Arte decorativo francés (1640-1792) Traductor traducir

Serie de artes decorativas en Francia
(1) Artes decorativas francesas (1640-1792)
(2) Diseñadores decorativos franceses
(3) Muebles reales franceses

Palacio de Versalles (1624-98)
Situado al sur de París,
Versalles comenzó en 1624 como
extensión de la caza de Luis XIII
lodge, eventualmente convirtiéndose
El mejor ejemplo de Francia
Arquitectura barroca y un
símbolo del absolutismo y
decadencia de la monarquía.
El castillo en sí es solo una parte
de los grandes terrenos, que
incluir el Gran Trianón
(1687-88), el pabellón francés
(1749), el Petit Trianon (1762-8)
y el Jardin du Petit Trianon
(1775-85). El complejo tambien
Incluye cinco capillas. El principal
arquitectos de Versalles fueron
Louis Le Vau (1612-70) y
Jules Hardouin Mansart (1646-
1708), que trabajaron juntos
con el arquitecto paisajista Andre
le Notre (1613-1700) y el
artista / diseñador Charles Le Brun
(1619-90). Juntos
traducido italiano barroco
estética en un estilo que
Adecuado gusto francés. En 1682
Louis XIV (Quatorze) se mudó
la corte y la nobleza de distancia
del problema civil de París
a Versalles y al palacio
a la vez tenía hasta 3.000
residentes Durante el
Siglo 17 el palacio tenía
6 campañas de construcción diferentes
que coincidió con el de Louis XIV
guerras Versalles fue el
apogeo de la realeza europea
arquitectura del palacio ’, y fue
un factor clave en el renacimiento
de las artes decorativas en Francia
en los siglos 17 y 18,
notablemente en el campo del interior
diseño, muebles finos, cerámica,
y tapiz. (Ver también:
Pintura francesa 1400-1900.)

¿Por qué es importante el arte decorativo francés?

Este artículo es una breve guía de la historia y características del interior y exterior francés. arte decorativa durante los siglos XVII / XVIII.

De vez en cuando en el historia del Arte , surge un momento cuando la aparición de grandes artesanos coincide con un estado de ánimo creativo y una gran cantidad de dinero, para producir una serie de obras maestras de arte fino y diseño . El antiguo reino del antiguo Egipto (2680-2180 a. C.) nos da la increíble arquitectura de las pirámides; La era clásica griega (480-323 a. C.) nos dio el Partenón y una gama de asombrosos mármoles y bronces. estatuas ; El Renacimiento italiano (1400-1530) produjo exquisitos pintura y escultura ; La era barroca de la Contrarreforma católica (1540-1700) nos dio una increíble quadratura y trompe l’oeil arquitectura, así como el arte intensamente espiritual. Además, también dio a luz a la Escuela Fontainebleau en Francia, que fue un importante precursor de lo que vendría en Versalles.

Del mismo modo, los siglos XVII y XVIII en Francia fueron testigos de un florecimiento único de muchos diferentes tipos de arte , que involucra diseño exterior e interior y abarca muebles, tapiz (en particular Tapiz de duendes ), escultura a pequeña escala, cerámica y una gama de metalistería , muebles, tallas, molduras y otros artesanía . En el gran Palacio de Versalles , en los castillos reales, en las casas de los nobles y en las grandes iglesias y edificios públicos, los artesanos, ebanistas y otros cien artistas trabajaron para producir las mejores obras maestras de arte decorativo. Tenían las habilidades; el rey tenía el dinero; la corte real necesitaba decoración y la aristocracia necesitaba nuevas modas. Fue otro momento de logro supremo en la historia. Por eso francés arte aplicado A partir de este período es tan importante.

Clasificación de estilos

Las artes decorativas en Francia durante el período 1640-1792 se clasifican tradicionalmente en compartimentos relativamente independientes, que corresponden a los reinados de los tres reyes de Versalles:

Louis Quatorze (XIV) (gobernado 1643-1715)
Louis Quinze (XV) (1715-74)
Louis Seize (XVI) (1774-92)

También hay un cuarto estilo conocido como Regencia . Este último describe el período de la Regencia del Duque de Orleans, que ocupó los años (1715-23) entre la adhesión de Luis XV y su mayoría. Esta clasificación de 4 partes es útil, pero solo en un sentido muy amplio, y si la examinamos detenidamente encontramos que no concuerda completamente con las observaciones.

El estilo denominado ’Louis Quatorze’ puede dividirse en tres partes bastante distintas. La primera, en la que se siguieron en gran medida los estilos del reinado anterior de Louis Treize, comienza en 1640 y termina alrededor de 1655 o un poco más tarde. El período medio dura casi hasta el final del siglo, y el período final, que comienza alrededor de 1700, presagia desarrollos que fueron mucho más marcados durante la Regencia y que se materializaron en los primeros años del reinado de Louis Quinze. Estrictamente, la Regencia es un período durante el cual el estilo tardío de Louis Quatorze comienza a fusionarse con las primeras manifestaciones de lo asociado con Louis Quinze. Es tarde Arte barroco convertirse en rococó, un proceso que fue una evolución continua sin líneas claras de demarcación. (Ver también: Artistas barrocos franceses .)

