Artistas manieristas del siglo XVI Traductor traducir
Introducción
Manierismo (de la ’maniera’ que significa simplemente estilo o elegancia) fue principalmente una reacción al sobre idealista estética y super-logros de la Alto renacimiento . También reflejó la turbulencia política de la cinquecento (siglo 16). Por ejemplo, el estilo de retorcimiento dramático visible en el fresco del Juicio Final de Miguel Ángel en la pared de la Capilla Sixtina (1535-41) en Roma, capturó perfectamente la angustia del saqueo de la ciudad por un ejército mercenario alemán en 1527. El dramático y emocional de Giambologna La escultura también se adapta perfectamente al estado de ánimo de la época.
Después del alto renacimiento
Comparar el Alto Renacimiento con una llegada a una meseta alta que disfruta de un clima más benigno que el de la ladera de la montaña que lo conduce, es justo hasta cierto punto; también lo es el corolario de que continuar más allá de esa cumbre deseable implica un descenso inevitable. (Para más información sobre el Alto Renacimiento, ver Arte renacentista en Roma .) Es cierto, por supuesto, que los artistas de segundo rango, hombres lo suficientemente sensibles como para continuar con la gran tradición de sus predecesores pero insuficientemente creativos para agregarle o para ver el mundo a través de sus propios ojos, siempre han existido, y inevitablemente producirá pinturas que sean dignas, académicas y competentes pero, debido a su desafortunada posición en la pendiente descendente, carezcan de interés. Tal escuela de artistas surgió en el Escuela Fontainebleau en Francia (1530-1610), y en el Escuela boloñesa (c.1590-1625) centrado en la Accademia degli Incamminati creada por los hermanos Carracci , en Bolonia. Raphael fue su inspiración, pero un Raphael suavizado por algo de la sensualidad de Correggio y un poco del brillo de Tiziano .
Los Carracci tenían sus seguidores, de los cuales el más competente era Domenichino (1581-1641) y el más famoso de su época, Guido Reni (1575-1642). Fueron prolíficos, pero (posiblemente) no agregaron nada al logro creativo de su tiempo.
En ese momento de clímax, por lo tanto, cuando se alcanza la cumbre alta, solo dos cursos son posibles si se quiere agregar un logro. Los artistas pueden continuar admirando y emulando a sus predecesores, y al hacerlo están obligados a exagerarlos y caricaturizarlos y, por lo tanto, a convertir lo que alguna vez fue sincero en un conjunto de gestos. O pueden comenzar de nuevo en un nuevo viaje explorando un nuevo país, escalando una nueva montaña y apuntando a una nueva cumbre.
Durante el siglo XVI, en varias partes de Italia, podemos rastrear ambos movimientos. El primero, el manierismo, debía terminar por puro agotamiento. El segundo, Barroco , fue capaz de un nuevo crecimiento, y continuó y floreció durante el siglo que siguió, no solo en Italia sino en gran parte de Europa. Los dos movimientos, por supuesto, se fusionaron e intersectaron, pero en aras de la simplificación, y con una advertencia al lector de que la simplificación generalmente significa una simplificación excesiva, deben mantenerse separados.
Manierismo
En Toscana, el manierismo implicaba la adoración de héroes y difícilmente podía dejar de extenderse a la sombra de gigantes como Miguel Ángel y Rafael , cuyo logro fue tan supremo que, al final, incluso les impidieron el camino a su propio progreso. Es sorprendente y ridículo ver a Pontormo , Vasari , Bronzino y Tibaldi parodiando los desarrollos musculares y las contorsiones físicas de Miguel Ángel e inventando, en un espíritu a medio camino entre la adoración al héroe y la parodia, gestos complicados que no guardan relación con el tema. cuestión de sus fotos. Sus obras no deben ser ignoradas en una historia que apunta a una cierta medida de objetividad. Cuando enfocado en arte de retrato Bronzino (1503-1572) arroja algo de la absurda histriónica de sus religiosos pintura al fresco . Sus retratos son duros, y carecen principalmente de humanidad, pero tienen una buena dignidad y solo traicionan la influencia de Miguel Ángel en una leve inquietud en las manos y una altivez artificial en el giro de una cabeza o la boca. El Parmigianino consumado, pero demasiado ansioso (1503-40) casi logra convencernos de su sinceridad cuando alarga con orgullo sus figuras, pero se ve tristemente vacío cuando se encuentra junto a El Greco (1541-1614), el mejor manierista de los Pintura española escuela: quienes usaron los mismos alargamientos una generación después y los convirtieron en símbolos de éxtasis.
