Pintura barroca:
historia, características, estilos Traductor traducir

En general, «la pintura barroca» fue un reflejo de los profundos cambios políticos y culturales que se estaban produciendo en Europa en aquella época. La pintura barroca coincidió generalmente con el siglo XVII, aunque en algunas zonas -sobre todo en Alemania- algunos de sus logros no aparecieron hasta el siglo XVIII. Aunque el término abarca una desconcertante variedad de estilos, suele caracterizarse por dos cosas: un sentido de grandeza (o riqueza sensual) y un claro contenido emocional. A través de estos dos elementos, los artistas barrocos trataban de evocar un estado emocional en el espectador apelando a los sentidos, a menudo de forma dramática. ¿Por qué apelaban así a los espectadores? Porque la vida en la Europa del siglo XVII se había convertido de repente en una competición entre dos fuerzas poderosas.

Contexto histórico: statu quo frente a reforma

Por un lado estaban los partidarios de la Iglesia católica y del derecho divino de los reyes, es decir, del statu quo. Entre estos últimos se encontraban los reyes de Francia, España, Austria y Gran Bretaña. En el otro bando estaban los partidarios de la reforma: entre ellos se encontraban los que pertenecían al nuevo movimiento religioso protestante y los que creían en la autodeterminación nacional o personal. Los primeros utilizaron ampliamente la pintura y otras disciplinas artísticas para convencer a sus comunidades y súbditos de la verdad de su mensaje.

Así, las autoridades eclesiásticas construyeron magníficas iglesias decoradas con ilusorias pinturas al fresco en techos y paredes, utilizando las últimas técnicas de escuadrado y trampantojo, para estimular la piedad y dar la impresión del esplendor de lo divino. Y encargaron un sinfín de arte bíblico, destinado a ilustrar partes importantes del dogma teológico católico. Mientras tanto, emperadores y reyes proclamaban su poder contratando arquitectos para construir palacios adornados con frescos, pintura al óleo y otros tipos de arte decorativo .

En general, los reformadores desaprobaban este tipo de arte religioso, prefiriendo en su lugar encalar los interiores de las iglesias. Sin embargo, en los países y provincias del norte de Europa surgió una nueva categoría de mecenas: profesionales, comerciantes y funcionarios de clase media que empezaron a comprar pequeñas obras de arte para celebrar su creciente riqueza y promover sus propios valores culturales. En Holanda, por ejemplo, floreció un nuevo estilo realista de arte de caballete, a medida que las clases medias, que acababan de adquirir poder, encargaban cuadros de género, naturalezas muertas o retratos individuales y de grupo para demostrar su nuevo estatus. En Francia, la misma tendencia se manifiesta en la demanda de obras realistas de los hermanos Le Nain y artistas similares. Curiosamente, en Italia, donde apareció por primera vez el contenido realista «de baja estofa» (en las obras de Caravaggio), las autoridades eclesiásticas lo utilizaron hábilmente en su beneficio para dar a los santos un aspecto más humano. Así, casi todos los cuadros de Caravaggio eran religiosos.

La pintura barroca -en este caso la pintura de paisaje - también se vio influida por la ampliación general de los horizontes intelectuales del hombre, provocada por el desarrollo de la ciencia y la exploración geográfica del globo. Estos dos factores dieron lugar a un nuevo sentido tanto de la insignificancia del hombre como de la misteriosa complejidad del mundo natural. Por eso, en la pintura paisajista de la época, el hombre aparece a menudo como una figura diminuta en medio de la inmensidad de la naturaleza.

Características

Además de las dos características principales de la pintura barroca descritas anteriormente:
grandeza o sensualidad - cf., por ejemplo, las obras religiosas de Pedro el Católico, por ejemplo, las obras religiosas de Peter Paul Rubens o los elegantes retratos de Antonis Van Dyck; y
fuerte contenido emocional - véanse en particular las obras de los pintores barrocos españoles, como Ribera, Zurbarán, incluso Velázquez; debemos señalar también otras dos tendencias importantes pero contradictorias:
naturalismo o realismo, y
clasicismo o «idealismo». El naturalismo tiene su máximo exponente en Caravaggio (el realismo en Jan Vermeer); mientras que el clasicismo es el principal impulso en las obras de los Maestros Antiguos, como Annibale Carracci, Peter Paul Rubens, Nicolas Poussin y Claude Lorrain. Véase también: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII . Además,
los arquitectos barrocos aprovecharon al máximo los conocimientos de pintura mural de artistas como Andrea Pozzo y Pietro da Cortona, cuyos techos pintados al fresco siguen inspirando hasta nuestros días.