El período de regencia marca una etapa en la lucha entre dos escuelas opuestas en Arquitectura barroca que había estado sucediendo desde los primeros años del siglo XVI; entre los seguidores de Vitruvio (Arquitecto romano y autor de De Architectura ) y el arquitecto veneciano Andrea Palladio (1508-80) por un lado, y aquellos que fueron arrastrados por la corriente de la cual Miguel Ángel fue la fuente por el otro. Una de las razones por las cuales el rococó nunca consiguió un punto de apoyo en Inglaterra en la medida en que lo hizo en Francia (donde durante más de dos décadas las disciplinas clásicas se descartaron en gran medida, dentro o fuera) fue la fortaleza de la bodega que, después del declive de señor Christopher Wren , los adherentes de Palladio (dirigido por el conde de Burlington) aseguraron el diseño arquitectónico. Pero incluso el eminente arquitecto inglés William Kent (1685-1748), un paladiano intransigente en sus diseños arquitectónicos y de muebles, recurrió al rococó cuando funcionaba como jardinero paisajista, un aspecto de su trabajo que a menudo se descuida. Los franceses estaban convencidos de los clasicistas por tradición, pero observamos un debilitamiento gradual de las disciplinas clásicas después de 1700, y la corriente principal de la tradición clásica no se unió hasta después de 1750 con el comienzo del estilo neoclásico.

Louis Quatorze (1638-1715) tenía una pasión por la simetría que equivalía casi a una obsesión. Le encantaban, sobre todo, las largas líneas simétricas y las vistas en retroceso, y no podía soportar que fueran interrumpidas por una pantalla de borrador ( paravent ). Madame de Maintenon (1635-1719, la segunda esposa de Luis XIV), sin embargo, no tenía convicciones fuertes sobre la necesidad de simetría, pero detestaba los borradores. Cuando el Rey estuvo presente, tuvo que prescindir incluso de la comodidad de una pantalla y, tiritando de frío, protestó porque moriría por simetría.

La idea de simetría es, de hecho, tan importante para nuestro tema que es apropiado discutirla en este punto antes de proceder a considerar los estilos asociados con Louis Quatorze con más detalle.

Simetría en diseño y arte decorativo

La simetría en el ornamento, la noción de que la mitad de un objeto, o incluso de un esquema decorativo, debe ser la imagen especular de la otra mitad, es un fenómeno bien establecido. También es mundial, y la falta de simetría siempre ha sido inusual en el pasado. Pero su noción opuesta, la de asimetría, prevaleció en la decoración de interiores y ornamentos franceses durante aproximadamente un cuarto de siglo, comenzando alrededor de 1730. Curiosamente, en un momento en que la simetría había pasado de moda especialmente en ornamentos, encontramos una insistencia particular en el acuerdo de los diversos componentes que componen la escena interior. La carpintería de madera de las sillas y sofás, por ejemplo, fue curvada y tallada para que coincida con el adorno de los paneles, y los muebles suaves (cortinas, portieres (cortinas de puertas), fundas de asientos, colchas, etc.) se seleccionaron para combinar entre sí.. Hasta cierto punto, por lo tanto, surgió la idea de simetría, incluso en una era de asimetría, pero en una forma diferente.

La asimetría es la principal característica determinante del estilo Louis Quinze, que generalmente se llama rococó o rocaille , y también se conoce, en Francia especialmente, como ’Le style Pompadour ’ o incluso ’ Le style Boucher ’, ninguno de los cuales es exacto, aunque, de los dos, el último tiene más que recomendar. Rococó también se denominó, en ese momento, el ’nuevo sabor’ ( gota nouveau ) y el género pittoresco (literalmente, el ’estilo pintoresco’), y el último concepto requiere un examen más detenido.

Porcelana china , entonces extremadamente popular, era generalmente simétrica en su adorno, y la fabricación de jarrones en guarniciones simétricas y combinadas no era una mera innovación europea. Se construían jarrones de altar en conjuntos casi tan lejanos como nos lleva nuestro conocimiento, los primeros en bronce. La porcelana japonesa, por otro lado, especialmente las variedades de Arita (provincia de Hizen) que fueron pintadas por el decorador Sakaida Kakiemon y sus seguidores, se caracterizó por la asimetría en la disposición de gran parte del adorno, y vale la pena recordarlo, aunque fue importado a Europa en cantidades más pequeñas que la porcelana de China, sin duda fue más valorado, tal vez por esta razón. Es el primer qualite du japon de los inventarios y catálogos de venta franceses del siglo XVIII.

Algunos libros de diseño del siglo XVII ocasionalmente incluían ejemplos más o menos aislados de adornos asimétricos, principalmente cartuchos, y diseños de este tipo provenían del platero holandés Adam van Vianen (1569-1627), así como del diseñador de Nuremberg, Christoph Jamnitzer. (1563-1618). Los libros de diseño de finales del siglo XVII, en particular los de Paul Decker (1677-1713) y Jean Berain the Elder (1637-1711), habían utilizado un dispositivo que ahorraba espacio mediante el cual se imprimieron dos mitades de un diseño. lado a lado, cada lado necesita su imagen especular para completarlo. Sin embargo, tal como aparecieron en la página, ninguno de los lados coincidía con el otro, dando una impresión de asimetría si el diseño se consideraba completo, lo que puede haber influido en los diseñadores rococó.

El término género pittoresco no puede ser traducido hoy por el inglés ’pintoresco’, aunque los dos conceptos estaban al principio relacionados. Es habitual ahora considerar una escena pintoresca como una que sugiere un tema para una pintura, pero en la Inglaterra del siglo XVIII (el apogeo del jardinero paisajista) significaba la imitación de una pintura, la creación de un paisaje a la manera de Claude Lorraine o Salvator Rosa por ejemplo, ambos entre los pintores más admirados de la época.

