desarrollo de Pintura americana El realismo pictórico de Arte barroco holandés está casado con convenciones europeas tradicionales como la ventana abierta en la esquina del retrato de Thomas Smith, que agrega una idea del espacio.
La mayoría de los retratistas estadounidenses del siglo XVII confiaron en grabado Originales europeos para proporcionarles el marco estructural básico para sus retratos, así como ideas de composición, poses y detalles de vestimenta. A menudo solo las cabezas fueron tomadas de la vida. Estos artistas-copiadores, principalmente anónimos, no recibieron el estímulo positivo de los puritanos estadounidenses, ya que, debido a las creencias religiosas, hubo una desaprobación general de las imágenes visuales. La revelación religiosa debía venir a través de las escrituras escritas, no a través de imágenes alegóricas. La única área de expresión visual oficialmente excluida de esta prohibición general fueron las esculturas de lápidas donde se simbolizaban imágenes de vida y muerte, fuerza y fortaleza. estatua y escultura en relieve .
Sin embargo, había otros medios para la expresión pictórica y una vigorosa tradición vernácula de arte decorativa floreció en forma de dispositivos heráldicos, letreros de posadas y tiendas, adornos de autocares y muebles. No todos los puritanos estadounidenses eran duros fanáticos religiosos vestidos de negro. Los coloridos retratos de la Sra. Elizabeth Freake y Baby Mary (c.1674, Worcester Art Museum, Massachusetts) revelan una mundanalidad informal en el retrato estadounidense. El retrato fue encargado por su esposo John Freake, un abogado, comerciante y armador de Boston, para demostrar su estatus social. Con la creciente riqueza de las colonias americanas, los artistas estadounidenses a fines del siglo XVII comenzaron a encontrar más clientes como John Freake. Para 1690 Boston era un puerto floreciente de 7, 000 habitantes y las prósperas comunidades de Nueva York y Filadelfia sumaban 4, 000. Estos centros metropolitanos de industria y comercio crearon las condiciones para un sistema más estable de mecenazgo artístico.
Pintores Indígenas e Inmigrantes
El segundo período del arte colonial estadounidense se caracteriza por dos características principales, primero el establecimiento de un grupo nativo de artistas artesanales y, en segundo lugar, la influencia de artistas visitantes de Europa comisionados por algunos estadounidenses ricos para quedarse y pintar a sus familias. Los artistas nativos americanos, aunque todavía copiaban modelos europeos, dieron a sus pinturas un fuerte individualismo indicado por líneas severas y proporciones en forma de caja dentro de la pintura. El Retrato de la devoción de Ebenezer (1770, Lyman Allyn Art Museum) de Winthrop Chandler (1747-1790), utilizó un fondo de libros para simbolizar el aprendizaje y proporcionar un fuerte elemento de diseño. Estos artistas artesanales anunciaron una variedad de servicios para la comunidad: pintura de vidrio, dorado y retratos. Ocupan un grupo intermedio entre multa y arte aplicado ese ha sido un rasgo fuerte y característico de la cultura estadounidense.
Los artistas visitantes de Europa incluyeron a la pastelista, Henrietta Johnston (Henrietta de Beaulieu Dering Johnston) (c.1674–1729), un hugonote francés que produjo una gran cantidad de delicados retratos ovalados. Pintando a la manera de Sir Godfrey Kneller, pintó numerosos retratos de familias hugonotes, incluidos los Bacots, Prioleaus y du Boses: vea sus obras en las colecciones del Museo Metropolitano de Arte, el Museo del Estado de Nueva York, el Museo de la Decoración Temprana del Sur Artes, y el Museo de Arte del Condado de Greenville.
Otros pintores inmigrantes presentaron al pintor nacido en Suecia Gustavus Hesselius (1682-1755) que se estableció en Filadelfia en 1712, y Charles Bridges (c.1672-1747) que llegaron a Virginia en 1735 y pintaron a la familia Byrd, así como a Bolling., Blair, Custis, Carter, Grymes, Ludwell, Lee, Moore, Page, Randolph y otras familias del sur, regresando a Inglaterra en 1744. En Charleston, el retratista principal fue el pintor suizo Jeremiah Theus (1716-74), cuyo Las obras incluyen el Teniente Coronel Barnard Elliott (1740, Museo de Arte Gibbes), Elizabeth Prioleau Roupell (1753, Museo Superior de Arte) y la miniatura Sra. Jacob Motte (Rebecca Brewton) (1758, Museo Metropolitano de Arte).
