Pintura barroca: historia, características, estilos Traductor traducirAutor del texto original - Neil Cоllins

Introducción

En general, la "pintura barroca" fue un reflejo de los profundos cambios políticos y culturales que surgieron en toda Europa. Barroco pintura coincidió, en términos generales, con el siglo XVII, aunque en algunas áreas, especialmente en Alemania, algunos de sus logros no se produjeron hasta el siglo XVIII. Aunque el término abarcaba una variedad desconcertante de estilos, generalmente se caracterizaba por dos cosas: un sentido de grandeza (o riqueza sensual), más un contenido emocional evidente. Fue a través de estos dos elementos que los pintores barrocos buscaron evocar estados emocionales en el espectador apelando a los sentidos, a menudo de manera dramática. ¿Por qué estaban atrayendo a los espectadores de esta manera? Porque la vida en la Europa del siglo XVII se había convertido de repente en una competencia entre dos fuerzas poderosas.

Antecedentes históricos: status quo versus reforma

Por un lado estaban aquellos que apoyaban a la Iglesia Católica y al Derecho Divino de los Reyes , esencialmente, el status quo. Este último incluía a los reyes de Francia, España, Austria y Gran Bretaña. Por otro lado, estaban aquellos que querían reformas: incluían a los que pertenecían al nuevo movimiento religioso protestante, así como a los que creían en la autodeterminación nacional o personal. Los primeros utilizaron activamente la pintura y otras disciplinas artísticas para impresionar a sus congregaciones y sujetos con la verdad de su mensaje.

Entonces las autoridades de la Iglesia construyeron iglesias magníficas, decoradas con ilusionistas pintura al fresco en los techos y paredes, utilizando las últimas técnicas de quadratura y los métodos de trompe l’oeil , para estimular la piedad y transmitir una impresión del esplendor de lo divino. Y comisionaron una corriente interminable de Arte bíblico , diseñado para ilustrar partes importantes del dogma teológico católico. Mientras tanto, los emperadores y reyes proclamaron su propia autoridad al contratar arquitectos para construir palacios, adornados con murales, pintura al óleo y otras formas de arte decorativa .

Los reformadores generalmente desaprueban este tipo de arte religioso , prefiriendo en cambio blanquear los interiores de las iglesias. Sin embargo, entre las naciones y provincias del norte de Europa, comenzó a surgir una nueva generación de mecenas, el profesional de clase media, comerciante u oficial de oficina, que comenzó a comprar obras de arte a pequeña escala para celebrar su creciente riqueza y promover su propia cultura. valores. Por lo tanto, en Holanda, por ejemplo, un nuevo estilo realista de arte de caballete floreció cuando las nuevas clases medias comisionaron pinturas de género , bodegones o individual / grupal pinturas de retratos para mostrar su nuevo estado. En Francia, la misma tendencia fue evidente en la demanda de obras realistas por parte del Hermanos Le Nain y artistas similares. Curiosamente, en Italia, donde el contenido realista de `` cejas bajas ’’ surgió por primera vez (en obras de Caravaggio), las autoridades de la Iglesia lo explotaron hábilmente para sus propios fines, para que los santos parecieran más humanos. Así, casi todas las pinturas de Caravaggio eran religiosas.

Pintura barroca – en este caso pintura de paisaje – También fue influenciado por la ampliación general de los horizontes intelectuales humanos, desencadenada por los avances en la ciencia y por las exploraciones geográficas del mundo. Estos dos factores produjeron un nuevo sentido tanto de la insignificancia humana como de la misteriosa complejidad del mundo natural. Así, en la pintura de paisajes de la época, vemos a los humanos a menudo retratados como pequeñas figuras en un vasto entorno natural.