En Venecia, la situación no era tan desesperada. Tiziano , a su muerte, ciertamente no había dicho la última palabra en el campo que había comenzado a explorar. Incluso a fines del siglo XIX, Renoir todavía estaba construyendo sobre los cimientos que él había establecido hacia el final de su vida. Y Tintoretto había insinuado un nuevo dinamismo que Rubens debía utilizar, y un nuevo mundo de luz que Rembrandt debía explotar. De hecho, algunos historiadores del arte son reacios a aplicar el término ’manierista’ a Pintura veneciana de finales del siglo XVI. Tintoretto, en particular, efectuó, por el poder de su propio genio, una transición natural entre venecianos. Pintura del alto renacimiento y el de pleno derecho Pintura barroca del siglo XVII. (Ver también Arte renacentista en Venecia .)
Estilo manierista
Sin embargo, sería un error considerar a los manieristas, que llenaron Italia a fines de los tres cuartos del siglo XVI con sus pinturas inquietas, como impotentes y estériles. El hecho mismo de que uno no pueda mirar sus imágenes sin ser muy consciente de su inquietud es una prueba de que habían creado algo nuevo y habían aprovechado una veta de emociones humanas hasta ahora desconocida. Los describí como hombres atrapados en un callejón sin salida y, por lo tanto, privados de la plena libertad de movimiento de la que habían disfrutado sus predecesores. Pero el movimiento restringido, como el de un animal enjaulado, tiene su propia fascinación, y los historiadores del arte de hoy en día se están volviendo cada vez más sensibles a él. El manierismo no puede explicarse simplemente diciendo que un conjunto de artistas menores habían elegido exagerar los trucos estilísticos de sus predecesores. En todas partes, excepto en Venecia, había surgido una nueva situación política. Los tribunales pequeños y altamente civilizados gobernados por familias que habían perdido gran parte de su poder político pero ninguno de su arrogancia intelectual, imponían su voluntad a los artistas que los servían. Uno puede imaginar un Parmigianino en Roma y Parma – ver Escuela Parma – o un Tibaldi en Bolonia, respondiendo a la sofisticada preciosidad de tal atmósfera y reproduciendo su equivalente exacto en términos formales, mientras que en el aire más amplio de Venecia, la grandeza salvaje de Tintoretto y la suave urbanidad de Paolo Veronese no mostraron signos de la mancha.
Fue un momento de la historia que no se pudo prolongar, y fue hacia el final, en el último cuarto del siglo XVI, cuando toda la tradición de Arte renacentista parecía en peligro de romperse, que la llegada de una nueva personalidad lo suficientemente valiente como para abandonar la antigua meseta del Alto Renacimiento y abordar un ascenso completamente nuevo, alteró la tez del arte italiano y luego la actitud de muchos Artistas barrocos italianos .
