Arte gótico alemán Traductor traducir

Tras el arte románico, el segundo gran estilo del arte medieval fue llamado burlonamente « stile Gotico » por los italianos, un estilo introducido por los godos, bárbaros del oscuro norte, y ajeno al equilibrio y la armonía de las formas arquitectónicas establecidas. El empuje hacia arriba de estas nuevas estructuras, tan ajenas a las basílicas románicas, parecía no sólo contradecir las ideas modernas del gusto, sino desafiar el orden divino de las cosas.

La aparición del arte gótico, un estilo que se encuentra principalmente en la arquitectura gótica, y en los manuscritos góticos iluminados, supuso una ruptura total con la tradición. Aunque hacia 1200 la arquitectura románica se había extendido por toda Europa occidental, sus rasgos característicos no fueron adoptados por los arquitectos góticos, que introdujeron conceptos espaciales completamente diferentes. (Para más detalles, véase Arquitectura gótica inglesa c. 1180-1520)

Arquitectura gótica germánica

La aspiración al cielo de esta nueva forma del arte cristiano contrastaba fuertemente con los motivos macizos y terrosos de los edificios románicos. El arco de medio punto, expresión de un movimiento cerrado y autosuficiente, fue sustituido por el arco apuntado, símbolo de la aspiración hacia arriba, del esfuerzo por alcanzar una meta inalcanzable.

En la época románica, los muros de las iglesias servían de baluarte fiable contra las fuerzas del mal; la concepción gótica los abrió con enormes ventanales -véase al respecto la breve guía sobre El arte de las vidrieras y el artículo sobre Materiales y métodos de las vidrieras - y disminuyó su importancia con un intrincado patrón de esbeltos fustes, finas tracerías, contrafuertes y arbotantes.

El muro occidental se abandonó en favor de una fachada ornamentada con una o dos torres. Los edificios sagrados románicos expresaban la igualdad de la autoridad temporal y espiritual, mientras que las iglesias góticas simbolizaban un anhelo de futuro. La simplicidad masiva de la arquitectura románica era la suma de sus unidades; las catedrales góticas buscaban la concentración espacial, sus masas inertes de mampostería animadas por una riqueza de diseños individuales, y sus esbeltos arcos, nervaduras y bóvedas elevadas a nuevas e impresionantes alturas. Las proporciones de anchura y altura de las iglesias románicas eran de 1 : 1,8 o 1 : 2, y las de las catedrales góticas francesas de 1 : 3 o incluso 1 : 3,3.

A finales del siglo XII, la arquitectura gótica estaba floreciendo en Francia, pero en Alemania las ideas románicas habían echado raíces tan profundas que la nueva marea ascendente del gótico francés no fue aceptada inmediatamente, y se siguieron construyendo catedrales románicas al este del Rin. Algunas fechas comparativas ilustran este punto: la primera catedral gótica francesa de Saint-Denis se terminó en 1157, la abadía benedictina de Mary Laach se consagró en 1156, el coro de Notre Dame de París se terminó en 1170, la catedral de Chartres en 1220, la catedral de Worms hacia 1230 y la parte occidental de Maguncia en 1239. Para más información sobre la arquitectura pregótica en Alemania, véase Arte medieval en Alemania (c. 800-1250).

Aunque el perfeccionamiento de los modelos románicos siguió siendo durante algún tiempo la principal ocupación en Alemania, empezaron a introducirse algunos rasgos góticos procedentes de Francia: la ventana redonda del muro oeste de Worms seguía el modelo del rosetón francés, y en Worms y Maguncia se utilizaron bóvedas de crucería góticas. Sólo muy gradualmente, antes de que el estilo románico perdiera la posibilidad de seguir desarrollándose, los conceptos estructurales góticos fueron ganando aceptación general en Alemania.

Para más detalles sobre el diseño gótico que surgió en Francia, véase «Arquitectura gótica en estilo Rayonnan» (1200-1350) y su sucesor «Arquitectura gótica en estilo Flamboyant» (1375-1500).

Catedral de Estrasburgo

La primera gran catedral alemana de estilo gótico se construyó en Estrasburgo en la segunda mitad del siglo XIII. Aunque originalmente se planeó como una estructura románica, tras la finalización de la cabecera se decidió seguir el incómodo ejemplo de la vecina Francia y construir la nave en estilo gótico (1250).