Caracteristicas

Además de las dos características principales de la pintura barroca descritas anteriormente: (1) grandeza o sensualidad; véanse, por ejemplo, las obras religiosas de Peter Paul Rubens o los elegantes retratos de Anthony Van Dyck ; y (2) fuerte contenido emocional – ver en particular, trabajos de Artistas barrocos españoles como Ribera, Zurbarán, incluso Velázquez; Debemos notar otras dos tendencias importantes pero contradictorias: (3) naturalismo o realismo, y (4) clasicismo o "el ideal". El naturalismo se ejemplifica mejor por Caravaggio (realismo por Jan Vermeer ); mientras que el clasicismo es el impulso principal en las obras de Viejos maestros como Annibale Carracci, Peter Paul Rubens, Nicolas Poussin y Claude Lorraine. Ver también: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII. . Además, (5) Arquitectos barrocos hizo pleno uso de las habilidades de pintura mural de pintores como Andrea Pozzo y Pietro da Cortona, cuyos techos con frescos de trompe l’oeil continúan inspirando hasta nuestros días.

Murales arquitectónicos ilusionistas y pinturas de techo

Es apropiado comenzar un relato de la pintura barroca con su género favorito y función característica: la decoración ilusionista de las paredes de un interior. Obviamente, la idea de usar una pared para exhibir una escena pintada era tan antigua como el arte; Lo nuevo, o casi nuevo, fue el uso que se hizo de esta técnica de pintura mural por artistas barrocos. En las paredes, y más especialmente en los techos, de iglesias y palacios, pintaron escenas vastas y ocupadas, que tienden a producir sobre el espectador un trompe l’oeil impresión de que las paredes o el techo ya no existen, o al menos que se abren de una manera emocionante. Esto tampoco era esencialmente nuevo: tales experimentos habían sido realizados durante el Renacimiento, por Mantegna , y más espectacularmente por Correggio en su extraordinario Asunción de la Virgen (Catedral de Parma) (1526-30). En el período barroco, sin embargo, se convirtió casi en una regla absoluta, combinando como lo hizo todas las características estéticas de la época: grandeza, teatralidad, movimiento, representación del infinito y, además, una habilidad técnica que parece casi sobrehumana. Mostró esa tendencia a combinar varias formas de arte para un efecto unificado, que era la característica más distintiva de la época.

Tal arte ilusionista, entre ellos algunos de los mejores pinturas barrocas alguna vez se crearon, variaron mucho en las historias que contaban, vidas de santos, historias de dinastías, mitos o historias de héroes, pero fueron consistentes en los componentes que desplegaron: glorias arquitectónicas que se destacaban en el cielo; ángeles y santos altísimos; figuras en rápido movimiento, sus prendas ondeando al viento; todo representado con negrita escorzo – El efecto de perspectiva de mirar hacia arriba desde abajo o viceversa hacia abajo desde arriba, lo que hace que las figuras parezcan más cortas. Tal fue la vitalidad del género que continuó no solo durante todo el siglo XVII sino también hasta el siglo XVIII, invadiendo los límites de tiempo generalmente considerados para demarcar el movimiento rococó sucesivo.

Los pintores barrocos que se especializaron en murales y pinturas de techo incluyen: el precursor Annibale Carracci (1560-1609) – cofundador junto con su hermano Agostino Carracci (1557-1602) y primo Ludovico Carracci (1555-1619) de los influyentes Escuela boloñesa – quien se destacó por su Frescos de la galería Farnese en Roma y sus seguidores Guido Reni (1575-1642), Guercino (1591-1666), y en particular Domenichino (1581-1641) cuyas elaboradas composiciones clásicas debían influir en Nicolas Poussin. A partir de entonces, tenemos a Parma Giovanni Lanfranco (1582-1647), influenciado por los frescos de Correggio; Bernini (1598-1680), más famoso como arquitecto y escultor; Pietro da Cortona (1596-1669) – ve a su inmortal Alegoría de la divina providencia (1633-39, Palazzo Barberini); Andrea Sacchi (1599-1661), quien ejemplificó el clasicismo del alto barroco, y su alumno Carlo Maratta (1625-1713). Luca Giordano (1634-1705) y Andrea Pozzo (1642-1709) – ver su Apoteosis de San Ignacio (1688-94, Sant’Ignazio, Roma) – también fueron grandes exponentes del estilo barroco de quadratura Decoración de techo. Ver también el pintor decorativo napolitano Francesco Solimena (1657-1747), cuyas obras al fresco vinculan el barroco tardío con el rococó. Para más, ver: Arquitectura barroca (1600-1750).

Otro artista italiano importante fue Giovanni Benedetto Castiglione (1609-64), mejor conocido por su grabado, pintura de género bíblico (con animales) y su uso pionero del monotipo. Ver también: Artistas barrocos italianos .

