Pintura del Renacimiento Temprano, Italia Traductor traducir

El arte del Renacimiento temprano en Italia fue principalmente un periodo de experimentación, caracterizado por los estilos de artistas individuales más que por una tendencia única, como en el caso del Alto Renacimiento (c. 1490-1530) o el Manierismo (c. 1530-1600). La pintura del Renacimiento temprano creció en Florencia, desde donde se extendió a ciudades como Urbino, Ferrara, Padua, Mantua, Milán y Venecia a partir de mediados de siglo.

El Renacimiento temprano en Italia: características (c. 1400-1490)

El clima político de la Italia renacentista era a menudo inestable, aunque Florencia ofrecía un entorno intelectual y cultural muy favorable al desarrollo de las artes. El clima filosófico del humanismo, por ejemplo, favoreció la tendencia, evidente en la pintura florentina ya con Giotto (1270-1337), a ver el mundo en términos humanos.

A principios del Quatrocento, Mazaccio (1401-1428), en su cuadro La expulsión del Jardín del Edén (Capilla Brancacci, Santa Maria del Carmine, Florencia), enfatizó una perspectiva exclusivamente humana en lugar de teológica. Del mismo modo, tanto Mazaccio en su fresco «Santísima Trinidad» (Santa Maria Novella, Florencia) como Fra Angelico (c. 1400-55) en su retablo de San Marcos parecen haber prestado mucha más atención a las relaciones humanas entre las figuras que a los aspectos puramente devocionales de la composición. Del mismo modo, el pintor renacentista prestó cada vez más atención a la relación entre el cuadro y el observador.

Este aspecto concreto dependió en gran medida de la invención del sistema de perspectiva lineal de un solo punto , que a su vez surgió de nuevos conocimientos y de una nueva visión del mundo. El sistema empírico, desarrollado como resultado de los estudios matemáticos del arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446), recibió forma teórica y aplicación universal de Leon Battista Alberti (1404-1472) en su tratado sobre las bellas artes titulado Della Pittura .

Según el sistema de Alberti, todas las partes de un cuadro guardan una relación racional entre sí y con el espectador, ya que la distancia a la que éste debe situarse del cuadro es controlada por el artista en la organización de la perspectiva. Mediante este sistema, el microcosmos del cuadro y el mundo del observador se unifican visualmente, y el espectador parece participar en lo que observa. Para reforzar la ilusión del cuadro como ventana al mundo, los artistas del Quatrocento estudiaron los efectos de la luz en la naturaleza y la mejor manera de representarlos en un cuadro, así como la anatomía humana y el mundo que les rodeaba. Estas características distinguen esencialmente la pintura del Renacimiento temprano de la pintura gótica tardía en Italia.

Nota: Gran parte de los primeros trabajos sobre la atribución de pinturas fueron realizados por el historiador del arte Bernard Berenson (1865-1959), que vivió la mayor parte de su vida cerca de Florencia y publicó una serie de obras muy influyentes sobre el Renacimiento italiano en todo el país.

Tommaso Mazaccio (1401-1428)

No es de extrañar que Mazaccio sea conocido como el padre de la pintura renacentista, ya que todos los pintores importantes de los siglos XV y XVI en Florencia empezaron estudiando los frescos de Mazaccio. Mazaccio es el heredero artístico de la tradición de Giotto, pero su obra no se inspira directamente en la del maestro anterior. Mazaccio fue también amigo de Brunelleschi, quien pudo haberle enseñado la perspectiva y la creación de espacios racionalmente articulados. También fue amigo del escultor florentino Donatello (1386-1466), de quien pudo aprender la eficacia de los pliegues sencillos sobre una figura poderosa.

Sean cuales sean sus recursos creativos, las obras que se conservan de Mazaccio demuestran que le interesaban las figuras sencillas vestidas con paños sencillos. También le preocupaba la luz y cómo ésta creaba la ilusión de la masividad de la figura pintada. En sus cuadros creaba un espacio claro y bien organizado y, sobre todo, procuraba crear personajes humanos que realizaran algún tipo de actividad humana intencionada.