Frescos y techos arquitectónicos ilusionistas

Conviene comenzar el relato de la pintura barroca con su género favorito y su función característica: la decoración ilusionista de muros interiores. Obviamente, la idea de utilizar la pared para representar una escena pintada era tan antigua como el arte; nuevo, o casi nuevo, fue el uso que los artistas barrocos hicieron de esta técnica de pintura mural . En las paredes, y especialmente en los techos de iglesias y palacios, pintaron escenas enormes e intensas que daban al espectador la impresión trompe l’oeil, de que las paredes o el techo ya no existían, o al menos de que se abrían de forma espectacular.

Tampoco se trataba de una novedad fundamental: ya en el Renacimiento se habían realizado experimentos similares, por Mantegna, y más espectacularmente por Correggio en su extraordinaria «Asunción de la Virgen» (Catedral de Parma) (1526-30). En el Barroco, sin embargo, se convirtió en una regla casi absoluta, que combinaba todas las características estéticas de la época: grandiosidad, teatralidad, movimiento, representación del infinito y una maestría técnica que parece casi sobrehumana. Manifestó esa tendencia a combinar diferentes formas de arte para lograr un efecto unificado que era el rasgo más característico de la época.

Este arte ilusionista -entre ellas algunas de las mejores pinturas barrocas jamás producidas- variaba mucho en las historias que contaban -hagiografías de santos, historias de dinastías, mitos o relatos de héroes-, pero eran coherentes en los componentes que empleaban: gloria arquitectónica que destaca sobre el cielo; ángeles y santos que se elevan; figuras en rápido movimiento, con sus ropajes ondeando al viento; todo ello representado con una atrevida perspectiva -el efecto de perspectiva de mirar de abajo a arriba o, a la inversa, de arriba a abajo, haciendo que las figuras parezcan más bajas-. El género fue tan viable que continuó no sólo a lo largo del siglo XVII, sino también en el XVIII, invadiendo los límites de la época que generalmente se considera que separa el posterior movimiento rococó.

Entre los artistas barrocos que se especializaron en este tipo de frescos y pinturas de techos se encuentran: el precursor Annibale Carracci (1560-1609) -cofundador con su hermano Agostino Carracci (1557-1602), y su primo Ludovico Carracci (1555-1619) de la influyente Escuela Boloñesa -, que destacó por sus frescos de la Galería Farnesio de Roma, y sus seguidores Guido Reni (1575-1642), Gwerchino (1591-1666), y sobre todo Domenichino (1581-1641), cuyas complejas composiciones clásicas influyeron en Nicolas Poussin. Después, Parma fue la cuna de Giovanni Lanfranco (1582-1647), influido por los frescos de Correggio; Bernini (1598-1680), más conocido como arquitecto y escultor; Pietro da Cortona (1596-1669) - véase (1596-1669); y Bernini (1598-1680), más conocido como arquitecto y escultor. su inmortal «Alegoría de la Divina Providencia» (1633-39, Palazzo Barberini); Andrea Sacchi (1599-1661), ejemplo del alto clasicismo barroco, y su discípulo Carlo Maratta (1625-1713). Luca Giordano (1634-1705) y Andrea Pozzo (1642-1709) -véase su Apoteosis de San Ignacio (1688-94, Sant’Ignazio, Roma)- fueron también grandes exponentes del estilo barroco quadratura de decoración de techos. Véase también el pintor-decorador napolitano Francesco Solimena (1657-1747), cuyas obras al fresco enlazan el Barroco tardío con el Rococó. Para más detalles, véase: Arquitectura barroca (1600-1750).

Otro importante artista italiano fue Giovanni Benedetto Castiglione (1609-1664), conocido sobre todo por sus grabados, sus pinturas de género bíblico (con animales) y su innovador uso del monotipo. Véase también: Artistas del Barroco italiano .

