Pintura holandesa del siglo XVII. Traductor traducir
Para obtener una lista de fechas importantes sobre la evolución de las artes y oficios,
por favor mira: Historia de la línea de tiempo del arte (2.5 millones de BCE-presente).
Introducción
De vez en cuando, un país experimenta un período de espectacular crecimiento artístico. En el caso de Holanda, esto ocurrió durante la era de Arte barroco holandés en el siglo 17, con la aparición de pintores genios como Rembrandt y Vermeer. En particular, esta Edad de Oro de la pintura holandesa es famosa por lo que se conoce como " Realismo holandés "- una forma de vida real muy detallada arte de retrato y pintura de género, que demostró ser muy popular entre la clase media acomodada del país. Las mayores colecciones de obras de Artistas realistas holandeses estan en el Rijksmuseum, Amsterdam y el Mauritshuis En La Haya.
Antecedentes históricos
El siglo 17 vio el surgimiento de Holanda como una gran potencia europea. En la firma de la Tregua de los Doce Años en 1609, los estados del norte de los Países Bajos se independizaron del dominio español y entraron en un período de rico desarrollo cultural, económico y social. Amsterdam ya había tomado el lugar de Amberes en el comercio y la economía europea; ahora se convirtió en un centro bancario. Se construyeron hermosas casas mercantes a lo largo de sus numerosos canales y la creciente clase de comerciantes prósperos y burgueses crearon una demanda de modestos artículos de lujo. El cultivo de bulbos se convirtió en una importante fuente de riqueza. A mediados de siglo, la marina holandesa comenzaba a amenazar el dominio de los mares por parte de Inglaterra. A pesar del revés al arte que resultó de la ruptura del país con el catolicismo, los pintores holandeses, especialmente de las escuelas de Amsterdam, Delft, Dordrecht, Haarlem, Leiden y Utrecht, hicieron una contribución vital a la historia del Arte durante este siglo
El efecto del protestantismo en pintura Al principio fue catastrófico. En Alemania, Holanda e Inglaterra parecía que no podría sobrevivir. Muchos protestantes consideraron las imágenes o imágenes de los santos en las iglesias como idólatras populistas y los pintores en estos países perdieron su fuente de ingresos más confiable y lucrativa: la pintura retablo. Tampoco pudieron los artistas (al menos en Holanda) encontrar empleo en la decoración de suntuosos palacios, ya que los burgueses holandeses eran ciudadanos sobrios a los que no les gustaba lo que consideraban la ostentosa pompa del sur católico. Ilustración del libro y el retrato parecía ofrecer el único medio para que un artista se ganara la vida, y tampoco parecía haber un gran mercado para ninguno.
Pintura de retrato holandés
Sin embargo, con la creciente prosperidad, la demanda de retratos creció: un burgués digno que se había convertido en un burgomaestre estaría orgulloso de haber sido pintado en las insignias de su oficina; Los gobernadores de instituciones caritativas o miembros de organismos cívicos, de los cuales había muchos en la Holanda republicana, querían retratos grupales para sus salas de juntas o para los lugares de reunión de sus gremios y empresas. Aquellos artistas cuyo trabajo encontró el favor del público podrían esperar tener una existencia en este tipo de pintura.
Frans Hals (1582-1666) fue uno de esos artistas. Aunque flamenco de nacimiento, Hals se mudó a Holanda con sus padres protestantes y pasó la mayor parte de su vida allí. Las deudas que Hals acumuló con su panadero y zapatero demuestran las condiciones adversas de trabajo para un pintor holandés. Durante su vejez (tenía más de 80 años cuando murió) fue apoyado por una miseria dada por una casa de beneficencia municipal, cuya junta de gobernadores había quedado complacida con su retrato grupal. El gran regalo de Hal fue para el retrato, especialmente por su manera impresionista y ’instantánea’ de captar la expresión de una niñera. El humor optimista y jovial en el que retrata a muchos de sus compatriotas quizás representa la confianza de esta primera generación de holandeses libres.
Un artista holandés era como un comerciante que vendía los bienes que el público quería comprar. Si no tenía patrón, tenía que confiar en el público. Sin un talento para los retratos, no podía confiar en las comisiones y tuvo que recurrir a otros temas y a otros métodos de trabajo. Primero debe pintar su cuadro y luego tratar de encontrar un comprador. Ofrecería sus pinturas a la venta en los mercados de imágenes o iría a un distribuidor de imágenes. Como la competencia era dura, tendía a especializarse y concentrarse en un tipo o género de pintura que podía hacer bien o que el público esperaba de él. Paulus Potter (1625-54), por ejemplo, estableció una reputación como el principal pintor de vacas y otros animales.