Otro de los pintores inmigrantes más consumados fue el artista escocés-estadounidense John Smibert (o Smybert) (1688-1751), quien en 1728 cruzó el Atlántico como profesor de arte y arquitectura adjunto al proyecto visionario del obispo Berkeley para fundar una universidad para el educación y conversión de indios en las Bermudas. El proyecto fracasó, pero Smibert se estableció en Boston en 1730 y creó un estudio lleno de pinturas europeas que se convirtió en la meca de los futuros artistas estadounidenses como Copley, Charles Peale y Trumbull. El proyecto fallido de Bermuda fue el origen de la pintura estadounidense más famosa de Smibert, The Bermuda Group (Dean Berkeley and His Entourage) (1728-39, Galería de Arte de la Universidad de Yale), que representa a Berkeley y sus asociados. Este particular pintura al óleo establecer un estilo para retratos grupales en Estados Unidos, combinando elementos de Pintura barroca en imitación directa de Sir Godfrey Kneller (1646-1723). En Estados Unidos, la imagen social de la niñera era de primordial importancia para indicar el estatus social. La mayoría de los estadounidenses adinerados de esta época querían agregar un porte aristocrático y un estilo de vida a su riqueza comercial o propietaria de tierras. En Nueva York, un grupo de artistas conocidos como los pintores ’patroon’ florecieron en este género de pintura de estado entre 1715 y 1730. Otros pintores de retratos importantes de esta época fueron Robert Feke (1706-50), Joseph Badger (1708-65), y John Wollaston (activo en América 1749-58).
Crecimiento del arte y la arquitectura coloniales
El proceso de colonización involucró varias culturas europeas distintivas. En la costa oeste de California estaba el barroco católico romano español, en Canadá y Louisana estaban los franceses de Luis XIV y XV, y en la costa este estaban los holandeses y los ingleses.
Estas últimas debían ser la influencia más fuerte y duradera. Dos corrientes distintas de colonos ingleses buscaban su propia versión de un ’Jardín del Edén’ en el Nuevo Mundo. En Nueva Inglaterra, a lo largo de la costa y hasta el valle del río Hudson, los puritanos esperaban construir un estado teocrático piadoso libre de persecución y basado en sus propios principios religiosos fundamentales. Más al sur, en Virginia, había colonos que esperaban llevar la vida de caballeros ingleses ricos en plantaciones y fincas, en una oposición casi completa a los ideales de sus vecinos puritanos. Todos miraron hacia el Viejo Mundo por su arquitectura y cultura. Los puritanos construyeron sobrias casas e iglesias angloholandesas en pequeños pueblos limpios. Los virginianos miraron hacia la corte de Carlos II y construyeron a la manera de Sir Christopher Wren (1632-1723).
Muchos de estos tipos de arquitectura colonial serían revividos por los diseñadores durante el siglo XIX y principios del siglo XX. Frank Lloyd Wright (1867-1959), por ejemplo, diseñó Bagley House (1894) en un estilo de renacimiento colonial holandés; Moore House I (1895), en un estilo Tudor Revival; y Charles Roberts House (1896), en un estilo Queen Anne.
En el sur, las grandes casas de plantaciones rebosaban de muebles, pinturas y artículos de América y Europa. arte cerámico , como la fina loza inglesa y Porcelana china . Charleston en Carolina del Sur, pronto se convirtió en la ciudad más próspera y más grande del Sur, así como en el principal puerto y centro comercial para las colonias del sur. Numerosos refugiados hugonotes protestantes franceses se establecieron en Charleston, construyendo una serie de magníficas casas a lo largo del borde del puerto. Los ricos propietarios y comerciantes de las plantaciones del Sur convocaron a tutores privados de Gran Bretaña para enseñar a sus hijos, o de lo contrario enviaron a sus hijos a escuelas en Inglaterra. Sorprendentemente, los charlestonianos formaron el grupo más grande de estadounidenses que tomaron el Grand Tour de Europa: un viaje turístico y cultural de un año a través de la Italia renacentista y la Francia borbónica.
