Pintura de campo de color:
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El término «pintura de campos de color» se refiere a un estilo particular del Expresionismo Abstracto americano, asociado a la Escuela de Nueva York de arte moderno. Creado por Clyfford Steele (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970) y Mark Rothko (1903-1970), este arte abstracto se caracterizaba por grandes campos de colores planos y sólidos que envolvían al espectador cuando se veían de cerca. Evitaba deliberadamente representar formas que sobresalieran del fondo. En su lugar, la forma, el fondo y el lienzo forman un todo unificado, y el cuadro, visto como un campo y no como una ventana, atrae la mirada más allá de los bordes del lienzo.

El estilo se diseñó principalmente para causar un impacto emocional en el espectador. A finales de la década de 1950, la segunda generación de expresionistas estadounidenses, incluidos los pintores abstraccionistas Helen Frankenthaler (nacida en 1928), Morris Louis (1912-1962), Kenneth Noland (nacido en 1924) y Jules Olitski (1922-2007), desarrollaron un estilo de campo de color más impersonal y formalista, despojado de todo elemento emocional y espiritual. Este enfoque fue una de las diversas reinterpretaciones del Expresionismo Abstracto, denominada Abstracción Postpictórica, por el crítico de arte Clement Greenberg (1909-1994), y presentada en una exposición de 1964 en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Esto condujo a un renacimiento de la pintura en color en Gran Bretaña, ejemplificado por la obra de Robin Denny (nacido en 1930), John Hoyland (nacido en 1934), Richard Smith (nacido en 1931) y otros.

Historia

La pintura de campo de color surgió de los diversos intentos independientes de Still, Rothko y Newman a finales de la década de 1940 para crear una forma de arte atemporal que pudiera superar el colapso ético causado por el caos y la carnicería de la Segunda Guerra Mundial: un tipo de pintura que hablara por sí misma. Al rechazar toda forma de arte representativo o figurativo, también evitaron el lenguaje expresionista abstracto gestual de Willem de Kooning y Jackson Pollock, aunque la «action-painting» de este último puede considerarse un intento pionero de crear un «campo de color amplio» que recuerda a los enormes lienzos de nenúfares de Monet.

La aparición del campo de color dividió de hecho la pintura expresionista abstracta en dos estilos:
❶ gestual, llena de contrastes y acción;
❷ lisa, plana, relativamente libre de incidentes, con grandes campos de color saturado.

Los representantes de este último estilo, como Still, Rothko y Newman, ponían más énfasis en los elementos formales de su pintura -como la línea, la forma y el color- que en elementos secundarios como el contexto o la narrativa, y este énfasis en el formalismo contó con el firme apoyo del influyente crítico de arte Clement Greenberg, cuyo respaldo hizo que el estilo recibiera una amplia atención y aprobación. Para consultar las colecciones estadounidenses con ejemplos de pintura en color de artistas estadounidenses, véase: Art Museums of America .

Artistas de primera generación

Mark Rothko, que nunca aceptó la etiqueta de «pintor de campos de color», se especializó en lienzos a gran escala que se hacían eco del color emocional aplicado como bloques de color flotando sobre fondos de color.

Un buen ejemplo es su obra «Magenta, negro, verde sobre naranja». Comentando el efecto de sus cuadros, dijo una vez: «Sólo me interesa expresar emociones humanas básicas - tragedia, éxtasis, fatalidad, etc. - y el hecho de que mucha gente rompa a llorar al contemplar mis cuadros demuestra que transmito esas emociones humanas básicas». Rothko alcanzó un gran éxito a mediados de la década de 1950, y en 1954 la revista Fortune lo calificó «de inversión prometedora». Véase también: Pinturas de Mark Rothko (1938-1970).

Clyfford Still, que creció en las extensiones de Dakota del Norte y el estado de Washington, es reconocido tradicionalmente como el primer artista del campo de color por una serie de obras que expuso en 1947. Estas obras se caracterizan por yuxtaposiciones de diferentes colores y destellos desiguales de color, así como por fuertes contrastes texturales de suavidad e impasto. Este estilo texturizado resultó más popular que las superficies lisas de Newman, y la reputación de Still creció espectacularmente en la década de 1950.

Robert Motherwell (1915-1991) produjo varias obras que combinaban los campos de las superficies pictóricas con el gesto (por ejemplo, «Elegía a la República Española») - Una mezcla de ambas direcciones en el Expresionismo Abstracto. Pero pinturas posteriores, como su Serie abierta de finales de los años sesenta, setenta y ochenta, encarnan únicamente el campo de color.