En Francia, Charles Le Brun (1619-90) fue el heredero del brillo decorativo de Pietro da Cortona, que aplicó a sus murales en el Palacio de Versalles , especialmente aquellos en el Salón de los Espejos. Le Brun usó su puesto como Director de la Academia francesa ejercer un control total sobre Pintura francesa (1663-83). Ver también: Artistas barrocos franceses .

Para la edad de oro del diseño de interiores en Francia durante el Barroco, ver: Arte decorativo francés . Para muebles, ver: Muebles franceses (1640-1792). Para artistas y artesanos, ver: Diseñadores franceses .

La luz: la característica clave de la pintura barroca

Naturalmente, la pintura no se limitaba a las paredes de los edificios. También existía, y de hecho especialmente, una tradición de pintar sobre lienzo, y al igual que con la arquitectura, las características de las diversas escuelas nacionales diferían ampliamente. Sin embargo, tenían una preocupación en común: el estudio de la luz y sus efectos. A pesar de las grandes divergencias entre el trabajo de varios artistas en el período barroco, divergencias tan grandes que muchos críticos de arte no están preparados para designar su trabajo con un solo adjetivo común: el uso temático de la luz y la sombra en la construcción de cualquier trabajo significativo fue, en mayor o menor grado, común a todos ellos, en la medida en que era la característica clave y la unificación pictórica motivo de la época.

Caravaggio (1573-1610)

El impulso hacia la adopción de este idioma vino de Italia, de hecho de un solo artista italiano, Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio del nombre de la pequeña ciudad donde nació. Aunque su trabajo ha sido más atacado por algunas críticas que apreciado, no hay duda de que marcó el comienzo de una nueva época. En la época de Caravaggio, la pintura de bellas artes había alcanzado plenamente los objetivos que se había establecido dos siglos antes, a saber, la representación perfecta de la naturaleza en todas sus manifestaciones. Se requería una nueva línea de investigación, una acorde con la edad; y este Caravaggio suministrado. Sus pinturas mostraban fuertes campesinos, posaderos y apostadores; y aunque a veces podían estar vestidos como santos, apóstoles y padres de la Iglesia, representaban la realidad en su aspecto más crudo y duro. Esto fue en sí mismo una ruptura con el arte renacentista, con sus figuras aristocráticas y un entorno idealizado. Sin embargo, el aspecto más importante de la pintura barroca no era lo que estaba representado, sino cómo estaba representado. La pintura no estaba iluminada uniformemente sino en parches; Los detalles impactados por una luz intensa y brillante se alternaron con áreas de sombra oscura. Si en el análisis final una pintura renacentista era un dibujo coloreado con iluminación general, un lienzo de Caravaggio era una piel de leopardo de luz fuerte y sombra profunda e intensa, en la que los reflejos son simbólicos; es decir, indicaron los elementos importantes de la composición. Era un estilo de pintura dramático, violento y atormentado, eminentemente adecuado para una época de fuertes contrastes estéticos, como lo fue el período barroco. Sus mejores pinturas incluyen las siguientes:

Caravagismo

El temperamento de Caravaggio parece haber tenido afinidades más cercanas con el carácter español que con el italiano, y Nápoles, que tenía conexiones cercanas con España en este período, y también fue un centro de quietismo religioso, fue un centro clave de Caravagismo influencia. Para la obra napolitana tardía del artista, ver: Caravaggio en Nápoles . Para una guía de arte en la ciudad, ver: Pintar en Nápoles (1600-1700). Para obtener más detalles del arte de principios del siglo XVII en Nápoles, consulte: Escuela Napolitana de Pintura (1600-56). Para trabajos posteriores, ver: Barroco napolitano (C.1650-1700). Los principales Caravaggisti en Nápoles incluidos Battistello Caracciolo (1578-1635), el influyente Jusepe Ribera (1591-1652) y la gran pintora Artemisia Gentileschi (1597-1651), conocida por Judith decapitando a Holofernes (1620, Uffizi, Florencia).

