Artistas manieristas del siglo XVI Traductor traducir

El manierismo (de «maniera», que significa simplemente estilo o elegancia) fue principalmente una reacción a la estética excesivamente idealista y a los logros excesivos del Alto Renacimiento . También reflejaba la agitación política del Cinquecento (siglo XVI). Así, por ejemplo, el estilo dramático y amotinado del fresco «El Juicio Final» de Miguel Ángel en la pared de la Capilla Sixtina (1535-41) de Roma transmitía la angustia del saqueo de la ciudad por un ejército mercenario alemán en 1527. La escultura de Giambologna, dramática y emotiva, también encaja perfectamente con el ambiente de la época.

Después del Alto Renacimiento

La comparación del Alto Renacimiento con la llegada a una alta meseta, cuyo clima es más favorable que el de la ladera de la montaña que conduce a ella, es cierta hasta cierto punto; al igual que es cierto que continuar más allá de esta codiciada cumbre implica un descenso inevitable. (Para más información sobre el Alto Renacimiento, véase «Arte renacentista en Roma»)

Por supuesto, los artistas de segunda fila -hombres lo bastante sensibles como para continuar la gran tradición de sus predecesores, pero no lo bastante creativos como para complementarla o para ver el mundo a través de sus ojos- siempre han existido e inevitablemente producirán cuadros dignos, eruditos, competentes, pero, en virtud de su desafortunada posición en la pendiente, carentes de interés.

Tal escuela de artistas surgió en la escuela de Fontainebleau en Francia (1530-1610) y en la escuela boloñesa (c. 1590-1625), cuyo centro fue la Accademia degli Incamminati, fundada por los hermanos Carracci en Bolonia. Su inspiración era Rafael, pero Rafael, suavizado por la sensualidad de Correggio y el resplandor de Tiziano .

Carracci tuvo seguidores, entre los cuales el más hábil fue Domenichino (1581-1641), y el más famoso en su época fue Guido Reni (1575-1642). Fueron prolíficos, pero (posiblemente) no aportaron nada a los logros creativos de su época.

Así pues, en el momento del clímax, cuando se ha alcanzado una cima elevada, sólo hay dos caminos posibles si se necesita reponer el logro. Los artistas pueden seguir admirando e imitando a sus predecesores, aunque necesariamente exagerándolos y caricaturizándolos, y convirtiendo así lo que una vez fue sincero en un conjunto de manierismos. O pueden iniciar un nuevo viaje en un nuevo país, escalar una nueva montaña y aspirar a una nueva cumbre.

En el siglo XVI, en diferentes partes de Italia, podemos rastrear ambos movimientos. El primero, el manierismo, estaba destinado a llegar a su fin en virtud de su agotamiento. El segundo, el Barroco, era capaz de un nuevo crecimiento, y continuó desarrollándose y floreciendo a lo largo del siglo siguiente, no sólo en Italia sino en muchos países de Europa. Las dos tendencias, por supuesto, se fusionaron y solaparon, pero en aras de la simplicidad -y para advertir al lector de que simplificar suele significar simplificar en exceso- conviene separarlas.

Manierismo

En Toscana, el Manierismo implicó el culto a los héroes y no pudo evitar extenderse a la sombra de gigantes como Miguel Ángel y Rafael, cuyos logros fueron tan elevados que llegaron a bloquear su propio progreso.

Es sorprendente y divertido ver cómo Pontormo, Vasari, Bronzino y Tibaldi parodian el desarrollo muscular y las curvas físicas de Miguel Ángel, inventando con un espíritu cercano al culto al héroe y a la parodia, elaborados gestos que nada tienen que ver con el tema de sus cuadros. Su trabajo no debe ser ignorado en una historia que se esfuerza por alcanzar un cierto grado de objetividad.