La única obra suya que puede fecharse claramente es el Retablo de Pisa de 1426 (del que el panel central que representa a la Virgen con el Niño Jesús y los ángeles, actualmente colgado en la National Gallery de Londres, es la parte más grande). Aunque Mazaccio siguió la tradición medieval del fondo dorado, los elementos arquitectónicos del trono muestran la influencia de la antigua Roma. Además, su Virgen ya no es una graciosa reina celestial, sino una madre terrenal con un niño en su regazo. La figura del Niño Jesús es una clara demostración de cómo la luz y la sombra pueden manipularse en la pintura para crear la ilusión de un cuerpo tridimensional.

En este cuadro, Mazaccio sentó las bases de uno de los principales temas de la pintura florentina. Su énfasis en la figura escultóricamente concebida, bañada en luz y ejecutada de forma clara y sencilla, permite una obra de serena dignidad y gran monumentalidad en el sentido de que parece más grande de lo que es.

La gran serie de frescos de Mazaccio de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine de Florencia añade otra dimensión al arte del Renacimiento temprano. En este ciclo narrativo sobre la vida de San Pedro, eligió el momento más importante de la narración y luego plasmó el drama, dejando al descubierto las reacciones humanas ante él. En estas obras, Mazaccio también demostró su sentido del mundo real, ya que la luz de las pinturas, indicada por sus sombras, coincide con la luz natural que cae sobre las paredes de la capilla.

La Santísima Trinidad (1428) en Santa Maria Novella, Florencia, resume espectacularmente la corta carrera de Mazaccio, así como la estética de la pintura del Renacimiento temprano. Las figuras escultóricas han adquirido una dignidad aún mayor. El dramatismo de la obra está representado en las conmovedoras expresiones humanas cuando la Virgen se vuelve hacia el observador para señalar a su Hijo crucificado. Además de utilizar la luz para unir el espacio del cuadro con el del espectador, Mazaccio también utiliza lo que parece ser el primer ejemplo de perspectiva de punto único, formulada posteriormente por Alberti. Todos los elevados objetivos de la pintura del Renacimiento temprano están presentes en esta obra: simplicidad, poder, monumentalidad; el hombre como observador y participante.

Mazaccio no tuvo seguidores inmediatos de igual calibre, aunque hubo un grupo de otros pintores florentinos de aproximadamente la misma edad que Mazaccio, a saber: Fra Filippo Lippi, Fra Angelico y Paolo Uccello, que más o menos siguieron sus pasos. El innovador maestro sienés Giovanni di Paolo (c. 1400-82), conocido por sus pequeños paneles religiosos, fue otro contemporáneo de Mazaccio.

Fra Filippo Lippi (c. 1406-69)

Fra Filippo Lippi fue un monje carmelita florentino que pasó su juventud y el comienzo de su vida adulta en el monasterio de Santa Maria del Carmine, donde las pinturas religiosas de Mazaccio estaban ante sus ojos todos los días. La obra más temprana de Lippi, Virgen con el Niño (1437) de Tarquinia Corneto, se inspira en la Virgen del retablo pisano, pero ya en su Cristo Fra Filippo muestra una terrenalidad y una dulzura conmovedoras que no se encuentran en ninguna de las obras de Mazaccio. La Virgen con el Niño y dos ángeles (Uffizi, Florencia), con sus ángeles en forma de erizo y su elegante Virgen, es quizá una de sus obras tardías más conocidas: La colocación de la Virgen junto a una ventana abierta es una característica clave de los retratos renacentistas posteriores -véase «Mona Lisa» de Leonardo da Vinci (1503-6)-, mientras que la elegancia y gracia de la Virgen María encontró su máxima expresión en la obra del alumno de Lippi, Alessandro Botticelli (1445-1510).

Fra Angelico (1400-1455)

Fra Angelico nació poco antes que Masaccio y fue un fraile dominico que vivió en Fiesole y en el monasterio de Silvestrina, en San Marcos de Florencia. Su primer cuadro, el Retablo Linaioli (Museo San Marco, Florencia) de 1433, se inscribe en la tradición del arte gótico medieval , aunque los santos masculinos de los paneles laterales revelan ya la influencia de Mazaccio.

