Jerarquía de los géneros: historia, retratos, género, paisajes, naturaleza muerta Traductor traducir

En las artes visuales, el término « género» se refiere a varios «tipos» o «categorías» en los que se puede clasificar una pintura. Es probable que la misma palabra aparezca en la frase «pintura de género», que es a su vez, entre otras cosas, un tipo de pintura, obras narrativas pictóricas que representan escenas cotidianas. Géneros establecidos de la pintura : paisaje, retrato, pintura de género, historia, naturaleza muerta . Durante siglos se ha debatido el valor relativo y la importancia de estas categorías de pintura, y si existe una jerarquía natural entre ellas.

La jerarquía académica de los géneros

Este método de «clasificación de» cuadros por «tipo» fue introducido a raíz del Renacimiento italiano por las grandes academias europeas, como la Academia de las Artes de Roma, la Academia de las Artes de Florencia, la Academia Francesa de París y la Real Academia de Londres . Así lo anunció por primera vez en 1669 el teórico del arte André Felibien, secretario de la Academia Francesa.

Felibien ordenó los géneros de la siguiente manera:

❶ Pintura histórica

❷ Pintura de retrato

❸ Pintura de género

❹ Paisaje

❺ Naturaleza muerta

Este sistema de clasificación, basado en las tradiciones del arte griego y romano desarrolladas durante el Renacimiento florentino, fue utilizado por las academias como base para conceder premios y becas, así como espacio en sus exposiciones (salones). También tuvo un impacto significativo en el valor monetario percibido de una obra de arte en las salas de venta de las casas de subastas.

¿Por qué se introdujo esta clasificación?

Según las actitudes del arte académico, esta llamada «jerarquía de géneros» estaba justificada porque reflejaba la fuerza moral inherente a cada género . El artista podía transmitir más claramente un mensaje moral a través de un cuadro histórico, un retrato o una pintura de género que a través de un paisaje o una naturaleza muerta. Además, siguiendo la tradición de la Antigüedad clásica, el Renacimiento italiano creía que la forma más elevada de arte era la representación esquemática de la forma humana – en la escultura, los dibujos de figuras y en las figuras más realistas de las pinturas . Así, los paisajes y las naturalezas muertas, que no requerían figuras humanas, se consideraban géneros menores. Por último, el sistema de clasificación académica reflejaba el valor público real de cada categoría. La pintura de historia era el género mayor y más apropiado para la exhibición pública, seguido de los retratos, las obras de género y los paisajes, mientras que las naturalezas muertas tendían a ser las más pequeñas y realizadas únicamente para su contemplación en el hogar.

Polémicas

El sistema de clasificación académica causó gran controversia e insatisfacción entre artistas y escuelas.

En primer lugar, la clasificación iba acompañada de otras normas que dictaban cómo debían pintarse los cuadros. Por ejemplo, el tema, la disposición, la composición, el esquema de color y el acabado de un cuadro estaban cuidadosamente regulados por las academias para reforzar el sistema de estética que propugnaban. Los artistas que no respetaban estas convenciones tenían grandes dificultades para hacer carrera. Por ejemplo, quedaban excluidos del Salón de París y de cualquier lista «de artistas recomendados» para puestos oficiales en la enseñanza o para cualquier encargo oficial (comisiones).

En segundo lugar, la insistencia de las academias en clasificar un cuadro según su capacidad para transmitir «un mensaje moral» introdujo un elemento totalmente no artístico en la práctica del arte. El resultado fue que se favorecieron los cuadros históricos mediocres en detrimento de los paisajes y obras de género sobresalientes. Peor aún, todo el sistema desalentaba la experimentación y la innovación, favoreciendo en cambio la coherencia y la repetición. Más adelante, en el siglo XIX, este sistema académico fue adquiriendo notoriedad, ya que artistas brillantes (pero no conformes con los cánones académicos) como Manet, Monet y Cézanne fueron excluidos del Salón de París, mientras que se exponían obras de autores menos poderosos. (Nota: los pintores impresionistas casi no pintaron cuadros históricos.) La polémica fue tan divisiva que en 1863 el emperador francés Napoleón III organizó «un» Salón alternativo – conocido como el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) – para exponer obras rechazadas por la Academia Francesa.