El diseño del jardín es especialmente interesante, sobre todo porque tuvo un impacto mucho mayor en el curso del arte en el siglo XVIII de lo que generalmente se supone. Andre Le Notre (1613-1700), el arquitecto paisajista francés de Luis XIV, había presentado los magníficos jardines formales en Versalles, las "geometrías verdes" que inspiraron las de Hampton Court que acompañaban las adiciones de Wren. El jardín asimétrico e informal, el ’desorden estudiado’ que es una característica del rococó francés, comenzó a principios del siglo XVIII con diseños como el de la Serpentina como parte de los jardines del Palacio de Kensington por Charles Bridgeman (1690-1738), y por la creación de un jardín informal en Twickenham por Alexander Pope. Estos dos inspiraron a William Kent, quien, a su vez, influyó en Lancelot Brown (1716-1783), el arquitecto paisajista inglés conocido como Capability Brown. Es cierto que los jardines ingleses como estos deben algo al genio peculiar de los chinos como jardineros paisajistas. Los misioneros jesuitas habían enviado mucho a Europa sobre este tema y otros temas similares, y Walpole escribió en su Ensayo sobre la jardinería moderna que son "tan caprichosamente irregulares como los jardines europeos son formales e invariables". La Inglaterra del siglo XVIII incluso tomó prestada una palabra del Lejano Oriente para esta irregularidad, Sharawadgi , aunque parece no ser ni china ni japonesa. El pintoresco jardín inglés, de moda en Francia antes de mediados de siglo, pasó a llamarse allí ’ jardin chinois ’, y el gusto inglés en el diseño de jardines ’ le gout anglo-chinois ’.

En un clima de este tipo, el crecimiento del rococó es menos sorprendente. El comienzo de la asimetría en la decoración interior francesa, el género pittoresco , puede datarse con bastante precisión alrededor de 1725, aunque la palabra en sí no fue admitida por el Academia francesa hasta 1732. Se puede ver, por ejemplo, en las monturas de bronce de cómodas de la época.

Estilo Louis Quatorze

En sus aspectos más amplios, el estilo de Louis Quatorze es notable por su simetría y amplitud. El siglo XVIII vio una reducción en la escala en el tamaño de las habitaciones, que se hicieron más pequeñas e íntimas, y el salón se reservó cada vez más para ocasiones estatales. Con esta reducción en la escala vino la multiplicación en el número de habitaciones separadas para propósitos específicos, de modo que todo el aire del siglo cambia con respecto al anterior. El estilo arquitectónico predominante del siglo 17 es un clasicismo no tan inflexible como el de Palladio, Iñigo Jones (1573-1652), y los discípulos de Vitruvio, pero sin embargo se basaron bastante rígidamente en las Cinco Órdenes, y en el sistema proporcional establecido por las autoridades más respetadas con las modificaciones adecuadas. (Ver también: Glosario de arquitectura .) Externamente, las líneas de los grandes edificios se inclinaban a ser simples, y el ornamento integralmente esculpido se redujo casi al mínimo.

El período de decoración de Versalles marca la introducción del Grand Manner en la decoración interior francesa. El adorno era extremadamente diverso en materia y tratamiento y se basaba en el gran repertorio clásico heredado de la Roma imperial. Tenía una riqueza de calidad rara en cualquier período, suntuosa en su efecto y masculina en su fuerza. Los salones de Versalles con su profusión de mármoles y bronce dorado, sus muebles y tapices plateados, alcanzaron una perfección nunca antes igualada. Si, hoy, a veces se considera pomposo, esto es, quizás, porque en los tres siglos transcurridos hemos bajado la vista.

Entre los motivos de la época, reconocemos fácilmente la máscara rodeada de rayos de luz radiantes: el símbolo de le roi soleil (el Rey Sol), y el Ls entrelazado, el monograma del Rey, que se volverán a ver en el siglo XVIII. Los trofeos de armas, a menudo en forma de toboganes , también eran populares como motivo decorativo, con frecuencia en bronce con follaje de acanto agregado y el del laurel y el roble, así como guirnaldas de flores. La pieza de la chimenea, siempre la característica principal de la habitación, generalmente tenía un diseño relativamente simple, la riqueza se concentraba en los materiales. Fue superado por una pintura o una escultura en bajorrelieve de algún tema clásico, este último a veces imitado en grisaille . Los techos pintados adornaban las habitaciones más importantes, y los tapices y las pinturas cubrían grandes áreas de las paredes.

Sobre todo había color, un color rico de un tipo que, de las pocas guías que tenemos, debemos asumir que también decoraba la escena interior de la Roma imperial. La noción de que los interiores griegos y romanos eran predominantemente blancos, o coloreados en tonos pastel pálidos como los esquemas de color neoclásicos posteriores, no existía antes de las últimas décadas del siglo XVIII. Tal vez fue producto de una suposición temeraria de que debido a que los mármoles antiguos excavados siempre fueron blancos cuando se descubrió que siempre habían estado en ese estado. En la época griega y romana, sin embargo, escultura de mármol estaba manchado y pintado, y a menudo dorado también, no solo estatuas sino también mármol estructural. El tipo de estatuario que los griegos valoraban más no era el mármol blanco sino escultura criselefantina , como el Zeus Olímpico, una de las maravillas del mundo antiguo, hecha de oro y marfil con ojos incrustados de semipreciosas joyería o esmalte En la época romana, el bronce, en su mayoría dorado, decoraba interiores, formando capiteles de columnas y pilastras, y el cobre dorado a menudo se usaba para techos. Bernini saqueó el Panteón para hacer su baldaquino para San Pedro , el metal sobrante va a los cañones fundadores. Homero menciona la práctica de cubrir maderas estructurales con cobre, a menudo dorado, en la Odisea, y Nero enfundó el interior de un teatro con oro, aunque solo por un solo día. El nombre dado a su palacio, la Domus Aurea o Casa Dorada, se refiere a la profusión de oro y plata que lo adornaron. La blancura, de hecho, no pertenece al clásico sino al arte neoclásico .