En el norte, la ciudad de Boston también se expandió tanto en población como en riqueza. Alrededor de 1755, uno de cada tres barcos británicos se construyó en Nueva Inglaterra, y los colonos estadounidenses realizaban comercio marítimo con África, Asia, las Indias Occidentales y América del Sur, así como con Europa. Filadelfia era otro próspero centro de negocios del norte y el corazón de su industria de muebles finos. De hecho, alrededor de 1760, Filadelfia había superado a Boston para convertirse en la ciudad más rica y más grande de todas las colonias americanas.
Mientras tanto, el conflicto se acercaba. La guerra entre Inglaterra y Francia se extendió a través del Atlántico hasta las colonias. Aunque los ingleses tomaron el control de Canadá y gran parte del este de los Estados Unidos, decidieron mantener una guarnición permanente. Para pagar esto, impusieron una serie de impuestos durante el período 1764-1767, incluida la Ley del Azúcar, la Ley del Sello y las Leyes de Townshend. Esto condujo a un movimiento de boicot, seguido de una protesta política masiva, seguida de la Guerra de Independencia Revolucionaria.
La nueva república americana
La próxima generación de pintores estadounidenses coincidió con la formación de una República, que era políticamente independiente de la corona británica. Esta confianza emergente se puede ver en el trabajo de los dos artistas principales de la época, ambos nacidos en 1738, John Singleton Copley y Benjamin West . Estos dos artistas ampliaron la gama de temas en la pintura estadounidense para incluir temas históricos, mitológicos y paisajísticos, así como el retrato tradicional. Las aspiraciones y la actitud de Copley hacia el papel del pintor en las colonias se pueden ver en su propia observación: "si no fuera por preservar la semejanza de personas particulares, la pintura no se conocería en el lugar. La gente no lo considera más que cualquier otro oficio útil… como el de un carpintero, sastre o zapatero, no como una de las artes más nobles del mundo ". Ambos artistas se dieron cuenta de sus ambiciones de elevar el estatus del artista en Estados Unidos. Benjamin West se mudó a Europa en 1760, y finalmente se convirtió en presidente de la Real Academia en 1792. Copley permaneció en Estados Unidos hasta 1774, convirtiéndose en el retratista más destacado de Nueva Inglaterra.
Artistas de la republica
John Singleton Copley (1738-1815)
La carrera de pintura estadounidense de John Singleton Copley , como parte de la élite de Boston, exhibe dos de las características fundamentales de la pintura estadounidense en esta época: el virtuosismo técnico y la capacidad de localizar y particularizar los sentimientos edificantes que los pintores del siglo XVIII debían transmitir a través de sus pinturas.
En 1748, la madre de Copley se había casado con Peter Pelham (1695-1751), un grabador americano de mezzotint y nacido en Inglaterra. pinturas de retratos incluidos los de la reina Anne, George I, el conde de Derby y Lord Wilmington, y cuyo taller de Boston se convirtió rápidamente en uno de los centros para artistas de Boston. A través de esta conexión familiar, Copley se entrenó en el realismo figurativo de los colonos coloniales, pero infundió cada vez más sus retratos con sentimientos patrióticos como en su famoso Retrato de Paul Revere (1768, Museo de Bellas Artes de Boston). Paul Revere, un patriota republicano, lideró la protesta contra la Ley de Sellos de 1765. Era un platero altamente calificado y el retrato transmite la dignidad democrática informal del artesano con mangas de camisa, una tetera en la mano, una imagen que se relaciona con el ascenso. de orgullo nacional en las colonias americanas cada vez más asertivas.