El retablo que realizó en 1438-1440 para el altar mayor de San Marcos es un hito del primer Renacimiento florentino . Representa la primera aparición en Florencia de una conversación sagrada, en la que ángeles, santos y a veces donantes se sitúan en el mismo espacio que la Virgen y el Niño Jesús, y en la que los sujetos parecen mantener una conversación.

Además de ejemplificar una nueva fase del arte religioso, el retablo revela la influencia de Masaccio en el estilo escultórico de las figuras y una comprensión precisa de las teorías de Alberti sobre la perspectiva. Por la misma época, Fra Angelico recibió el encargo de decorar las habitaciones de los monjes de San Marcos con pinturas piadosas tradicionales, lo que le permitió ejecutar algunas de sus mejores obras. Por ejemplo, el cuadro Anunciación (1450), que pintó para el corredor norte del monasterio, es probablemente su mejor versión de este tema tradicional. Siguió este proyecto con pinturas en la Capilla de Nicolás V en el Vaticano.

Paolo Uccello (1397-1475)

La reputación de Paolo Uccello como uno de los primeros exponentes de la perspectiva tiende a eclipsar su inmenso talento en las artes decorativas. El estudio de sus cuadros demuestra que se interesaba más por la óptica medieval que por el sistema matemático de perspectiva preconizado por Alberti y Brunelleschi.

Su primera obra conocida, un fresco de 1436 «Sir John Hawkwood» en la catedral de Florencia, es una obra decorativa de muy alto nivel. Uccello es más conocido por los tres paneles que componen su famoso cuadro «La batalla de San Romano» (1438-55), pintado para el palacio de los Médicis (actualmente en el Louvre, París; la National Gallery, Londres; y los Uffizi). Las pinturas estaban destinadas a decorar paredes y, como tales, se asemejan a tapices: A Uccello sólo le interesa crear un pequeño espacio a modo de caja para la acción, ya que completa el fondo con una composición de personas y animales a modo de tapiz. Su principal preocupación es la disposición rítmica de los elementos de la composición sobre la superficie, que acentúa mediante la repetición de arcos y círculos.

El énfasis de Uccello en los aspectos decorativos y lineales de la pintura tuvo una influencia significativa en los pintores florentinos del cassone (pecho) y encontró su mayor defensor en el maestro florentino Botticelli. Véase también su obra tardía «Caza en el bosque» (1470), en el Ashmolean Museum, Oxford.

Andrea del Castagno (1420-1457)

Masaccio fue quizás la mayor influencia para tres jóvenes artistas, Castagno, Domenico Veneziano y Piero della Francesca. El breve Andrea del Castagno (1420-1457) fue el líder del grupo. Su Última Cena (1447) para el antiguo monasterio de Sant’Apollonia en Florencia muestra claramente la influencia de Masaccio en la escultura de figuras, el trabajo con la luz y la creación de un espacio creíble y racionalmente diseñado. Castagno muestra también un interés pedante por la Antigüedad, utilizando esfinges en los extremos de los bancos y paneles ficticios de mármol en la pared del fondo que son réplicas exactas de artefactos romanos.

El estilo de Castagno cambió radicalmente en su último periodo, evolucionando hacia un intenso emocionalismo expresivo que -curiosamente- es paralelo a una evolución similar en las obras de sus contemporáneos. Inicialmente, por ejemplo, su cuadro «La Trinidad apareciéndose a los santos Jerónimo, Pablo y Eustoquio» (1455) en la iglesia florentina de la Santissima Annunziata fue ejecutado con figuras tranquilas y aplomadas, como demuestra la pintura inferior. En la obra terminada, sin embargo, las figuras, aunque concebidas escultóricamente, resultan inquietantes en la figura demacrada de San Jerónimo y en el cuerpo radicalmente concebido de Cristo crucificado.

El optimismo, la racionalidad y el equilibrado dramatismo humano del Renacimiento anterior en Florencia iban a ser sustituidos por un estilo más personal, expresivo y lineal.

