Jerarquía de los géneros: historia, retratos, género, paisajes, naturaleza muerta Traductor traducir
NOTA: Para el análisis de pinturas de todos los géneros, hasta 1800, consulte: Pinturas famosas analizadas (1250-1800). Para trabajos posteriores, ver: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).
Introducción
En bellas artes, el término ’ género ’ se refiere al diferente ’tipo’ o ’categoría’ en el que un pintura puede ser clasificado De manera bastante confusa, la misma palabra aparece en la frase ’pintura de género’, que es en sí misma un tipo de pintura, específicamente, imágenes de escenas cotidianas. Lo establecido géneros de pintura son: Paisaje , Retrato , Escenas de género , Historia y Naturaleza muerta . A lo largo de los siglos, el debate se ha desatado sobre el valor relativo y la importancia de estas categorías de pintura, y si existe una jerarquía natural entre ellas.
La Jerarquía Académica de los Géneros
Este método de ’clasificar’ las pinturas según el ’tipo’ se estableció a raíz de la Renacimiento italiano por las grandes academias europeas, como el Academia de arte en Roma , la Academia de arte en Florencia , la Academia francesa en París y el Royal Academy en Londres . Fue anunciado por primera vez en 1669 por el teórico del arte Andre Felibien, Secretario de la Academia Francesa.
Felibien clasificó los géneros de la siguiente manera: (1) Pintura de historia ; (2) retrato ; (3) Pintura de género ; (4) paisajes ; (5) Naturaleza muerta .
Este sistema de clasificación, basado en las tradiciones del arte griego y romano establecido durante la era de la Renacimiento Florentino – fue utilizado por las academias como base para otorgar premios y becas, así como espacios en sus exposiciones (salones). También tuvo un impacto significativo en el valor monetario percibido de una obra de arte, en las salas de venta de las casas de subastas.
¿Por qué se clasificaron las pinturas?
De acuerdo con los preceptos de Arte académico esta llamada "jerarquía de los géneros" estaba justificada porque reflejaba la fuerza moral inherente de cada género. Un artista podría comunicar un mensaje moral mucho más claramente a través de una imagen de la historia, un retrato o una pintura de género, en lugar de un paisaje o una naturaleza muerta. Además, siguiendo las tradiciones de la antigüedad clásica, el Renacimiento italiano creía que la forma más elevada de arte era la representación pictórica de la forma humana, en la escultura figurativa, dibujar figuras y pintura de figura . Así, los paisajes y las naturalezas muertas, que no requerían figuras humanas, eran vistos como géneros menores . Por último, el sistema de clasificación académica refleja el valor de visualización de cada categoría. La pintura de historia era el género más grande y más adecuado para la exhibición pública, seguido de retratos, obras de género y paisajes, mientras que los lienzos de naturaleza muerta eran típicamente los más pequeños y se ejecutaban solo para visualización doméstica.
Controversia
El sistema de clasificación académica suscitó una gran controversia y descontento entre artistas y escuelas.
Para empezar, iba acompañado de una serie de otras reglas, que dictaban cómo se iban a pintar las pinturas. Por ejemplo, el tema, el diseño, la composición, el esquema de color y el acabado de una pintura fueron cuidadosamente regulados por las academias, para reforzar el sistema de estética por lo que se pusieron de pie. Los artistas que no cumplieron con estas convenciones encontraron extremadamente difícil forjar una carrera como artista. Fueron, por ejemplo, excluidos de la Salon de Paris , y de cualquier lista de ’artistas recomendados’ para publicaciones oficiales en la enseñanza, o para cualquier comisión oficial.
En segundo lugar, la insistencia de las academias en clasificar una pintura según su capacidad para transmitir un "mensaje moral" introdujo un elemento completamente no artístico en la práctica del arte. Como resultado, las pinturas de historia mediocres recibieron un trato preferencial sobre paisajes sobresalientes y pinturas de género. Peor aún, todo el sistema desalentó la experimentación y la innovación, prefiriendo en cambio la conformidad y la repetición. Más tarde, durante el siglo XIX, todo el sistema académico cayó en desprestigio a medida que artistas brillantes (pero no conformes), como Manet, Monet y Cezanne, fueron excluidos del Salón de París , mientras que las figuras menores exhibieron sus obras. (Nota: Casi ninguna pintura histórica fue producida por pintores impresionistas). Tal fue la controversia que en 1863 el emperador francés Napoleón III organizó un salón ’alternativo’, conocido como el Salon des Refusés – para exhibir obras rechazadas por la Academia Francesa.
