Renacimiento florentino: características, humanismo, perspectiva Traductor traducir

Para una guía general sobre la evolución de la pintura, la escultura y
otras formas de arte, ver: Historia del Arte (2.5 millones de BCE-presente).

¿Por qué comenzó el Renacimiento en Florencia?

Las cualidades que le dieron italiano Arte renacentista su sabor distintivo durante el quattrocento y principios cinquecento , eran un deseo apasionado por el conocimiento y una creencia apasionada en el experimento, especialmente el tipo de experimento que pone a prueba el conocimiento. Y fue el regalo especial de Florencia poder combinar los dos en su pintura, escultura y arquitectura, y agregar a esa combinación una búsqueda de la belleza igualmente consciente y apasionada. Otros dos atributos importantes de la Renacimiento en Florencia que hizo la continuidad de la tradición durante el Alto Renacimiento debe mencionarse. Uno era el sistema "Bottega", por el cual cada artista conocido en la Florencia del siglo XV tenía su propio taller, que reclutaba aprendices de tan solo 10 años para aprender dibujo y pintura, así como todo el negocio de la creación de imágenes a partir de la molienda. pigmentos de color , preparando paneles y lienzos, para pintar porciones de las imágenes del maestro. El otro era el nivel general de iluminación entre los clientes, que lograron, con un mínimo de interferencia, estimular la producción artística en un grado notable, tanto en cantidad como en calidad. Una lista de los principescos mecenas de las artes en la Italia del siglo XV sería larga, pero ninguno de ellos proporcionó un estímulo más inteligente o aventurero a los artistas que trabajaron bajo ellos, que las tres generaciones de los Familia Medici en Florencia – Cosimo, Piero y Lorenzo: entre los años 1434 y 1492. Es cierto que, si bien los propios artistas ampliaron sus habilidades a través de la investigación técnica y semi-científica, los mecenas los impulsaron a utilizar estos medios para nuevos y emocionantes termina

Para ver un escaparate al aire libre del arte florentino, consulte: Pizza della Signoria , la plaza frente al Palazzo Vecchio.

Medicis: mecenas del renacimiento florentino

La primera figura importante de la dinastía Medici fue Cosimo de ’Medici (1389-1464). Jefe de la empresa familiar y banquero de la Santa Sede, también se dedicó al arte en Florencia. Hizo reconstruir y decorar el Convento de San Marco por Fra Angelico (1400-55), fue mecenas de Fra Filippo Lippi (1406-69) y patrocinó a Paolo Uccello (1397-1475). Como uno de los más activos coleccionistas de arte adquirió pinturas y estatuas, así como objetos de arte (cameos antiguos, artículos de orfebrería y arte de joyería ), y puso su colección a disposición de los artistas. También fue un protector de los humanistas y la ola de eruditos que habían huido de Bizancio, y su sistema de mecenazgo artístico fue ampliamente imitado por los príncipes que gobernaban las cortes del norte de Italia.

El hijo de Cosimo, Piero (1416-69) (conocido como Piero the Gouty) solo gobernó Florencia durante cinco años (1464-9), pero demostró ser aún más amante del arte. Fue para él que Domenico Veneziano (1410-1461) se volvió, en 1438, para preguntar si lo recomendaría a Cosimo. Aunque fue el artista que trajo el secreto del flamenco pintura al óleo a Italia, Domenico Veneziano era un experto en pintura al fresco quien estaba muy bien informado sobre lo que estaba sucediendo en los diversos sitios de construcción en Florencia. Introdujo una nueva gama de colores, predominantemente serenos y claros, en el estilo monumental de Masaccio. La seguridad de su ritmo y la solemnidad meditativa de sus figuras se hacen eco en el trabajo de sus alumnos, como el poco conocido Alesso Baldovinetti (1425-99), un maestro de arte mosaico y Piero della Francesca (1420-92).