Domenico Veneziano (1416-1461)

Otro rasgo de esta nueva tendencia puede rastrearse en la obra del enigmático Domenico Veneziano . Su nombre indica que era natural de Venecia, y consta que llegó a Florencia en 1438. Se relacionó con Fra Angelico y Andrea del Castagno, y participó en la formación del joven Piero della Francesca.

El Retablo de Santa Lucía de Veneciano (c. 1445-50, Uffizi) es un ejemplo del género de la conversación sagrada y es claramente deudor tanto de la pintura de Mazaccio como de la escultura anterior del florentino Nanni di Banco (1375-1421). Sin embargo, el color del retablo es propio de Domenico y no está relacionado con la tradición florentina. La combinación de verde claro y rosa y la tonalidad clara apuntan al Renacimiento veneciano y a su formación inicial en esa ciudad. Además, al bajar el punto de fuga para que las figuras parezcan elevarse por encima del observador, la monumentalidad del cuadro aumenta, pero la sensación de implicación del observador en el cuadro disminuye en consecuencia.

Piero della Francesca (1415-1492)

Tras recibir su primera formación artística en Florencia, Piero della Francesca pasó la mayor parte de su carrera como pintor fuera de la ciudad, en lugares como Urbino, Arezzo, Rímini y su Borgo San Sepolcro natal en Umbría. Su obra maestra más famosa Flagelación de Cristo (1450-60), actualmente en la Galleria Nazionale delle Marche, Urbino, muestra un gran interés por las matemáticas, la perspectiva y la proporción.

Las figuras escultóricas están dispuestas en un espacio claro y racional e inundadas de una luz fresca. Esto les confiere una serena dignidad que sólo puede compararse con la escultura griega antigua. Una tendencia similar se aprecia en el ciclo de frescos de Piero en la iglesia de San Francesco de Arezzo. El enfoque pictórico de Piero della Francesca influyó notablemente en artistas más jóvenes, como el especialista en escorzos y cuadraturista Melozzo da Forli (1438-1494).

Entre 1465-75 se produjo un paréntesis temporal en la pintura renacentista florentina. Todos los artistas más veteranos habían fallecido, y los destinados a dominar la segunda mitad del siglo eran demasiado jóvenes para tener un contacto duradero con ellos. Tres de estos jóvenes artistas, Antonio Pollaiuolo, Alessandro Botticelli y Andrea del Verrocchio, comenzaron sus carreras como orfebres, lo que explica el énfasis lineal y decorativo y el sentido del movimiento evidentes en la pintura florentina de finales del Quatrocento .

Antonio Pollaiuolo (1432-1498)

Además de orfebre, Antonio Pollaiuolo fue escultor, pintor, grabador y arquitecto. Su obra muestra una fascinación por los músculos en acción, y se dice que fue el primer artista que diseccionó el cuerpo humano. En el famoso retablo «Martirio de San Sebastián» (1475, National Gallery, Londres) muestra a arqueros de ambos bandos para demostrar su actividad muscular. Su escultura «Hércules y Anteo», al igual que el grabado «Batalla de los desnudos», representa una lucha violenta. «Rapto de Deianira» (Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut) hace hincapié en otro elemento nuevo de la pintura florentina, a saber, la ambientación paisajística, en este caso una hermosa vista del valle del Arno con Florencia al fondo.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Un interés similar por las figuras en movimiento, la sensación de movimiento a través de la superficie pictórica y el paisaje puede encontrarse en las primeras obras de Botticelli, uno de los muchos grandes artistas patrocinados por la familia Medici de Florencia . En su célebre obra «Primavera» (1482-3, Uffizi) utiliza la línea en la representación del cabello, el ondear de las cortinas y el contorno de una mano para transmitir el movimiento de las figuras. Al mismo tiempo, el flujo de las figuras crea un movimiento lineal a través de la superficie del cuadro, subiendo y bajando.

Efectos similares de movimiento se aprecian en otra de sus obras maestras «Nacimiento de Venus» (1484-6) Uffizi, Florencia). Los famosos cuadros de Botticelli «Virgen con el Niño» muestran una dulzura que puede tomarse prestada de Fra Filippo Lippi, así como su propio sentido de la elegancia. Desgraciadamente, tras el terror y el caos instigados por el fanático reformador religioso Girolamo Savonarola, Botticelli sufrió supuestamente una crisis nerviosa: este acontecimiento le llevó a adoptar un estilo pictórico más emocional y abiertamente devoto que negaba de hecho casi toda la estética del arte renacentista.