Entre las formas clásicas tomadas por los escultores del siglo XVII se puede numerar el término o gaine , la cabeza y el torso de una figura que termina en un pedestal cónico. Estatuas y bustos de retratos exteriores decorados como lo habían hecho en la Roma imperial, y los espléndidos jardines formales de Le Notre dispuestos en Versalles necesitaban figuras y grupos para decorarlos. Los jardines acuáticos, especialmente elaborados, requerían grandes fuentes de bronce, plomo y mármol. Las fuentes son una piedra de toque segura para el esplendor de una ciudad o un palacio.

Los cambios que caracterizan el próximo período fueron en parte una respuesta natural a la evolución social y económica del siglo, y en parte un producto de las dificultades financieras de la época. La madera dorada y el bronce comenzaron a reemplazar la plata y el dorado plateado para los objetos más grandes, y estamos inclinados a pasar por alto el hecho de que el estilo siempre está, en cierta medida, dictado por los materiales disponibles, así como por su connotación. Una exhibición lujosa de los metales preciosos inevitablemente establece la escala para el resto del esquema decorativo, porque su valor intrínseco es reconocido y aceptado. La popularidad del dorado no se debió simplemente a que a quienes encargaron tal trabajo les gustara el color, o apreciaron el hecho de que el oro prestaba una superficie incandescente al material subyacente, sino porque el trabajo de este tipo parecía opulento. Pero la madera dorada especialmente no se puede hacer para simular metal fundido y cincelado y su empleo condujo a cambios sutiles en el estilo debido a su diferente textura y la diferencia en las herramientas necesarias para darle forma.

Particularmente después de 1700, los últimos años del reinado del Rey, comenzamos a notar una nueva gracia y ligereza en los motivos ornamentales y la introducción de nuevos tipos de decoración que se desarrollaron a un ritmo creciente durante la Regencia, para culminar en el género pittoresco. de Louis Quinze.

Si los acontecimientos políticos del reinado de Louis fueran realidades desagradables, al menos los alrededores podrían expresar la alegría que de otro modo sería difícil sentir. Pero en este nuevo desarrollo encontramos varios elementos que son novedades completas. El arte del Lejano Oriente había sido particularmente buscado en el norte de Europa desde principios del siglo XVII, cuando los holandeses saquearon barcos españoles y portugueses que regresaban del Lejano Oriente. El cardenal Mazarin tenía una colección no despreciable, principalmente sedas, porcelana y laca, y tanto Louis Treize como James I de Inglaterra compraron porcelana a los holandeses.

En los registros de los siglos XVII y XVIII a veces es difícil separar, de su descripción, los objetos importados de China, Japón, Siam y Persia. Estas cosas fueron traídas a Europa en los barcos de varias compañías de las Indias Orientales, a menudo transportadas en entrepots indios, o en Batavia en las Indias Orientales Holandesas. Por lo tanto, a veces encontramos mención de porcelana ’india’, aunque nunca se hizo en la India, y las sedas chinas a menudo se llaman ’indias’. La pantalla Coromandel (llamada así) estaba hecha de paneles de laca china incisos y de colores, que recibieron el nombre del hecho de que fueron transportados en la costa india de Coromandel. Por otro lado, los registros del siglo XVIII a veces son específicos. La mejor porcelana japonesa, por ejemplo, se describió claramente como premiere qualite du japon , de lo que podemos deducir que el origen fue importante en este caso.

Louis Quatorze era muy aficionado a estas extravagancias exóticas, y los jarrones de porcelana, laca y otros objetos del Lejano Oriente decoraban los salones de Versalles. En Cerámica china , especialmente populares fueron los jarrones hechos en los últimos años de la era de Arte de la dinastía Ming (1368-1644) y la primera parte del reinado del emperador Ch’ing K’ang Hsi (1666-1726). Estos, en conjuntos de tres, cinco o siete, formaron la guarnición de cheminee , colocada en la repisa de la chimenea, que continuó siendo popular durante el primer cuarto del siglo XVIII. Al principio en el gusto chino, estos fueron decorados más tarde, generalmente en Canton, con diseños que incluían rodamientos blindados especialmente encargados por compradores europeos.

Pero la demanda de porcelana china, con su decoración novedosa, superó con creces la oferta, a pesar de que una carga bastante habitual ascendía a cien mil piezas de todo tipo, y los artesanos y diseñadores europeos imitaron la decoración china sin comprenderla, a veces mezclándola con motivos europeos. a menudo de ascendencia clásica ininterrumpida. Estas mezclas se denominan chinoiseries . Aparecieron por primera vez en la segunda mitad del siglo XVII, producto de numerosos libros de viajes, y continuaron siendo populares hasta mucho más allá de mediados del siglo XVIII. Uno de los primeros diseñadores en adoptar el chinoiserie El estilo en Francia fue Jean Berain the Elder (1637-1711), quien fue sucedido como ’ dessinateur du cabinet du Roi’ por su hijo, Jean Berain the Younger (1678-1726). (Véase también la moda posterior para Impresiones en bloque de madera Ukiyo-e y el estilo del siglo 19 de Japonismo .)

Al principio, más o menos confinado a los tapices y la loza, la moda de la chinoiserie comenzó a barrer Europa, formando quizás el tema decorativo más destacado de los primeros años de la gran fábrica de porcelana Meissen de Augusto el Fuerte, inspirando a pintores como Francois Boucher (1703-70), y, con la invención de un barniz adecuado para imitar la laca china de los hermanos Martin ( vernis Martin ), proporciona los medios para decorar algunos de los muebles más coloridos del reinado de Louis Quinze.

