Arte colonial americano: pintura del siglo XVIII, arquitectura Traductor traducir

Norteamérica, con el clima templado de los estados orientales tan similar al de Europa, parecía a los primeros colonos un hogar virgen y sin desarrollar, o más aún, un nuevo Jardín del Edén en potencia. Desde el principio de la colonización, atrajo a refugiados e idealistas que esperaban establecer una nueva vida en un nuevo país.

La América colonial: antecedentes

En los estados de Nueva Inglaterra, primero los holandeses y luego los protestantes ingleses intentaron establecer una comunidad sujeta a leyes religiosas y al gobierno de pastores puritanos: una teocracia. En el sur, en Virginia y las Carolinas, ocurrió lo contrario. Aquí, los refugiados caballerescos y monárquicos intentaron restablecer un modo de vida aristocrático en haciendas y plantaciones, donde imitaban el estilo de vida de los caballeros de campo ingleses.

Tanto los puritanos como los caballeros verían sus ideales destrozados por la realidad, pero cada forma de idealismo dio lugar a sus propias formas de arte, arquitectura, música y literatura. El idealismo contradictorio también inspiró y dividió la política de la nueva República, conduciendo finalmente a la Guerra entre los Estados (1861-5) y a la subsiguiente nueva migración hacia el oeste.

Mientras la cultura norteamericana estuvo centrada en los estados del Este, sus portadores miraron hacia Europa. Fue el Oeste americano y el contacto con la naturaleza y sus habitantes, especialmente los antiguos colonos españoles, lo que finalmente liberó al arte americano del provincianismo. Fue como si una ola de energía hubiera llegado a la costa oeste, se hubiera estrellado y retrocedido para rejuvenecer el este.

Arte colonial frente a arte indígena

En general, el término «arte colonial americano» describe el arte y la arquitectura de los colonos de los siglos XVII y XVIII que llegaron a América desde Europa. Era tan eurocéntrico que no tenía contacto con las arte tribal tradiciones del arte indígena americano, ni en la costa este, ni en las llanuras, ni en la costa oeste. Para más información sobre el arte de otras colonias británicas, véase: Pintura colonial australiana (1780-1880).

El arte colonial americano del siglo XVII

El siglo XVII fue testigo de los primeros intentos concertados y exitosos de los europeos de establecerse en Estados Unidos, pero los problemas y las dificultades que entrañaba el establecimiento de nuevas comunidades en un mundo nuevo dejaron a los colonos con poco tiempo libre o energía para las bellas artes. Sin embargo, ya en la segunda mitad del siglo XVII, los artesanos prácticos que se reunían en los centros metropolitanos de Nueva York y Boston desarrollaron una tradición de pintura nativa americana, basada en el retrato y las composiciones figurativas.

El autorretrato del capitán Thomas Smith (1690, Worcester Art Museum, Massachusetts) y el retrato de Margaret Gibbs (1670, Museum of Fine Arts, Boston) demuestran la mezcla de estilos europeos que influyó en el desarrollo de la pintura estadounidense. El realismo pictórico del barroco holandés se combina con las convenciones tradicionales europeas, como la ventana abierta en la esquina del retrato de Thomas Smith, añadiendo la idea de espacio.

La mayoría de los retratistas americanos del siglo XVII se basaban en grabados de originales europeos para proporcionar el marco estructural básico de sus retratos, así como ideas de composición, pose y detalles de la indumentaria. A menudo, sólo las cabezas se tomaban del natural. Estos copistas, en su mayoría anónimos, no contaban con el apoyo de los puritanos estadounidenses porque, debido a sus creencias religiosas, en general desaprobaban las imágenes visuales. La revelación religiosa debía venir a través de las escrituras, no de imágenes alegóricas. El único ámbito de expresión visual oficialmente excluido de esta prohibición general era la talla de tumbas, donde las imágenes de la vida y la muerte, la fuerza y la fortaleza se simbolizaban en estatuas y esculturas en relieve .

Sin embargo, había otras vías de expresión pictórica, y floreció una vigorosa tradición de artes decorativas en forma de signos heráldicos, letreros de posadas y tiendas, decoraciones de carruajes y muebles. No todos los puritanos americanos eran sombríos fanáticos religiosos vestidos de negro. Los coloridos retratos de la señora Elizabeth Frake y la niña Mary (c. 1674, Worcester Art Museum, Massachusetts) indican una creciente mundanidad informal en el retrato americano.