Otros especialistas incluyeron pintores como Adriaen van de Velde (1636-72) o Jan van de Cappelle (1642-79) que, quizás reflejando la creciente importancia del poder marítimo holandés, se hicieron famosos por sus paisajes marinos; Jacob van Ruisdael (1628-82) y Meindert Hobbema (1638-1709) que hizo paisajes. Jan Steen (1626-79) en un nivel popular y Gerard Terborch (1617-81) con un mayor grado de sofisticación y elegancia, quienes ofrecieron al público interiores domésticos con figuras generalmente involucradas en algún pequeño incidente. Este tipo de escena cotidiana, conocida como pintura de género, se convirtió en una de las grandes características del arte holandés del siglo XVII.
Rembrandt: pintor de personas
Pero el mejor pintor de la época, Rembrandt van Rijn (1606-69) no se limitó a ninguno de estos géneros de pintura: su visión abarcaba muchos temas, desde retratos de todo tipo hasta pintura de historia y arte bíblico. Dicho esto, Rembrandt sigue siendo, esencialmente, un pintor de personas: un pintor de rostros, emociones y personalidades.
Su carrera estuvo llena de contrastes: felizmente casado, próspero y conocido más allá de los límites de su Holanda natal, su éxito parecía asegurado durante la década de 1620, pero cuando murió en 1669 no dejó otra propiedad que su ropa vieja y algunos implementos de pintura. Rembrandt no pintó prelados y príncipes contemporáneos, sino la gente de Amsterdam, miembros de su familia y, sobre todo, él mismo. Su notable serie de autorretratos nos cuenta mucho sobre el hombre, desde los días de su juventud y éxito hasta su vejez solitaria cuando su rostro traicionó la tragedia de la bancarrota y el sufrimiento humano.
Rembrandt nunca fue a Italia, ni viajó mucho, pero estaba familiarizado con el arte de Renacimiento italiano y la pintura barroca de Caravaggio y otros pintores italianos. En los días de su prosperidad también poseía pinturas italianas. Sin embargo, no le preocupaban las bellas formas del arte italiano; de hecho, sus figuras, como las de Caravaggio, a veces conmocionan por su inesperada fealdad. En su uso de la luz y la sombra (ver la técnica de claroscuro , ejemplificado por su obra maestra El suicidio de lucrecia , 1666, Minneapolis Institute of Arts), y en su agrupación de figuras en una composición, Rembrandt revela que realmente no rompió con la tradición de Arte renacentista, pero nada podría ser más diferente en espíritu de (digamos) la pintura del Alto Renacimiento de Rafael que la madura de Rembrandt Arte cristiano con su verdadera vida naturalismo. (Para obtener más información sobre los dos enfoques básicos, consulte: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII. 1600-1700.)
Como protestante devoto, Rembrandt estaba muy familiarizado con la Biblia y penetró directamente en el corazón de sus súbditos religiosos, adhiriéndose estrechamente al texto, sacando el profundo significado interno de los eventos que describió y nunca dejó de revelar la humanidad genuina de figuras bíblicas, trayendo a ellos su profundo conocimiento psicológico. Ver, por ejemplo, su monumental imagen. El regreso del hijo pródigo (1666-9, Museo del Hermitage, San Petersburgo) y Betsabé con la carta del rey David (1654, Louvre, París).
Desde el principio, demostró un talento natural para el retrato. En 1631 había dejado Leyden, donde nació, hijo de un molinero y la hija de un panadero, para ir al concurrido centro comercial de Ámsterdam y poco después se hizo famoso con su primer retrato grupal a gran escala. La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632, Mauritshuis, La Haya). La contundente composición de la pintura, en la que las figuras emergen de un fondo oscuro, y su presentación dramática y directa de la escena indican la influencia de su maestro Pieter Lastmann, que había trabajado en Italia. El tratamiento de Rembrandt de estas figuras como un grupo tenso y muy unido diferencia a esta pintura de otros retratos de gremios contemporáneos, a menudo aburridos. (Para más información sobre la técnica de pintura dramática de Rembrandt, vea Tenebrismo y la tendencia italiana conocida como Caravagismo 1600-50, los cuales fueron fuertes influencias en su trabajo.)
NOTA: Rembrandt’s mejores pinturas de retratos También incluye una serie de retratos individuales sublimes. Los principales son Portrait of Agatha Bas (1641, British Royal Collection) y Retrato de Jan Six (1654, Colección privada, Amsterdam).
Desde ahora hasta su punto culminante a fines de la década, la fama de Rembrandt aumentó y, simultáneamente, con el éxito profesional, se produjo un rápido ascenso en su posición social, a través del matrimonio con Saskia van Uylenburg, un miembro de una familia patricia adinerada. Rembrandt compró una casa y se permitió el gusto extravagante de su coleccionista por objetos extraños.