Una influencia importante en este estilo emergente fue el establecimiento de una fábrica para la fabricación de vidrio espejo en Saint-Gobain en Picardía. Hasta este momento, los espejos, aparte de las excepciones que se encuentran en el Salón de los Espejos ( Galerie des Glaces ) (que fueron importados a un costo enorme de Venecia), a menudo habían sido extremadamente pequeños. El costo era alto y se mantendría alto durante muchos años, pero la gran escala de la nueva fábrica redujo el precio a un punto en el que al menos la mayoría de las personas más ricas podían pagarlos. Por lo general, los espejos grandes todavía se hacían en secciones, pero comenzaron a decorar el espacio sobre la chimenea y los pilares entre las ventanas (vidrios de muelle o trumeaux ), e incluso sobre la puerta (el espejo de la puerta – dessus de porte ). Los múltiples reflejos de varios de estos espejos, más o menos opuestos entre sí, influyeron en la decoración de la habitación en sí, además de aumentar su brillo, y tomaron el lugar de las tallas y pinturas que anteriormente estaban de moda. Los marcos elaboradamente tallados proporcionaron un nuevo elemento en la decoración de la habitación del que los artesanos aprovecharon al máximo.

La distinción que se hace a menudo entre los últimos años de Louis Quatorze y el período de la Regencia es en gran medida artificial, y el término "Regencia" no puede, en su mayor parte, considerarse mucho más que una indicación de fecha. Una o dos características que colocan un objeto en este período en lugar de en el del antiguo Rey incluyen la máscara femenina sonriente y la aparición de animales fabulosos como la quimera o el grifo y el dragón. Los soportes para muebles se utilizaron de una manera que no se había visto antes, especialmente los del ebeniste Charles Cressent (1685-1768), que también era un hábil trabajador del bronce. Anticipan en su variedad y posicionan las disposiciones para hacerse populares bajo Louis Quinze, pero carecen de la asimetría rococó. Las voluminosas faldas de la época ( un panier , es decir, un aro) exigieron y obtuvieron el alojamiento de un sillón ( fauteuil ) con un asiento más ancho y, por la misma razón, se colocaron los soportes delanteros que llevaban los reposabrazos ( accotoirs ) retroceda aproximadamente un tercio de la profundidad del asiento en lugar de continuar la línea de las patas delanteras.

Rococó (Louis Quinze)

Arte rococó , se ha dicho, comenzó cuando los rollos dejaron de ser simétricos y, a efectos prácticos, esta definición, a pesar de su superficialidad, difícilmente podría mejorarse. Es una fase mucho más importante en el desarrollo del arte en general de lo que se supone a menudo. Barrió a Europa de una manera que tenía pocos precedentes.

Entre los primeros casos del uso de la asimetría se pueden citar los diseños de los primeros artistas rococó como Juste-Aurele Meissonnier (1695-1750), un orfebre y ornemanista que sucedió a Jean II Berain como diseñador del Rey. El primero de sus diseños para revelar las nuevas tendencias, que se hizo bien marcado poco después, fue una veleta para el Duc de Mortemart hecha en 1724, que tenía como parte de su decoración una concha y un chorro de agua. El agua y el trabajo en roca ( rocaille ) fue una nota clave principal del nuevo estilo, especialmente en sus primeras etapas. Se han presentado numerosas sugerencias para explicar el énfasis en el trabajo en roca, que se cree que se inspiró en la decoración de las grutas y jardines de Versalles (la Grotte d’Apollon , por ejemplo), pero recordando la estrecha asociación del rococó con la moda para arte chino Uno especula sobre la posibilidad de inspirarse en las rocas fantásticas y distorsionadas que tanto buscan los chinos para la decoración de sus propios jardines, y que a menudo se representan especialmente en la pintura de porcelana. Rocaille es un término francés habitual para el estilo en su conjunto.

La adición del trabajo de conchas es una extensión natural del tema de las rocas y el agua, pero debe recordarse que casi durante todo el siglo XVIII, las conchas de todo tipo fueron una pasión entre los coleccionistas, y grandes cantidades de conchas exóticas se ensamblaron y exhibieron en gabinetes

Otra característica del estilo rococó son las numerosas curvas elegantes del adorno, que se pueden ver en esculturas decorativas como las que adornan las boiseries , como parte de soportes de mesa y sillas, y en los contornos de piezas de chimenea y tableros de mesa. mármol. Las molduras en el caso de los paneles de las puertas a menudo recibían una doble curva en la parte superior que se elevaba a un punto alto en el centro de la puerta con dos hojas, y estas reemplazaban a los paneles rectangulares anteriores. Arcos de todo tipo se elevaron desde sus springers hasta un punto central adornado con adornos tallados, conocido como agrafe (literalmente, un broche), que estaba enmarcado con pergaminos asimétricos, y los contornos de los chenets ( andirons ) estaban contenidos dentro de un triángulo escaleno. El cartucho también se usó como un punto de énfasis al que tendían las molduras, y esto se enmarcaba en un estilo similar con pergaminos asimétricos. La hoja de acanto continuó siendo ampliamente utilizada, pero, a diferencia de la de períodos anteriores, su punta a menudo estaba torcida hacia un lado.

Sin embargo, encontramos, aquí y allá, indudablemente una decoración que pertenece a este período, que está mucho más restringida en el uso de curvas, y no todos los diseñadores del período fueron seducidos por la nueva asimetría, aunque no rechazaron los otros elementos del estilo.. Pero estos eran excepcionales, y la regla era la asimetría pronunciada en el ornamento.

Neoclasicismo (Louis Quinze)

Al principio, la reacción de la asimetría que comenzó durante el reinado de Louis Quinze poco después de mediados de siglo, a la que se asocia el nombre de Louis Seize, representó en cierta medida un retorno al clasicismo de Louis Quatorze, y parte de la decoración de esta época. es casi desconcertante en su parecido con el período anterior. Pero el nuevo clasicismo fue fundamentalmente diferente, con características que fueron producto de los eventos que habían intervenido entre las dos versiones.