El retrato fue encargado por su marido John Frake, abogado, comerciante y armador de Boston, para demostrar su estatus social. A medida que las colonias americanas se volvían más prósperas, los artistas americanos empezaron a encontrar más mecenas como John Frake a finales del siglo XVII.

En 1690, Boston era un puerto próspero con 7.000 habitantes, y las prósperas comunidades de Nueva York y Filadelfia contaban con 4.000 cada una. Estos centros metropolitanos de industria y comercio sentaron las bases para un sistema de patronazgo más estable.

Artistas nativos e inmigrantes

El segundo periodo del arte colonial estadounidense se caracteriza por dos rasgos principales: en primer lugar, la formación de un grupo de artistas-artesanos nativos y, en segundo lugar, la influencia de artistas visitantes de Europa a los que algunos estadounidenses ricos encargaron que vivieran y pintaran a sus familias.

Los artistas nativos americanos, aunque copiaban los ejemplos europeos, imprimían a sus cuadros un marcado individualismo, evidente en las líneas estrictas y las proporciones en forma de caja del cuadro. En el cuadro «Retrato de Ebenezer Devotion» (1770, Lyman Ellin Art Museum) de Winthrop Chandler (1747-1790), se utiliza un fondo de libros tanto para simbolizar el aprendizaje como para crear un fuerte elemento de diseño. Estos artistas artesanos anunciaban al público diversos servicios: pintura sobre vidrio, dorado y retratos. Ocupan un grupo intermedio entre las bellas artes y las artes aplicadas, que constituían un rasgo fuerte y distintivo de la cultura estadounidense.

Entre los artistas europeos visitantes se encontraba la pastelista Henrietta de Beaulieu Dering Johnston (c. 1674-1729), una hugonote francesa que produjo un gran número de retratos ovalados de tonos finos. Dibujando a la manera de sir Godfrey Kneller, pintó muchos retratos de familias hugonotes, como los Bacote, los Prioley y los du Bosse; véanse sus obras en las colecciones del Metropolitan Museum of Art, el New York State Museum, el Museum of Early Decorative Arts of the South y el Greenville County Museum of Art.

Otros artistas inmigrantes fueron el pintor de origen sueco Gustavus Hesselius (1682-1755), que se instaló en Filadelfia en 1712, y Charles Bridges (ca. 1672-1747), que llegó a Virginia en 1735 y escribió a la familia Byrd, así como a las familias Bolling, Blair, Castis, Carter, Grims, Ludwell, Lee, Moore, Page, Randolph y otras familias del sur, regresando a Inglaterra en 1744.

El principal retratista de Charleston fue el pintor de origen suizo Jeremiah Theus (1716-1774), entre cuyas obras Lt. Col. Barnard Elliot (1740, Gibbs Museum of Art), Elizabeth Priolo Rupell (1753, High Museum of Art), y una miniatura de Mrs Jacob Mott (Rebecca Brewton) (1758, Metropolitan Museum of Art).

Otro de los artistas inmigrantes más destacados fue el pintor escocés-americano John Smibert (o Smibert) (1688-1751), que cruzó el Atlántico en 1728 como profesor de arte y arquitectura adscrito al visionario proyecto del obispo Berkeley de fundar un colegio para la educación y conversión de los indios en las Bermudas.

El proyecto fracasó, pero Smibert se instaló en Boston en 1730 y estableció un estudio repleto de pinturas europeas que se convirtió en la meca de futuros artistas estadounidenses como Copley, Charles Peale y Trumbull. El fallido proyecto de las Bermudas fue la base del cuadro estadounidense más famoso de Smibert «Bermuda Group (Dean Berkeley y su séquito)» (1728-39, Yale University Art Gallery), que representa a Berkeley y sus asociados. Fue este óleo el que marcó el estilo de los retratos de grupo en América, combinando elementos de la pintura barroca en imitación directa de Sir Godfrey Kneller (1646-1723).

En América, la imagen social del retratado era primordial para significar el estatus social. La mayoría de los estadounidenses ricos de la época querían añadir una postura y un estilo de vida aristocráticos a su riqueza de comerciantes o terratenientes. En Nueva York, entre 1715 y 1730, un grupo de artistas conocidos como «mecenas floreció en este género de pintura de estatus». Otros retratistas importantes de esta época fueron Robert Feke (1706-1750), Joseph Badger (1708-1765) y John Wollaston (activo en América 1749-58).