Caravaggio rechaza la belleza en favor de la verdad
Caravaggio (1571-1610) no era un adorador de héroes ni un parodista. Su llegada fue aún más inesperada que la de Correggio y su influencia más inmediata y más revolucionaria. A lo largo del largo viaje de Masaccio a Tiziano, el historia del Arte había sido guiado por una serie de principios, a veces seguidos instintivamente, en ocasiones expresados conscientemente como en los escritos de Alberti y Leonardo. los arte de la pintura , se acordó, consistía en reproducir la apariencia de la naturaleza; Alberti incluso compara la relación entre una pintura y los objetos que representa con la relación entre el reflejo en un espejo y el mundo tridimensional que se refleja en él. Pero como la "naturaleza" está llena de defectos, el artista debe hacer ajustes en interés de la "belleza". Por lo tanto, hay que hacer una reconciliación perpetua y lograr un equilibrio entre realismo y belleza. Fue Raphael quien primero alteró el equilibrio. En toda Italia central y meridional, su fórmula para la "belleza" se había vuelto tan obsesiva que Art º Estaba en peligro de convertirse en una mera búsqueda de la perfección formal y la belleza misma, hasta ahora un subproducto del deseo del artista de expresar su significado, comenzó a perecer porque se había convertido en un fin más que en un medio.
Fue, por lo tanto, un paso audaz que Caravaggio dio cuando eligió renunciar a la belleza por completo y concentrarse por completo en la verdad, la amplitud y el dominio de Tiziano en el manejo de la pintura y su concentración en el juego de la luz en las superficies eran familiares para todos los artistas. Italia para cuando Caravaggio había desarrollado su estilo maduro. Era inevitable, por lo tanto, que Caravaggio realismo Debería ser un realismo de luz. Pero mientras que el uso de la luz por parte de Tiziano había sido "poetizado" y todo su objeto, como el de sus compatriotas venecianos, había sido crear un mundo más sensualmente deseable, más ideal que el mundo de la vida cotidiana, Caravaggio utilizó su mando de claroscuro y su inmensa habilidad técnica para presentarnos el mundo tal como es, no despojado de belleza, eso habría sido seguir una política deliberadamente partidista, pero ciertamente no inseminada artificialmente por ella.
Influencia del caravagismo
La dura luz en la que se ven las figuras de Caravaggio es lo suficientemente dramática como para impresionar al espectador y hacer que incluso un gesto incómodo sea significativo. Sus personajes emergen, iluminados, de fondos oscuros descritos por el término tenebrismo . Pero lo que debe haberlo hecho parecer particularmente revolucionario para sus contemporáneos fue su elección de los personajes mismos y su énfasis en lo que el Alto Renacimiento habría llamado sus defectos físicos. Para nosotros, acostumbrados al realismo real de Velázquez, Rembrandt o Goya, esta aceptación franca de los hombres y las mujeres tal como son no es nada inquietante; pero negarse, a fines del siglo XVI, a ennoblecer o idealizar a la humanidad como lo habían hecho Tiziano y Rafael, y negarles la pausada opulencia veronesia o el heroico dinamismo tintorettesco deben haber parecido impactantes e irreverentes. Campesinos con las manos nudosas y las cejas arrugadas, pintadas con toda sinceridad, porque esa, seguramente, era la verdadera apariencia física de los hombres simples a quienes Cristo eligió como sus discípulos, o jóvenes cuya elegancia era más bien la de una moda que la de un hombre. héroe, toma el lugar de los semidioses de una generación anterior. Es una invasión democrática, un signo inevitable de los tiempos. Tan pronto como apareció en el trabajo de Caravaggio, comenzó a tener su efecto inevitable en la próxima generación de artistas. Cuadros tenebristas llenos de figuras de un realismo incómodo, hacen su aparición no solo en Italia sino también en España y en el norte de Europa. Velázquez mismo debía caer temporalmente bajo el hechizo de Caravagismo . Incluso Rubens, aunque por naturaleza era un pintor de exuberancia y resplandor, se sintió momentáneamente atraído por el oscuro drama caravaggiano. Pero estas referencias inevitables, en un relato de la pintura de finales del siglo XVI, a la influencia de Caravaggio en los artistas del siglo XVII, muestran que Caravaggio, que a sus contemporáneos les parecía un rebelde, era en realidad un profeta.
Vea a continuación una lista alfabética de Viejos maestros y otros artistas del movimiento del manierismo.
