Pintura holandesa del siglo XVII Traductor traducir

De vez en cuando un país experimenta un periodo de crecimiento artístico espectacular. En el caso de Holanda, esto ocurrió durante el Barroco holandés en el siglo XVII, cuando aparecieron artistas tan brillantes como Rembrandt y Vermeer. En concreto, esta época dorada de la pintura holandesa es famosa por lo que se conoció como «Realismo holandés», una forma muy detallada y veraz de retrato y pintura de género que resultó muy popular entre la clase media acomodada del país. Las mayores colecciones de obras de pintores realistas holandeses se encuentran en el Rijksmuseum de Ámsterdam y el Mauritshuis de La Haya.

Antecedentes históricos

En el siglo XVII, Holanda se convirtió en una gran potencia europea. Tras la firma de la Tregua de los Doce Años en 1609, las tierras septentrionales de los Países Bajos se independizaron del dominio español y entraron en un periodo de rico desarrollo cultural, económico y social. Ámsterdam ya había ocupado el lugar de Amberes en el comercio y la economía europeos; ahora era el centro de la banca. Se construyeron ricas casas mercantiles a lo largo de los numerosos canales, y una creciente clase de prósperos comerciantes y burgueses creó una demanda de modestos lujos. El cultivo de bulbos se convirtió en una importante fuente de riqueza.

A mediados de siglo, la armada holandesa empezó a amenazar el dominio de Inglaterra en los mares. A pesar del daño causado a las artes por la ruptura del país con el catolicismo, los artistas holandeses -especialmente de las escuelas de Amsterdam, Delft, Dordrecht, Haarlem, Leiden y Utrecht- hicieron importantes contribuciones a la historia del arte durante este siglo.

La influencia del protestantismo en la pintura fue al principio desastrosa. En Alemania, Holanda e Inglaterra parecía que no sobreviviría. Muchos protestantes consideraban idolatría las pinturas o representaciones de santos en las iglesias, y los artistas de estos países perdieron su fuente de ingresos más fiable y lucrativa: el retablo pintado . Los artistas (al menos en Holanda) tampoco podían encontrar trabajo en la decoración de lujosos palacios, pues los burgueses holandeses eran gente de pueblo sobria a la que no gustaba la ostentosa opulencia del sur católico. La ilustración de libros y los retratos parecían ser las únicas formas de ganarse la vida para un artista, y no parece que hubiera mucho mercado para ninguna de ellas.

Retrato holandés

Sin embargo, a medida que crecía la prosperidad, aumentaba la demanda de retratos: un burgomaestre digno que se convertía en burgomaestre se enorgullecía de ser retratado con las insignias de su cargo; los gobernantes de instituciones benéficas o los miembros de organizaciones cívicas -que eran muchas en la Holanda republicana- querían retratos de grupo para sus salas de juntas o para los lugares de reunión de sus gremios y empresas. Los artistas cuya obra gozaba de popularidad entre el público podían esperar subsistir con este tipo de pintura.

Frans Hals (1582-1666) fue uno de ellos. Flamenco de nacimiento, Hals se trasladó con sus padres protestantes a Holanda y pasó allí la mayor parte de su vida. Las deudas que Hals acumuló con un panadero y un zapatero dan fe de las desfavorables condiciones de trabajo del pintor holandés.

En su vejez (tenía más de 80 años cuando murió) se mantenía con la miseria que le daba el asilo de la ciudad, a cuyo consejo de administración le gustaba su retrato de grupo. El gran don de Hal era el retrato, especialmente su manera impresionista «, instantánea» de captar la expresión del rostro del retratado. El ánimo optimista y alegre con el que retrata a muchos de sus compatriotas refleja quizá la confianza de esta primera generación de holandeses libres.

El pintor neerlandés era como un comerciante que vendía productos que el público quería comprar. Si no tenía mecenas, debía confiar en el público. Al no tener talento para el retrato, no podía esperar encargos y tenía que recurrir a otros temas y otros métodos de trabajo. Primero tenía que pintar un cuadro y luego buscar un comprador. Ponía sus cuadros a la venta en mercados de arte o se dirigía a marchantes.

Como la competencia era muy dura, tendía a especializarse y concentrarse en un tipo o género de pintura que podía hacer bien o que el público esperaba que hiciera. Por ejemplo, Paulus Potter (1625-54) se ganó la reputación de ser el mejor pintor de vacas y otros animales.