Los muros se abrieron con grandes ventanas góticas, pero el interior siguió siendo predominantemente románico; los pilares están muy espaciados y las proporciones de la nave son 1 : 2,5. El diseño de la fachada oeste de Erwin von Steinbach (1276) combinaba elementos horizontales y verticales de acuerdo con los ideales anteriores. Una vez terminados los pisos inferiores, se abandonó, y la fachada y la aguja norte actuales datan del siglo XIV.

La pesada subestructura anterior se complementa con un esbelto tercer piso con altas ventanas ojivales, la disposición de arcos exentos alarga el efecto de las amplias ventanas del segundo piso, y el frontón calado con pináculos sobre el macizo portal principal acentúa aún más el ritmo puramente vertical de la fachada.

Catedral de Colonia

La catedral de Colonia fue iniciada en 1248 por el maestro Gerhard, quien se cree que tomó como modelo la catedral de Amiens, pero desarrolló aún más el concepto gótico y alcanzó un nivel técnico sin igual. El gótico francés consta de arcada, galería y cleros, pero en Colonia la galería y los cleros están unidos en gigantescos ventanales separados por esbeltos soportes.

La construcción de la catedral de Colonia se prolongó durante muchos siglos. La consagración del presbiterio tuvo lugar en 1322, y las obras continuaron a intervalos frecuentes hasta 1560, cuando se terminó la fachada occidental, a excepción de las agujas. En el siglo XIX se produjo un renacimiento del interés por la cultura medieval en relación con el movimiento romántico y, tras el descubrimiento de los planos originales, se reanudaron las obras y la catedral se terminó en 1880.

La influencia del gótico francés fue mayor en Estrasburgo y Colonia. Más al este del Rin, la combinación de conceptos estructurales góticos con algunos elementos románicos dio lugar a una serie de desarrollos nacionales que se cuentan entre los logros más interesantes de la arquitectura alemana.

Catedral de Friburgo

La catedral de Friburgo es un excelente ejemplo del desarrollo específicamente germánico del estilo gótico. La construcción comenzó hacia 1200 con la erección de un altar y un crucero puramente románicos.

En el siglo XIII se añadió una nave gótica siguiendo el modelo de la vecina Estrasburgo, pero las posibilidades arquitectónicas del estilo gótico quedaron prácticamente inutilizadas: la nave, aunque más alta que el crucero románico, es baja en comparación con las naves góticas francesas; las ventanas del claristorio son relativamente pequeñas, de modo que el muro sigue siendo un elemento estructural independiente; los contrafuertes y arbotantes son casi provincialmente simples y no ocultan en absoluto la rigidez de la estructura.

Hacia 1350, el coro románico fue sustituido por un altar mayor con capillas en forma de viga y bóvedas reticuladas. Estas tres etapas de desarrollo -el crucero románico, la nave y las naves laterales del primer románico, y el altar mayor- pueden identificarse fácilmente hasta hoy por sus diferentes alturas. Otro añadido del siglo XIV fue la maciza torre erigida sobre el extremo oeste de la nave; su aguja octogonal piramidal está decorada con tallas caladas de excepcional belleza.

La fachada de una sola torre pronto se extendió por el sur de Alemania. En Ulm y Landshut, así como en Friburgo, la empinada torre se contrapone a los elementos horizontales de la nave y las naves laterales. La estructura ya no fluye orgánicamente hacia el este, como en las catedrales góticas francesas, sino que se convierte de nuevo en la suma de sus partes.

Iglesias góticas germánicas de salón

El segundo desarrollo importante del gótico germánico es la iglesia de salón . Su origen se remonta a Francia, pero se abandonó por completo en el periodo gótico. La iglesia de salón se distingue por la misma altura de la nave y las naves laterales. Dos arcadas paralelas siguen dividiendo el interior, pero la impresión espacial ha cambiado radicalmente: la nave se ilumina desde el lado de las naves laterales, y las arcadas, como árboles macizos, se elevan en un amplio espacio que parece menos alto, ya que las tres naves paralelas de igual altura se perciben como un todo.

Así, el ideal románico de equilibrio entre líneas verticales y horizontales se superpone a la estructura gótica. En este retorno a la armonía estructural de elementos contrastados, el flujo regular de la luz desempeña un papel importante. Las ventanas bajas de la nave y las ventanas altas del presbiterio crean un místico juego de luz y oscuridad en la basílica gótica, mientras que el flujo continuo y uniforme de luz confiere a la sala de la iglesia un carácter abierto, casi terrenal.