Desarrollo del arte y la arquitectura coloniales

Varias culturas europeas distintas participaron en el proceso de colonización. En la extrema costa oeste de California hubo barroco católico romano español, en Canadá y Luisana hubo Luis XIV y XV francés, y en la costa este hubo barroco holandés e inglés.

Este último iba a tener la influencia más fuerte y duradera. Dos corrientes diferentes de colonos ingleses intentaron crear en el Nuevo Mundo su propia versión «del Jardín del Edén». En Nueva Inglaterra, en la costa y en el valle del río Hudson, los puritanos esperaban construir un Estado teocrático piadoso, libre de persecuciones y basado en sus propios principios religiosos fundamentales.

Más al sur, en Virginia, los colonos esperaban llevar la vida de ricos caballeros ingleses en plantaciones y fincas, lo que era casi totalmente contrario a los ideales de sus vecinos puritanos. Todos ellos buscaban en el Viejo Mundo su arquitectura y su cultura. Los puritanos construyeron sobrias casas e iglesias angloholandesas en pequeñas y ordenadas ciudades. Los virginianos se orientaron hacia la corte de Carlos II y construyeron a la manera de Sir Christopher Wren (1632-1723).

Muchos de estos tipos de arquitectura colonial fueron recuperados por diseñadores del siglo XIX y principios del XX. Frank Lloyd Wright (1867-1959), por ejemplo, diseñó la Casa Bagley (1894) en estilo Dutch Colonial Revival; la Casa Moore I (1895) en estilo Tudor Revival; y la Casa Charles Roberts (1896) en estilo Queen Anne.

En el Sur, las grandes casas de las plantaciones estaban repletas de muebles americanos y europeos, cuadros y objetos de arte cerámico, como fina loza inglesa y porcelana china . Charleston, en Carolina del Sur, pronto se convirtió en la ciudad más próspera y grande del Sur, así como en el puerto y centro comercial más importante de las colonias meridionales.

Numerosos refugiados hugonotes franceses se asentaron en Charleston, construyendo magníficas casas adosadas a lo largo de la orilla del puerto. Los ricos propietarios de plantaciones y los comerciantes del Sur recurrían a tutores privados británicos para educar a sus hijos o los enviaban a escuelas inglesas. Sorprendentemente, los residentes de Charleston constituyeron el grupo más numeroso de estadounidenses que realizaron el Grand Tour de Europa, un viaje turístico y cultural de un año de duración por la Italia renacentista y la Francia borbónica.

Al norte, la ciudad de Boston también crecía en población y riqueza. Hacia 1755, uno de cada tres barcos británicos se construía en Nueva Inglaterra, y los colonos estadounidenses realizaban intercambios marítimos con África, Asia, las Indias Occidentales y Sudamérica, además de con Europa. Filadelfia era otro próspero centro comercial del norte y el corazón de su industria de muebles finos. De hecho, hacia 1760 Filadelfia había superado a Boston y se había convertido en la más rica y grande de todas las ciudades coloniales americanas.

Mientras tanto, el conflicto se acercaba. La guerra entre Inglaterra y Francia se extendía a las colonias a través del Atlántico. Aunque los británicos se habían hecho con el control de Canadá y gran parte del este de Estados Unidos, decidieron mantener allí una guarnición permanente. Para pagarla, impusieron una serie de impuestos entre 1764 y 1767, entre ellos la «Ley del Azúcar», la «Ley del Timbre» y la «Ley Townshend». Esto condujo a un movimiento de boicot, luego a protestas políticas masivas, seguidas de la Guerra Revolucionaria de Independencia.

La nueva república estadounidense

La aparición de la siguiente generación de artistas estadounidenses coincidió con la formación de una república políticamente independiente de la corona británica. Esta incipiente confianza es evidente en la obra de los dos principales artistas de la época, nacidos en 1738 - John Singleton Copley y Benjamin West . Estos dos artistas ampliaron el abanico de temas de la pintura americana para incluir temas históricos, mitológicos y paisajísticos, además del retrato tradicional.

Las aspiraciones de Copley y su actitud hacia el papel del artista en las colonias pueden verse en su propia observación: «Si no fuera por la conservación del retrato de determinadas personas, la pintura no se conocería en este lugar. La gente no la considera más que cualquier otro oficio útil…. como carpintero, sastre o zapatero, más que como una de las artes más nobles del mundo».

Ambos artistas hicieron realidad su ambición de elevar el estatus del artista en América. Benjamin West se trasladó a Europa en 1760 y llegó a ser presidente de la Royal Academy en 1792. Copley permaneció en América hasta 1774, convirtiéndose en uno de los principales retratistas de Nueva Inglaterra.