La adhesión al poder de Lorenzo de ’Medici (1449-92) (conocido como Lorenzo el Magnífico), marcó una nueva fase. A menudo se le ha malinterpretado: le tocó gobernar Florencia en el mismo momento en que el banco Medici tenía que lidiar con una crisis en su negocio europeo. Traumatizado, además, por un intento de asesinato del que tuvo la suerte de escapar, Lorenzo era propenso a ataques de melancolía y encontró que el ejercicio del poder solo era moderadamente satisfactorio, aunque no carecía de coraje ni diplomacia. Encontró un medio de ahorro en compañía de filósofos y artistas. Aunque no creó su colección de piezas de arte antiguo en el jardín de San Marco con el propósito de fundar una ’academia’ (esto solo se previó después), sin embargo, fue un importante mecenas de las artes y una figura inspiradora: fue un cliente de Andrea del Verrocchio (1435-88), Antonio Pollaiuolo (1432-98), Luca Signorelli (1440 / 50-1523) y Filippino Lippi (1457-1504). El resto del clan Medici se esforzó por emularlo.

Características del renacimiento florentino

El rinascimento en Florencia estuvo marcado por dos características principales: el humanismo , que enriqueció el arte no solo en el nivel teórico sino también al introducir el pensamiento clásico; e investigación en perspectiva geométrica , de gran importancia en Pintura del renacimiento temprano y arquitectura hasta 1600.

Humanismo

El humanismo es una postura filosófica que enfatiza el valor de los seres humanos, tanto individual como colectivamente, y generalmente favorece el pensamiento crítico (racionalismo) sobre la doctrina tradicional o la fe (escolástica o dogma religioso). Los partidarios del humanismo renacentista generalmente tenían un gran respeto por los pensadores de la antigüedad clásica, como Platón, Aristóteles y Vitruvio. Los humanistas en Florencia tenían como objetivo educar a la ciudadanía florentina a través del estudio de las humanidades: gramática, retórica, historia, poesía y filosofía moral.

Artistas humanistas

La contribución del humanismo renacentista se resume en las actividades de Leon Battista Alberti (1404-72). Pintor, especialmente de medallones, así como arquitecto (en Florencia produjo los diseños iniciales para el Palazzo Ruccellai y la fachada de la Iglesia de Santa Maria Novella), estaba apasionadamente interesado en el diseño urbano. Como teórico, no solo formuló ideas extremadamente modernas sobre el ’narcisismo’ de todos los artistas y sobre el arte como ’correctivo’ de la muerte, sino que también recomendó esquemas artísticos copiados de textos clásicos antiguos (Paolo Uccello estaba en deuda con él por el del Diluvio , en la Iglesia de Santa Maria Novella).

Su tratado sobre arquitectura, dedicado con entusiasmo a Filippo Brunelleschi y publicado por primera vez en 1485, impuso estándares clásicos sobre una base ya platónica de "belleza ideal". Fuera de Florencia, Alberti produjo planos para el campanario de Ferrara, la Iglesia de Sant Andrea en Mantua y, sobre todo, el templo semi-pagano de Sigismundo Malatesta en Rimini (1450). Alberti fue muy estimado por Luciano Laurana, quien transformó el Palazzo Ducale de Urbino y quien introdujo el enfoque utópico del diseño urbano. Esto fue desarrollado por Filarete (1400-70), quien diseñó el hospital fundado por Sforza en Milán (1465) y quien también fue el escultor de las puertas de bronce del Vaticano: dedicó su meticulosa imagen de una ciudad imaginaria llena de paganos. inspirado arquitectura (incluidas las iglesias) a Piero de ’Medici. Simone del Pollaiolo (1457-1508) debía terminar el Palazzo Strozzi (iniciado en 1489) en el mismo estilo típicamente florentino: masivo por fuera y ligero y delicado por dentro.

Paolo Uccello (1397-1475) a menudo se juzga mal como pintor. Demasiado a menudo considerado como un representante tardío del gótico o como un artista ’cómico’, comenzó su carrera en circunstancias difíciles como aprendiz de Lorenzo Ghiberti (1378-1455) – uno de los gigantes de principios Escultura renacentista – Y luego como mosaico en Venecia. En Padua pintó los Gigantes (ahora perdidos), que fue admirado por Andrea Mantegna (1430-1506), y en Bolonia pintó una Natividad de inspiración totalmente humanista. En Florencia, su carrera, cuya cronología sigue siendo un tema de debate, estuvo dominada por su Batalla de San Romano (1456, Florencia, Londres y París), pintada para los Medicis, y junto a los frescos del Chiostro Verde (Claustro Verde) en la Iglesia de Santa Maria Novella. Un hábil practicante de la perspectiva bifocal, que desmanteló y reconstituyó como mejor le pareció, y un imitador ocasional del escultura en relieve de su amigo Donatello , organizó volúmenes y colores sin preocuparse por el realismo que no sea el transmitido por la atmósfera ( El Caza en el bosque , Ashmolean Museum, Oxford) en lugar de la acción.