Si nos centramos en el retrato, Bronzino (1503-1572) sí escapa al absurdo histrionismo de su pintura religiosa al fresco . Sus retratos son pesados, desprovistos de humanidad, pero hay en ellos una sutil dignidad, y la influencia de Miguel Ángel sólo se manifiesta en la ligera inquietud de las manos y la arrogancia artificial en el giro de la cabeza o la forma de la boca. El experimentado pero demasiado nervioso Parmigianino (1503-1540) casi logra convencernos de su sinceridad cuando alarga con orgullo sus figuras, pero parece tristemente hueco cuando se le coloca al lado de El Greco (1541-1614), el mayor manierista de la escuela de pintura española, que utilizó las mismas elongaciones una generación más tarde y las convirtió en símbolos de éxtasis.

En Venecia la situación no era tan desesperada. Tiziano a su muerte no había dicho ciertamente la última palabra en el campo que había empezado a explorar. Incluso a finales del siglo XIX, Renoir siguió construyendo sobre los cimientos que había sentado al final de su vida. Y Tintoretto insinuó el nuevo dinamismo que Rubens iba a utilizar y el nuevo mundo de la luz que Rembrandt iba a explotar.

Algunos historiadores del arte son reacios a aplicar el término manierismo «» a la pintura veneciana de finales del siglo XVI . Tintoretto, en particular, realizó con la fuerza de su genio la transición natural de la pintura veneciana del Alto Renacimiento a la pintura barroca del siglo XVII. (Véase también Arte renacentista en Venecia .)

Estilo manierista

Sería un error, sin embargo, considerar impotentes y estériles a los manieristas, que llenaron Italia a finales de las tres cuartas partes del siglo XVI con sus pinturas inquietas. El mero hecho de que sea imposible contemplar sus cuadros sin tener una aguda sensación de su inquietud demuestra que crearon algo nuevo, que tocaron una veta hasta entonces desconocida de la emoción humana. Se les puede describir como personas atrapadas en un callejón sin salida, y por lo tanto privadas de la total libertad de movimiento de la que disfrutaban sus predecesores. Pero el movimiento restringido, como el de un animal enjaulado, tiene su encanto, y los historiadores del arte de hoy son cada vez más sensibles a él.

El manierismo no puede explicarse simplemente por el hecho de que un grupo de artistas menores decidiera exagerar los recursos estilísticos de sus predecesores. En todas partes, excepto en Venecia, había surgido una nueva situación política. Pequeñas cortes muy civilizadas, gobernadas por familias que habían perdido gran parte de su poder político pero no habían perdido su arrogancia intelectual, imponían su voluntad a los artistas que les servían.

Se puede imaginar Parmigianino en Roma y Parma - cf. Escuela de Parma - o Tibaldi en Bolonia respondiendo a la exquisita preciosidad de tal atmósfera y reproduciendo su equivalente exacto en términos formales, mientras que en el aire más denso de Venecia la grandeza salvaje de Tintoretto y la suave urbanidad de Paolo Veronese no mostraban ningún signo de esta influencia.

Este fue un momento histórico que no podía prolongarse, y fue hacia su final, en el último cuarto del siglo XVI, cuando toda la tradición del arte renacentista, parecía a punto de derrumbarse, cuando la aparición de una nueva personalidad, que se atrevió a abandonar la vieja meseta del Alto Renacimiento e iniciar un ascenso totalmente nuevo, cambió el color del arte italiano, y posteriormente la actitud de muchos artistas del Barroco italiano .

Caravaggio rechaza la belleza en favor de la verdad

Caravaggio (1571-1610) no fue ni adorador de héroes ni parodista. Su aparición fue aún más inesperada que la de Correggio, y su influencia más inmediata y revolucionaria. A lo largo del largo viaje que va de Mazaccio a Tiziano , la historia del arte se ha guiado por una serie de principios, a veces instintivamente, a veces formulados conscientemente, como en los escritos de Alberti y Leonardo.

Generalmente se cree que el arte de la pintura consiste en reproducir la apariencia de la naturaleza; Alberti incluso compara la relación entre una pintura y los objetos representados en ella con la relación entre el reflejo en un espejo y el mundo tridimensional reflejado en él. Pero como «la naturaleza» está llena de imperfecciones, el artista debe hacer ajustes en aras de «la belleza». Así pues, existe una eterna reconciliación y equilibrio entre realismo y belleza.