Las obras maduras de Francisco Ribalta (1565–1628) muestran influencia caravaggesca; Las primeras pinturas de Velázquez (1599-1660) lo muestran, al igual que las de otros maestros españoles del siglo XVII como Zurbarán (1598-1664). Pero su influencia se extendió mucho más allá de España, aunque es allí donde se siguió de cerca la actitud del maestro. En Holanda, Gerrit van Honthorst (1592-1656) parece haber transmitido algo del uso dramático de Caravaggio de claroscuro a su gran compatriota, Rembrandt ; mientras que en Francia el maestro algo misterioso, Georges de la Tour (1593-1652), fue un hábil, pero aparentemente aislado, exponente de ’ Tenebrismo ’, como se llama este uso de sombras profundas emitidas desde una sola fuente de luz, para dar unidad a una composición. Adam Elsheimer (1578-1610) fue otro representante influyente de esta tendencia; aunque quizás valga la pena mencionar a este respecto el nombre del único tenebrista inglés, Joseph Wright de Derby (1734-97). De los seguidores italianos de Caravaggio, los más destacados fueron Mattia Preti (1613-1669) y Domenico Fetti (1589-1624); mientras Salvator Rosa (1615-1673), también napolitano, tiene afinidades con él en su gusto por el salvajismo y las escenas de baja vida, de bandidos que luchan y se divierten entre paisajes salvajes y rocosos. Salvator es particularmente interesante por su importancia en el desarrollo del paisaje romántico; el genovés del siglo XVIII, Magnasco (1667-1749) tiene algo en común con él.

Pintura Barroca Veneciana

Además de Caravaggio, había pocos pintores italianos del siglo XVII, si es que alguno, que se clasificaran con los grandes nombres de los siglos XV y XVI. Aunque tanto Tiziano como Tintoretto hicieron mucho para allanar el camino al barroco, el principal representante del estilo barroco en Pintura veneciana fue Tiepolo (1696-1770), en cuyas manos la pintura al fresco ilusionista alcanzó su apogeo en los frescos de Wurzburg Rezidenz (1750-3) en Alemania. Con la muerte de Tiepolo, la edad de oro del arte veneciano había terminado.

Para pintores en Alemania y Austria durante el siglo XVII, ver: Artistas barrocos alemanes .

Clasicismo

Antes de salir de Italia, debemos notar la existencia de una tendencia separada en la pintura europea, generalmente llamada tradición "clásica". Una resaca, si lo desea, del Renacimiento, el clasicismo era lo opuesto al Romanticismo, siendo un estilo de arte en el que la adhesión a los ideales estéticos aceptados tiene prioridad sobre la individualidad de la expresión. En términos simples, era un estilo sobrio y armonioso que creía en la primacía del diseño, en lugar de (por ejemplo) el color o el expresionismo. Estaba estrechamente asociado con " arte académico ", el estilo enseñado en la mayoría de las academias europeas de bellas artes. Durante la era barroca del siglo XVII, la tradición clásica fue personificada por el artista francés Nicolas Poussin (1594-1665), quien pasó la mayor parte de su carrera en Roma, donde sus patrocinadores incluyeron al cardenal Francesco Barberini (1597-1669) y al secretario del cardenal Cassiano dal Pozzo (1588-1657). Poussin es probablemente mejor conocido por su pintura mitológica – ver, por ejemplo, su Secuestro de las sabinas (1634-5) y Et en Arcadia Ego (1637) – aunque también fue un pionero importante de la pintura clásica de paisajes arcadios – un género dominado por otro pintor francés con sede en Roma, Claude Lorrain (1600-82), quien instigó el estilo "Claudean". (Tenga en cuenta que Claude Lorrain fue especialmente influenciado por el Arte barroco alemán de Adam Elsheimer.) Como Poussin y Claude, Simon Vouet (1590-1649) también pasó gran parte de su carrera en Roma, antes de regresar a París como pintor de la corte del rey Luis XIII. Se destacó, en particular, por su estilo apagado de la pintura barroca, que evitaba tanto el naturalismo extremo y el drama de Caravaggio, como los efectos pictóricos artificiales del arte barroco italiano más intenso.