No estamos mejor informados sobre los antecedentes de Piero della Francesca (c.1416-92). Nacido en las fronteras de la Toscana, este pintor y matemático fue influenciado por Masaccio (1401-1428) pero lo supera en la sujeción de la perspectiva a una geometría sorprendentemente rigurosa. Mostró su lealtad artística en Arezzo en el ciclo de frescos Descubrimiento del bosque de la verdadera cruz . La atmósfera ligera, espaciosa y límpida, pero casi inhumana en estos frescos se vuelve más suave en varias Madonnas que el artista ejecutó más adelante en su carrera (aunque todavía son bastante austeras), logrando un equilibrio en el pintura de panel titulado el Flagelación de Cristo (1450-60, Galleria Nazionale delle Marche, Urbino). El pintor codificó su arte altamente cerebral en varias obras escritas publicadas después de 1470, pero fueron sus pinturas las que, a corto plazo, influyeron Antonello da Messina (1430-79) y algún tiempo después Perugino (1450-1523) y, a través de él, Rafael (1483-1520). Olvidado en el siglo XVII, redescubierto y tal vez excesivamente alabado en el siglo XX), Piero della Francesca tuvo menos discípulos en Florencia que en Urbino, el Véneto, y especialmente en Roma y sus alrededores, donde su influencia se extendió rápidamente por Melozzo de Forli y Antoniazzo Romano. Sus seguidores hicieron sus propias contribuciones únicas a las tradiciones renacentistas. Antonello da Messina creó varias obras maestras, como Cristo coronado de espinas (Ecce Homo) (1470); Perugino se convirtió en la luz principal en Perugia y en 1481 fue convocado a Roma por el papa Sixto IV para crear su fresco Cristo entregando las llaves a San Pedro (1482) para la Capilla Sixtina.

La fama de Antonio Pollaiuolo (1432-98) y Piero Pollaiuolo (1441-96), se deriva principalmente de los múltiples talentos del hermano mayor. Orfebre, encuadernador de libros de arte y diseñador de bordados, fue el primer artista en presentar desnudo masculino en un grabado y en frescos. Sus pinturas raras son notables por su vigor anatómico, por el uso de la perspectiva aérea, lo que permite que un inmenso fondo retroceda dentro del espacio pictórico sin desaparecer por completo, y por una especie de exuberancia en el uso de alegorías y mitos paganos. También fue un escultor destacado. Impresionó a Mantegna, Durer y Miguel Ángel. Parece que a su hermano y colaborador se les han otorgado varios encargos para pinturas sobre la base de la fama de Antonio: la intensidad lineal y la riqueza de color que fueron el sello distintivo de Antonio parecen engorrosos en el trabajo de Piero.

Restauradora de piezas de arte antiguo para los Medicis, Andrea del Verrocchio se convirtió en uno de los mejores Escupidores del Renacimiento en Florencia – clasificando junto a Donatello, cuyas obras lo inspiraron. El talló escultura de mármol y también trabajó en terracota , pero su fuerte era el bronce, como en su Monumento ecuestre de Bartolommeo Colleoni (ca.1483-88, Campo dei Santi Giovanni e Paolo). Su fama también se deriva de su taller de pintura, donde el gran Leonardo da Vinci (1452-1519) comenzaba su carrera.

El taller de Ghirlandaio se centró más firmemente en la pintura. El hijo mayor de esta prolífica familia, Domenico Ghirlandaio (1449-94), colocaron el fresco en un marco narrativo íntimo, casi fotográfico. El hecho de que la burguesía se encontrara cómodamente reflejada en su pinturas religiosas (ver los ciclos de frescos en Santa Trinita y Santa Maria Novella) no debería llevarnos a pasar por alto su enfoque verdaderamente científico para arte de retrato , sus implicaciones humanistas, su estilo medido y claro, elegante pero firme, y la discreta emoción involucrada en su evocación de la vida florentina alrededor de 1480-90. Ver, por ejemplo, su obra maestra: Viejo hombre con un joven chico (1490, Louvre, París).