Fue Rafael el primero en romper este equilibrio. En toda Italia central y meridional, su fórmula «de la belleza» llegó a ser tan obsesiva que el arte corrió el peligro de convertirse en una búsqueda de la perfección formal, y la belleza misma, hasta entonces un subproducto del esfuerzo del artista por expresar su significado, empezó a perecer al convertirse en un fin más que en un medio.

Por ello, Caravaggio se atrevió a abandonar la belleza para concentrarse en la verdad. En la época en que Caravaggio había desarrollado su estilo maduro, la amplitud y la habilidad de Tiziano con la pintura, su concentración en el juego de la luz sobre una superficie, eran conocidas por todos los artistas de Italia. Por tanto, era inevitable que el realismo de Caravaggio fuera un realismo de la luz. Pero mientras que en Tiziano el uso de la luz estaba «poetizado», y todo su objetivo, como el de sus compatriotas venecianos, era crear un mundo más sensualmente deseable, más ideal que el mundo de la vida cotidiana, Caravaggio se sirvió de su dominio del claroscuro y de su inmensa habilidad técnica para presentarnos el mundo tal como es, no desprovisto de belleza -eso significaría seguir una política deliberadamente tendenciosa- pero tampoco artificialmente impuesta por ella.

Influencia del caravaggismo

La dura luz en la que aparecen las figuras de Caravaggio es lo suficientemente dramática como para impresionar al espectador y dar sentido incluso a un gesto torpe. Sus personajes aparecen, mal iluminados, sobre fondos oscuros, etiquetados con el término tenebrismo . Pero lo que debió de parecer especialmente revolucionario a sus contemporáneos fue la elección de los propios personajes y el énfasis en lo que el Alto Renacimiento habría llamado sus defectos físicos.

Para nosotros, acostumbrados al realismo realista de Velázquez, Rembrandt o Goya, esta franca aceptación de los hombres y mujeres tal como son no es perturbadora; pero la negativa de finales del siglo XVI a ennoblecer o idealizar a la humanidad como hicieron Tiziano y Rafael, el rechazo de la ociosa opulencia veronesa o del dinamismo heroico de Tintoretta debió parecer chocante e irreverente.

Los semidioses de la generación anterior son sustituidos por campesinos de manos nudosas y cejas arrugadas - dibujadas con toda sinceridad, pues ése era el verdadero aspecto de la gente común a la que Cristo eligió como discípulos - o por un joven cuya elegancia se asemeja más a la de un modelo que a la de un héroe. Es una invasión democrática, un signo inevitable de los tiempos. Apenas se manifestó en la obra de Caravaggio, comenzó a ejercer su inevitable influencia en la siguiente generación de artistas.

Los cuadros tenebristas, llenos de figuras de incómodo realismo, aparecen no sólo en Italia, sino también en España y el norte de Europa. El propio Velázquez cayó durante un tiempo bajo la influencia del caravaggismo . Incluso Rubens, siendo por naturaleza un pintor opulento y radiante, se dejó llevar por un momento por el sombrío drama caravaggiesco. Pero estas referencias inevitables en un relato sobre la pintura de finales del siglo XVI a la influencia de Caravaggio en los artistas del siglo XVII demuestran que Caravaggio, que parecía un rebelde a sus contemporáneos, era en realidad un profeta.

Para una lista alfabética de los Maestros Antiguos y otros artistas del movimiento manierista, véase más adelante.