La primera iglesia gótica de salón en Alemania, iniciada en 1235, fue la iglesia de Santa Isabel en Marburgo . El carácter gótico de esta iglesia ya se aprecia desde el exterior. Dos esbeltas torres se alzan en la fachada occidental, y los muros están completamente ocupados por hileras de altas ventanas. Los macizos contrafuertes y los delgados alféizares de las ventanas crean un patrón ornamental característico que, sin embargo, difiere significativamente de los basilicales góticos: los contrafuertes no se convierten en arbotantes, sino que permanecen fuerte y firmemente sujetos a los muros. Un rico sistema de pilastras y bóvedas de crucería anima el interior, donde el paso y la mirada ya no se dirigen unívocamente hacia el altar, sino que, debido a su amplitud, son igualmente amplios y profundos. El altar y el crucero forman un trébol, motivo predilecto del primer románico, que recuerda el antiguo concepto de planta centralizada.

Aproximadamente en la misma época se construyó el único edificio gótico de planta circular al otro lado del Rin (hacia 1240) - la Liebfrauenkirche de Tréveris . La planta de la base se basa en la cruz griega; la elaborada disposición de las capillas laterales la convierte en un círculo del que sobresale el altar hacia el este. Esta planta central, combinada con elementos característicos de la arquitectura gótica, está sin duda inspirada en la Capilla Palatina de Aquisgrán.

Construcción de ladrillo

La contribución alemana más importante a la historia del arte gótico en Europa, aparte de la fachada de una sola torre y la sala de la iglesia, es la estructura de ladrillo. Se originó en el norte de Alemania, donde la falta de arenisca natural, combinada con la ausencia de un transporte eficiente que proporcionara suministros regulares de piedra natural desde el centro de Alemania, llevó a la necesidad de construir con ladrillo para satisfacer la demanda causada por el rápido crecimiento de las ciudades hanseáticas.

Pronto se reconocieron las ventajas estructurales del ladrillo, y a principios del siglo XIII la arquitectura sacra y civil desarrolló la construcción en ladrillo de forma muy original. La sencillez de las estructuras de ladrillo, dictada por el material de construcción, resultó más adecuada para la llana Alemania septentrional que el esplendor de las estructuras de arenisca.

El principal ejemplo de edificio de ladrillo del siglo XIII en el norte de Alemania es la Marienkirche de Lübeck . Originalmente proyectada como iglesia de salón, se construyó más tarde como basílica siguiendo el modelo de las catedrales francesas.

La nave y las dos naves laterales terminan en chevrón, y las bóvedas del deambulatorio están unidas a las bóvedas de las capillas hexagonales en forma de viga, creando un conjunto espacial unificado. El crucero como tal se omite, pero las naves laterales, que son considerablemente más bajas que la nave, se prolongan un vano, formando una cruz. Ni la tracería elaborada, ni la artesonería, ni las molduras pueden ejecutarse en ladrillo, de modo que esa compleja variedad de delicados dibujos que oculta la seriedad constructiva de las catedrales góticas de arenisca está ausente en las iglesias de ladrillo. Sin embargo, la solidez de su construcción, la masividad de sus formas y la claridad de su intención general son rasgos característicos de la arquitectura medieval germánica en general.

Escultura gótica germánica

La influencia del gótico francés se dejó sentir no sólo en la arquitectura germánica, sino también en la escultura . El famoso Jinete real de Bamberg representa el primer alejamiento de las ideas románicas y la primera aproximación al ideal francés de belleza y armonía; no sigue las tradiciones de la escultura románica germánica, pero muestra un indudable parecido estilístico con las figuras reales de la catedral de Reims. Esto sugiere un activo intercambio artístico entre Francia y Alemania, pero no cabe duda de que el «Jinete real» es obra de un alemán.

Una obra similar de escultura figurativa gótica en Reims representa a un monarca de toda la vida familiarizado con la intriga política y los astutos juegos diplomáticos. El jinete real, por el contrario, irradia un solemne idealismo combinado con firmeza y una inquebrantable fuerza de voluntad. No se sabe a quién debía representar el joven monarca, pero hoy es el símbolo de ese glorioso periodo de la historia, la edad de la caballería medieval.