En 1719, el príncipe Elbeuf encontró accidentalmente la ciudad de Herculano, enterrada por la misma erupción del Vesubio en 79 EC que la que abrumó a Pompeya, que estaba buscando una fuente de piedra de construcción precortada. A mediados del siglo XVIII se iniciaron las primeras excavaciones serias en Pompeya, aunque el sitio se conocía desde 1594. Como consecuencia de estos descubrimientos, el interés en ambos Arte romano y Arte griego y las instituciones comenzaron a avanzar, especialmente entre una sección de la sociedad francesa que no estaba satisfecha con el lujo y la frivolidad de la corte de Louis Quinze y la intervención de Madame de Pompadour (Jeanne Antoinette Poisson, nacida amante de Louis XV desde 1745 hasta su muerte) en 1764). Los principales exponentes de esta primera fase del neoclasicismo fueron Johann Joachim Winckelmann , historiador del arte y bibliotecario de una sola vez para contar a von Bunau en Dresden, quien fue nombrado bibliotecario del cardenal Albani en Roma, y ​​Anne-Claude-Philippe de Tubieres, Comte de Caylus, un coleccionista de antigüedades cuyo importante trabajo sobre el clásico y el egipcio El arte fue publicado en cinco volúmenes entre 1752 y 1755. A la obra de estos dos hombres hay que agregar el catálogo un poco más tarde de la colección del embajador inglés en Nápoles, Sir William Hamilton, que fue muy consultado por diseñadores en Francia e Inglaterra.

El nombre de Madame de Pompadour está tan firmemente asociado con el rococó que es fácil pasar por alto el hecho de que fue una de las primeras en adoptar el nuevo estilo de neoclasicismo en sus apartamentos privados, aunque el Rey se mantuvo fiel al rococó y a la actuación de la marquesa. tuvo que hacer lo mismo en público. En 1746 consiguió para su hermano, más tarde el Marqués de Marigny, la oficina del Director de Batimentos, y en 1748 una misión compuesta por el Marqués, el arquitecto. Soufflot Jacques-Germain (1713-80), y el grabador y diseñador Cochin, fueron a Italia para estudiar arte romano, llamado por algunos "la verdadera belleza". A esto debe agregarse la influencia de Piranesi, cuyos grabados que representan las antigüedades romanas fueron extremadamente populares.

El estilo neoclásico se divide en dos partes bastante distintas. El primero se denomina mejor "transicional" porque representa la transición del rococó al renacimiento de la simetría clásica. El trabajo de este período a veces contiene elementos de ambos estilos, aunque el rococó disminuye en fuerza e influencia cuanto más nos acercamos a la adhesión de Louis Seize en 1774. La segunda fase que comienza un poco antes de 1780 bien podría llamarse el estilo María Antonieta, ya que fue fomentado y en gran medida inspirado por su influencia. (Para más detalles, ver: Arquitectura neoclásica y Pintura neoclásica .)

Las curvas comenzaron a desaparecer casi de inmediato. Las patas de la silla, por ejemplo, se volvieron rectas y afiladas en lugar de curvadas, y en general se observan los mismos cambios en los muebles. Al principio, el nuevo estilo se basaba más en el arte griego que la decoración de Louis Quatorze, por ejemplo, en el empleo del patrón de onda griego como un adorno de friso, pero la fuente principal del adorno todavía era en gran parte romana. En su aspecto general, el adorno clásico revivido era más ligero y quizás con un esfuerzo más consciente por la elegancia de lo que se puede ver en el siglo XVII; es femenino más que masculino.

Alrededor de 1770 notamos también un nuevo tipo de adorno por completo, basado en alegrías rústicas y la vida simple. En el parque del Petit Trianon en Versalles, María Antonieta tenía un hameau , diseñado por Hubert Robert, de casas rústicas, ocupadas por verdaderos campesinos dedicados a actividades agrícolas con los animales domésticos habituales. La leche de las vacas fue llevada a la lechería de la Reina, donde se entretenía haciendo mantequilla y queso para relajarse de la sofisticación de la vida de la corte, y es a esto a lo que le debemos nuevos tipos de adornos, como colmenas, cestas de mimbre. y implementos agrícolas. Otra innovación fue el uso de atributos sentimentales: corazones perforados con flechas, carcaj, antorchas y guirnaldas de rosas. El sentimiento degeneró en sentimentalismo, un vicio, que apareció por primera vez poco después del final de la Guerra de los Siete Años, que fue heredada por el siglo XIX. También fue generalizado. Es tan evidente en las figuras de porcelana de galletas de Sevres como en los grupos familiares burgueses de Acier en Meissen. Su atractivo para el gusto y la estética de la época puede deducirse de la arte académico del pintor Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) y del fantástico éxito de la novela inmadura de Goethe, The Sorrows of Werther , que fue conocida y leída mucho más allá de las fronteras de Alemania. Surgió el Hombre de los Sentimientos, y Diderot atacó la sensualidad de Boucher y sus seguidores, diciendo: "Mostrar la virtud encantadora y el vicio odioso debe ser el objetivo de todo hombre honesto que emplee la pluma, el pincel y el cincel del escultor", vinculando así el arte y moral por primera vez. Greuze gozó de gran popularidad con pinturas que presagiaban los peores excesos de los victorianos. Era, según se ha dicho, "un moralista apasionado por los hombros preciosos: un predicador que revela el seno de las jóvenes".

Tales afinidades como el estilo neoclásico que posee el clasicismo de Louis Quatorze se encuentran principalmente en el diseño de instalaciones interiores permanentes y semipermanentes, y estas pronto se desvanecieron a medida que el nuevo estilo se afianzó. Artistas neoclásicos detestaba el Renacimiento, y en las pocas ocasiones en que las pinturas del Renacimiento se vendían en subasta, los precios generalmente eran bajos. Esto se debe en parte a que el clasicismo renacentista, aunque estaba mucho más cerca de Grecia y Roma que su propia versión, no estaba de acuerdo con las nociones actuales de antigüedad que fueron sacadas de las villas de Pompeya en lugar de los grandes palacios de la antigua metrópoli.. Por lo tanto, los arabescos que eran tan populares como parte de la decoración de Louis Seize le debían mucho más a Pompeya que a los grotescos de la Casa Dorada de Nerón y la logia de Rafael.