En Francia Charles Lebrun (1619-1690) fue heredero de la brillantez decorativa de Pietro da Cortona, que aplicó en sus frescos del palacio de Versalles, especialmente en el Salón de los Espejos. Lebrun aprovechó su cargo de director de la Academia Francesa para ejercer un control absoluto sobre la pintura francesa (1663-83). Véase también: Pintores barrocos franceses .

Sobre la edad de oro del interiorismo en la Francia barroca, véase: Artes decorativas francesas . Sobre el mobiliario, véase: Mobiliario francés (1640-1792). Sobre artistas y artesanos, véase: Diseñadores franceses .

La luz: una característica clave de la pintura barroca

Naturalmente, la pintura no se limitaba a las paredes de los edificios. También existía, e incluso sobre todo, una tradición de pintura sobre lienzo y, como en el caso de la arquitectura, las características de las distintas escuelas nacionales variaban enormemente. Sin embargo, las unía una tarea común: el estudio de la luz y sus efectos. A pesar de las grandes diferencias entre las obras de los distintos artistas barrocos -diferencias tan grandes que muchos historiadores del arte no están dispuestos a etiquetar su trabajo con un adjetivo común-, el uso temático de la luz y la sombra en la construcción de cualquier obra significativa fue, en mayor o menor medida, común a todos ellos, hasta convertirse en la característica clave y el motivo pictórico unificador de la época.

Caravaggio (1573-1610)

El impulso para adoptar este lenguaje vino de Italia, concretamente de un pintor italiano, Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio por el nombre de la pequeña ciudad donde nació. Aunque algunos críticos atacaron su obra más que apreciarla, no cabe duda de que marcó el comienzo de una nueva era.

En la época de Caravaggio, las bellas artes habían alcanzado plenamente los objetivos que se habían fijado dos siglos antes, a saber, la perfecta representación de la naturaleza en todas sus manifestaciones. Era necesaria una nueva línea de investigación, adecuada a la época, y Caravaggio la ofreció. Sus cuadros representaban a robustos campesinos, posaderos y jugadores; y aunque a veces iban vestidos de santos, apóstoles y padres de la Iglesia, representaban la realidad en su aspecto más crudo y áspero. Esto suponía en sí mismo una ruptura con el arte renacentista, con sus figuras aristocráticas y sus entornos idealizados.

Sin embargo, el aspecto más importante de la pintura barroca no era lo que se representaba, sino cómo se representaba. La pintura estaba iluminada de forma puntual y no uniforme; los detalles iluminados con luz brillante e intensa se alternaban con zonas de sombra oscura. Mientras que la pintura renacentista era, en última instancia, un dibujo coloreado con iluminación general, el lienzo de Caravaggio es una piel de leopardo con luz fuerte y sombra profunda e intensa, en la que los puntos de luz son simbólicos, es decir, señalan elementos importantes de la composición. Era un estilo de pintura dramático, violento, atormentado, justo para una época de fuertes contrastes estéticos, que era la época barroca.

Caravaggismo

El temperamento de Caravaggio parece haber estado más cerca del carácter español que del italiano, y Nápoles, que durante este periodo mantenía estrechos lazos con España y era también un centro de quietismo religioso, se convirtió en un centro clave de influencia Caravaggismo . Para las obras napolitanas posteriores del artista, véase: Caravaggio en Nápoles . Para una guía del arte de la ciudad, véase: La pintura en Nápoles (1600-1700). Para más información sobre el arte de principios del siglo XVII en Nápoles, véase: La escuela napolitana de pintura (1600-1656). Para obras posteriores, véase: Barroco napolitano (c. 1650-1700). Entre los principales caravaggistas de Nápoles figura Battistello Caracciolo (1578-1635), el influyente Husepe Ribera (1591-1652), y la gran pintora Artemisia Gentileschi (1597-1651), famosa por «Judit decapitando a Holofernes» (1620, Uffizi, Florencia).

Las obras de madurez de Francisco Ribalta (1565-1628) muestran influencia caravaggesca; las pinturas tempranas de Velázquez (1599-1660) también la muestran, al igual que las de otros maestros españoles del siglo XVII como Zurbarán (1598-1664). Pero su influencia se extendió mucho más allá de España, aunque fue allí donde más se siguió la manera de ser del maestro.