Pintura barroca holandesa

En Flandes y Holanda, la pintura había desarrollado florecientes escuelas locales que, lejos de ser remansos, estaban bien en la furgoneta de la exploración artística. Los pintores flamencos habían creado, o al menos mejorado, dos tipos de imágenes relacionadas con la representación fiel de la vida doméstica y la realidad cotidiana: la pintura de género y la naturaleza muerta. Ninguno de los dos tenía equivalente en Italia, donde de hecho no había demanda de tales imágenes. Fueron los pintores flamencos quienes exportaron la técnica de la pintura al óleo, antes desconocida para los artistas del primer Renacimiento italiano. Ahora se apresuraron a fusionar su propia tradición con la llegada de Italia, un matrimonio que debía producir obras entre los mayores logros de la historia del arte. Este desarrollo tuvo diferentes resultados en Pintura flamenca en comparación con el de Holanda, y en cada caso se asoció con las dos personas profundamente diferentes: a saber Peter Paul Rubens (1577-1640) y Rembrandt (1606-1669).

Las obras maestras de Rubens incluyen:

Las obras maestras de Rembrandt incluyen:

Para más detalles, ver: Arte barroco flamenco y Arte barroco holandés .
Ver también: Pintura holandesa (siglo XVII) y Artistas realistas holandeses .

Pintura barroca española

A fines de la década de 1570, Roma ya no era el centro del mundo. Los italianos vestían trajes españoles, y el corazón de la Contrarreforma estaba en España. El Escorial se estaba construyendo como la nueva ciudadela de la Fe, y los palacios de Toledo se convertían en monasterios y conventos. La belleza estaba dando paso a la santidad. En la primavera de 1577, el manierista residente El Greco (1541-1614) encontró en la ciudad española de Toledo las formas familiares de su hogar cretense, los edificios del este de Mahoma, todo en la forma española urgente y enfática. Pasó dos años pintando su primera gran obra, el retablo de San Domingo el Antiguo . El espíritu apasionado ya menudo extravagante del barroco lo había poseído. Sus paneles de madera y lienzos modestos fueron olvidados; ahora pintaba cuadros de enormes dimensiones.

Entre los de El Greco grandes pinturas religiosas del siguiente período fue la representación del milagro que se dijo que ocurrió durante el funeral del Conde Orgaz, cuando San Agustín y San Esteban aparecieron y cumplieron con los deberes del clero. En gris y amarillo, blanco y negro, los colores de En el cielo tormentoso, El Greco ha pintado el milagro con una luz sobrenatural, no como un evento sobrenatural, sino como un evento supremamente natural, del cual todo el pueblo español, sus sacerdotes, sus nobles y sus fieles dan testimonio de su presencia. En el piso sólido de la iglesia. Ver: Entierro del conde Orgaz (1586-88). Algunos han calificado las imágenes de El Greco como ascéticas, extáticas, crueles, sin nervios e incoloras. Sin embargo, su Retrato de un cardenal (1600) de Don Fernando Niño de Guevera, como el del Gran Inquisidor, está pintado con el color más fuerte; Es solo en los santos de El Greco que encontramos una distorsión deliberada y un resplandor sobrenatural. Cuando pinta seres humanos comunes, como su hija, es como si se reflejaran en un espejo. El desarrollo final del arte de El Greco lo ubica, a pesar de sus peculiaridades, en el corazón del período barroco, a medida que abandona las leyes renacentistas de composición y color y avanza hacia el arte internacional del período barroco.

Otros miembros importantes de la escuela barroca española incluyeron: Jusepe (José) de Ribera (1591-1652), el artista caravaggesco español con sede en Nápoles, conocido por sus pinturas realistas sobre temas religiosos y mitológicos; el devoto Francisco de Zurbarán (1598-1664), conocido por sus intensos cuadros religiosos, bodegones y dominio del tenebrismo; Diego Velázquez (1599-1660), pintor oficial de la corte española en Madrid que combinó el realismo con el énfasis barroco en la luz y el ilusionismo.

Las obras maestras de Velázquez incluyen:

Otros pintores importantes de la Escuela de Español incluyen el pintor sentimental de Sevilla. Bartolome Esteban Murillo (1618-1682) cuyas obras religiosas y pinturas de género fueron influenciadas por Velázquez, Zurbarán y Caravaggio. Para más detalles, ver: Arte barroco español .

La pintura barroca se puede ver en el mejores museos de arte alrededor del mundo.