Adriaen de Vries (1560-1626) escultor holandés
Alessi, Galeazzo (1512-72) Arquitecto
Allori, Alessandro (1535-1607) Pintor
Ammanati, Bartolommeo (1511-1592) Escultor
Anguissola, Lucia (1540-1565) Pintor
Anguissola, Sofonisba (1532-1625) Pintor
Arcimboldo, Giuseppe (1530-1593) pintor
Aspertini, Amico (1474-1552) Pintor
Bandinelli, Baccio (1493-1560) escultor
Barocci, Federico (1526-1612) Pintor
Bassano, Francesco (1549-1592) Pintor
Bassano, Jacopo (1515-1592) pintor
Bassano, Leandro (1557-1622) Pintor
Becerra, Gaspar (1520-1570), pintor / escultor español
Bedoli, Girolamo Mazzola (1500-1569) Pintor
Berruguete, Alonso (1488-1561) escultor / arquitecto español
Bronzino, Agnolo (1503-1572) Pintor
Cambiaso, Luca (1527-1585) Pintor
Campi, Vincenzo (1536-1591) Pintor
Caravaggio (1571-1610), pintor italiano. Ver también Caravaggio en Nápoles
Caron, Antoine (1520-1598), pintor francés
Carracci, Annibale (1560-1609) pintor
Cattaneo, Danese (1509-1573) Escultor
Cellini, Benvenuto (1500-1571) Escultor / Orfebre
Cioli, Valerio (1529-1599) Escultor
Clouet, Francois (1510-1572), pintor francés
Cornelis van Dalem (1530-1573), pintor holandés
Daniele da Volterra (1509-1566) Pintor / Escultor
Danti, Vincenzo (1530-1576) Escultor
Diego de Siloe (1495-1563 escultor / arquitecto español
Dumonstier, Pierre (1545-1625), pintor francés
El Greco (1541-1614) pintor griego / español
Farinati, Paolo (1524-1606) Pintor
Figino, Giovanni Ambrogio (1551-1608) Pintor
Fiorentino, Rosso (1494-1540) pintor
Francavilla, Pietro (1548-1615) Escultor
Gerhard, Hubert (1540-1620 escultor holandés
Ghisi, Giorgio (1520-1582) Grabador
Giacomo della Porta (1533-1602) Arquitecto
Giambologna (1529-1608) flamenco / escultor
Giovane, Palma (1548-1628) Pintor
Goujon, Jean (1510-1568) escultor francés
Hans Speckaert (fallecido en 1577) Pintor flamenco
Hans von Aachen (1552-1615), pintor alemán
Jan Sanders van Hemessen (1500-1566) Pintor holandés
Juan de Juni (1507-1577) tallador de madera francés / español
Karel van Mander (1548-1606), escritor / pintor holandés
Leoni, Leone (1509-1590) Escultor
Leoni, Pompeo (1533-1608) Escultor
Ligorio, Pirro (1510-83) Arquitecto
Ligozzi, Jacopo (1547-1627) Pintor
Lomazzo, Giovan Paolo (1538-1600) Pintor
Luis de Morales (1520-1586), pintor español
Martín de Vos (1532-1603) Pintor flamenco
Miguel Ángel (1475-1564) Pintor / escultor
Moroni, Giovanni Battista (1520-1578)
Niccolo dell’Abbate (1512-1571) Pintor
Nosadella, Il (1549-1571) Pintor
Otto van Veen (1556-1629 pintor flamenco
Palladio, Andrea (1508-80) uno de los mejores arquitectos de la época
Parmigianino (1503-1540) Pintor, grabador
Passerotti, Bartolomeo (1529-1592) Pintor
Perino del Vaga (1501-1547) Pintor
Peter de Witte (1548-1628), pintor holandés
Pilon, Germain (1529-1590) escultor renacentista francés
Polidoro da Caravaggio (1500-1543) Pintor
Pontormo, Jacopo (1494-1556) pintor
Porta, Giuseppe (1520-1575) Pintor
Prieur, Barthelemy (1536-1611) escultor manierista francés
Primaticcio, Francesco (1504-1570) Pintor / Escultor