En Holanda Gerrit van Honthorst (1592-1656) parece haber transmitido algo del uso dramático del claroscuro de Caravaggio a su gran compatriota, Rembrandt ; Mientras que en Francia un maestro un tanto enigmático, Georges de la Tour (1593-1652), fue un hábil, pero aparentemente aislado, exponente del «tenebrismo», como se denomina a este uso de sombras profundas proyectadas por una única fuente de luz, para dar unidad a una composición. Adam Elsheimer (1578-1610) fue otro influyente exponente de esta tendencia; mientras que puede valer la pena mencionar a este respecto el nombre de un tenebrista inglés, Joseph Wright of Derby (1734-1797).

De los seguidores italianos de Caravaggio, los más destacados fueron Mattia Preti (1613-1669) y Domenico Fetti (1589-1624); mientras que Salvator Rosa (1615-1673), también napolitano, se asemeja a él en su predilección por lo salvaje y las escenas de baja vida, bandoleros luchando y retozando en medio de paisajes salvajes y rocosos. Salvator es de especial interés por su importancia en el desarrollo del paisaje romántico; el genovés del siglo XVIII, Magnasco (1667-1749) tiene algo en común con él.

La pintura barroca veneciana

Aparte de Caravaggio, en Italia hubo pocos pintores del siglo XVII, si es que hubo alguno, que pudieran compararse con los grandes nombres de los siglos XV y XVI. Aunque tanto Tiziano como Tintoretto contribuyeron en gran medida a allanar el camino al Barroco, el máximo exponente del estilo barroco en la pintura veneciana fue Tiepolo (1696-1770), en cuyas manos la pintura ilusionista al fresco alcanzó su apogeo en los frescos de Würzburg (1750-3) en Alemania. Con la muerte de Tiepolo, la edad de oro del arte veneciano llegó a su fin.

Sobre los artistas de Alemania y Austria en el siglo XVII, véase: Artistas barrocos alemanes .

Clasicismo

Antes de abandonar Italia, conviene señalar la existencia de un movimiento diferenciado en la pintura europea, que suele denominarse «tradición» clásica. Resabio del Renacimiento, el Clasicismo era lo contrario del Romanticismo y representaba un estilo artístico en el que la adhesión a los ideales estéticos aceptados prevalecía sobre la individualidad de la expresión. En pocas palabras, era un estilo sobrio y armonioso que creía en la primacía del diseño sobre el color o el expresionismo. Estaba estrechamente relacionado con «el arte académico», el estilo que se enseñaba en la mayoría de las academias de bellas artes europeas.

En el Barroco del siglo XVII, la tradición clásica fue personificada por el artista francés Nicolas Poussin (1594-1665), que pasó la mayor parte de su carrera en Roma, donde tuvo como mecenas al cardenal Francesco Barberini (1597-1669) y al secretario del cardenal Cassiano dal Pozzo (1588-1657). Poussin es probablemente más conocido por sus pinturas mitológicas - véase, por ejemplo, su «Rapto de las Sabinas» (1634-5) y «Et in Arcadia Ego» (1637) - aunque también fue un importante pionero de la pintura clásica del paisaje arcádico, un género dominado por otro pintor francés que vivió en Roma, Claude Lorrain (1600-1682), iniciador del estilo «clodiano». (Obsérvese que Claude Lorrain estuvo especialmente influido por el arte barroco alemán de Adam Elsheimer). Al igual que Poussin y Claude, Simon Vouet (1590-1649) también pasó gran parte de su carrera en Roma antes de regresar a París como pintor de corte del rey Luis XIII. Destacó sobre todo por su apagado estilo de pintura barroca, que evitaba tanto el naturalismo extremo y el dramatismo de Caravaggio como los artificiosos efectos pictóricos del barroco italiano más intenso.

La pintura barroca holandesa

En Flandes y Holanda florecieron las escuelas locales de pintura, que no eran en absoluto atrasadas y estaban a la vanguardia del quehacer artístico. Los pintores flamencos crearon -o al menos perfeccionaron en gran medida- dos tipos de pintura preocupados por la representación auténtica de la vida doméstica y la realidad cotidiana: la pintura de género y la naturaleza muerta. Ninguno de los dos tenía análogos en Italia, donde la demanda de este tipo de pinturas era nula.