Con los retratos de los fundadores en la catedral de Naumburg, el realismo en la escultura gótica germánica alcanzó su apogeo. Ekkehart y Uta no están representados como figuras idealizadas con atemporales ropajes clásicos, rodeados de santos y ángeles, sino como personas realistas vestidas con el traje cotidiano de su época. No están rodeados de un aura celestial, no están convertidos en teología, son hombres y mujeres que llevan sobre sus hombros la carga de la vida, la carga de su humanidad, son figuras germánicas, firmes y fuertes, orgullosas y honorables.

Uta, levantando protectoramente su manto, parece rechazar todo lo superficial, y su mirada, fija en un futuro incierto, expresa la melancolía de la Edad Media que pasa. La brillante época de la caballería germánica estaba desapareciendo, y oscuras nubes de conflicto político se alzaban en el horizonte.

Sobre la plástica moderna, véase: Escultura gótica inglesa .

Talla en madera del gótico tardío

A finales del siglo XV, cuando el arte del Renacimiento florecía en Italia, el estilo gótico tardío seguía dominando en Alemania, y una serie de notables escultores góticos tardíos elevaron la escultura germánica en madera a nuevas cotas. Tilman Riemenschneider trabajó en Würzburg, donde produjo muchas esculturas grandes y pequeñas y talló varios retablos de madera de gran belleza formal. Su tierna representación de la Virgen María para el altar de Kreglingen revive el carácter trascendente de las esculturas anteriores y las supera con un nuevo esplendor radiante y una perfección sin igual.

Aproximadamente en la misma época, otro distinguido escultor de madera germánico, Veit Stoss, creó un retablo tallado para la Marienkirche de Cracovia . En 1496, Stoss se instaló en Núremberg, donde su genio alcanzó su mayor madurez. Su «Virgen con el Niño» está estrechamente relacionada con las bellas Madonnas del gótico francés, pero en su tranquilo aislamiento, expresado en la simplicidad del contorno y la autosuficiencia de la forma, esta escultura supera la afectación y el vacío espiritual del estilo gótico tardío.

Las obras de Tilman Riemenschneider, Veit Stoss y algunos de sus contemporáneos, como el austriaco Michael Pacher y el alemán del norte Bernt Notke, resumen la riqueza artística y la experiencia de la Edad Media y crean una digna conclusión de esta época. Otra imagen común tallada por Stoss y Riemenschneider, así como por otros tallistas germánicos de la época gótica, fue la Piedad - un ejemplo es la Piedad de Rottgen (1300, Rhine Landesmuseum, Bonn).

Pintura gótica germánica

En el período posterior de la pintura románica, la articulación más rica de las superficies de las paredes dejaba menos espacio para los frescos de gran formato, y cuando, con la llegada del gótico, el espacio de las paredes se redujo aún más con columnas y pilares, el arte de la pintura al fresco quedó casi olvidado. Pero la tendencia trascendente de la arquitectura gótica y el tamaño cada vez mayor y la importancia decorativa de las ventanas llevaron a la necesidad de utilizar vidrios pintados de colores. El arte de la pintura sobre vidrio se desarrolló y, como era de esperar, alcanzó su apogeo en Francia, donde la arquitectura gótica ofrecía las mayores oportunidades.

En Alemania, en el siglo XIV, se desarrolló otra forma de pintura, no relacionada con la arquitectura: la pintura sobre tabla. La idea básica de la pintura sobre tabla tiene su origen en los artistas medievales de Bizancio (para más detalles, véase: Pintura de iconos), donde el icono siempre ocupaba un lugar tradicional en la iglesia. En el siglo XIII, por razones litúrgicas, aumentó la importancia de la pintura sobre tabla, especialmente en Italia. (En Rusia también: véase Escuela de pintura de iconos de Nóvgorod)

Las reformas eclesiásticas cambiaron los ritos de la Santa Misa, y el sacerdote, que antes se situaba detrás del altar de cara a la congregación, ahora se colocaba delante de él, de espaldas al pueblo. Mientras que antes el altar sólo podía decorarse con un frontón, el antependium, ahora era posible erigir una imagen en el altar mayor, el retablo. Esto creó la posibilidad de crear varios tipos de retablo, utilizando temple sobre diversas combinaciones de paneles de madera: un retablo díptico constaba de dos paneles; un tríptico, tres; y un políptico, muchos.

A mediados del siglo XIV, Praga, residencia favorita del emperador alemán Carlos IV, se convirtió en el centro de la pintura sobre tabla germánica . Los estrechos vínculos del emperador con la corte papal de Aviñón y los círculos humanistas de Italia contribuyeron a la rápida difusión de nuevas ideas y formas artísticas. Los pintores de la escuela bohemia del siglo XIV combinaron originalmente el estilo manierista de los manuscritos iluminados franceses y el arte realista duro del pintor italiano del Trecento Giotto y ejercieron una influencia decisiva en la evolución posterior de la pintura germánica.