Copley, sin embargo, no distinguió entre la política de sus cuidadores y pintó a muchos bostonios que se mantuvieron leales a la Corona. También fue un maestro del retrato en colores pastel, se dio cuenta de los avances realizados por el artista suizo Jean-Etienne Liotard y completó una serie de dibujos en colores pastel marcado por su interpretación precisa de la moda de la niñera, así como su representación de su personaje. Tal era la estima en la que se tenían los retratos en colores pastel de Copley, que el Museo Metropolitano de Nueva York compró su retrato de la Sra. Edward Green mucho antes de los retratos al óleo más famosos por los que es más conocido.
Al mudarse a Inglaterra en 1774, Copley agregó pintura de historia a su repertorio, que representa una serie de incidentes heroicos de la historia británica, incluyendo La muerte de Chatha en la Cámara de los Lores (1779), La muerte del mayor Pearson (en una escaramuza con los franceses en las Islas del Canal) (1782), y El asedio de Gibraltar (1791). Esta combinación de la selección de un incidente de la historia contemporánea casada con un estilo de realismo meticuloso fue novedosa. Copley siempre prefirió pintar temas históricos contemporáneos, diciendo: "Me he empleado lo más posible en eventos que han sucedido en mi propia vida". Su pintura principal de 1778, Watson and the Shark (Galería Nacional de Arte, Washington DC), exhibe muchas de estas características. Watson, un amigo de Copley, le contó sobre un encuentro juvenil con un tiburón en el puerto de La Habana. El flujo lineal de olas, barcos y el desnudo Watson se opone a la fuerte vertical del marinero que intenta atravesar al tiburón. Copley dramatiza un incidente de peligro real en la vida real que permite que el tema determine el estilo: a los personajes de la costa no se les da importancia mitológica a la manera neoclásica.
Benjamin West (1738-1820)
Desde su posición como una figura importante en la pintura británica y estadounidense, Benjamin West se convirtió en un punto focal para los artistas estadounidenses que cada vez más venían a Europa para hacer sus grandes giras europeas. West era más conscientemente heroico en su estilo, pero al igual que Copley creía firmemente en elegir el tema de los acontecimientos contemporáneos, para su pintura de historia. El tratado de composición de West de William Penn con los indios (1771, Museo Estatal de Pensilvania) muestra a los sepulcros cuáqueros haciendo un tratado solemne con los jefes nativos, invirtiendo la escena con toda la dignidad estoica de un evento de la historia política griega o romana. En 1772 West se convirtió en el pintor real de piezas de historia de George III. Los temas de West abarcaron un amplio campo, temas bíblicos, shakesperianos, históricos y clásicos, y alentó activamente a los pintores estadounidenses a ampliar su alcance.
Uno de sus alumnos fue John Trumbull (1736-1843), quien en 1786 se embarcó en una serie de pinturas que conmemorarían los acontecimientos que condujeron a la independencia de las colonias americanas. Estos incluyen La Batalla de Bunker’s Hill (1784, Galería de Arte de la Universidad de Yale) y el General George Washington antes de la Batalla de Trenton (1792, Galería de Arte de la Universidad de Yale), pinturas que desarrollan la tradición de la pintura histórica establecida por West y Copley, agregando la propia Trumbull. cualidades de movimiento fluido y contornos suavizados. Una reproducción de su pintura Declaración de Independencia (1818, Rotonda del Capitolio de los Estados Unidos, Washington DC) apareció en el reverso del billete de dos dólares de los Estados Unidos. Trumbull también pintó numerosos retratos, incluidos los del general Washington (1790) y George Clinton (1791), así como el de Alexander Hamilton (1805). Otros seguidores de West se concentraron en tipos particulares de imágenes, como bodegones y pintura de género .
Gilbert Stuart (1755-1828)
Gilbert Stuart fue otro retratista eminente de la época, responsable de los retratos de más de 1, 000 personas, incluidos los primeros seis presidentes de los Estados Unidos. Entre sus mejores obras está el retrato inacabado de George Washington, conocido como " The Athenaeum ", que todavía aparece en el billete de un dólar de los Estados Unidos; el " Retrato de Lansdowne " (1796) y The Skater (1782, Galería Nacional de Arte, Washington DC). Charles Wilson Peale (1741-1827) también es famoso por sus retratos de figuras destacadas de la Revolución Americana. Su obra más célebre es George Washington en la Batalla de Princeton (1781, Galería de Arte de la Universidad de Yale), que se vendió en enero de 2005 por $ 21.3 millones de dólares: luego un récord para un retrato estadounidense. También pintó retratos de Benjamin Franklin , John Hancock , Thomas Jefferson y Alexander Hamilton , así como más de 60 retratos de George Washington . Además, compuso pinturas de testigos oculares de maravillas científicas estadounidenses. Exhumando el Primer Mastodonte Americano (1806-8, Museo de Peale, Baltimore) se exhibió en el famoso museo de maravillas naturales de Peale en Filadelfia.