Con Botticelli (1445-1510), aparece una nota nueva y mucho más sutil en la pintura florentina, una curiosa melancolía suave en la que, en virtud de su extraordinario control de la línea delicadamente modulada, Botticelli podría jugar un número infinito de variaciones. Fue el mejor alumno de Filippo Lippi, y al comparar sus primeros trabajos con los de su maestro, uno puede ver fácilmente cómo, con ligeras alteraciones de énfasis, la prosa ingenua puede convertirse en poesía sofisticada. El temperamento de Botticelli es complejo. Básicamente pertenece a Arte gótico , el lado lírico de la pintura italiana. Su prototipo es Gentile da Fabriano (1370-1427). Con Giotto y Masaccio no tiene conexión. Sin embargo, vivió en el momento en que la influencia de los Medici estaba en su apogeo, y debe haber sido sometido a todas las teorías estéticas y humanísticas más avanzadas de ese círculo altamente especializado de poetas y eruditos. En su primera "Adoración de los magos" (1475, temple, galería de los Uffizi) uno ve sus retratos con el viejo Cosimo de’Medici como el mayor de los magos arrodillado a los pies de la Virgen mientras sus nietos Lorenzo y Giuliano esperan a los lados. Vírgenes de Botticelli, como las de " La primavera "(c.1482-3, Galería de los Uffizi) – tiene una melancolía complicada y sobrenatural, y cuando fue persuadido para ilustrar temas paganos, su Venus, su Mercurio, sus tres Gracias tenían la misma tristeza refinada que sus Vírgenes. Si la calidad Su visión era arcaica, ya que no estaba interesado en la solidez de Masaccio o las investigaciones científicas de sus contemporáneos sobre el problema del espacio y la perspectiva, su forma de traducir su visión en pintura era más sutil y sofisticada que cualquiera de sus contemporáneos. Combina languidez con ligereza, voluptuosidad con pureza. Su obra es la expresión en el arte del mundo mediceano, llena de referencias a la gloria inalcanzable pero deseable del ideal platónico de la belleza. Nacimiento de venus "(1484-6, Galería de los Uffizi de tempera), pintada para una de las casas de campo de los Medici, Botticelli podría citar al Venus de los Medici romanos casi línea por línea en su pintura de la diosa desnuda, sin embargo, por las modulaciones extrañamente atenuadas de su línea, él podría convertirla en una virgen tan virginal como cualquiera por el gran Duccio di Buoninsegna (1255-1319). Después de la muerte de Lorenzo, cayó bajo el hechizo puritano del predicador dominicano. Girolamo Savonarola (1452-98).

Las leyes de la perspectiva

En pintura de bellas artes , el término "perspectiva" o " perspectiva lineal "es un intento de representar un objeto o escena tridimensional en una superficie bidimensional como el papel. El artista intenta representar la imagen tal como la ve el ojo. La perspectiva en una pintura o dibujo es lo que le da" profundidad ". Antes del Renacimiento, los pintores y dibujantes no habían entendido la geometría involucrada en la perspectiva. Así, la pintura gótica anterior, caracterizada por el Escuela de Siena o por las tradiciones de Manuscritos Góticos Iluminados – Tenía poca profundidad. Incluso el prerrenacimiento Scrovegni (Arena) Capilla Frescos pintado por Giotto a principios trecento eran más bidimensionales que tridimensionales.

El arquitecto renacentista Filippo Brunelleschi (1377-1446) – efectivamente el padre de Arquitectura renacentista – Fue el primero en demostrar el método geométrico de la perspectiva. Alrededor de 1425, después de pintar los contornos de varios edificios florentinos en un espejo, se dio cuenta de que cuando el contorno del edificio continuaba, todas las líneas convergían en la línea del horizonte. Según su biógrafo Giorgio Vasari , luego organizó una demostración de su pintura del Baptisterio de la Catedral Florentina en la puerta incompleta del Duomo. Los espectadores miraron a través de un pequeño agujero en la parte posterior de la pintura, frente al Baptisterio. Brunelleschi luego colocó un espejo, frente al espectador, que reflejaba su pintura. Para el espectador, la imagen del Baptisterio y el Baptisterio en sí eran prácticamente indistinguibles.