Adrian de Vries (1560-1626) Escultor holandés
Alessi, Galeazzo (1512-1572) Arquitecto
Allori, Alessandro (1535-1607) Pintor
Ammanati, Bartolommeo (1511-1592) Escultor
Anguissola, Lucia (1540-1565) Pintora
Anguissola, Sofonisba (1532-1625) Pintora
Arcimboldo, Giuseppe (1530-1593) Pintor
Aspertini, Amico (1474-1552) Pintor
Bandinelli, Baccio (1493-1560) Escultor
Barocci, Federico (1526-1612) Pintor
Bassano, Francesco (1549-1592) Pintor
Bassano, Jacopo (1515-1592) Pintor
Bassano, Leandro (1557-1622) Pintor
Becerra, Gaspar (1520-1570) Pintor/escultor español
Bedoli, Girolamo Mazzola (1500-1569) Pintor
Berruguete, Alonso (1488-1561) Escultor/arquitecto español
Bronzino, Agnolo (1503-1572) Pintor
Cambiaso, Luca (1527-1585) Pintor
Campi, Vincenzo (1536-1591) Pintor
Caravaggio (1571-1610) Pintor italiano. Véase también Caravaggio en Nápoles
Caron, Antoine (1520-1598) Pintor francés
Carracci, Annibale (1560-1609) Pintor
Cattaneo, Danese (1509-1573) Escultor
Cellini, Benvenuto (1500-1571) Escultor/orfebre
Cioli, Valerio (1529-1599) Escultor
Clouet, François (1510-1572) Pintor francés
Cornelis van Dalem (1530-1573) Pintor holandés
Daniele da Volterra (1509-1566) Pintor/escultor
Danti, Vincenzo (1530-1576) Escultor
Diego de Siloe (1495-1563) Escultor/arquitecto español
Dumonstier, Pierre (1545-1625) Pintor francés
El Greco (1541-1614) Pintor griego/español
Farinati, Paolo (1524-1606) Pintor
Figino, Giovanni Ambrogio (1551-1608) Pintor
Fiorentino, Rosso (1494-1540) Pintor
Francavilla, Pietro (1548-1615) Escultor
Gerhard, Hubert (1540-1620) Escultor holandés
Gisi, Giorgio (1520-1582) Grabador
Giacomo della Porta (1533-1602) Arquitecto
Giambologna (1529-1608) Escultor flamenco
Giovane, Palma (1548-1628) Pintor
Goujon, Jean (1510-1568) Escultor francés
Hans Spekaert (m. 1577) pintor flamenco
Hans von Achen (1552-1615) pintor alemán
Jan Sanders van Hemessen (1500- 1566) pintor holandés
Juan de Juni (1507-1577) escultor de madera francés/español
Karel van Mander (1548-1606) escritor/artista holandés
Leoni, Leone (1509-1590) Escultor
Leoni, Pompeo (1533-1608) Escultor
Ligorio, Pirro (1510-1583) Arquitecto
Ligozzi, Jacopo (1547-1627) Pintor
Lomazzo, Giovan Paolo (1538-1600) Pintor
Luis de Morales (1520-1586) Pintor español
Martin de Vos (1532-1603) Pintor flamenco
Miguel Ángel (1475-1564) Pintor/escultor
Moroni, Giovanni Battista (1520-1578)
Niccolò dell’Abbate (1512-1571) Pintor
Nosadella, Il (1549-1571) Pintor
Otto van Veen (1556-1629) Pintor flamenco
Palladio, Andrea (1508-1580) uno de los más grandes arquitectos de la época
Parmigianino (1503-1540) Pintor, grabador
Passerotti, Bartolomeo (1529-1592) pintor
Perino del Vaga (1501-1547) pintor
Pieter de Witte (1548-1628) pintor holandés
Pilon, Germain (1529-1590) escultor renacentista francés
Polidoro da Caravaggio (1500-1543) pintor
Pontormo, Jacopo (1494-1556) pintor
Porta, Giuseppe (1520-1575) pintor
Prière, Barthelemy (1536-1611) escultor manierista francés
Primaticcio, Francesco (1504-1570) pintor/escultor
Romano, Giulio (1499-1546) pintor
Roncalli, Cristoforo (1552-1626) pintor
Salviati, Francesco (1510-1563) pintor
Sansovino, Jacopo (1486-1570) escultor/arquitecto
Scamozzi, Vincenzo (1548-1616) Arquitecto
Schiavone, Andrea (1500-1563) Pintor
Scultori, Diana (1547-1612) Grabadora
Spranger, Bartholomeus (1546-1611) Pintor flamenco
Sustris, Lambert (1510-1560) Pintor holandés
Tibaldi, Pellegrino (1527-1596) Pintor
Tintoretto (1518-1594) Pintor
Tribolo, Niccolo (1500-1550) Escultor
Vasari, Giorgio (1511-1574) Pintor, historiador del arte
Veronese, Paolo (1528-1588) Pintor
Vignola (1507-1573) Arquitecto; cf: Arquitectura renacentista
Vittoria, Alessandro (1525-1608) Escultor
Zuccaro, Federico (1542-1609) Pintor
Zuccaro, Taddeo (1529-1566) Pintor
Zucchi, Jacopo (1540-1596) Pintor