Otros especialistas fueron artistas como Adrian van de Velde (1636-1672) o Jan van de Kappel (1642-1679), que -quizá como reflejo de la creciente importancia del poder naval holandés- se hicieron famosos por sus marinas; Jacob van Reisdal (1628-1682) y Meindert Hobbema (1638-1709), que pintaron paisajes. Jan Sten (1626-1679), que trabajó a nivel popular, y Gerard Terborch (1617-1681), caracterizado por un mayor refinamiento y elegancia, ofrecieron al público interiores domésticos con figuras generalmente envueltas en algún pequeño incidente. Este tipo de escenas domésticas, conocidas como pintura de género, se convirtió en una característica importante del arte holandés del siglo XVII.

Rembrandt: Pintor de hombres

Pero el artista más grande de la época, Rembrandt van Rijn (1606-1669), no se limitó a ninguno de estos géneros: su visión abarcaba multitud de temas, desde retratos de todo tipo hasta pintura de historia y arte bíblico . Sin embargo, Rembrandt sigue siendo esencialmente un pintor de personas: un pintor de rostros, emociones y personalidades.

Su carrera estuvo llena de contrastes: felizmente casado, próspero y famoso más allá de su Holanda natal, su éxito parecía asegurado en la década de 1620, pero cuando murió en 1669 no dejó tras de sí más que ropa vieja y algunos utensilios de pintura. Rembrandt no pintó a prelados y príncipes contemporáneos, sino a los habitantes de Ámsterdam, a miembros de su familia y, sobre todo, a sí mismo. Su notable serie de autorretratos nos dice mucho sobre el hombre, desde los días de su juventud y éxito hasta su solitaria vejez, cuando su rostro reflejaba la tragedia de la bancarrota y la miseria humana.

Rembrandt nunca fue a Italia ni viajó mucho, pero conocía el arte del Renacimiento italiano y el Barroco de Caravaggio y otros pintores italianos. En los días de su prosperidad también poseía cuadros italianos. Sin embargo, no le interesaban las bellas formas del arte italiano; de hecho, sus figuras -como las de Caravaggio- resultan a veces chocantes por su inesperada fealdad.

En el uso de la luz y la sombra (cf. técnica claroscuro, ejemplificada en su obra maestra «El Suicidio de Lucrecia», 1666, Minneapolis Institute of Art), así como en la agrupación de figuras en la composición, Rembrandt demuestra, que no rompió realmente con las tradiciones del arte renacentista, sino que nada podría ser más diferente en espíritu de (digamos) la pintura del Alto Renacimiento de Rafael que el arte cristiano maduro de Rembrandt con su naturalismo de la vida real . (Para más información sobre los dos enfoques principales, véase: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII 1600-1700).

Como devoto protestante, Rembrandt conocía bien la Biblia y penetraba hasta el corazón mismo de sus temas religiosos, ciñéndose estrictamente al texto, revelando el profundo significado interior de los acontecimientos representados y sin dejar nunca de revelar la verdadera humanidad de las figuras bíblicas, aportándoles su profundo psicologismo. Por ejemplo, sus monumentales cuadros «El regreso del hijo pródigo» (1666-9, Museo del Hermitage, San Petersburgo) y «Betsabé con la carta del rey David» (1654, Louvre, París).

Desde el principio demostró un talento natural para el retrato. En 1631 abandonó Leiden, donde había nacido hijo de un molinero y de la hija de un panadero, para trasladarse al bullicioso centro comercial de Ámsterdam y poco después se hizo famoso por su primer retrato de grupo a gran escala «Lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp» (1632, Mauritshuis, La Haya). La fuerte composición del cuadro, en la que las figuras se recortan sobre un fondo oscuro, y la presentación dramática y directa de la escena indican la influencia del maestro Pieter Lastmann, que trabajó en Italia. El hecho de que Rembrandt representara a estas figuras como un grupo tenso y muy unido distingue este cuadro de otros retratos contemporáneos de gremios, a menudo aburridos. (Para más información sobre la técnica pictórica dramática de Rembrandt, véase Tenebrismo y el movimiento italiano conocido como Caravaggismo de 1600-50, que influyó mucho en su obra).

Los mejores retratos de Rembrandt Los retratos de Rembrandt también incluyen una serie de sublimes retratos individuales. Entre ellos destacan Retrato de Agatha Bas (1641, Colección Real Británica) y Retrato de Jan VI (1654, Colección Privada, Amsterdam).

Desde este momento hasta su apogeo a finales de la década, la fama de Rembrandt creció y, al mismo tiempo que su éxito profesional, su posición social aumentó rápidamente gracias a su matrimonio con Saskia van Uylenburg, miembro de una acaudalada familia patricia. Rembrandt compró una casa y empezó a satisfacer su extravagante gusto coleccionista por los objetos extravagantes.