Barnett Newman empezó más tarde. En 1947 comisarió una exposición para la Betty Parsons Gallery titulada «Pintura ideográfica», que presentaba cuadros de Mark Rothko, Still y Hans Hofmann . El título de la exposición deriva de «ideografía», término que suele aplicarse a las marcas del arte rupestre prehistórico, que sugieren la idea de un objeto.

Newman buscaba una forma de arte que fuera más intemporal que algo tomado de la naturaleza que pudiera quedar obsoleto o corromperse. Al año siguiente escribió una explicación fundamental del campo cromático titulada «Sublime Now» (1948). Sostenía que, en tiempos de incertidumbre ética, los artistas debían esforzarse por alcanzar la belleza absoluta (lo sublime) en lugar de la belleza relativa. Sus obras suelen caracterizarse por zonas planas de color separadas por finas líneas verticales (las llamaba «rayos») - las ve como destellos de luz cósmica o de infinito.

Aunque en público Newman se adhirió a la idea de que sus obras eran no naturalistas y estrictamente no narrativas, más tarde les dio títulos que implicaban cierto contenido ilustrativo o narrativo - como en su pintura oscura (1949), que tituló Abraham . Su padre, fallecido en 1947, también se llamaba Abraham.

Desgraciadamente, el estilo minmalista de Newman resultó mucho menos popular que el lenguaje más expresivo de Pollock, De Kooning e incluso Rothko. Hasta mediados de la década de 1960 no alcanzó el reconocimiento como artista importante.

Jackson Pollock también produjo muchas obras no gestuales, entre las que destacan las pinturas semifigurativas de manchas negras de 1951 y las pinturas de manchas a todo color de 1952. Para entonces ya era el artista estadounidense más conocido.

La segunda generación de artistas del color

A finales de la década de 1950, fuertemente influidos por la obra de Helen Frankenthaler, un nuevo grupo de artistas -en particular Kenneth Noland, Morris Louis y Jules Olitski- adoptó un enfoque aún más formalista. Aunque sus predecesores en el campo del color, como Newman y Rothko, siempre habían dado prioridad a la coherencia de la forma y el proceso sobre el gesto, la pincelada y la aleatoriedad general, la nueva generación trató de eliminar todo rastro subjetivo de su obra, incluido cualquier rastro de pincelada.

En 1964, Clement denominó a este nuevo formalismo «abstracción pospictórica» y organizó una exposición especial de 30 representantes del nuevo estilo en el Los Angeles County Museum of Art .

Desprovistos de preocupaciones metafísicas y despreocupados por el carácter decorativo dominante en sus obras, estos nuevos artistas crearon un nuevo tipo de pintura superlisa, sin irregularidades de textura ni de forma. Además de los citados, entre los artistas del Colour Field de segunda generación se encuentran Al Held (nacido en 1928), Ellsworth Kelly (nacido en 1923) y Frank Stella (nacido en 1936). - los tres son más conocidos como exponentes de Hard Edge Painting - Joan Mitchell (1926-1992), Richard Diebenkorn (1922-1993), Jean Davis (1920-1985), y otros.

Decadencia

En la década de 1960, el movimiento pictórico formalista Colour Field (que Greenberg denominó Post-Painterly Abstraction) se dividió en grupos más pequeños como Washington Colour School, Hard-edge painting, Lyrical Abstraction, y Minimal Painting . La mayoría de estos grupos y movimientos siguieron persiguiendo una agenda reduccionista, tratando de purgar el arte del exceso de retórica y alusiones, a la vez que empleaban un uso psicológico y cuidadosamente planificado del color.

Por encima de todo, la generación de artistas de los campos de color de la década de 1960 presentó audazmente su abstracción como un fin en sí mismo. Estaba condenada al fracaso. Y así fue. A finales de los sesenta y principios de los setenta, esta aventura condujo a los expresionistas abstractos a un callejón sin salida llamado Minimalismo, que no les llevó a ninguna parte. (De hecho, les condujo al postminimalismo y a su feo vástago, el Process Art, que literalmente se estaba descomponiendo y evaporando)

En cuanto a los artistas que rehuyeron el minimalismo, fueron marginados por los nuevos géneros del arte posmoderno, como el vídeo y la instalación, así como por las variedades más sofisticadas del arte conceptual, como demuestra la lista de ganadores del Premio Turner. (Véase Arte contemporáneo .)

Mientras tanto, en Europa….

En Europa se produjo una fragmentación similar: el principal movimiento expresionista abstracto Art Informel, se fragmentó en muchos estilos y movimientos diferentes, como Tachismo, Art Non Figuratif, Lirismo Abstracto, y otros.

Las pinturas de Campo de Color se encuentran principalmente en museos de arte América.