John Singleton Copley (1738-1815)

La carrera del pintor estadounidense John Singleton Copley, que pertenecía a la élite de Boston, demuestra dos características fundamentales de la pintura estadounidense de esta época: el virtuosismo técnico y la capacidad de localizar y concretar los sentimientos edificantes que se esperaba que los artistas del siglo XVIII transmitieran a través de sus cuadros.

En 1748, la madre de Copley se casó con el calígrafo y grabador de mezzotinta Peter Pelham (1695-1751), entre cuyos retratos se incluyen los de la reina Ana, Jorge I, el conde de Derby y lord Wilmington, y cuyo estudio de Boston se convirtió rápidamente en un centro para los artistas de Boston.

Por vínculos familiares, Copley se formó en el realismo figurativo de los limners coloniales, pero cada vez impregnó más sus retratos de sentimiento patriótico, como en su famoso Retrato de Paul Revere (1768, Museo de Bellas Artes de Boston). Paul Revere, patriota republicano, encabezó la protesta contra la Ley del Timbre de 1765. Era un platero muy hábil, y el retrato transmite la dignidad democrática informal de un artesano en camisa con mangas, tetera en mano, una imagen asociada al crecimiento del orgullo nacional en las colonias americanas, cada vez más asertivas.

Copley, sin embargo, no hacía distinciones entre la política de sus modelos y retrató a muchos bostonianos que seguían siendo leales a la corona. También era un maestro del retrato al pastel, ya que conocía los logros del artista suizo Jean-Étienne Lyotard, y realizó una serie de dibujos al pastel que destacan por la precisión de la representación de la moda y el carácter del modelo. Los retratos al pastel de Copley gozaban de tal estima que el Metropolitan Museum of Art de Nueva York adquirió su retrato de la señora Edward Green mucho antes que los más famosos retratos al óleo por los que fue ampliamente aclamado.

Al trasladarse a Inglaterra en 1774, Copley amplió su repertorio de pintura histórica, representando una serie de incidentes heroicos de la historia británica, entre ellos La muerte de Chata en la Cámara de los Lores (1779), La muerte del comandante Pearson (en una escaramuza con los franceses en las Islas del Canal) (1782), y El sitio de Gibraltar (1791). Esta combinación de selección de casos de la historia contemporánea con un estilo de realismo meticuloso era nueva. Copley siempre había preferido pintar temas históricos contemporáneos, afirmando: «He utilizado acontecimientos ocurridos durante el periodo de mi propia vida siempre que ha sido posible». Su gran cuadro de 1778 «Watson y el tiburón» (National Gallery of Art, Washington) muestra muchos de estos rasgos.

Watson, amigo de Copley, le contó un encuentro juvenil con un tiburón en el puerto de La Habana. El flujo lineal de las olas, los barcos y la desnudez de Watson contrasta con la fuerte verticalidad del marinero que intenta atravesar al tiburón con una lanza. Copley dramatiza un caso real de peligro natural, dejando que el tema defina el estilo: los personajes del paseo marítimo no están dotados de significado mitológico a la manera neoclásica.

Benjamin West (1738-1820)

Convertido en una figura importante de la pintura británica y estadounidense, Benjamin West se convirtió en el centro de atención de los artistas norteamericanos que viajaban cada vez más a Europa con motivo de sus grandes giras europeas. West era más deliberadamente heroico en su estilo, pero, al igual que Copley, creía firmemente que para su pintura de historia debía seleccionar temas de acontecimientos contemporáneos.

La composición de West «Tratado de William Penn con los indios» (1771, Pennsylvania State Museum) representa a graves cuáqueros celebrando un solemne tratado con jefes nativos, dotando a la escena de la dignidad estoica de un acontecimiento de la historia política griega o romana. En 1772, West se convirtió en el pintor real de obras históricas de Jorge III. Los temas de West abarcaban temas bíblicos, shakesperianos, históricos y clásicos, y animó activamente a los pintores estadounidenses a ampliar su abanico.

Uno de sus discípulos fue John Trumbull (1736-1843), que en 1786 comenzó a trabajar en una serie de pinturas conmemorativas de los acontecimientos que condujeron a la independencia de las colonias americanas. Entre ellos se encuentran «La batalla de Bankers Hill» (1784, Galería de Arte de la Universidad de Yale) y «El general George Washington antes de la batalla de Trenton» (1792, Galería de Arte de la Universidad de Yale), cuadros que desarrollan la tradición de la pintura histórica establecida por West y Copley, añadiendo las cualidades propias de Trumbull de movimiento suave y contornos suavizados.