NOTA: Para obtener más información sobre el desarrollo de la pintura, la escultura y otras bellas artes, consulte: Historia del Arte (desde 800 a. C.)
Pinturas de historia
Pintura de la historia , la categoría más alta, a veces llamada el "gran género": pinturas denotadas que retrataban un mensaje edificante o éticamente edificante en un contexto histórico, religioso, alegórico o mitológico. Durante siglos, los ejemplos más comunes de este género fueron pinturas religiosas , lo cual no fue sorprendente ya que la Iglesia era el principal pagador.
Ejemplos de pintura de historia incluyen: Alegoría del buen y mal gobierno (1338-9) por Ambrogio Lorenzetti; la Frescos de la capilla Scrovegni en Padua (1304-13) por Giotto; Batalla de San Romano (1438-55) por Paolo Uccello; la Última cena (1495-98) por Leonardo da Vinci; la Génesis fresco (1508-11) por Miguel Ángel; Júpiter y Io (1533) por Correggio; y Cena en Emaús (1601) por Caravaggio. Las pinturas de historia moderna incluyen imágenes como: el Muerte de marat (1793) y El juramento de los Horacios (1785) por Jacques-Louis David; la Paseo de medianoche de Paul Revere (1931) por Grant Wood; y Guernica (1937) de Pablo Picasso.
Retrato
Arte retrato , el segundo género más alto, incluía principalmente la pintura de individuos heroicos más grandes que la vida para la vista del público, aunque también se prestaba a retratos privados a menor escala, así como a autorretratos .
Los retratos renacentistas famosos incluyen: el Retrato de arnolfini (1434) de Jan van Eyck; Retrato de un joven chica (1470) por Petrus Christus; Viejo hombre con un joven chico (1490) por Domenico Ghirlandaio; Dux Leonardo Loredan (1504) por Giovanni Bellini; Mona Lisa (1503) por Leonardo; y Retrato de Baldassare Castiglione (1515) por Rafael.
Para el retrato del siglo 17, ver El caballero de risa (1624) por Frans Hals; Retrato de Jan Six (1654) y El Síndicos del gremio de los fabricantes de telas (1662) por Rembrandt; Retrato del papa Inocencio X (1650) por Velázquez; y Chica con un arete de perla (1666) por Jan Vermeer; para más, vea también Retratos barrocos (1600-1700).
Para retratos del siglo XVIII, ver: Retratos rococó y neoclásico (1760-1850). Para el retrato del siglo XIX, ver: Retratos: siglo XIX y también Retratos impresionistas (1870-1930).
Para retratos del siglo XX ver: Niño con un tubo (1905) y Mujer llorando (1937) de Pablo Picasso. Para más, ver: Retratos de Picasso (1900-44).
Ver también: Retratos expresionistas , como Retrato de juan gris (1915) por Modigliani; y Retrato de Madeleine Castaing (1928) por Chaim Soutine. Para un trabajo semi-abstracto, ver: Mujer sentada (1944) por Willem de Kooning. Para ver ejemplos de retratos contemporáneos, ver: Mr and Mrs Clark (1970) de David Hockney, así como la gama de retratos Pop-art de serigrafía de celebridades de Andy Warhol.
Pinturas de género
Pintura de género escenas cotidianas preocupadas pobladas por personas comunes, aunque pueden incluir paisajes. Si bien las imágenes de la historia y los retratos eran idealmente grandes (y se exhibían en público), las obras de arte del género eran pinturas a pequeña escala para su visualización doméstica. los Escuela de pintura de género realista holandesa , liderado por Jan Vermeer, fue el máximo exponente de este género: ver, en particular, La lechera (1658) Pequeña calle (1658) Mujer joven con una jarra de agua (1662) Mujer sosteniendo un equilibrio (1662-3) Mujer con collar de perlas (1662), y La encajera (1670).