Romano, Giulio (1499-1546) pintor
Roncalli, Cristoforo (1552-1626) Pintor
Salviati, Francesco (1510-1563) Pintor
Sansovino, Jacopo (1486-1570) Escultor / Arquitecto
Scamozzi, Vincenzo (1548-1616) Arquitecto
Schiavone, Andrea (1500-1563) Pintor
Scultori, Diana (1547-1612) Grabador
Spranger, Bartholomeus (1546-1611), pintor flamenco
Sustris, Lambert (1510-1560), pintor holandés
Tibaldi, Pellegrino (1527-1596) Pintor
Tintoretto (1518-1594) pintor
Tribolo, Niccolo (1500-1550 Escultor
Vasari, Giorgio (1511-1574) Pintor, historiador del arte
Veronese, Paolo (1528-1588) pintor
Vignola (1507-1573) arquitecto; ver: Arquitectura renacentista
Vittoria, Alessandro (1525-1608) Escultor
Zuccaro, Federico (1542-1609) Pintor
Zuccaro, Taddeo (1529-1566) Pintor
Zucchi, Jacopo (1540-1596) Pintor
Grandes pinturas del estilo manierista
Las características de Pintura manierista están bien ilustrados por la siguiente selección de pinturas.
Giuseppe Arcimboldo (1527-93)
Invierno (1573) Louvre, París.
El emperador Rudolf II como Vertumnus (1591) Skoklosters Slott, Suecia.
Hans Baldung Grien (1484-1545)
Coronación del retablo de la Virgen (1512-16) Frieburg im Breisgau.
Las tres edades del hombre con muerte (c.1540) Prado, Madrid.
Jacopo Bassano (1517-92)
La Última Cena (1547) Galleria Borghese, Roma.
Agnolo Bronzino (1503-72)
Retrato de Lucrezia Panciatichi (1540) Uffizi, Florencia.
Annibale Carracci (1560-1609)
Frescos de la galería Farnese (1597-1608) Roma.
El Greco (1541-1614)
El entierro del conde Orgaz (1586-88) Iglesia de Santo Tomé, Toledo, España.
El desnudo de Cristo (1577) Catedral de Toledo.
Vista de Toledo (1595-1600) Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Cristo expulsando a los comerciantes del templo (1600) National Gallery, Londres.
Retrato de un cardenal (1600) Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Retrato de Fray Felix Hortensio Paravicino (c.1605) MFA, Boston.
Miguel Ángel (1475-1564)
Juicio Final Fresco (1535-41) Capilla Sixtina, Vaticano.
Parmigianino (1503-40)
Virgen del cuello largo (1535) Uffizi, Florencia.
Jacopo Pontormo (1494-1556)
Cosimo de ’Medici Il Vecchio (1518-19) Uffizi, Florencia.
Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-1594)
Adán y Eva (1550) Gallerie dell’Accademia, Venecia.
La Crucifixión (1565) Scuola Grande di San Rocco, Venecia.
Natividad (1579-81) Scuola Grande di San Rocco, Venecia.
La Última Cena (1592-4) San Giorgio Maggiore, Venecia.
Giorgio Vasari (1511-1574)
La boda de Esther y Asuero (1548) Museo del Estado, Arezzo.
Paolo Veronese (1528-88)
Fiesta de bodas en Cana (1563) Louvre, París.
Fiesta en la casa de Levi (1573) Galería de la Academia, Venecia.
Caravaggio (1571-1610)
Cena en Emaús (1601) Galería Nacional, Londres.
La conversión de San Pablo (1601) Iglesia de Santa María del Popolo.
La muerte de la Virgen (1602) Louvre.
Dudando Thomas (1602-3) Sanssouci, Potsdam.
La negación de San Pedro (1610) Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
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