Una reproducción de su cuadro «La Declaración de Independencia» (1818, Rotonda del Capitolio de los Estados Unidos, Washington DC) se colocó en el reverso del billete de dos dólares estadounidense. Trumbull también pintó muchos retratos, entre ellos los del general Washington (1790) y George Clinton (1791), así como el de Alexander Hamilton (1805). Otros seguidores de West se centraron en determinados tipos de pintura, como naturalezas muertas y pintura de género .

Gilbert Stuart (1755-1828)

Gilbert Stuart fue otro destacado retratista de la época, responsable de los retratos de más de 1.000 personas, incluidos los seis primeros presidentes de Estados Unidos. Entre sus mejores obras figuran el retrato inacabado de George Washington conocido como «Athenaeum», que aún figura en el billete de un dólar estadounidense; «Portrait of Lansdowne» (1796) y Skater (1782, National Gallery of Art, Washington).

Charles Wilson Peale (1741-1827) también es conocido por sus retratos de figuras destacadas de la Revolución Americana. Su obra más famosa, George Washington en la batalla de Princeton (1781, Galería de Arte de la Universidad de Yale), se vendió en enero de 2005 por 21,3 millones de dólares: entonces un récord para un retrato estadounidense. También pintó retratos de Benjamin Franklin, John Hancock, Thomas Jefferson y Alexander Hamilton, así como más de 60 retratos de George Washington . Además, pintó cuadros de testigos presenciales de maravillas científicas americanas. «La expulsión del primer mastodonte americano» (1806-8, Museo Peale, Baltimore) se expuso en el famoso Museo Peale de Maravillas Naturales de Filadelfia.

Retrato en miniatura

Pintura en miniatura (Retrato en miniatura) en América, tomó prestadas las obras del emigrado alemán Hans Holbein (1497-1543) y Nicholas Hilliard (1547-1616), con aprecio por las revolucionarias innovaciones en acuarela del miniaturista veneciano Rosalba Carriera (1675-1757). En Boston, Copley fue el primero en dominar este género especializado ) Retrato de Jeremiah Lee, 1769); en Filadelfia, los principales miniaturistas fueron Charles Wilson Peale y James Peale (1749-1831) (también conocido por sus bodegones).

En Charleston, el líder era el filadelfiano Henry Benbridge (1743-1812), conocido por sus obras completas como Dr. Jonathan Potts (1776, Art Institute of Chicago), así como miniaturas en acuarela sobre marfil; mientras que en Nueva York fue el joyero y miniaturista John Ramage (1748-1802), que produjo pequeñas representaciones de muchas figuras políticas, incluido el primer presidente de EE UU, George Washington.

Pintura de paisaje y otros géneros

La pintura de figuras y el retrato al óleo y al pastel fueron las artes del dibujo más importantes del siglo XVIII practicadas en las ciudades de la América colonial. Pero también había otras formas en el campo, como los dibujos a pluma y tinta, a menudo realizados por artistas anónimos, pero a veces por figuras conocidas como Johann Heinrich Otto (c. 1773-1800), creador de los Motivos fracturados, conocidos por sus coloridos motivos arremolinados de flores, coronas, pavos reales y loros.

La pintura de paisaje, casi desconocida antes de 1800, apareció en forma de acuarela topográfica . Los principales exponentes en Nueva York fueron el pintor de origen escocés Alexander Robertson (1772-1841) y su hermano Archibald Robertson (1765-1835), fundadores de la primera escuela de arte de la ciudad, la Columbia Academy.

Arquitectura: Neoclasicismo

Los republicanos en Europa recordaban con nostalgia la República Romana como un ideal igualitario, un mito en gran parte de su propia creación. La arquitectura neoclásica era un símbolo reconocible del espíritu republicano, no la arquitectura barroca teatralmente dorada y espejada en que se habían convertido los clásicos del Renacimiento, sino un estilo clásico casto, puro y bien definido, tan idealista y que tenía tan poco que ver con sus orígenes como la política que simbolizaba.

Thomas Jefferson (1743-1826), legislador, economista, educador y tercer presidente de Estados Unidos, fue un arquitecto profesional e influyente. Hijo de un agrimensor, construyó su mansión, Monticello, en 1769 en una finca que heredó. También diseñó el edificio del Capitolio del Estado de Virginia, el Capitolio de Washington, que ardió en 1817, y la Universidad de Virginia en Charlottesville, el prototipo de campus estadounidense.