Sin embargo, una supervivencia curiosa fueron los muebles hechos por el gran Andre-Charles Boulle (1642-1732), el más notable de todos los ebanistas franceses y el artista preeminente en el campo de la marquetería, en la mayoría de los casos en deuda con los diseños de Berain. No solo se recogió con avidez, sino que se imitó libremente a lo largo del siglo XVIII y hasta el siglo XIX, probablemente alcanzando su apogeo en la década de 1770. Una mesa del siglo XIX del heredero de la tradición Boulle de Edgware Road, Louis Le Gaigneur, se encuentra en la Cámara de la Presencia de la Reina en el Castillo de Windsor, y un escritorio de mediados del siglo XVII con los brazos de la familia de Retz está en el Queen’s sala de estar Al mismo tiempo, también hubo una demanda de escultura del siglo XVII, especialmente el trabajo de Pierre Puget (1622-1694), Francois Girardon (1628-1715) y Antoine Coysevox (1640-1720), aunque poco para los mármoles griegos y romanos excavados.

La diferencia entre el viejo clasicismo y el nuevo fue más que el producto de un simple cambio de énfasis de la Roma imperial a Pompeya. El neoclasicismo, el final de una larga tradición, fue también una reacción deliberadamente ideada del rococó, tanto de inspiración literaria y política como artística. No se trataba simplemente de personas de moda que buscaban algo nuevo para estar a la moda.

Si a los promotores del nuevo estilo no les gustaba el rococó, su sesgo político los hacía casi igualmente antipáticos con Louis Quatorze y Louis Quinze. El clima intelectual de Francia había estado cambiando constantemente desde finales del siglo XVII. La administración no era tan tiránica como intolerablemente laxa. El Tesoro se identificó con el bolso privado del Rey, y cuando necesitaba dinero, Louis Quinze lo tomó de fondos públicos, garabateando un recibo para el Tesorero. Los granjeros de impuestos cosecharon una rica cosecha porque apenas existía maquinaria para la recaudación pública de impuestos, y a cambio de sus privilegios recompensaron generosamente a los miembros de la Corte, y a veces al propio Rey.

En esta atmósfera, el talento literario comenzó a florecer como nunca antes, y los escritores invadieron particularmente la esfera política. Los pensadores más influyentes de la época fueron tal vez Voltaire, Montesquieu y Rousseau, y Diderot, el último editor de la Enciclopedia que promovió puntos de vista radicales.

Reina María Antonieta (Louis Seize)

El neoclasicismo fue, al menos en cierta medida, producto de estos movimientos en sus etapas iniciales, pero en 1780 la influencia de María Antonieta y Versalles había desviado la simplicidad anterior a canales tan lujosos y extravagantes como los que habían contenido el rococó de Louis Quinze

Sin embargo, al grabar el papel desempeñado por la Reina, es fácil pasar por alto la influencia anterior de Madame du Barry (nacida Jeanne Becu, amante de Louis XV desde 1769 hasta su muerte en 1774), cuyas compras mientras Louis Quinze todavía estaba vivo mucho para influir en el curso futuro del estilo. Con la ayuda del comerciante, Poirier, puso de moda la decoración de los muebles con placas de porcelana de Sevres (pequeñas mesas, secretarias y cómodas) pagando precios extremadamente altos. Ella empleó el ciseleur-fondeur , Gouthiere, para ejecutar las decoraciones de bronce dorado para el Pabellón de Louveciennes, y sus compras no terminaron con la muerte del Rey. Después de su regreso del exilio, continuó gastando mucho, y cuando se encontró con su muerte ignominiosa a manos del verdugo durante el Terror, todavía le debía a Gouthiere una enorme suma por un trabajo de este tipo que sus herederos intentaron cobrar de su patrimonio después de su muerte en 1814. Una demanda judicial se prolongó hasta 1836 cuando se resolvió por una fracción irrisoria de la suma original.

Louis Seize y Marie-Antoinette abandonaron Versalles por última vez en 1789, expulsados ​​por la mafia de París. Regresaron a la capital que había sido abandonada por la familia real en los días de Louis Quatorze, y poco después los muebles reales fueron arrojados sin ceremonias a los carros y Versalles careció de gran parte de su antigua gloria. Algunas de las posesiones reales desaparecieron a través del Canal hacia Inglaterra; otros se convirtieron en parte del stock del brocanteur , muchos de ellos para ser vendidos a precios absurdamente bajos en los años siguientes. Algunos sobrevivieron para ser comprados en la década de 1830 por los coleccionistas más exigentes, y en la década de 1870, los muebles y la porcelana franceses, incluso remotamente relacionados con la realeza, habían logrado una vertiginosa eminencia en la sala de venta que incluso hoy en día rara vez se aborda.

Punto culminante del arte decorativo

Así terminó un período casi sin precedentes en la historia de las artes decorativas, del cual el estilo Imperio de Napoleón no era más que un pomposo eco. Fue un período durante el cual el énfasis se había centrado principalmente en la novedad y la adquisición de la última moda, y esto fue posible gracias a la escala en que se organizaron las artes en Francia desde los días de Jean-Baptiste Colbert (1619–1683), Ministro de finanzas de Luis XIV. Si solo consideramos el costo para Francia de lograr esta preeminencia, parece alto, pero en contra de esto debemos sopesar el gran retorno de las exportaciones y el prestigio que sin duda se acumuló y se reflejó en otras esferas, no menos importante que las relaciones exteriores.. Incluso en los siglos XIX y XX, la posición de París como la capital artística del mundo, una posición que de ninguna manera es rentable, finalmente debe rastrearse hasta las decisiones tomadas por Louis Quatorze para emplear el arte como un símbolo externo y visible de la grandeza de Francia.