Hacia 1350, un maestro desconocido pintó un retablo de nueve tablas para el monasterio cisterciense de Hohenfurt, en el sur de Bohemia. En «La Natividad» se aprecian claramente los diversos elementos estilísticos que influyeron en el artista. El fondo dorado sigue el estilo del arte bizantino , al igual que la representación de un establo con María tumbada en un lecho, y las extrañas rocas cúbicas recuerdan el proto-renacimiento de Giotto . Las figuras de largas piernas y ojos almendrados también sugieren la influencia italiana, y el meticuloso detallismo está tomado de los manuscritos borgoñones de estilo gótico internacional, repletos de cuidadas representaciones de flores, plantas y árboles (para más detalles, véase: Iluminaciones góticas internacionales). La atención prestada a la representación idílica de escenas de la vida cotidiana, como José y la nodriza preparando un baño, es un rasgo característico de la pintura medieval germánica de este periodo.

Desde que Giotto introdujo la tercera dimensión en las bellas artes, los artistas europeos se han preocupado por el problema del espacio. En el cuadro «Resurrección» del maestro de Wittingau, la disposición diagonal del ataúd de piedra confiere una profundidad adicional al primer plano del cuadro, que llega a su conclusión lógica gracias a las siluetas de las montañas del fondo. La vívida representación «de la Resurrección» muestra la figura de Cristo como una aparición sobrenatural, como flotando sin gravedad sobre el sarcófago, mientras que los sellos intactos de su borde atestiguan el milagro consumado. Los rostros de los guardias del fondo expresan horror, incomprensible curiosidad y absoluto desinterés; sólo el caballero del primer plano, al que aparentemente iba dirigido el gesto de bendición, mira con fascinado interés. Comparado con el efecto de libro «de la Natividad» del maestro Hohenfurth, la unidad y la intensidad espiritual de este cuadro representan un logro notable.

A finales de siglo, el westfaliano Conrad von Soest estaba activo en Dortmund, donde en 1422 ejecutó un retablo para la Marienkirche, lo que indica la familiaridad del artista con la ilustración de libros francesa y con la pintura de la escuela bohemia. La fama de los artistas centroeuropeos se extendió desde Westfalia a las ciudades hanseáticas del norte de Alemania. Hamburgo y Lübeck se convirtieron en importantes centros artísticos, desde donde la pintura germánica pronto comenzó a extenderse por las rutas comerciales hacia los países escandinavos vecinos y a través del Báltico.

Desde la fundación de las ciudades hanseáticas, el norte de Alemania se convirtió en el vínculo político, económico y cultural entre Europa Central y Escandinavia, papel que mantuvo hasta el siglo XVII. En la Edad Media, la arquitectura de ladrillo del norte de Alemania fue adoptada por los países de la región báltica, con el resultado de que se pueden encontrar iglesias góticas de ladrillo no sólo en Lübeck, Wismar, Stralsund y Danzig, sino también en Copenhague, Odense y Turku (Finlandia).

Cuando el arte de la pintura sobre tabla se extendió por Europa, fueron las ciudades costeras del norte de Alemania las que se convirtieron de nuevo en el nexo de unión entre Escandinavia y el resto de Europa. Las pinturas de los maestros alemanes viajaron a Dinamarca, Suecia, Noruega, Finlandia y más al este. Al principio sólo se destinaban a las estaciones comerciales hanseáticas en el extranjero, pero cuando atrajeron el interés y la admiración de la población nativa, los mercaderes descubrieron que las pinturas eran una mercancía tan lucrativa como el trigo y las especias, y pronto se desarrolló un animado comercio de pinturas.

Dos artistas en particular crearon la fama de la pintura del norte de Alemania: el maestro Bertram y el maestro Franke . Gracias a la metódica contabilidad de los empleados de Hamburgo, sus nombres están bien recogidos en las numerosas cuentas del departamento de finanzas de la ciudad. El maestro Bertram era natural de Westfalia y, aunque no se sabe nada de su evolución artística, se cree generalmente que aprendió su oficio en Bohemia.