Grandes cuadros del estilo manierista

Las peculiaridades de la pintura manierista quedan bien ilustradas por la siguiente selección de cuadros.

Giuseppe Arcimboldo (1527-1593)
Invierno (1573) Louvre, París.
El emperador Rodolfo II como Vertumnus (1591) Skoklosters Slott, Suecia.

Hans Baldung Grien (1484-1545)
Retablo «Coronación de la Virgen» (1512-16) Friburgo de Brisgovia.
«Tres edades del hombre con la muerte» (c. 1540) Prado, Madrid.

Jacopo Bassano (1517-1592)
La Última Cena (1547) Galleria Borghese, Roma.

Agnolo Bronzino (1503-1572)
Retrato de Lucrezia Panziatichi (1540) Uffizi, Florencia.

Annibale Carracci (1560-1609)
Frescos de la Galleria Farnese (1597-1608) Roma.

El Greco (1541-1614)
Entierro del Conde de Orgaz (1586-88) Iglesia de Santo Tomé, Toledo, España.
Desnudez de Cristo (1577) Catedral de Toledo.
Vista de Toledo (1595-1600) Metropolitan Museum of Art, Nueva York.
Cristo expulsando a los mercaderes del templo (1600) National Gallery, Londres.
Retrato de un cardenal (1600) Metropolitan Museum of Art, Nueva York.
Retrato de Fra Felix Hortensio Paravicino (c. 1605) MFA, Boston.

Miguel Ángel (1475-1564)
Fresco «Juicio Final» (1535-41) Capilla Sixtina, Vaticano.

Parmigianino (1503-1540)
Virgen de cuello largo (1535) Uffizi, Florencia.

Jacopo Pontormo (1494-1556)
Cosimo de’ Medici Il Vecchio (1518-19) Uffizi, Florencia.

Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-1594)
Adán y Eva (1550) Galleria dell’Accademia, Venecia.
Crucifixión (1565) Scuola Grande di San Rocco, Venecia.
Natividad (1579-81) Scuola Grande di San Rocco, Venecia.
Última Cena (1592-4) San Giorgio Maggiore, Venecia.

Giorgio Vasari (1511-1574)
Las Bodas de Esther y Ahazuerus (1548) Museo Estatal, Arezzo.

Paolo Veronese (1528-1588)
Las Bodas de Caná (1563) Louvre, París.
Festín en casa de Leví (1573) Galleria dell’Accademia, Venecia.

Caravaggio (1571-1610)
Cena en Emaús (1601) National Gallery, Londres.
Conversión de San Pablo (1601) Iglesia de Santa Maria del Popolo.
Muerte de la Virgen (1602) Louvre.
Tomás el Dudoso (1602-3) Sanssouci, Potsdam.
La Renuncia de San Pedro (1610) Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

ARTE DEL RENACIMIENTO
Para más detalles sobre pintores y escultores de los siglos XIV y XV, véase:
Artistas proto-renacentistas (1300-1400)
Artistas del Renacimiento temprano (1400-1490)
Artistas del Alto Renacimiento (1490-1530)