Otros artistas del Renacimiento temprano en Florencia

Entre los artistas florentinos activos a finales del siglo XV se encuentran Andrea del Verrocchio (1435-1488), más conocido por ser el maestro de Leonardo da Vinci (1452-1519) y Perugino (1445-1523), conocido por su fresco de la Capilla Sixtina «Cristo entregando las llaves a San Pedro» (1482). También estaba el hijo de Filippo Lippi, Filippo Lippi Filippino Lippi (1457-1504), que se convirtió en discípulo de Botticelli tras la muerte de su padre. Filippino Lippi fue responsable de un grupo de Madonnas, que podrían confundirse fácilmente con obras del propio Botticelli. Sin embargo, hacia 1485 había desarrollado un estilo pictórico bastante agitado, como muestra su obra maestra, la expresiva «Visión de San Bernardo» en Badia, Florencia. Sus obras posteriores, como la serie de frescos de Santa Maria Novella (1502), se caracterizan por el color y la distorsión de las formas, que pueden haber influido en el desarrollo del manierismo unas dos décadas más tarde.

Otra figura activa en Florencia en las últimas décadas del siglo XV fue Domenico Ghirlandaio (1449-1494), un prolífico y popular pintor de frescos cuya carrera artística transcurrió como cronista de la vida florentina. Sus pinturas sobre el tema «Vida de la Virgen» en Santa Maria Novella (c. 1485-90) pueden entenderse como la vida de una joven florentina, así como una narración religiosa. Su arte, aunque ya anticuado, contribuyó a formar a un gran número de artistas florentinos, entre ellos Miguel Ángel (creador de los frescos monumentales «Génesis» y «Juicio Final» en la Capilla Sixtina), en la sofisticada práctica de la pintura al fresco. Véase también su gran retrato humanista Anciano con muchacho (1490, Louvre, París).

El Renacimiento florentino se extiende

A mediados de siglo, los descubrimientos y experimentos artísticos de la Florencia del quatrocento ya habían empezado a extenderse por Italia. En Siena, sin embargo, su influencia fue insignificante, pues en general la escuela pictórica sienesa mantuvo las tradiciones decorativas conservadoras del gótico internacional, tanto en la pintura sobre tabla y los retablos como en las iluminaciones del gótico internacional . En Ferrara, sin embargo, Cosimo Tura, Ercole de Roberti y Francesco del Cossa recibieron la influencia de Florencia a través de la obra de Piero della Francesca y Andrea del Castagno.

Mientras tanto, los centros de Padua y Venecia produjeron artistas cuya interpretación y refinamiento de las técnicas florentinas empezaron a desafiar la supremacía de la capital renacentista.

Andrea Mantegna (1430-1506)

Andrea Mantegna recibió una gran influencia de las enseñanzas de su maestro Francesco Squarcione (1395-1468), del arte antiguo que le rodeaba y de la escultura creada por Donatello en Padua. Los frescos que pintó en 1455 en la capilla Ovetari de la iglesia Eremitani de Padua (perdida durante la II Guerra Mundial) se basaban en la tradición de Florencia, aunque recibieron su interpretación particular. Por ejemplo, su espacio pictórico, aunque similar al de Florencia, tiene una línea de horizonte más baja, lo que confiere a sus figuras una mayor monumentalidad. Las propias figuras están modeladas a partir de prototipos romanos, a la manera general de Donatello. Su elegancia decorativa deriva de la antigüedad y de la formación casi arqueológica que recibió de Squarcione.

Hacia 1460, Mantegna se encontraba en el palacio ducal de Mantua, donde se convirtió en el pintor oficial de la familia Gonzaga, realizando varios retratos de grupo de la familia. Y lo que es más importante, realizó una serie de obras maestras del ilusionismo, como los frescos «Camera degli Sposi» de la llamada cámara nupcial del palacio. Estas pinturas al fresco transformaron la cámara con color y espacio extra, utilizando la técnica de ilusión óptica trompe l’oeil, conocida como quadratura . Su comprensión de la perspectiva, demostrada en su dominio del escorzo (véase su Lamento sobre Cristo muerto, 1470-80, Pinacoteca di Brera, Milán), junto con sus retablos y grabados, aseguraron su supremacía artística en el norte de Italia.