Miniaturas de retratos
Pintura en miniatura (Portrait Miniatures) en América, derivado de las obras del expatriado alemán Hans Holbein (1497-1543) y Nicholas Hilliard (1547-1616), con el debido agradecimiento a las revolucionarias innovaciones en acuarela de la miniaturista veneciana, Rosalba Carriera (1675-1757). En Boston, Copley fue la primera en dominar este género especializado ( Retrato de Jeremiah Lee , 1769); mientras que en Filadelfia, liderando miniaturistas incluidos Charles Wilson Peale y James Peale (1749-1831) (también conocido por sus bodegones). En Charleston, el hombre más destacado fue el filadelfio Henry Benbridge (1743-1812), conocido por sus trabajos completos como el Dr. Jonathan Potts (1776, Instituto de Arte de Chicago), así como sus miniaturas de acuarela sobre marfil; mientras que en Nueva York, fue el orfebre y miniaturista John Ramage (1748-1802), quien produjo imágenes a pequeña escala de numerosos políticos, incluido el primer presidente estadounidense, George Washington.
Pintura de paisaje y otros géneros
Pintura de la figura y el retrato en óleos y pasteles fue la forma de dibujo más importante del siglo XVIII practicada en las ciudades de la América colonial. Pero en el campo también se vieron otras formas, incluyendo dibujos con pluma y tinta , a menudo por artistas anónimos, pero ocasionalmente por figuras conocidas, como Johann Heinrich Otto (c.1773-1800), creador de los motivos Fraktur , que destaca por sus brillantes patrones de flores, coronas, pavos reales y loros. Pintura de paisaje , casi desconocido antes de 1800, llegó en forma de topografía pintura de acuarela . Los principales exponentes en la ciudad de Nueva York fueron el pintor nacido en Escocia Alexander Robertson (1772-1841) y su hermano Archibald Robertson (1765-1835), fundadores de la primera escuela de arte de la ciudad, la Academia de Columbia.
Arquitectura: neoclasicismo
Los republicanos en Europa miraron nostálgicamente a la República romana como un ideal igualitario; un mito en gran parte de su propia creación. Arquitectura neoclásica era el símbolo reconocible del espíritu republicano, no el dorado teatralmente y reflejado Arquitectura barroca ese Renacimiento clásico se había convertido, pero en un estilo clásico casto, puro y claramente definido, tan idealista y con tan poca relación con sus orígenes como la política que simbolizaba. La casa neopaladiana pintada de blanco o crema era el ideal americano. La derrota de los británicos también fue una derrota para la antigua ascendencia puritana, aunque no se veía como tal en ese momento, y los primeros días de la República vieron su dominación política por los terratenientes del sur en lugar de los comerciantes del norte. Thomas Jefferson (1743-1826), legislador, economista, pedagogo y tercer presidente de los Estados Unidos, fue un arquitecto profesional e influyente. Hijo de un topógrafo, construyó su mansión, Monticello, en 1769 en su propiedad heredada. También diseñó el Edificio del Capitolio del Estado de Virginia, el Capitolio de Washington, quemado en 1817, y la Universidad de Virginia, Charlottesville, el prototipo de campus estadounidense. Influenciado por Andrea Palladio (1508-80), Jefferson encontró en el clasicismo romano autoridad para las teorías sociales y arquitectónicas adecuadas para una nueva República. Además de Jefferson, colonial Arquitectos americanos quienes usaron diseños neoclásicos incluyeron diseñadores de Estilo Federal William Thornton (1759-1828) y Charles Bulfinch (1763-1844), quien diseñó la mayor parte del Capitolio de los Estados Unidos (1792-1827), así como el arquitecto del Renacimiento griego Benjamin Latrobe (1764-1820), quien también fue responsable de la Basílica de Baltimore (1806-1821). Para más detalles, ver: Arquitectura americana (1600-presente).