Tras la muerte de Saskia en 1642, las objeciones al creciente uso del claroscuro por parte de Rembrandt y su alejamiento de la tradición en la composición de su gran retrato de grupo «La compañía del capitán Frans Banning Kock», comúnmente conocido como «La ronda de noche» (1642, Rijksmuseum, Amsterdam), contribuyeron al declive de su popularidad entre el público.

Se endeudó y después de 14 años, en 1656, fue declarado en bancarrota. Su casa fue vendida y su colección subastada. Sólo la ayuda de su nueva compañera de vida, Hendrickje Stoffels, y de su hijo Titus le salvaron de la ruina total, pero ambos murieron antes que él y vivió, solo, hasta los sesenta y tres años.

En los años intermedios a la muerte de Saskia, Rembrandt se dedicó al arte religioso, a los paisajes y al estudio de los judíos de su barrio, muchos de los cuales utilizó en sus escenas bíblicas. Su compromiso con la naturaleza dio lugar a un gran número de dibujos y aguafuertes de la campiña holandesa, en los que desarrolló un «método taquigráfico» para registrar sus impresiones, en marcado contraste con la manera a menudo barroca de sus paisajes pintados.

Las últimas obras de Rembrandt adquirieron esa simplicidad natural, profundidad y penetración psicológica por las que es celebrado y venerado. «Vigilia nocturna» de 1642 marca una transición hacia su estilo tardío; en este cuadro abandonó la tradición del retrato de grupo, subordinando algunas de las figuras individuales en aras de una composición más dramática y unificada. Rembrandt elige el momento en que el tambor hace sonar la llamada a las armas y una compañía de burgueses se precipita por todos lados para unirse a sus líderes. De este modo, transforma un retrato de grupo estático en una animada asamblea. Otro retrato de grupo destacado es El Sindicato del gremio de los pañeros (Los Staalmeesters) (1662, Rijksmuseum, Amsterdam). Este encargo le fue concedido a Rembrandt después de su bancarrota, lo que indica que aún se le respetaba.

Las interpretaciones posteriores de Rembrandt de las escenas bíblicas también se apartan mucho de la tradición. El espectáculo y la pompa dan paso a una preocupación exclusiva por el significado interior y espiritual del acontecimiento, como en el cuadro «El regreso del hijo pródigo» , pintado entre 1668 y 1669. Toda la atención se centra en el encuentro de padre e hijo, la pose del padre inclinado sobre el hijo arrodillado expresa un perdón y una ternura extremos.

La misma profunda transmisión de sentimientos humanos y valores espirituales de ternura y confianza se produce en otro cuadro tardío - La novia judía (Rijksmuseum, Amsterdam) - pintado en 1665. El amor entre la pareja se transmite de forma conmovedora en sus expresiones y en el sencillo gesto de la dama de llevar la mano de su marido al corazón.

La pintura histórica de Rembrandt incluye algunas obras seculares notables. Entre ellas se encuentran «Aristóteles contemplando un busto de Homero» (1653, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) y «La conspiración de Claudio Civilis» (1661, Natmuseum, Estocolmo).

Jan Vermeer: Pintor de interiores fríos

Nada más diferente del arte de Rembrandt que los interiores controlados, moralistas y fríos creados por Jan Vermeer de Delft (1632-1675). La fría objetividad y pasividad de Vermeer es lo opuesto a la calidez e implicación humana de Rembrandt; mientras que Rembrandt produjo un gran número de obras, Vermeer fue lento en sus métodos de trabajo y tuvo muy pocas obras. No obstante, un soberbio dominio de la luz y la sombra caracteriza la obra de ambos artistas.

Hoy se considera a Vermeer el principal representante de la escuela realista holandesa de pintura de género y una figura clave del arte de la Reforma protestante en el norte de Europa. Pero nada de esto fue evidente durante su vida. De hecho, durante su vida no fue más que un artista de éxito moderado, y tras su muerte su obra cayó prácticamente en el olvido. Así fue hasta la publicación en 1866 de un ensayo del crítico de arte Tore Burger, que sacó a Vermeer del olvido.

Los mejores cuadros de género de Vermeer son La lechera (1660, Rijksmuseum, Amsterdam); Joven con jarra (1662, Metropolitan Museum of Art, Nueva York); El arte de la pintura: Alegoría (1666-73, Kunsthistorisches Museum, Viena), también llamado «El artista en su estudio» y «Alegoría de la pintura» ; y «La encajera» (1669-70, Louvre, París). Algunos de los interiores más bellos de Vermeer representan a mujeres en la intimidad de su habitación. Por ejemplo, Mujer sosteniendo una balanza (1663, National Gallery of Art, Washington); y Mujer con collar de perlas (1663, Antigua Galería, SMPK, Berlín).