Fueron los artistas flamencos quienes exportaron la técnica de la pintura al óleo, hasta entonces desconocida para los artistas del Renacimiento italiano temprano. Combinaron rápidamente su propia tradición con la italiana, lo que dio lugar a obras que se convirtieron en los mayores logros de la historia del arte. Esta evolución tuvo resultados diferentes en la pintura flamenca que en la holandesa, y en cada caso estuvo asociada a dos hombres profundamente diferentes, Peter Paul Rubens (1577-1640) y Rembrandt (1606-1669).

Véase también: Pintura holandesa (siglo XVII) y Pintores realistas holandeses .

Pintura barroca española

A finales de la década de 1570, Roma ya no era el centro del mundo. Los italianos vestían trajes españoles y el corazón de la Contrarreforma estaba en España. El Escorial se erige en nueva ciudadela de la fe y los palacios toledanos se transforman en monasterios y conventos. La belleza deja paso a la santidad.

En la primavera de 1577 el manierista El Greco (1541-1614) encontró en la ciudad española de Toledo las formas familiares de su casa cretense, los edificios del Oriente mahometano, todo ello en una insistente y expresiva forma española. Dedicó dos años a pintar su primera gran obra, un retablo para San Domingo el Antiguo . El espíritu apasionado y a menudo extravagante del Barroco se apoderó de él. Olvidó sus paneles de madera y sus modestos lienzos; ahora pintaba cuadros de enormes dimensiones.

Entre las mejores pinturas religiosas de El Greco del siguiente periodo se encuentra una representación de un milagro que se dice que ocurrió en el funeral del Conde de Orgaz, cuando San Agustín y San Esteban aparecieron y realizaron las funciones de sacerdotes. En grises y amarillos, negros y blancos, los colores de un cielo tormentoso, El Greco representó el milagro bajo una luz etérea, no como sobrenatural, sino como un acontecimiento eminentemente natural del que todo el pueblo español, sus sacerdotes, sus nobles y sus fieles dan testimonio con su presencia en el duro suelo de la iglesia. Véase: Entierro del Conde de Orgaz (1586-88).

Algunos han calificado los cuadros de El Greco de ascéticos, extáticos, violentos, carentes de emoción y de color. Sin embargo, su Retrato del Cardenal (1600) Don Fernando Nino de Guevera, al igual que el Gran Inquisidor, está pintado con los colores más intensos; sólo en los santos de El Greco encontramos una distorsión deliberada y un resplandor sobrenatural. Cuando pinta a personas corrientes, como su hija, es como si se reflejaran en un espejo. El desarrollo final del arte de El Greco le sitúa, a pesar de sus peculiaridades, en el centro de la época barroca, ya que abandona las leyes renacentistas de la composición y el color y avanza hacia un arte barroco internacional.

Otros representantes importantes de la escuela barroca española fueron: Jusepe (José) de Ribera (1591-1652), pintor caravaggista español de Nápoles conocido por sus pinturas realistas de temas religiosos y mitológicos; Francisco de Zurbarán (1598-1664), conocido por sus intensas pinturas religiosas, bodegones y dominio del tenebrismo; Diego Velázquez (1599-1660), pintor oficial de la corte española en Madrid, que combinó el realismo con un énfasis barroco en la luz y el ilusionismo.

Otros artistas importantes de la Escuela Española son el pintor sentimental sevillano Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682), cuyas obras religiosas y pinturas de género recibieron la influencia de Velázquez, Zurbarán y Caravaggio. Para más información, véase: Arte barroco español .

Las pinturas barrocas pueden verse en los mejores museos de arte de todo el mundo.

EVOLUCIÓN DEL ARTE VISUAL
Para más información sobre movimientos y estilos en el arte, ver: Historia del arte . Para una guía cronológica de los acontecimientos clave en el desarrollo de las artes visuales en todo el mundo, véase Cronología del arte .

EL ARTE MÁS GRANDE DEL MUNDO
Lista de los 10 mejores pintores y escultores: Los mejores pintores de todos los tiempos . Para conocer los mejores óleos y acuarelas, consulte: Los mejores cuadros de todos los tiempos .