Para más información sobre el desarrollo de la pintura, la escultura y otras bellas artes, véase: Historia del Arte (desde 800 a.C.).

Pinturas históricas

Las pinturas históricas, la categoría más alta, a veces llamada «gran género», – son pinturas que representan un mensaje edificante o éticamente edificante situado en un contexto histórico, religioso, alegórico o mitológico. A lo largo de los siglos, los ejemplos más comunes de este género fueron pinturas religiosas, lo que no es sorprendente, ya que la iglesia era el principal cliente.

Ejemplos de pinturas históricas: Alegoría del buen y mal gobierno (1338-9) de Ambrogio Lorenzetti; frescos de la Capilla de Scrovegni en Padua (1304-13) de Giotto; Batalla de San Romano (1438-55) de Paolo Uccello; La Última Cena (1495-98) de Leonardo da Vinci; Fresco del Génesis (1508-11) de Miguel Ángel; Júpiter e Io (1533) de Correggio; y Cena de Emaús (1601.) Caravaggio. Entre los ejemplos de la historia moderna se incluyen cuadros como La muerte de Marat (1793) y El juramento Horaciano (1785) de Jacques-Louis David; Paul Revere’s Midnight Ride (1931) de Grant Wood; y Guernica (1937) de Pablo Picasso.

Pintura de retratos

El retrato, el segundo género en importancia, consistía principalmente en la representación de personalidades heroicas más grandes que la vida para su contemplación pública, aunque también era adecuado para pequeños retratos privados, así como autorretratos .

Entre los retratos renacentistas famosos se incluyen Retrato de Arnolfini (1434) de Jan van Eyck; Retrato de una joven (1470.) Petrus Christus; Anciano con niño (1490) – Domenico Ghirlandaio; Dux Leonardo Loredan (1504) Giovanni Bellini; Mona Lisa (1503) Leonardo;&ndash Retrato de Baldassare Castiglione (1515) Rafael.

Sobre el retrato del siglo XVII: El Caballero que ríe (1624) de Frans Hals; Retrato de Jan VI (1654) y Sindiki del gremio de los pañeros (1662.) de Rembrandt; Retrato del papa Inocencio X (1650) de Velázquez; Muchacha con pendiente de perla (1666) de Jan Vermeer; véase también Retratos barrocos (1600-1700).

Pimeras del retrato del siglo XVIII: Retratos rococó y neoclásicos (1760-1850). Sobre el retrato del siglo XIX aquí: Retratos del siglo XIX, y Retratos impresionistas (1870-1930).

Sobre los retratos del siglo XX, véase: Niño con pipa (1905) y Mujer llorando (1937) de Pablo Picasso. Más información: Retratos de Picasso (1900-1944).

Véase también: Retratos expresionistas, como Retrato de Juan Gris (1915) de Modigliani; y Retrato de Madeleine Kasten (1928) de Chaim Sutin. Una obra semiabstracta Mujer sentada (1944) de Willem de Kooning. Algunos ejemplos de retratos contemporáneos son «Mr and Mrs Clark» (1970) de David Hockney, y varios retratos Pop Art serigrafiados de famosos de Andy Warhol.

Pinturas de género

Los cuadros de género trataban escenas cotidianas pobladas por gente corriente, aunque el tema también podía incluir un paisaje. Mientras que los cuadros históricos y los retratos eran idealmente grandes (y se exponían al público), las obras de género eran cuadros pequeños para uso doméstico. La escuela holandesa de pintura de género realista, liderada por Jan Vermeer, fue el máximo exponente del género. Estudiemos, por ejemplo, Lechera (1658), Callejuela (1658), Joven con un jarro de agua (1662), Mujer con una balanza (1662-1616), Muchacha con collar de perlas (1662) y Encajera (1670).