Después de la muerte de Saskia en 1642, las objeciones al uso cada vez mayor del claroscuro por parte de Rembrandt y a su desviación de la tradición en la composición de su gran retrato grupal, la Compañía del Capitán Frans Banning Cocq, comúnmente conocido como La guardia nocturna (1642, Rijksmuseum, Amsterdam) – contribuyó a una disminución de su popularidad entre el público. Se endeudó y 14 años después, en 1656, fue declarado en quiebra. Su casa fue vendida y su colección puesta en subasta. Solo la ayuda de su nuevo compañero de vida, Hendrickje Stoffels, y su hijo Titus lo salvaron de la ruina total, pero ambos murieron antes que él y él vivió, un hombre solitario, a la edad de sesenta y tres años.
Durante sus años intermedios después de la muerte de Saskia, Rembrandt recurrió a arte religioso, a paisajes y a estudios de los judíos de su vecindario, muchos de los cuales utilizó en sus escenas bíblicas. Su contacto con la naturaleza resultó en una gran cantidad de dibujos y grabados del campo holandés en el que desarrolló un método "taquigráfico" para registrar sus impresiones que contrasta notablemente con la manera frecuentemente barroca de sus paisajes pintados.
El trabajo posterior de Rembrandt adquirió esa simplicidad natural, profundidad y penetración psicológica por la cual es reconocido y venerado. Su Night Watch de 1642 marca el cambio hacia su estilo tardío; en esta pintura rompió con las convenciones del retrato grupal al subordinar algunas de las figuras individuales en interés de una composición más dramática y unificada. Rembrandt elige el momento en que el tambor hace sonar el llamado a las armas y la compañía de los burgueses surge de todos lados para unirse a sus líderes. De esta manera, transforma un retrato grupal estático en un ensamblaje animado. Otro destacado retrato grupal es Síndicos del gremio de los fabricantes de telas (The Staalmeesters) (1662, Rijksmuseum, Amsterdam). Esta comisión fue otorgada a Rembrandt después de su bancarrota, lo que indica el respeto que aún mandaba.
Las interpretaciones tardías de Rembrandt de las escenas bíblicas también se apartan fuertemente de la tradición. Lo espectacular y ornamentado da paso a una preocupación exclusiva por el significado espiritual interno del evento, como en su Retorno del Hijo Pródigo, pintado entre 1668 y 1669. Todo el énfasis se pone en el encuentro entre el padre y el hijo, el La postura del padre, mientras se inclina sobre su hijo arrodillado, comunicando el mayor perdón y ternura.
La misma comunicación profunda del sentimiento humano y los valores espirituales de ternura y confianza ocurre en otra pintura tardía: La novia judía (Rijksmuseum, Amsterdam) – pintado en 1665. El amor entre la pareja casada se transmite conmovedoramente en sus expresiones y en el simple gesto de la dama de presionar la mano de su esposo contra su corazón.
NOTA: La pintura histórica de Rembrandt incluye varias obras seculares maravillosas. Incluyen Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) y La conspiración de Claudio Civilis (1661, Nationalmuseum, Estocolmo).
Jan Vermeer: pintor de interiores geniales
Nada podría ser más diferente al arte de Rembrandt que los interiores controlados, moralistas y geniales creados por Jan Vermeer de Delft (1632-75). La fría objetividad y calidad pasiva de Vermeer es la antítesis de la calidez y la participación humana de Rembrandt; mientras que Rembrandt tuvo un rendimiento prodigioso, Vermeer fue lento en sus métodos de trabajo y tuvo un rendimiento muy pequeño. Sin embargo, un manejo excelente: la luz y la sombra son comunes en el trabajo de ambos pintores. Hoy, Vermeer es considerado como el miembro líder de la Escuela Realista Holandesa de Pintura de Género y una figura clave en Arte de la reforma protestante del norte de Europa. Pero nada de esto fue aparente durante su vida. De hecho, no era más que un pintor moderadamente exitoso cuando estaba vivo, y cuando murió su trabajo fue olvidado en gran medida. Eso es hasta la publicación de un ensayo en 1866 del crítico de arte Thore Burger, que sacó a Vermeer de la oscuridad.
Las mejores pinturas de género de Vermeer incluyen: La lechera (1660, Rijksmuseum, Amsterdam); Mujer joven con una jarra de agua / jarra (1662, Metropolitan Museum of Art, Nueva York); El arte de la pintura: una alegoría (1666-73, Kunsthistorisches Museum, Viena), también llamado El artista en su estudio y La alegoría de la pintura; y La encajera (1669-70, Louvre, París). Algunos de los interiores más bellos de Vermeer retratan a las mujeres en la privacidad de su habitación. Ver, por ejemplo, Mujer sosteniendo un equilibrio (1663, Galería Nacional de Arte, Washington); y Mujer con collar de perlas (1663, Gemaldegalerie, SMPK, Berlín).