Influido por Andrea Palladio (1508-1580), Jefferson encontró en el clasicismo romano una autoridad para las teorías sociales y arquitectónicas apropiadas para la nueva república. Además de Jefferson, entre los arquitectos coloniales estadounidenses que utilizaron el diseño neoclásico se encontraban los diseñadores de estilo federal William Thornton (1759-1828) y Charles Bulfinch (1763-1844), que diseñaron gran parte del edificio del Capitolio de Estados Unidos (1792-1827), y el arquitecto de estilo renacimiento griego Benjamin Latrobe (1764-1820), responsable también de la Basílica de Baltimore (1806-1821). Para más información, véase: Arquitectura estadounidense (1600-presente).

Fabricación de muebles y otros oficios

En el siglo XVIII, la demanda de muebles finos para adornar las mansiones de los plantadores y las casas respetables de las ciudades dio lugar a una nueva clase de artesanos expertos en el arte de la talla de madera y la ebanistería. Uno de los mejores ebanistas locales fue John Townsend, de Newport, Rhode Island (1733-1809). Nació en Newport, Rhode Island, la segunda ciudad de Nueva Inglaterra después de Boston, cuya próspera industria del mueble estaba controlada por dos familias cuáqueras casadas entre sí, los Townsend y los Goddard.

En todo el industrioso norte, en Newport, Boston y Filadelfia, los ebanistas -muchos de los cuales eran inmigrantes de Londres- creaban obras maestras en estilo rococó, estilizadas a partir de imágenes contenidas en libros de patrones importados. Al mismo tiempo, los modelos tradicionales alemanes seguían siendo populares en el campo.

Otras artesanías populares en las zonas rurales de las colonias eran: el bordado, la cestería, la metalistería, la joyería y (en los puertos marítimos del noreste) la talla de hueso de ballena y de marfil, así como diversos tipos de arte popular, como la confección de muñecas, edredones y colchas. Sin embargo, todas estas artesanías no entran en la categoría general de artes, aunque desempeñaron un papel importante en la cultura colonial.

Colecciones

Pueden verse ejemplos de arte colonial americano en muchos de los mejores museos de arte y centros patrimoniales de todo Estados Unidos, incluidos los siguientes lugares:

American Folk Art Museum (Nueva York)
Art Institute of Chicago, Illinois
Boston Museum of Fine Arts
Denver Art Museum, Colorado
Detroit Institute of Art, Michigan
Gibbs Museum of Art
Greenville County Museum of Art
Kimbell Museum of Art (Fort Worth)
Lyman Allyn Museum of Art
Metropolitan Museum of Art (Nueva York)
Minneapolis Institute of Art (MIA), Minnesota
Museum of Early Decorative Arts of the South
Museum of Fine Arts, Houston, Texas
National Gallery of Art, Washington, D.C.
National Museum of the American Indian, Washington, D.C.
Museum of the State of New York
Peale Museum, Baltimore
Pennsylvania State Museum
Philadelphia Museum of Art
Smithsonian Museum of American Art, Washington, DC
Worcester Art Museum, Massachusetts
Yale University Art Gallery

El legado del arte colonial

Los artistas norteamericanos del siglo XIX desarrollaron las tradiciones y normas establecidas por Copley, West y Gilbert, no sólo en retratos y obras históricas, sino también en el género del paisaje, de reciente popularidad. Así, a medida que el arte colonial dejaba paso a las tradiciones más asertivas del siglo XIX, las ciudades del Este comenzaron a contemplar las vistas de las tierras salvajes americanas a través de los ojos del pintor fronterizo de Missouri George Caleb Bingham (1811-1879); los artistas del río Hudson Thomas Cole (1801-1848) y Frederick Edwin Church (1826-1900); y el líder de la Escuela de las Montañas Rocosas, Albert Bierstadt (1830-1902). Conocieron el Oeste vaquero a través de las pinturas de Frederic Remington (1861-1909) y las esculturas de James Earl Fraser (1876-1953), como su obra maestra The End of the Trail (1915, National Cowboy & Western Heritage Museum, Oklahoma City). Mientras tanto, el género de la pintura de historia americana contó con el apoyo del pintor germano-americano Emanuel Gottlieb Leutze (1816-1868), famoso por su cuadro «Washington Crossing the Delaware» (1851, Metropolitan Museum of Art).