La familia Bellini - Venecia

La familia Bellini de Venecia fue una de las grandes dinastías del arte italiano. Jacopo Bellini (c. 1400-71), el padre, antiguo alumno de Gentile da Fabriano (c. 1370-1427), tenía un estilo que combinaba el rico realismo de la pintura flamenca con la estética renacentista. Le sucedieron sus hijos Gentile Bellini (1430/5-1507) y Giovanni Bellini (1430/5-1516), que juntos dominaron eficazmente la pintura veneciana hasta principios del siglo XVI.

El primero es conocido sobre todo por sus procesiones religiosas venecianas y sus retratos de dux y sultanes, que influyeron en Vittore Carpaccio (1460-1525). Giovanni estuvo muy influido por su cuñado Mantegna, así como por la pintura al óleo del Renacimiento holandés. El estilo individual que desarrolló a partir de 1480, aproximadamente, ejerció una gran influencia en la obra de los pintores venecianos posteriores. Sus principales características, que incluyen la creación de una suave luz veneciana difusa que suaviza los contornos y crea un ambiente elegíaco, sólo podían lograrse con óleo. Su «Virgen Ascendida de San Giobbe» (c. 1488, Galleria dell’Accademia di Venezia) definió una composición y un método de pintura que perduraron en la pintura veneciana durante siglos. Su sentido de la pintura de paisaje fue también excepcional.

En su cuadro «Éxtasis de San Francisco» (c. 1480, Frick Collection, Nueva York), la mirada del observador se aleja del santo y su celda hacia el paisaje lejano. Véase. también su «Dux Leonardo Loredan» (1502, National Gallery, Londres) y «Retablo de San Zaccaria» (1505) de la iglesia de San Zaccaria, VeneciaEntre los artistas venecianos especialmente influidos por Giovanni Bellini figuran Lorenzo Lotto (1480-1556), Giorgione (1477-1510) y Tiziano (1488-1576).

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Los logros y contradicciones de la pintura florentina del siglo XV se plasmaron y transformaron simultáneamente en el arte del primer verdadero genio del Renacimiento, Leonardo da Vinci . Aunque dedicó mucha energía a su tratado sobre la teoría y la práctica de la pintura, lo que más le interesaba era la apariencia de las cosas y cómo actuaban. Esta intensa curiosidad, a su vez, le llevó a dedicar mucho tiempo al estudio de todo tipo de fenómenos naturales y mecánicos, incluidas las plantas, la anatomía humana y otros. Su notable talento para el dibujo le permitió captar los resultados de estos estudios y aplicarlos a su arte. Por desgracia, su correspondiente sentido del perfeccionismo rara vez le permitía completar una obra de arte a tiempo.

En su aprendizaje con Andrea del Verrocchio, Leonardo aprendió dibujo, la preparación y mezcla de pigmentos colorantes, y pintura. Dado que Verrocchio era también un hábil orfebre, el joven Leonardo aprendió sin duda a esculpir en cera y arcilla y a fundir esculturas de bronce. También se inició en la escultura en mármol, aunque más tarde confesó que no le gustaba este difícil oficio.

El talento de Leonardo ya era evidente en el cuadro «El Bautismo de Cristo» (c. 1474-75, Uffizi, Florencia), que pintó en colaboración con Verrocchio: sus propias aportaciones son el paisaje y la figura del ángel. El retablo inacabado «Adoración de los Magos» (1481, Uffizi), destinado al monasterio de San Donato a Scopeto cerca de Florencia, junto con los dibujos preparatorios, es a la vez un resumen del arte florentino del siglo XV y una previsión de lo que vendría en el Alto Renacimiento.