Al formular las leyes de la perspectiva, Brunelleschi hizo posible que un pintor captara las complejas relaciones espaciales involucradas en su imagen. El enfoque intuitivo de Giotto al problema del espacio y la negativa gótica internacional a considerar el problema, se volvieron obsoletos de inmediato. Gracias a Brunelleschi, el pintor renacentista recibió una herramienta intelectual con la ayuda de la cual se podían conquistar nuevos mundos. Puede parecer absurdo sugerir que el arte de la pintura, que tanto le debe a la imaginación creativa, debería depender de su poder en el descubrimiento de una fórmula matemática. El artista de hoy con razón evita la tiranía de la perspectiva. De hecho, Henri Matisse (1867-1954) se esforzó por ignorar lo que Masaccio estaba tan ansioso por aprender. Pero hay una diferencia entre desafiar la ley y ser ignorante de su existencia. Si bien Giotto había llevado el método empírico de pintura al límite, Masaccio, con los descubrimientos de la ciencia óptica a su disposición, no solo podía organizar su espacio con más precisión y convicción, sino que podía aportar un nuevo tipo de observación. eso. Porque comprender la naturaleza del espacio conduce a una comprensión más profunda de los objetos que ocupan el espacio. (Para más información sobre Brunelleschi, consulte: Catedral de Florencia, Brunelleschi y el Renacimiento italiano : 1420-36.)

Poco después de estas demostraciones de peepshow, casi todos los artistas en Florencia comenzaron a usar la perspectiva geométrica en sus obras de arte, incluyendo Masolino (1383-1440), Masaccio (1401-1428) y Francesco Squarcione (1395-1468), entre muchos otros. La perspectiva no era simplemente una forma de mostrar profundidad, sino también un nuevo método para componer una pintura. Los artistas comenzaron a representar una escena única y unificada, en lugar de una combinación de varias.

Dada la repentina profusión de pinturas precisas en perspectiva en Florencia, es probable que Brunelleschi, ayudado por su amigo matemático Paolo dal Pozzo Toscanelli (1397-1482), entendiera completamente la geometría detrás de la perspectiva, aunque no publicó ninguna explicación al respecto. Esta tarea se la dejó a su amigo más joven Leon Battista Alberti (1404-72), quien en 1436 escribió De Pictura , un tratado sobre métodos adecuados para mostrar la distancia en la pintura. Alberti explicó las cosas refiriéndose a las proyecciones planas, es decir, cómo los rayos de luz (que pasan del ojo del espectador al paisaje) golpearían el plano de la imagen (la pintura).

Cronología de Perspectiva

La evolución de la perspectiva lineal durante el Renacimiento italiano en el período 1300-1600, se puede resumir brevemente de la siguiente manera:

Fin del renacimiento temprano en Florencia

El final del siglo XV fue una época de crisis terrible para Florencia. La inesperada muerte de Lorenzo el Magnífico en 1492 dejó el poder en manos de su hijo, el incompetente Piero. Durante varios meses, la ciudad había sido sacudida hasta el centro por las profecías de Savonarola. Este monje se inventó contra el papa Alejandro VI y predijo la venganza de Dios bajo la apariencia de una calamidad inminente: cuando los franceses invadieron Italia, Piero huyó aterrorizado (1494). El levantamiento popular que se dice que tuvo lugar es un mito: el palacio Medici solo fue saqueado después de que las colecciones de arte fueron retiradas de él, la mayoría de ellas enviadas a Roma para su custodia. Un fundamentalista fanático, Savonarola revivió la costumbre medieval conocida como la Hoguera de las Vanidades, donde se quemaron artículos frívolos, incluidos quizás dibujos y pinturas. Varios artistas florentinos, como el piadoso Botticelli y Fra Bartolommeo (1472-1517) – fueron sacudidos por la situación – ya sea por las crueles críticas dirigidas a ellos por Savonarola, o por la excomunión del predicador dominicano por parte del Papa. Finalmente, en 1498, fue arrestado y ejecutado en la Pizza della Signoria, aunque los Medicis no regresaron a la ciudad por otros catorce años.

Referencias
Reconocemos con gratitud el uso de cierto material del Renaissance Art por Gerard Legrand (1988) (Chambers pulsar Publishers Ltd, Londres, 2004): un trabajo esencial para todos los estudiantes del rinascimento en Florencia.

Las obras que reflejan el estilo del renacimiento florentino se pueden ver en muchas de las mejores museos de arte en el mundo, notablemente el prestigioso Galería de los Uffizi en Florencia.