Durante un siglo y medio, el anticuado había sido relegado a los áticos, una situación que no tiene paralelo. El erudito Pierre Verlet se ha referido ( Les Ebenistes Du XVIII Siecle , 1963) a obsequios de muebles pasados ​​de moda a la nobleza menor perteneciente a la Corte, y al sistema de precedencia por el cual los objetos no deseados se retiraban de Versalles a los castillos reales más pequeños. La misma autoridad discute la diferencia en el gusto y los hábitos de compra entre los ricos fermiers-generaux (recaudadores de impuestos), por un lado, y las profesiones aprendidas, representadas por abogados y miembros de los parlamentos , por el otro, dividiéndolos en innovadores y conservadores.. El clima económico de la época ha sido examinado por Gerald Reitlinger en el Volumen II de la Economía del gusto . Señala que la aristocracia, cuya riqueza se derivaba en gran medida de las propiedades de la tierra, tenía muchos menos recursos líquidos que los fermiers-generaux , que también eran financieros. Por lo tanto, lo que vemos desde el período de inflación de Law en adelante, casi hasta el comienzo de la Revolución en 1789, es el sabor de Versalles apoyado por financieros en lugar de por nobles. El hecho de que estos suntuosos interiores alcanzaron un nivel tan alto de excelencia se debió al ejemplo de Versalles y al patrocinio de artistas y artesanos de habilidad y gusto.

De una manera no exenta de hoy en paralelo, la Fermiers-generaux , que conocía mejor que nadie la base inestable en la que el valor de la livre descansó, compró obras de arte en una escala inmensa, no solo como símbolo de prestigio sino también como una inversión, y esto trajo a su tren un aumento en los precios que fue estimulado por el gasto generoso de Louis Quinze y Madame de Pompadour. Como señala Reitlinger, aparte de los muebles de laca oriental, los objetos más caros fueron los de bronce dorado o aquellos muy montados con él, que al menos en cierta medida fue el producto del costo del dorado mercúrico, aunque el valor real del oro fue insignificante Las monturas lacadas y pulidas se pueden comprar mucho más baratas. Los mármoles finos para tableros de mesa y para objetos decorativos como urnas y pedestales también eran queridos, y las piedras semipreciosas como el jaspe y la calcedonia aún más caras.Al juzgar el costo de las obras de arte en este momento debemos recordar que los materiales eran generalmente caros y la mayoría de los tipos de mano de obra barata.

Sin duda, los precios aumentaron por la popularidad de las subastas públicas, una característica bastante común del mercado del arte en la antigua Roma, pero mucho menos a partir de entonces como método de dispersión. Las ofertas competitivas empujaron los precios al alza, pero una dificultad formidable en la forma de una extensión de este tipo de ventas fue el cuidado con el que se hicieron todos los elementos interiores para armonizar uno con el otro, privándolos en gran medida de su significado cuando se separaron de su inmediato alrededores. A menudo era esencial, al comprar un hotel en París, comprar también los muebles. Sin embargo, a pesar de esta indicación contraria, los precios de la subasta habían alcanzado alturas casi sin precedentes antes de fin de siglo, un mercado en alza que solo llegó a su fin por la Revolución. El problema de qué hacer con las posesiones de Citoyen Louis Capet, los miembros de su corte, y de aquellos financieros insuficientemente astutos para leer las señales de advertencia mientras aún había tiempo, fueron maltratados gravemente. Mucho fue destruido, y mucho más vendido en circunstancias que imposibilitaron la realización de un precio justo. El duque de Orleans, Philippe Egalite, intentó vender la colección de cuadros del regente en el extranjero en 1790 por 100.000 guineas, pero sin éxito, aunque las pinturas holandesas y flamencas llegaron a Inglaterra más tarde. La colección del ministro de finanzas de Louis Seize, Charles Alexandre, vizconde de Calonne (1734-1802), fue vendida porOrleans, Philippe Egalite, intentó vender la colección de cuadros del Regente en el extranjero en 1790 por 100.000 guineas, pero sin éxito, aunque las pinturas holandesas y flamencas llegaron a Inglaterra más tarde. La colección del ministro de finanzas de Louis Seize, Charles Alexandre, vizconde de Calonne (1734-1802), fue vendida porOrleans, Philippe Egalite, intentó vender la colección de cuadros del Regente en el extranjero en 1790 por 100.000 guineas, pero sin éxito, aunque las pinturas holandesas y flamencas llegaron a Inglaterra más tarde. La colección del ministro de finanzas de Louis Seize, Charles Alexandre, vizconde de Calonne (1734-1802), fue vendida por Christie’s en 1795, pero a precios mucho más bajos que aquellos a los que los había comprado.

El mercado de antigüedades, aparte de las pinturas del Viejo Maestro, existía en el siglo XVIII, a pesar del énfasis en lo nuevo; pero en su mayor parte se compró poco del pasado inmediato, y solo unos pocos coleccionistas exigentes se aventuraron incluso en lugares tan remotos como los bronces renacentistas y romanos. Mucho más de moda fue la recolección de curiosidades de la historia natural, como conchas y especímenes mineralógicos que a menudo se montaron en bronce dorado.

Muebles antiguos, tapices finos y otros diseños decorativos de Versalles, o la edad de Luis XIV , Louis XV o Louis XVI , se pueden ver en algunos de los mejores museos de arte en el mundo.