En Francia, los pintores más destacados del género barroco incluyeron: Georges de La Tour y los hermanos Le Nain (Antoine, Louis, Mathieu). Fueron seguidos por Jean-Antoine Watteau (1684-1721), conocido por su Peregrinación a Citera (1717), así como Jean Chardin (1699-1779), Francois Boucher (1703-70), Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) y Jean Honore Fragonard (1732-1806). En Inglaterra, el artista principal del género fue William Hogarth (1697-1764), famoso por obras como Rake’s Progress (1735) y Marriage a la Mode (1743).
La pintura de género del siglo XIX se ejemplifica en obras como: Un entierro en Ornans (1850) de Gustave Courbet; Derby Day (1856-8) por WP Frith; The Gleaners (1857) de Millet; La Grenouillere (1869) por Monet; The Floor Planers (1875) de Caillebotte; The Dance Class (1873-5) y Absinthe Drinker (1876) de Degas; Baila en el Moulin de la Galette (1876) y Almuerzo de la fiesta en bote (1880-1) por Renoir; Un bar en el Folies-Bergere (1882) por Manet; Bañistas en Asnieres (1884) y Domingo por la tarde en La Grande Jatte (1886) por Georges Seurat; En el Moulin Rouge (1892) de Toulouse-Lautrec; Los jugadores de cartas (1893) de Paul Cezanne; La blusa verde (1919) y La terraza de Vernon (1939) por Pierre Bonnard.
Paisajes
Pintura de paisaje , la cuarta categoría, denotaba pinturas cuyo tema principal era la representación de una vista panorámica (campo, paisaje marino, ríos, montañas, paisaje urbano, etc.) por su propio bien . Un paisaje no requería personas, y un paisaje poblado podría clasificarse como una pintura de género, si el artista se preocupara principalmente por retratar la acción humana. Este género solo despegó a fines del siglo XVIII, como un ejercicio topográfico. No fue hasta la llegada de Constable y Turner, y el impacto de la Revolución Industrial, que el escenario por sí mismo se convirtió en una forma de arte popular. Escuelas importantes incluidas: Pintura inglesa del paisaje (1700-1900), el Escuela barbizon (1830-75) y Pintura impresionista del paisaje (1860-1920).
Pinturas de paisajes famosos incluyen: Entrada al Gran Canal, Venecia (1741) por Bernardo Bellotto; The Hay Wain (1821) de John Constable; Tormenta de nieve: Steamboat off a Harbour’s Mouth (1842) de Turner; Ville d’Avray (c. 1867) por Corot; Impresion Sunrise (1873) Campo de amapolas Argenteuil (1873) Serie de lirios de agua (1897-1926), El Estanque de nenúfares: armonía verde (1899) de Claude Monet; Mañana brumosa (1874) y Nieve en Louveciennes (1878) de Alfred Sisley; Techos rojos (1877) por Camille Pissaro; y la famosa serie de Cezanne Pinturas de Mont Sainte-Victoire (1882-1906).
Bodegones
Pintura de bodegones fue considerado como el menos elevador de todos los géneros. Por lo general, se refería a la representación de objetos como flores, frutas, alimentos, así como utensilios de cocina y mesa. También se pueden incluir animales y humanos. La escuela de Realismo holandés fue el máximo exponente del arte de la naturaleza muerta. Sus logros, incluida la inserción sutil de la moral cristiana en obras de " Pintura Vanitas ", ejemplifican las pinturas de artistas como: Frans Snyders, Pieter Claesz, Willem Claesz Heda, Willem Kalf, Samuel Hoogstraten, Jan Davidsz de Heem y Rachel Ruysch. Fuera de Holanda, los artistas de bodegones más importantes han sido Francisco de Zurbarán, Juan Sánchez Cotan, Jean Chardin, Paul Cezanne, Henri Fantin-Latour, Georges Braque, Juan Gris, Giorgio Morandi e Ivan Kramskoy.
Si observa un error gramatical o semántico en el texto, especifíquelo en el comentario. ¡Gracias!
No se puede comentar Por qué?