En Francia, entre los artistas destacados del género barroco estaban Georges de Latour y los hermanos Lenin (Antoine, Louis, Mathieu). Les siguieron Jean-Antoine Watteau (1684-1721), famoso por su Peregrinación a Citera (1717), así como Jean Chardin (1699-1779), François Boucher (1703-70), Jean-Baptiste Grèze (1725- 1805) y Jean Honoré Fragonard (1732-1806). En Inglaterra, el artista más destacado del género fue William Hogarth (1697-1764), famoso por obras como Rake’s Progress (1735) y Marriage in Fashion (1743).

Ejemplos de pintura de género del siglo XIX incluyen obras como Funeral at Ornans (1850) de Gustave Courbet; Derby Day (1856-8) de W. P. Frith; Los coleccionistas (1857) de Millais; Grenouiller (1869) de Monet; Parqueteurs (1875) de Kaibott; Clase de baile (1873-5) y El amante de absenta (1876) de Degas; Baile en el Moulin de la Galette (1876.) y Almuerzo en un barco (1880-1881) de Renoir; Bar en el Folies-Bergères (1882) de Manet; Bañistas en Agnières (1884.) y Tarde de domingo en la Grande Jatte (1886) de Georges Seurat; Moulin Rouge (1892) de Toulouse-Lautrec; Jugadores de cartas (1893) de Paul Cézanne; Blusa verde (1919) y Terraza en Vernon (1939) de Pierre Bonnard.

Paisajes

La pintura de paisaje, la cuarta categoría, designaba las pinturas cuyo tema principal era la representación de una vista pintoresca (campo, mar, ríos, montañas, paisaje urbano, etc.) como o . El paisaje no requería personas, y un paisaje con una población podía clasificarse como pintura de género si el artista se preocupaba principalmente de representar la acción humana. El género comenzaba a desarrollarse a finales del siglo XVIII como ejercicio topográfico. Sólo con la llegada de Constable y Turner, y bajo la influencia de la Revolución Industrial, el paisaje se convirtió en una forma de arte popular. Entre las escuelas más importantes se encuentran el paisajismo inglés (1700-1900), la escuela de Barbizon (1830-75) y el paisajismo impresionista (1860-1920).

Entre los paisajes famosos : Entrada al Gran Canal de Venecia (1741) de Bernardo Bellotto; Carro de heno (1821) de John Constable; Tormenta de nieve: un barco de vapor en la bocana del puerto» (1842) de Turner; Tormenta de nieve: un barco de vapor en la bocana del puerto» de Turner; Ville d’Avré (hacia 1867) de Corot; Impresión, Amanecer (1873), Campo de Mac en Argenteuil (1873), serie Nenúfares (1897-1926), Estanque de nenúfares: Armonía verde (1899) de Claude Monet; Mañana brumosa (1874) y Nieve en Louveciennes (1878) de Alfred Sisley; Tejados rojos (1877) de Camille Pissarro y la famosa serie de Cézanne. Estudie también el cuadro Monte Santa Victoria (1882-1906) de Cézanne.

Bodegones

La naturaleza muerta se consideraba el menos sublime de todos los géneros. Generalmente se trataba de la representación de objetos como flores, frutas, alimentos y utensilios de cocina y comedor. También podían incluirse animales y personas como temas secundarios. La escuela del Realismo holandés fue la máxima representante de la pintura de bodegones. Sus logros, incluida la sutil infusión de moral cristiana en obras del estilo de «Vanitas», se ilustran en cuadros de artistas como Frans Snijders, Pieter Claes, Willem Claes Heda, Willem Kalf, Samuel Hoogstraten, Jan Davids de Heem y Rachel Ruysch. Fuera de Holanda, los principales maestros del bodegón fueron Francisco de Zurbarán, Juan Sánchez Cotán, Jean Chardin, Paul Cézanne, Henri Fantin-Latour, Georges Braque, Juan Gry, Giorgio Morandi e Ivan Kramskoi.

GRAN ARTE DEL MUNDO
Grandes artistas de todos los tiempos
Grandes cuadros de todos los tiempos .

NOTA. Para análisis de pinturas de todos los géneros, anteriores a 1800, véase Análisis de Pinturas Famosas (1250-1800). Para obras posteriores, véase Análisis de Pinturas Modernas (1800-2000).