Aunque es claramente deudora de las composiciones racionales del anterior Quatrocento desarrolladas a partir de su bien desarrollado sentido de la perspectiva, «La Adoración de los Magos» de Leonardo va mucho más allá. Sintetiza muchas de las tendencias multidireccionales del Renacimiento florentino, y su composición es a la vez ordenada y libre, tranquila y llena de movimiento. Las figuras están dispuestas en un espacio suelto pero reglamentado, creando una sensación de grandeza y expansión. Sólo se puede adivinar el aspecto que tendría la obra una vez terminada, pero el trabajo realizado -junto con la pintura preparatoria de las figuras y los elementos del paisaje- demuestra una maestría y una innovación que sólo un grupo de jóvenes artistas que surgieron unos 20-25 años más tarde comprendieron.

En 1481 Leonardo comenzó una estancia de 18 años en Milán, trabajando principalmente al servicio del duque Ludovico Sforza (Il Moro), para quien ejecutó varias pinturas y muchos dibujos, comenzó un monumento ecuestre inacabado a la dinastía ducal, diseñó un nuevo sistema de canales para la ciudad, diseñó trajes teatrales para diversas representaciones y escribió extensamente en sus cuadernos. Su cuadro Virgen en las rocas (c. 1483-5, versión del Louvre) se sitúa en el umbral del Alto Renacimiento.

En esta obra introduce la composición piramidal (también utilizada por Rafael) que se convertiría en un sello distintivo de la pintura del Alto Renacimiento. Su sutil técnica de pintura sfumato, así como su uso de la luz y la sombra como factor compositivo unificador, también provocaron muchas imitaciones. Esta última fue totalmente revolucionaria: nunca antes un artista había sido capaz de lograr tal continuidad tonal de las sombras, una continuidad dependiente de la nítida limitación del color local.

Estos efectos pictóricos, así como la luz delicadamente difusa característica de la pintura veneciana, sólo eran posibles para los artistas que utilizaban pintura al óleo del Renacimiento neerlandés, que, gracias a su largo tiempo de secado, permite avanzar y corregir conjuntamente todas las partes del cuadro, así como veladuras transparentes que crean atmósfera y claroscuro . El impacto audaz del impasto (texturas superficiales densamente coloreadas) sólo era posible con el óleo y se utilizó especialmente en Venecia, donde el lienzo empezó a sustituir regularmente a los paneles de madera.

El audaz pero equivocado intento de Leonardo de trasladar este nuevo concepto de la pintura a la compleja técnica de la pintura al fresco dio como resultado la trágica Última Cena (1495-8, Santa Maria delle Grazie, Milán). Como el método tradicional italiano de pintura al fresco era demasiado definitivo para el enfoque más gradual de Leonardo, inventó una nueva técnica (utilizando una mezcla de temple y óleo sobre gesso, resina y masilla) que le permitió seguir introduciendo cambios en la manera de pintar al óleo.

La técnica resultó defectuosa y el cuadro empezó a deteriorarse en vida del propio Leonardo. A pesar de ello, en su disegno (concepción y composición) el cuadro sigue siendo uno de los mejores logros del hombre. Todos los elementos conducen la mirada hacia la figura piramidal de Cristo. La escena está construida estrictamente según las reglas de la perspectiva lineal, con todas las líneas de la arquitectura convergiendo en el punto de fuga de la cabeza de Jesús. En resumen, Leonardo combina el dramatismo y la emoción de los diversos grupos de apóstoles, la figura central de Cristo y el espacio racionalmente diseñado de la primera mitad del Quatrocento, con el movimiento y la emoción de la segunda mitad, en una nueva síntesis que supera con creces todo lo producido por sus predecesores. Una de las razones por las que esta obra se considera el inicio del Alto Renacimiento en Italia.

Sobre uno de los primeros artistas en comprender a Leonardo, véase el florentino Piero di Cosimo (1462-1522).

Veneradas por los viajeros del Grand Tour, las pinturas del Renacimiento temprano pueden verse en los mejores museos de arte de todo el mundo, sobre todo en el Palacio Pitti y la Galería Uffizi de Florencia, y en los Museos Vaticanos de Roma. En el siglo XIX, grupos como los nazarenos (activos entre 1810 y 1830), el movimiento purista y los prerrafaelitas recuperaron la estética del Renacimiento.