Vermeer nació en Delft cuando Rembrandt tenía 26 años; pertenecía, pues, a la tercera generación de la gran época de la pintura holandesa. A mediados de siglo, los holandeses se habían acostumbrado a la tranquilidad, y la vitalidad optimista de los pintores anteriores, como Hals, dio paso a una tranquila sofisticación. El disfrute cultural de la música y la pintura es un tema frecuente en la obra de Vermeer. Óleos como Mujer tocando el laúd en una ventana (1664, Metropolitan Museum of Art, Nueva York); Concierto (1665, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston); Lección de música (1665, Colección Real) (también llamado «Dama y caballero en un virginal»); y Muchacha con flauta (c.1665, National Gallery, Washington, DC). 1666, National Gallery, Washington); todos ellos atestiguan el carácter más refinado de la vida social holandesa.

Casi todas las obras de género de Vermeer incluyen elementos figurativos -la excepción es «Callejuela» (1658, Rijksmuseum, Amsterdam)- y algunas rozan el retrato. Por ejemplo, Muchacha con pendiente de perla (1665, Mauritshuis, La Haya), conocida como «Mona Lisa del Norte» ; y Muchacha con sombrero rojo (1667, National Gallery of Art, Washington).

Otros importantes pintores holandeses de género fueron: Adriaen Brouwer (1605-1638), Adriaen van Ostade (1610-1685) y David Teniers el Joven (1610-1690), todos ellos conocidos por sus moralizantes «escenas de taberna» ; Gabriel Metsu (1629-1667), conocido por sus íntimas escenas domésticas; Samuel van Hoogstraten (1627-1678), conocido por sus interiores con una profunda perspectiva lineal; y Pieter de Hooch (1629-1683), que pintó interiores igualmente impersonales. Hendrik Terbruggen (1588-1629) también pintó algunas obras de género, aunque es más conocido por sus pinturas religiosas.

Bodegones holandeses

Como ya se ha señalado, tras la rebelión de Lutero contra la Iglesia de Roma (hacia 1517), la demanda de pinturas religiosas en la recién independizada República Protestante Holandesa disminuyó enormemente. Como ya hemos visto, esto condujo al crecimiento de la pintura de género y el retrato. Además, se abrió un tercer género, el bodegón, género favorecido por la popularidad entre los artistas del óleo, que permitía un mayor tratamiento de la pintura y, por tanto, un mayor detalle.

En muchos sentidos, la naturaleza muerta era la forma más pura del arte protestante, al menos en Holanda. Era una forma de pintura realista que atraía a los laboriosos propietarios holandeses y contenía una compleja mezcla de simbolismo religioso. Un tipo de bodegón (llamado vanitas) consistía en diversos arreglos de objetos cotidianos diseñados para recordar al espectador la fugacidad de la vida terrenal.

Entre los principales pintores holandeses de bodegones se encuentran: Frans Snijders (1579-1657), pintor de Amberes ; Pieter Claes (1597-1660), conocido por sus bodegones con desayuno ) ontbijtjes); Willem Claes Heda (1594-1680), Jan Davids de Hem (1606-1683) y Harmen van Steenwyk (1612-1656), conocidos por sus pinturas de vanitas; y Willem Kalf (1619-1693), más conocido por sus ostentosos bodegones ) pronkstilleven).

Interiores de iglesias holandesas

Otro tipo de pintura que se popularizó durante el Siglo de Oro holandés fue la representación de interiores de iglesias. El representante más importante, o al menos el más puro, de esta tendencia fue el jorobado Pieter Jans Sanredam (1597-1665), que fue el primer artista que realizó representaciones arquitectónicamente exactas de edificios en lugar de las invenciones «más fantasiosas» popularizadas por otros.

Otro representante destacado fue Emanuel de Witte (1615-1692), más conocido por su comprensión de la perspectiva lineal y su sentido de la atmósfera que por la precisa arquitectura de sus composiciones. Otros maestros menos conocidos son Gerard Haukgest (1600-1661) y Hendrik Cornelizzon van Vliet (1611-1675).

En 1672, el rey francés Luis XIV invadió Holanda. El avance francés fue detenido por Guillermo III, pero a pesar de este éxito, Holanda ya estaba decayendo como potencia mundial. Este declive se reflejó en su producción artística, y a finales de siglo «la edad de oro» de la pintura holandesa había terminado.

Para una lista de fechas importantes relacionadas con el desarrollo de las artes y la artesanía, véase: Cronología de la historia del arte (2,5 millones de años a.C. hasta la actualidad).