El maestro Franke nació en Hamburgo. Su obra principal, un retablo de Santo Tomás , fue encargada por una asociación de comerciantes de Hamburgo «La Compañía de Santo Tomás Comerciantes con Inglaterra». La Adoración de los Magos» muestra a Franke como representante típico del estilo gótico suave que se desarrolló a finales de siglo en respuesta a la rígida monumentalidad de los maestros italianos y bohemios. Las líneas suaves y fluidas de las figuras, pensativamente tranquilas, que se adentran en los ricos pliegues de sus lujosos ropajes, crean un efecto mágico. Una dignidad majestuosa, sin sombra de patetismo, caracteriza la figura de la Virgen María y la convierte en el centro espiritual, al que corresponden las demás figuras por su pose y sus gestos. Ni un solo movimiento perturba la tranquilidad de la escena, ni las suaves colinas ni el cielo estrellado del fondo. Sin embargo, el cuadro no carece de calor humano. El niño Jesús alcanza el cofre del tesoro abierto con dedos torpes, mientras que José está preocupado por llevar el precioso regalo a un lugar seguro.

«Natividad» del pintor de Westfalia Johannes Körbeke es más realista y demuestra claramente la influencia de la pintura flamenca en los pintores germánicos. La profundidad espacial del paisaje rico en gradaciones, la descripción detallada del tejado viejo y desgastado, la pequeña parcela de hierba en primer plano, la aguda técnica gráfica, todo ello son rasgos del realismo de Jan van Eyck y sus seguidores. Pero en la pintura de Körbeke este deseo de realidad sigue estando en contradicción con las antiguas convenciones. El paisaje realista se contrapone al tradicional cielo dorado, y las figuras de la Virgen y los ángeles, en particular, permanecen aisladas del mundo que las rodea. Su existencia trascendental, así como las líneas decorativas de los ricos pliegues descendentes de sus ropajes, pertenecen a la tradición tardogótica.

Esta encantadora fusión de nuevas tendencias con nociones medievales puede observarse en todas las pinturas germánicas de mediados del siglo XV. Uno de los que mejor supo combinar tradición y progreso fue Stephan Lochner, maestro de la escuela de pintura de Colonia, oriundo del lago de Constanza. Su cuadro «La Presentación en el Templo» es un magnífico conjunto de figuras celestes y humanas, que se acercan por la idealización de las figuras humanas y la representación terrenal de las celestes.

Hay un aura más angelical que emana de los niños con velas que del círculo de ángeles revoloteando sobre un fondo dorado, y la Virgen María sólo se distingue de las otras bellas y radiantes damas por sus ropajes más lujosos y su aureola. Ya no se la representa como una mensajera del cielo, sino como la elegida del pueblo. Se ha añadido otro toque muy humano: los ritos sagrados en el altar parecen olvidados, todo el mundo mira a la multitud de niños; no sólo las figuras a izquierda y derecha del altar, sino también la propia María se distrae por un momento. La barrera entre el cielo y la tierra parece disminuir.

La fuerza de la pintura del gótico tardío en Alemania (que se mezcló en no poca medida con el Renacimiento alemán) no residía en su monumentalidad o su audaz intelectualismo, sino en su imaginación poética y su amorosa atención a los detalles, a través de los cuales se resolvían todas las contradicciones formales. Poco importa que las estilizadas figuras de los novios en un cuadro de un desconocido maestro suabo, pintado hacia 1470, se encuentren en un bosque naturalista, donde el suelo está cubierto de una rica alfombra de plantas pintadas con precisión botánica: ranúnculos, tréboles, dientes de león, lirios del valle, prímulas, valeriana, etc., en un entorno boscoso. En este entorno terrenal, los movimientos y posturas amanerados de los novios, que corresponden a las ideas del gótico tardío, parecen casi irreales, pero esta yuxtaposición de realidad y trascendentalismo crea un efecto mágico y confiere a la escena la deliciosa armonía característica de la pintura germánica de esta época. Por ejemplo, la Escuela del Danubio (1490-1530) encabezada por Albrecht Altdorfer (1480-1538). En otros países, la pintura hacía tiempo que se había decantado por el realismo mundano.

El arte gótico germánico se puede contemplar en algunos de los mejores museos de arte del mundo, como la Gemaldegalerie SMPK de Berlín, la Gemaldegalerie Alte Meister de Dresde y el Museo Pinakothek de Múnich.

Para saber cómo encajan la arquitectura, la escultura y la pintura del gótico germánico en la evolución general de la cultura europea, véase: Cronología de la historia del arte .