Fabricación de muebles y otras artesanías
Durante el siglo XVIII, la demanda de muebles finos para decorar mansiones de plantaciones y casas urbanas respetables había creado una nueva clase de artesanos y maestros artesanos expertos en tallado en madera y carpintería. Uno de los principales ebanistas nativos fue John Townsend de Newport, Rhode Island (1733–1809). Nació en Newport, Rhode Island, solo superado por Boston entre las ciudades de Nueva Inglaterra, cuya próspera industria del mueble estaba controlada por dos familias cuáqueras casadas, los Townsends y los Goddards. En todo el norte laborioso, en Newport, Boston y Filadelfia, Filadelfia, los ebanistas artesanales, muchos de los cuales eran emigrantes entrenados en Londres, crearon obras maestras en el Rococó estilo diseñado en imágenes contenidas en libros de patrones importados. Mientras tanto, en el campo, los diseños tradicionales alemanes siguieron siendo populares.
Otro popular artesanía en las zonas rurales de las colonias incluidas: bordados, cestería, carpintería metálica, joyería y (en los puertos del noreste) ballenas y talla de marfil , así como diferentes tipos de arte popular como hacer muñecas, hacer colchas y hacer mantas. Sin embargo, todas estas artesanías caen fuera de la categoría general de Art º , aunque desempeñaron un papel vital en la cultura colonial.
Colecciones
Se pueden ver ejemplos de arte colonial estadounidense en muchas de las mejores museos de arte y centros patrimoniales en todo Estados Unidos, incluidos los siguientes lugares:
Museo Americano de Arte Popular (NYC)
Instituto de Arte de Chicago Illinois
Museo de bellas artes de Boston
Museo de Arte de Denver, Colorado
Instituto de artes de Detroit Michigan
Museo de arte Gibbes
Museo de Arte del Condado de Greenville
Museo de Arte Kimbell (Fort Worth)
Museo de arte Lyman Allyn
Museo Metropolitano de Arte (NUEVA YORK)
Instituto de Artes de Minneapolis (MIA), Minnesota
Museo de Artes Decorativas del Sur Temprano
Museo de Bellas Artes, Houston Texas
Galería Nacional de Arte, Washington DC
Museo Nacional del Indio Americano, Washington DC
Museo del estado de Nueva York
Museo Peale, Baltimore
Museo Estatal de Pensilvania
Museo de arte de Filadelfia
Museo de Arte Americano del Smithsonian , Washington DC
Museo de Arte de Worcester, Massachusetts
Galería de Arte de la Universidad de Yale
Legado del arte colonial
Los artistas estadounidenses del siglo XIX se basaron en las tradiciones y estándares establecidos por Copley, West y Gilbert, no solo en retratos y obras históricas, sino también en el nuevo género popular del paisaje. Por lo tanto, a medida que el arte colonial dio paso a las tradiciones más seguras del siglo XIX, las ciudades orientales comenzaron a experimentar las vistas del desierto estadounidense a través de los ojos del pintor fronterizo de Missouri. George Caleb Bingham (1811-1879); los pintores del río Hudson Thomas Cole (1801-48) y Iglesia de Frederic Edwin (1826-1900); y el líder de la escuela Rocky Mountain, Albert Bierstadt (1830-1902). Experimentaron el Cowboy West a través de las pinturas de Frederic Remington (1861-1909) y la escultura de James Earle Fraser (1876-1953) – vea, por ejemplo, su obra maestra The End of the Trail (1915, National Cowboy & Western Heritage Museum, Oklahoma City). Mientras tanto, el género de la pintura de historia estadounidense fue mantenido por el pintor germano-estadounidense Emanuel Gottlieb Leutze (1816-68), conocido por su lienzo Washington Crossing the Delaware (1851, Metropolitan Museum of Art).
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