Vermeer nació en Delft cuando Rembrandt tenía 26 años; Perteneció así a la tercera generación de la gran era de la pintura holandesa. A mediados de siglo, los holandeses se habían acostumbrado a la paz, y la vitalidad optimista de un pintor anterior como Hals dio paso a un refinamiento silencioso. El disfrute culto de la música y la pintura es un tema frecuente del trabajo de Vermeer. Pinturas al óleo como Mujer tocando un laúd cerca de una ventana (1664, Metropolitan Museum, NY); El concierto (1665, Museo Isabella Stewart Gardner, Boston); The Music Lesson (1665, Royal Collection) (también llamada Lady and Gentleman at the Virginals); y Chica con flauta (c. 1666, Galería Nacional, Washington DC); todos indican la naturaleza más sofisticada de la vida social holandesa.
Casi todas las obras de género de Vermeer incluyen un elemento figurativo, una excepción es La pequeña calle (1658, Rijksmuseum, Amsterdam) – y algo al borde del retrato. Ver, por ejemplo, Chica con un arete de perla (1665, Mauritshuis, La Haya) conocida como la "Mona Lisa del Norte"; y Chica con un sombrero rojo (1667, Galería Nacional de Arte, Washington DC).
Otros pintores de género holandeses importantes incluyen: Adriaen Brouwer (1605-38) Adriaen van Ostade (1610-85) y David Teniers el Joven (1610-90), todos conocidos por sus moralizantes ’escenas de taberna’; Gabriel Metsu (1629-67) destaca por sus escenas domésticas íntimas; Samuel van Hoogstraten (1627-78), famoso por sus interiores con perspectiva lineal profunda; y Pieter de Hooch (1629-83) que pintó interiores igualmente impersonales. Hendrik Terbrugghen (1588-1629) también produjo algunas excelentes obras de género, aunque fue mejor conocido por sus pinturas religiosas.
Pintura holandesa de bodegones
Como se señaló anteriormente, después de la revuelta de Lutero contra la Iglesia de Roma (c.1517), la demanda de pinturas religiosas sufrió un grave declive en la nueva República protestante holandesa independiente. Como hemos visto, esto condujo a un aumento tanto en la pintura de género como en los retratos. Además, abrió un tercer género, a saber Pintura de bodegones – un género que fue alentado por la popularidad entre los artistas de pintura al óleo, lo que permitió una mayor reelaboración de una imagen y, por lo tanto, detalles más finos.
En muchos sentidos, la naturaleza muerta era la forma más pura del arte protestante, al menos en Holanda. Era una forma de pintura con los pies en la tierra, que atraía a los propietarios holandeses trabajadores y contenía una compleja mezcla de simbolismo religioso. Una forma particular de naturaleza muerta (llamada pintura de vanitas) consistía en diferentes disposiciones de objetos domésticos diseñados para recordar al espectador la fugacidad de la vida en la tierra.
Los principales pintores de bodegones en los Países Bajos incluyen: el artista de Amberes Frans Snyders (1579-1657); Pieter Claesz (1597-1660), conocido por su desayuno bodegones ) ontbijtjes); Willem Claesz Heda (1594-1680) Jan Davidsz de Heem (1606-83) y Harmen van Steenwyck (1612-56), todos famosos por sus pinturas de vanitas; y Willem Kalf (1619-93), mejor conocido por sus bodegones ostentosos ) pronkstilleven).
Interiores de la iglesia holandesa
Otro tipo de pintura que se hizo popular durante la Edad de Oro holandesa fue la representación de los interiores de las iglesias. El mayor, o al menos más puro, exponente de esto fue el jorobado Pieter Jansz Saenredam (1597-1665), quien fue el primer artista en producir representaciones arquitectónicas fieles de los edificios, en lugar de los "inventos" más imaginativos popularizados por otros. Otro exponente destacado fue Emanuel de Witte (1615-1692), mejor conocido por su comprensión de perspectiva lineal y su sentido de la atmósfera, en lugar de la arquitectura precisa de sus composiciones. Los practicantes menores incluyeron a Gerard Houckgeest (1600-61) y Hendrick Corneliszoon van Vliet (1611-75).
En 1672, el rey francés Luis XIV invadió Holanda. El avance francés fue controlado por Guillermo III pero, a pesar de este éxito, Holanda ya estaba declinando como potencia mundial. Esta disminución se reflejó en su producción artística y para finales de siglo la "edad de oro" de la pintura holandesa había terminado.
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